BATERIA&PERCUSION M A G A Z I N E Núm 14 SEPTIEMBRE-OCTUBRE 2013

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editorial#14 Cuando hablamos de alguien como Steve Gadd de inmediato nos viene

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a la mente la palabra groove, es muy probablemente uno de los bateristas que mejor sabe arquitecturar un ritmo, apoyar una canción para que camine. En la entrevista que publicamos en este número nos va a comentar detalles en ese sentido, además de cómo es su vida actualmente, un hombre sencillo y familiar, uno de los top.

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“Nuestros colaboradores nos ofrecen sus reflexiones sobre distintas áreas del mundo profesional de la batería y la percusión”

Manu Reyes Jr. e Iván Taca dos nacionales de primer nivel, cada uno en su onda, le acompañan. Juan Carlos Melián nos habla de la configuración y elementos de su kit de percusión. Nuestros colaboradores nos ofrecen sus reflexiones sobre distintas áreas del mundo profesional de la batería y la percusión, todo un compendio de sabiduría de la mano de Pepe Cantó, Manolo Cascales y Coki Giménez, un trío de ases.

Las secciones habituales completan un número que ponemos a vuestra disposición y esperamos os entretenga un rato en este comienzo del nuevo curso que se inicia, como siempre con nuevos proyectos ilusionadores que esperamos se cumplan para todos No quiero despedirme sin antes recomendaros visitar las webs de nuestros anunciantes, siempre tienen propuestas interesantes que ofrecer. Gracias por estar ahí.

Steve Gadd Entrevista Iván Taca Entrevista Manu Reyes Jr. Entrevista Set Percusión de Juan Carlos Melián Review Let´s Dance Artículo de opinión de Pepe Cantó ¿Y si hacemos música? Artículo de opinión de Coki Giménez Pit Stop para baterías Luthier Entre platos anda el juego Luthier Fraseos a medida Didáctica Percusión al día Didáctica El más simple y difícil de los rudimentos Didáctica ProjectSAM Lumina Software Studio One 2 Software Dime qué escuchas/ves/estudias y te diré quién eres.

PORTADA

Steve Gadd

Pedro Mendonça

El groove perfecto

Steve Gadd es un tipo sencillo, accesible, alejado de cualquier tic de estrellato. Podríamos afirmar que es uno de los mejores y más influyentes baterías de todos los tiempos. Si algo caracteriza a Steve Gadd es posiblemente su fantástica musicalidad y su capacidad para estructurar los ritmos, su dominio del trabajo con la caja, sus ghost strokes, la escobilla…es difícil parar. Aprovechamos un workshop para hablar con él

FOTO: Pedro Mendonça

PORTADA

sidero fundamental que cada uno se encuentre con su propia forma de tocar e investigue cosas que después pueda tocar de una manera confortable. No hay que forzar las cosas, hay que dar tiempo al tiempo para que estas surjan con naturalidad.

¿Cuándo comenzaste a tocar? Empecé a tocar con tres años de edad, por mediación de un tío mío que pertenecía a una banda del ejército. Mis padres a pesar de no ser músicos, también estuvieron muy asociados a mi entrada en el mundo de la música, siempre me dieron mucho apoyo y me proporcionaron experiencias fascinantes en clubes de jazz de Nueva Orleans. Sin duda esta atmósfera fue para mi una gran inspiración y motivación. Al principio tocaba mucho encima de los discos para interiorizar el trabajo de los bateristas que admiraba. En el fondo me doy cuenta de que estaba tratando de copiar el estilo de los bateristas que me gustaban y fui adaptando todos esos estilos a una forma propia que me fuera confortable para tocar.

“Siempre me ha gustado es el jazz clásico de Nueva Orleans, esa es mi gran fuente de inspiración.” Con una discografía tan extensa como la tuya tanto en número como en estilos musicales ¿Te sientes un músico global o tienes tus preferencias? Me gustan muchos estilos de música tanto como músico como oyente. Para mi resulta placentero analizar ritmos de otras culturas e incorporarlos a mi manera de tocar. Pero en el fondo sigo escuchando mucho a los clásicos del jazz, más allá de ello, Stevie Wonder, Ray Charles, Louis Amstrong, Nat King Cole y Frank Sinatra, así como la música afro-cubana. Más recientemente, al entrar en el área de producción paso mucho tiempo escuchando las cosas que produzco. Por otra parte he tenido la actualización de la escena musical a través de mi esposa, que siempre me muestra lo que está pasando y las novedades.

¿Cuales fueron esas primeras influencias? Lo que me gusta por encima de todo y siempre me ha gustado es el jazz clásico de Nueva Orleans, esa es mi gran fuente de inspiración. En cuanto a bateristas podría destacar a Max Roach, Louie Bellson, Tony William, Gene Krupa, Elvin Jones, Philly Joe Jones y Jack DeJohnette. En la actualidad me siento inspirado por muchos artistas. Me considero dentro de un proceso de aprendizaje constante y dedico mucho tiempo al estudio de bateristas que hacen cosas muy diferentes a las mías. ¿Qué otros factores consideras importantes para aprender a tocar la batería? A lo largo de mi vida he tenido cuatro profesores diferentes. Creo que la teoría es tan importante como la práctica y con-

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FOTO: Pedro Mendonça

Durante los 80 grabaste junto a Ringo Starr, una batería al lado de la otra ¿Qué nos puedes contar de la experiencia? Ringo viene de una escuela totalmente diferente a la tuya… Siempre es gratificante tocar junto a gente que admiras y que ha sido una influencia para ti, me encanta la forma 5

de tocar de Ringo. Probablemente cada cosa que toco es el resultado de algo que escuché tocar a alguien antes, soy yo emulando a alguien más, es la forma de aprender. Hablas mucho de tu esposa como alguien muy presente, por lo que vemos estás muy ligado a tu familia ¿Cómo te sientes ahora que tu hijo sigue tus pasos? ¡La familia es realmente lo más importante! M encanta que Duke toque la batería y que intente seguir su propio camino. ¡Yo ya anduve el mío! Todo depende de él, nunca estuvo forzado para ser baterista, nunca ejercí ningún tipo de presión sobre ello. ¿Y como lo llevas cuando estás de gira Hablo con mi esposa al menos una vez al día, a veces dos y estoy en contacto con mis hijos. Conocí a mi esposa en este negocio así que ella sabe como funciona este mundo, confiamos el uno en el otro. Al principio ella viajaba mucho conmigo pero al tener niños no pudo hacerlo, aunque a veces los hemos llevado con nosotros girando. Ahora que ellos ya son mayores podemos volver a viajar juntos. Cuando estoy en casa procuro dedicarme todo el tiempo a la familia, me gusta la vida cuando no estoy trabajando, hacer las cosas juntos, si ella va de compras la acompaño, si va al gimnasio vamos juntos. Tenemos cinco perros…vivo en una casa con un patio cerrado en Phoenix, Arizona… ¿Cuando estás de gira el gimnasio es tu forma de entrenamiento…? B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

Procuro hacer ejercicio para estar en forma, salir es importante. En gira también procuro asistir a reuniones puesto que estoy en “recuperación” y eso es lo principal, llevo 23 años en el programa y lo considero importante, esas son las cosas principales para mi, reuniones, ejercicios, hablar de casa, comer bien, descansar lo suficiente. El camino no es fácil y viajar hoy en día puede ser muy estresante, una pesadilla con los aviones etc. No quiero estar trabajando duro, luego de fiesta y cuando vuelvo a casa pasarme una semana durmiendo para recuperarme. Trabajas desde hace mucho tiempo con Zildjian, marca de platos de la que eres endorser desde hace mucho tiempo ¿Qué es lo que más te gusta de ello? Bueno ¿Sabes una cosa? Desde el primer momento siempre fue Zildjian, nunca he tocado con otra marca ni he sentido la necesidad de hacerlo. Tienen un sonido perfecto y un feeling siempre presente. Colaboré en el desarrollo de de la Serie K que además es la serie con la que habitualmente toco. A nivel batería estás con Yamaha sobre 30 años Eso es una gran fidelidad… Me propusieron ser endorser allá por los 70 y desde que visité la fábrica en aquella época quedé convencido. Siempre me he sentido muy apoyado por Yamaha, es una marca que me escucha y donde puedo contribuir con ideas para el desarrollo de la misma.

Realizas clinics, ¿Te resulta interesante esa parte de tu trabajo? Me gustan los Workshops, que los participantes hagan preguntas, estoy para ayudar pero también para aprender y eso pasa siempre por la interacción con otros músicos, así que suelen ser una buena experiencia ¿Crees que en el aprendizaje de la batería la importancia del groove está subestimada? No sabría que decirte al respecto, no sé como piensa otra gente pero para mí el groove es muy importante, tocar a tiempo y entender el groove es tan fundamental como la técnica. ¿Cuáles son tus planes para el futuro? Si todo va bien, seguir sano, seguir haciendo música y pasar algún tiempo con mi familia.

-La importancia de encontrarnos a nosotros mismos como músicos y hacer las cosas de la manera más cómoda. -Es muy importante simplificar y no querer tocar todo lo que sabemos hacer en una sola canción. -Debemos practicar el mismo diseño rítmico en diferentes piezas de la batería, para conseguir independencia y sonoridades diferentes. -Si queremos que nos llamen como músicos, debemos de trabajar para la canción y hacerlo forma estructurada, no variar las cosas en todo momento, seguir una secuencia lógica y apenas variar de compás en compás. -Al colocar un ritmo para una música no debemos hacerlo antes de sentir la música. Primero la escuchamos y la sentimos y a partir de ahí construimos el ritmo. Antes de esto no existe nada. -Cuando practicamos no debemos forzar las cosas. Si no estamos inspirados debemos parar y pensar que la inspiración puede llegar en cualquier momento y disfrutarlo. Una buena forma de buscarla es dejat fluir solos en la batería, empezando por una base simple para después ir complicándola.

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Algunas ideas

PORTADA

“Me gustan los Workshops, que los participantes hagan preguntas, estoy para ayudar pero también para aprender.”

ENTREVISTA

Asensio “Ros” Wally

Iván Taca Un baterísta con voz propia

ENTREVISTA

Iván es uno de los baterías españoles con más presencia en la escena actual. Sus trabajos con todo tipo de artistas de variados estilos musicales, así como su colaboración en el exitoso programa de tv LaVoz son en parte que incide en esa presencia. Nos apetecía charlar con él y que nos contase su trayectoria, sus planes, su enfoque al respecto de la música y como no de la batería. Esto nos contó. ¿Cuales fueron tus primeros pasos en la música? ¿Por qué la batería? La batería fue el primer instrumento que me llamo la atención y por el que comencé a sentir fijación a la edad de 15 años, recuerdo como soñaba con que me dejaran tocar una batería real los bateristas de mi pueblo en Laciana (montaña leonesa). Iba a ver tocar a todo aquel que tenía oportunidad, intentando situarme en los laterales de los escenarios, para tener el mejor campo de visión ...esto creo que nunca hay que olvidarlo, me refiero, por un lado, a la verdadera esencia del “por que” estás en la música y porque escogiste determinado instrumento. Recordar siempre que un día un niño se quedo impactado por el simple sonido de una caja o la potencia de un bombo y que ese niño aún lo eres tu….por desgracia raramente ves hoy en día en los laterales de un escenario a un niño observándote mientras tocas.

los arreglos de la música, bien sea en la composición o en un simple ensayo con una banda. También me encanta grabar en estudio y aportar ideas en el proceso de producción de un disco. En cuanto a la composición recibí la oportunidad hace 3 o 4 años de hacer música propia para interpretar en TV y así comencé a hacer temas propios y a sacar el alma de músico que todos los que estamos en esto llevamos dentro. La docencia es algo interesante, te ayuda a refrescar cosas que ya habías estudiado, te exige ponerte al día o explorar áreas nuevas que quizás desconocías y que determinado alumno te demanda y es muy gratificante cuando va dirigida a gente con inquietudes, talento o que espera de ti que le transmitas conocimiento. Cuando alguien te llama para que le des clase y no es un padre o una madre que quiere quitarse de encima a su niño, eso significa mucho...significa que te respeta, te admira, admira tu trayectoria, tu forma de tocar o tu personalidad con el instrumento y eso como mínimo se merece que te tienes que currar su clase y no enfocarlo solo como un negocio.

Tu primer bolo, ¿Cómo lo recuerdas? Lo recuerdo como una mezcla entre extrema ilusión y nervios junto a amigos de instituto y con 10-15 bpm más rápido de lo adecuado en cada canción (risas), típico de cuando empiezas. ¿Cuando decidiste dedicarte a la música profesionalmente? Con 16-17 años llegaron a mis manos algunos vídeos de bateristas profesionales que hablaban de “su carrera”, entonces yo me sorprendí y me pregunté: ¡Ah! ¿Pero esto es una carrera? ¿Hay gente que se dedica a esto? Entonces decidí que quería que esa fuese mi carrera, no me interesaba otra cosa, con las consecuentes incomprensiones por lado paterno, la falta de apoyo y las dificultades añadidas por ser de un pueblo y tener que emigrar, con pocos recursos a León y después a Madrid a buscarte la vida. Combinas su tarea de músico de directo de sesión con la composición y la docencia, si tuvieras que elegir con que te quedarías. Bueno, me interesan varios campos dentro de la música, creo que cada faceta tiene su magia y con el tiempo descubrí que me encanta el aspecto creativo de participar en

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“Me encanta grabar en estudio y aportar ideas en el proceso de producción de un disco.” 8

ENTREVISTA

¿Es básica la versatilidad total en un músico profesional o crees que es mejor centrarse en no demasiados estilos? Sin duda el intentar ser versátil en cuanto a hablar con cierta eficiencia varios lenguajes te puede llevar a trabajar con diferentes tipos de músicos, proyectos o artistas, a parte de que te enriquece como músico. Creo que especialmente cuando empiezas es esencial “mamar” de todo un poco, por ponerte un ejemplo: recuerdo pasar centenares de días frecuentando jam sessions en clubs madrileños como el Berlín, el Junco, el Cardamomo, simplemente escuchando, viendo o intentando entender los códigos o el particular acento de determinados músicas de raíz como el flamenco, el latin y más tarde intentando mezclarte con ellos a tocar. La cuestión es siempre mantener una mentalidad abierta y tener presente que de todo el mundo puedes aprender. Por otro lado no hay que descuidar aspectos como las tecnologías, la producción musical y el intentar también emprender proyectos propios, los músicos de sesión estamos la mayoría del tiempo al servicio de los demás y no hay que olvidar que también somos artistas. ¿Qué música escuchas habitualmente? La música que escucho casi siempre va en función de los proyectos en los que ando metido, por ejemplo ahora estoy escuchando música irlandesa, francesa ...hubo un tiempo en que escuche mucha música africana al trabajar en proyectos con músicos africanos y toda la vida mamé mucha música negra afro-americana, funk, música groove, house. Ahora con Youtube la cosa es encantadoramente caótica, porque pasas de escuchar (por ponerte un ejemplo) Porcupine Tree y al minuto estas escuchando algo completamente diferente como Snarky Puppy o bandas de metal progresivo como Meshuggah y ¡Es genial!

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“Creo que todos los proyectos te aportan algo nuevo.”

Dinos tres de tus bateristas de cabecera... ¡Uf! Eso es tan difícil, ¿Sólo tres? ¿Nacionales? ¿Internacionales? Te diría mil, depende. De los clásicos grandes como Vinnie Colaiuta, por su versatilidad y por llegar a elevar este instrumento a esos niveles de ...fueron referentes o dioses para mi y me influyeron mucho. Ahora si solo me quedan otros dos no sé, voy a decir algunos más actuales y menos típicos. Reda Samba (hijo de Mokhtar Samba) porque es un exponente moderno de otro tipo de fusión diferente y para mi tan interesante como la americana, que combina elementos de la música africana y afro-francesa con lenguajes más universales como funk, jazz, rock resultando algo muy rico. Por último no sé...se me ocurre Marc Colemburg ¡Vaya! ¿No puedo decir más? ¿Por qué Marc Colemburg? Porque creo que representa junto a gente como Chris Dave, (¡ups, se me ha escapao otro!) la vanguardia y el comienzo de otra era en cuanto la evolución de este instrumento.

Has girado y grabado con artistas como Café Quijano, Tamara, Hijas del Sol, Pedro Santana, Rafa Tena, Solomones Soul Machine, Raimundo Amador, Tonky Blues Band, Pelo Madueño...Cuéntanos un poco de tu trayectoria como músico profesional, ¿Con cual crees que has crecido más? ¡Ay si sólo fueran esos! Cuando piensas en lo que uno lleva “breao” a sus espaldas, la propia espalda empieza a dolerte. Hablo como un viejo pero es que con la tontería ya llevo 20 años de “batallas” y cuando echas la vista atrás te das cuenta de que llevas mucho vivido. En la música como en cada experiencia vital, intentas quedarte con la parte buena, sin duda la mejor de ellas es conocer nuevos músicos, personas y compartir con ellas. Creo que todos los proyectos te aportan algo nuevo. Con tal paleta de estilos y diferentes tipos de banda en las que has tocado ¿Son tan diferentes unas de otras? Todos ellos tienen un nexo común, música. Tienes que estar a su servicio y procurar estar dentro del estilo y contribuir a hacerla sonar de la mejor manera. Ya habías trabajado anteriormente en programas de televisión pero nada comparable con el nivel de “La Voz”, cuéntanos tú experiencia en la banda de “La Voz”, tu entrada en la banda, que mecánica de trabajo seguías, ¡Mójate...jajaja! Tus tres favoritos... La voz fue una experiencia muy intensa, pero muy bonita, de esas que te dejan huella. Ante todo estoy orgulloso de haber formado parte de esa banda y ese equipo de trabajo. Creo que fue algo especial. Por fortuna continuamos juntándonos con frecuencia después del programa para otros proyectos o grabaciones. Recibí la llamada de Rafa 9

ENTREVISTA

Tena, responsable de toda la producción musical de la primera edición del programa, al cual le agradezco profundamente la confianza depositada en mí. El hizo la selección de la banda y creo que era crucial tener en cuenta escoger no solo a músicos y técnicos muy experimentados, si no a gente tranquila y con capacidad para saber trabajar en equipo y saber soportar semejante nivel de intensidad. Las jornadas eran más que extenuantes a veces. Sin duda defender una empresa tan grande como esta, suponía todo un reto en muchos sentidos y mucha responsabilidad, era algo nuevo para mucha gente, especialmente para la productora de TV encargada del programa en España, país donde apenas hay cultura de música en directo en TV. Iba todo a mil por hora, había gente de Holanda, Italia, responsables de la productora dueña del formato, que estaban supervisando todo desde el primer día y cuando tu veías y oías las bandas de las versiones de “The Voice” de otros países imponía un poco por el nivel. Pero desde el primer momento había plena disposición por parte de todos para sacar eso adelante a pesar de lo caótico y el poquísimo margen que te dejaban para todo, no fue nada fácil. Imagino que para la 2ª edición hayan tomado nota en cuanto a la organización. Por otro lado decir que fue importante el hecho de haber trabajado previamente con la mayoría de los músicos que tenía al lado, eso inspiraba confianza entre nosotros. Hay algo muy positivo en cuanto al programa que es la infinita cantidad de música que tienes que grabar en estudio desde el principio. Todo lo que se va a interpretar después en directo se graba previamente en estudio y sólo en la primera fase, la de las audiciones “a ciegas”, entraron casi 200 cantantes cada uno con su canción, más los discos correspondientes que se graban cada semana con los participantes que van pasando fase…con lo cual esto supuso como un “doctorado” en grabación en estudio, fueron seis B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

meses prácticamente viviendo en él. Por otro lado creo que el verdadero mérito era intentar hacer sonar la banda en tan poco tiempo como quedaba para el ensayo conjunto, que era en el mismo plató con los cantantes pasando únicamente 2 ó 3 veces cada canción. Ese era el único ensayo de la banda, por eso creo que a veces era algo “milagroso”, porque la sensación era de que sonaba todo muy engrasado y aquello para nada era una banda que ensayara ¡No quedaba tiempo! además todo se complicaba con los típicos cambios de ultima hora. ¿Mis cantantes favoritos en la primera edición? Había muchos muy buenos, no quiero citar solo tres que si no los demás se me enfadan. Tengo entendido que va a haber una próxima edición, creo que cumplisteis sobradamente, será la misma banda supongo… Nada mas terminó la primera edición las pasadas navidades se confirmo que habría segunda edición dado el éxito de audiencias. La dirección del programa quería que estuviese la misma banda, cosa que agradecemos, pero al parecer este año hacen también otra versión para niños aparte y no llegaron a acuerdos logísticos entre las dos productoras (la de TV y la musical) con lo cual no vamos a estar en esta segunda edición. Cuéntanos tus últimos proyectos como el primer álbum del acordeonista Manolo Garrido “‘Barahunda’, en el que has participado como músico y productor junto a Alexander Acanda. Nos parece muy interesante y hemos recibido buenas impresiones. Manolo Garrido es un acordeonista de mi tierra con un talento increíble.Ya hace algún tiempo que quería montar un proyecto de folk-fussion,en el que tomando como hilo conductor la trikitixa (acordeón diatónico de botones) y la magistral forma de interpretarlo de Manolo, se diera rien-

da suelta a música y arreglos originales donde se pudieran incluir elementos del afro, el rock, el jazz etc.Una vez finalizada la primera edición de La Voz nos pusimos en faena. Quise contar con Alexander Acanda bajista de la banda de La Voz, para hacer la producción musical del disco a medias, ya que aparte de grabar en decenas de discos juntos durante esos 6 meses tan intensos Alex es un músico “global”, descomunal, gran bajista, enorme arreglista y productor de muchísimos discos de todo tipo de músicas. En el disco también tuve la suerte de contar con el gran Luis Dulzaides, también compañero en la banda de La Voz, con el que nos divertimos mucho grabando percusiones. El proyecto está en marcha, fue presentado con muy buena acogida allí en mi tierra y ahora estamos moviéndolo para rodarlo y tocar todo lo que se pueda. Aquí os dejo una muestra del disco y otra del directo. ¿Qué lugar ocupa la batería/percusión en la música, en una composición? La batería y la percusión son música, contribuyen al sonido global, a la vez que tienen un poder enorme a la hora de imprimir o transmitir fuerza, peso, emoción, groove, dinámica, matices…a una parte concreta o toda una composición. Técnica y musicalidad, ¿La diferencia de ser mejor o peor músico, estriba en ser más o menos técnico, o en transmitir más o menos? ¿Que es más difícil de adquirir? Un equilibrio entre ambas es lo adecuado, una sin la otra no ayuda a la música. La técnica necesita más trabajo y disciplina. Transmitir es más sencillo siempre que tu sientas lo que interpretas, claro. Un buen batería ¿nace o se hace? Se hace, sin duda.

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ENTREVISTA

La aparición de la batería está directamente relacionada con la aparición del jazz a principios del siglo XX, ¿Crees que es conveniente estudiar un mínimo de jazz para llegar a dominar bien la batería? Creo que es bueno estudiar un poco de muchos estilos y luego decantarte por profundizar en los que más te gusten. Si tuvieras que buscar un batería para una gira ¿Qué requisitos le pedirías? Sonido, groove, responsabilidad y ser un buen compañero. ¿Sigues practicando, que rutina de estudio sigues? Estudio siempre que puedo, creo que tu instrumento es como tu “AVATAR”, y si tu le abandonas, el te abandona a ti. Me gusta grabarme cuando estudio batería, tanto en audio como en video para aprender de mi mismo. Creo que grabándote y oyéndote o viéndote “desde fuera”, te das cuenta de lo que haces mal y de lo que haces bien. También impartir clases implica estudiar. ¿Rutina? ninguna especifica, transcribir grooves, fills, tocar con música, escuchar y ver a otros bateristas y a otros músicos, sacarte cosillas de libros y métodos que tienes por ahí sin acabar etc.

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La música es un buen barómetro del nivel cultural de una sociedad, “todos” somos conscientes de como está panorama musical ahora mismo, personalmente pienso que antes que de la crisis económica y social aflorara, la música ya llevaba años en deterioro y no precisamente por falta de creatividad o buenos artistas, ¿Qué enfoque se le debería dar para salir adelante? ¿Qué cambios se deberían llevar a cabo? Creo que es un tema complejo, daría para extenderse mucho. El problema abarca muchos campos, el político-financiero, culpable de que las arcas estén vacías, la de trabas e impedimentos que aplica tanto a salas de música en vivo, bares a la hora de conceder licencias, como con las subidas de IVA.y al fin y al cabo el culpable y responsable de todo. Solución: fuera los políticos que ahogan e insultan la inteligencia de un país pretendiendo fomentar el borreguismo para manejarnos mejor. ¿Que le pides a tu instrumento? Háblanos de tus herramientas, tu kit y configuración, tus marcas… Le pido que suene a música. Colaboro con gente como Music Distribución e Iberdrum, que se han portado muy bien conmigo. Utilizo

Estudio siempre que puedo, creo que tu instrumento es como tu “AVATAR”, y si tu le abandonas, el te abandona a ti.

carretera y los escenarios con mi amigo Lugotti, saxofonista leones. Aparte, todo lo que vaya surgiendo.

baterías DW, PDP, parches Evans y platos Bosphorus, la configuración varia según el proyecto. ¿Con quién te gustaría trabajar? Con cualquier buen músico.

Algo más que nos quieras contar... Nada, agradeceros el interés y la oportunidad de poder contar algunas cosillas. Os dejo el enlace de la pagina de artista de facebook

Tus proyectos y metas más inmediatos Continuar expandiendo el proyecto con mi paisano Manolo Garrido, continuar dando clases tanto particulares como on-line…soy profesor en la escuela de música on-line de reciente fundación y volver a la 11

ENTREVISTA

Manu Reyes Jr.

Energía detrás de los tambores

Fotografías: Javier Bragado

Asensio Ros “Wally”

ENTREVISTA

Posee antecedentes bateristas familiares, no en vano es hijo de Manuel Reyes baterista de Medina Azahara por 23 años, pero tiene su voz propia. A pesar de su corta edad ya juega en ligas mayores como supone la militancia en Sôber. Con un impecable look escénico y un power innegable, Manu es uno de los bateristas de rock con mayor proyección de nuestro país. Teníamos ganas de hablar con él y que nos contara su trayectoria, su enfoque sobre la batería y la música, y aquí está. ¿Qué te dice el nombre de Medina Azahara? El nombre de Medina Azahara me dice mucho y ha sido algo muy importante y que me ha acompañado durante muchos años de mi vida, ya que mi padre fue durante muchos años el baterista de esta banda. En el pasado fue una banda a la que respeté tanto dentro como fuera de los escenarios, pero debido a acontecimientos ocurridos, hoy en día no siento ningún respeto hacia ella y hacia parte de sus componentes. ¿Te impulso directamente, por decirlo de alguna forma, tu padre a tocar la batería o fuiste tu el que lo decidió? La verdad... si pero no. Desde que nací llevo viendo a mi padre encima de un escenario y es algo que desde niño me marcó. Él siempre me dejó libertad a la hora de decidir mi futuro, pero todo lo vivido con él fue lo que me hizo tomar la decisión, decisión que recibió con mucha alegría y la cual apoyó como el que más. ¿Qué consejos y directrices recibiste B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

de tu padre a nivel musical? Durante estos años he recibido muchos consejos y directrices de él, pero siempre me hizo hincapié en lo que para él era algo muy importante, tener un buen tempo. Es algo en lo que durante estos años he trabajado mucho y sigo trabajando; y gracias a él consigo que mi forma de tocar sea más contundente y pesada. ¿Cuando decidiste dedicarte a la batería profesionalmente? Comencé a tocar la batería a la edad de 16 años pero no fue hasta los 20 años cuando decidí que realmente quería dedicarme profesionalmente a ello. Cuando empezaste a estudiar con Miguel Morales ya tenías una base supongo, ¿Tenías claro el estilo musical al que querías dedicarte?, ¿Cómo fueron tus primeros años estudio? Cuando comencé a estudiar con Miguel Morales la base que llevaba fue aprendida de modo autodidacta. Con Miguel empecé desde abajo y la verdad que era

“Desde que nací llevo viendo a mi padre encima de un escenario y es algo que desde niño me marcó.” Tu salto de Córdoba a Madrid, ¿A raíz de que? Mi salto a Madrid se debió a que entré a formar parte de una banda llamada Otra Cara. En principio iban a ser solo unos meses hasta finalizar la grabación del disco pero justamente en lo que iba a ser mi ultima semana en Madrid conocí a Carlos Escobedo y comenzó algo que para mí fue y es a día de hoy, un sueño.

lo mejor porque quería tener una buena base. Mi estilo musical favorito siempre ha sido el rock, es lo que he sentido desde pequeño y siempre ha sido lo que más me ha influenciado. Mis primeros años fueron muy intensos, ya que quería aprender lo máximo posible. Era duro por la cantidad de esfuerzo y tiempo que había que dedicarle.

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ENTREVISTA

“Mis primeros años fueron muy intensos, ya que quería aprender lo máximo posible.“

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Carlos Escobedo y te recluta para sustituir al entonces batería de Savia, José Antonio Pereira, posteriormente cuenta contigo para la vuelta a los escenarios de Sôber ¿Cómo fue tu primer contacto con Carlos? ¿Que crees que vio en ti? Mi primer contacto con Carlos Escobedo fue durante la grabación del disco de Otra Cara. Dicha grabación se realizaba en su estudio. Semanas antes coincidimos en un festival pero no llegué a conocerlo personalmente. Lo que vio en mí... ¿Mucho pelo? La verdad es que nunca he llegado a preguntar, porque yo, desde luego, venía con ganas de comerme el mundo. Pienso que mi forma de tocar, tras verme semanas antes en directo acompañando a otra banda y luego en el estudio y mis ganas fue lo que le llevó a tomar esa decisión. Que una persona como Carlos Escobedo confié en ti para un proyecto de la altura de Savia y que posteriormente lo haga con Sôber, para mi tenía un valor enorme. Estaba claro que tenía que dejarme la piel en ello. Tenía que demostrarle que su elección era la mejor y por supuesto demostrarle que podía confiar en mí. ¿Qué supuso para ti sustituir a baterías de la talla de José A. Pereira y del desafortunadamente desaparecido Alberto Madrid? La verdad que supuso un reto bastante difícil. Entrar en una banda sabiendo que los temas que te tienes que aprender estaban tocados por estos dos grandes bateristas era algo muy difícil Me sentía

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con muchísima presión, sobre todo por los temas de Alberto Madrid. En ningún momento quise ser más, ni menos que él, siempre fui muy fan de Alberto Madrid y de su trabajo y por eso quise respetar al máximo las baterías de sus grabaciones. Ha sido un referente para mí, y verme en su asiento era y es muchísima responsabilidad. Sabía que todos los ojos iban a estar puestos en mí.

“A Carlos Escobedo tenía que demostrarle que su elección era la mejor y por supuesto demostrarle que podía confiar en mí.”

Tenías 9 años cuando Sôber empezaron, si no me equivoco eras fan, ¿Qué te fascinaba de ellos y como describirías ahora su música tu que has estado en los ambos lados del proyecto? Siempre he sido y sigo siendo muy fan de Sôber. El disco por el que los conocí fue Paradysso. A raíz de ahí fui conociendo sus anteriores trabajos que me engancharon de la misma forma. Lo que más me llamó la atención era su sonido ¡Nunca en España había escuchado algo así, con esa energía y esa fuerza!. Tengo la suerte de vivir su música desde ambos lados y de esa forma la disfruto aún más todavía. En alguna entrevista Sôber han comentado “Manu ha sabido estar a la altura, es uno más de nosotros” ¿Qué crees que puedes aportar a el grupo? Está claro que lo que menos tenía en ese momento era experiencia en comparación a ellos. Mi paso a Sôber fue muy rápido, aún no había asimilado el formar parte de Savia y cuando me estaba haciendo a la idea llega la oportunidad de formar parte de Sôber. Pienso que mi edad, mis ganas de trabajar y la ilusión que tenía era

La grabación de Superbia era otro gran reto que formaba parte de entrar en Sôber. La banda no sacaba disco nuevo desde hacía unos 6 años y era su primer disco tras su separación.Todas las miradas estaban puestas en la banda y también en mí, ya que era el primer disco de Sôber sin Alberto Madrid y era algo de lo que la gente iba a estar muy pendiente. La composición de Superbia fue algo que intente llevar con tranquilidad, era algo muy importante y no quería trabajar con

algo que podía transmitir a ellos y dar aires nuevos a Sôber. En el 2011 sale a la luz Superbia el sexto y hasta la fecha el último trabajo de estudio de Sôber después de su vuelta y el primero en grabar tu las baterías ¿Cómo fue la experiencia, proceso de composición, grabación? ¿Cómo conseguisteis esa tremenda contundencia de la base rítmica? 15

ENTREVISTA

Realmente funcionaron muy bien, la gente tenía muchas ganas de la vuelta de Sôber y así lo han demostrado. Desde la vuelta han sido 3 años muy intensos sin para de girar tanto por España, Latinoamérica y Europa, pero una vez entrados en el 2013 decidimos parar un poco para poder centrarnos en el que será nuestro nuevo álbum. A día de hoy está todo preparado para entrar a grabar a finales de septiembre, concretamente el día 30 y tenemos previsto que salga a la calle para primeros de 2014. El enfoque que queremos darle a este nuevo disco es el mismo que los anteriores, sabemos que las cosas están difíciles en España pero desde luego queremos luchar más que nunca y expandir el nuevo trabajo todo lo posible. Estamos muy contentos con la composión y pre-producción, y estamos deseando que salga para que la gente pueda disfrutar de él, esa es nuestra máxima motivación. Tras la salida del disco nos embarcaremos en lo que será la gira de presentación por España y por supuesto ya estamos trabajando para volver a Latinoamérica y a Europa.

prisas. Estaba claro que tenía que dar el 100% de mí. Me ayudaba el tener total libertad para componer, eso me daba mucha confianza y me facilitaba el poder llevarlo a mi terreno. No traté de hacer cosas ni más sencillas ni más difíciles, sino tocar lo que sentía con cada tema. A la hora de la composición y la grabación quería sobre todo conseguir esa base rítmica contundente que caracteriza a Sôber y a mi forma de tocar. Conseguirla fue algo cómodo, la verdad. Mi forma de tocar en directo es muy enérgica y contundente y eso fue lo que quise transmitir en todo momento durante la grabación. Cuéntanos también acerca de tu experiencia en directo con ellos, habéis girado por Latinoamérica y Europa ¿Qué tal la respuesta del público? ¿Es muy diferente al español? Cual dirías que es la clave del contundente directo que os caracteriza? La experiencia por Latinoamérica y Europa ha sido enorme. El público concretamente en México y Chile fue verdaderamente increíble. Nos recibieron con muchas ganas y muy entregados a la banda. Allí viven el rock con mucha intensidad, son muy efusivos con la música, se entregan muchísimo en los conciertos. El público por Europa también muy bien, es cierto que al ser distinto idioma cuesta llegar más a ellos, también es cierto que en nuestros conciertos por Europa se acercaron muchísimos españoles que había en las ciudades y alrededores. En Londres por ejemplo había público londinense pero la mayoría eran españoles, fue como estar en casa la verdad, pero para nada hay tanta diferencia con el público español; cuando eres fan de una banda y vas a ver a tu grupo te entregas al máximo, cantas, saltas y disfrutas todo lo posible. En nuestro caso tenemos un directo muy contundente, desde el primer tema el grupo sale a darlo todo y a disfrutar. Nos caracteriza un sonido muy potente a lo que hay que sumarle toda la actitud y entrega que tiene el grupo en lo alto del escenario. B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

-Paradÿsso (2002) fue disco de platino, Reddo(2004) aprox. 50.000 copias, ahora nos encontramos en tiempos duros para todos y aun más si cabe para la música, tanto en lo que a ventas de discos se refiere como a directos, “De aquí a la eternidad” (2010) y “Superbia” (2011) salieron a la luz ya en este contexto, aún así tengo entendido que funcionaron bien teniendo en cuenta el entorno, ahora estáis enfrascados en un nuevo disco, ¿Como nos presentarías este nuevo proyecto? supongo habrá gira, cuéntanos ….. ¿Como pensáis enfocar este nuevo paso en la carrera Sôber? Vuestros objetivos…

¿Qué nos puedes contar de tu día a día con músicos curtidos de la talla de Carlos Escobedo, Jorge Escobedo, A. Bernardini, ¿Qué te aporta como músico baterista trabajar con ellos? Trabajar con ellos es una gran oportunidad, durante todos los años de su carrera han adquirido mucha experiencia y estar cerca de ellos hace que crezca como músico. Se aprende mucho con ellos, son personas muy cercanas y siempre están ahí y me apoyan en todo. ¿Qué cualidades son fundamentales para ti en un buen batería de Rock? Cítanos alguno que admires especialmente… Un ejemplo claro para mí, es Morgan Rose (Sevendust), me encanta su actitud, energía encima del escenario y su forma de tocar. Por desgracia nunca lo he podido ver en directo pero desde siempre sigo su trabajo y podría decirse que me ha influenciado desde mis comienzos. 16

ENTREVISTA

¿Qué prefieres, enfocar tu estudio solamente al rock, estilo en que hoy en día te mueves o crees que es mejor abrirse a otros estilos para enriquecerse? Pienso que es mejor abrirse a otros estilos. Me gusta mucho el rock pero como bien dices en la pregunta, abrirse a otros estilos enriquece a un músico y luego aplicar todo eso que aprendes a tu estilo, es lo que hace ser diferente. Con Miguel siempre me gusto eso, porque aunque él sabía que mi estilo era tocar rock nunca se basó en ello. ¿Cual dirías que es tu punto o cualidad más fuerte como batería y tu punto menos fuerte a perfeccionar? Creo que mi punto fuerte como batería es la actitud que tengo en un escenario, no me refiero a la hora de tocar, sino a la hora de subirme al escenario, en lo único que pienso es en disfrutar y que la gente disfrute viéndome. Me gusta ser un batería perfeccionista a la hora de entrar a grabar en un estudio, pero en directo me dejo llevar, si tengo algún error…¡Pues no pasa nada! Prefiero tener esa mentalidad de disfrutar y pasarlo bien que estar todo el rato súper concentrado y analizando todo lo que estoy tocando. Y un punto débil… mi intensidad a la hora de tocar… cuando estoy en directo toco con bastante intensidad y me encuentro muy como tocando así, sin embargo a la hora de trabajar en formato acústico, estoy tan acostumbrado a tocar de la otra manera que me dificulta mucho y no lo disfruto igual. Como todo, es algo que trabajo mucho y cada vez voy mejorando y encontrándome más cómodo. ¿Cuáles son tus influencias, tanto en grupos como en bateristas? Mi mayor influencia es y será mi padre, fue a la primera persona que vi al frente de una batería y he aprendido mucho de él.

B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

“Me gusta ser un batería perfeccionista a la hora de entrar a grabar en un estudio, pero en directo me dejo llevar.” Otras de mis mayores influencias están dentro del estilo Rock/Metal. Algunos de mis bateristas favoritos siempre han sido John Otto (Limp Bizkit), Morgan Rose (Sevendust), Abe Cunningham (Deftones), Alberto Madrid (Savia/Sôber), Danny Carey (Tool) Está claro que no son bateristas virtuosos, pero ellos han marcado parte de mi forma de tocar y entender la música. He conocido bateristas que están más dentro de la música que escucho actualmente, como Steve Judd (Karnivool), Jay Postones (Tesseract) o Matt Halpern (Periphery). Tengo entendido que te preocupas mucho de tu equipo, descríbenos tu kit. Me gusta preocuparme por mi equipo, es mi herramienta de trabajo y siempre tiene que estar a punto. Me gusta probar configuraciones diferentes y que visualmente cambie de un año para otro. En la actualidad trabajo como endorsment de DW, Zildjian, Wincent Sticks y Evans. Estoy muy contento de poder trabajar con estas marcas y de recibir todo su apoyo. Mi kit actual es una DW Collector’s Series, equipada con un bombo de 22”x20, tom aereo de 12”x8 y Toms Base de 16”x16” y 18”x16 y caja de 14”x5’5. Mi set de platos -como ya nombrado antes- son Zildjian. En estos momentos estoy trabajando con la serie A Custom y alguno de la serie Oriental. El sonido de Sô17

ENTREVISTA

Tienes mucho camino por delante, que metas y objetivos te planteas Mi meta principal es seguir creciendo como músico, en esta profesión nunca para de salir material nuevo de estudio y lo peor es acomodarte por creer que ya tienes algo. Hace un par de años empecé en el tema de la enseñanza y la verdad que es un campo que me gusta bastante, el ver que hay gente que viene a clase con la misma ilusión con la que tú empezaste y con el mismo sueño, hace que cada día me guste más. También me gustaría empezar a iniciarme en el tema de clinics y por su puesto es un objetivo que para el año que viene pienso iniciar. Algo más que nos quieras contar Simplemente dar las gracias, en especial a Wally, por ponerse en contacto conmigo y darme la oportunidad de participar en esta revista y también por crear una iniciativa como es “Bateria&Percusion” contáis con todo mi apoyo. Iniciativas así son las que nos hacen estar mas cerca del mundo de la batería y en España hace mucha falta. ¡MUCHISIMAS GRACIAS! www.facebook.com/ManuReyesJr

ber es bastante bronco, tira mucho hacia el sonido grave y en mis platos busco ese brillo extra para que sobresalga de toda esa potencia y la serie A Custom es perfecta para ello. •

Hihat 14” A Custom Mastersound

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Ride 22” A Custom

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Crash 18” A Custom

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Crash 19” Medium A Custom

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China 13” y 18 “ Oriental

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Crash Efx 16” y 18” A Custom

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Splash 6” , 8” y 10” A Custom

En el tema de los parches trabajo con Evans. Son los parches que siempre he usado desde que empecé a tocar. En directo trabajo con el modelo G2, me gusta el ataque y el tono que da este modelo en concreto y también B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

al ser dos capas aprovecho su durabilidad. En el bombo siempre he trabajado con el modelo EMAD de una capa y en caja con el modelo Power Center, es un modelo de una capa pero con un refuerzo en la zona central del parche. Y finalmente, las baquetas, trabajo con la marca Wincent Sticks. Sin duda el tema de las baquetas es algo muy importante para mí. Me costo encontrar un modelo que se adaptase bien a mi forma de tocar y sobre todo a durabilidad. El modelo que finalmente se adaptó mejor fue el 55F XL. Es una mezcla entre 5A y 5B y su longitud es algo mayor. Obtengo un buen equilibrio con este modelo y sobre todo una gran durabilidad. Desde aquí quiero agradecer a Alfredo (Music Distribucion) y a Jose (Iberdrum) todo su apoyo y confianza. Me siento afortunado de poder trabajar con ellos y con estas marcas.

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REVIEW

Juan Carlos Melián

Darwin

Su set de percusión. Hola a todos. Nuestro amigo Asensio Ros “Wally” me comentó durante una conversación, que le gustaría hacer un artículo sobre mis distintos equipos tanto de percusión como baterías, cajas, etc. La idea me gusto mucho ya que los que tocamos un instrumento solemos tener algo en común, que no es más que el amor por nuestros instrumentos. En esta oportunidad les quiero mostrar el último set básico de percusión que estoy utilizando para situaciones de directo (tours o conciertos). Congas: Meinl Fibercraft Designer Series Carbon finish. He de decir que para las giras siempre prefiero fibra por un tema de seguridad y/o resistencia de los instrumentos ante los cambios de temperaturas. En una gira de verano los instrumentos se ven sometidos diariamente a cambios muy radicales de temperatura (y humedad) que pueden oscilar hasta en más de 40º C. B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

Volviendo al set, yo le he bautizado “F1” ya que el Carbon finish me recuerda a los coches de Formula 1 (y esa es otra de mis pasiones). Este acabado es espectacular, moderno, sobrio y elegante, pero claro, esto es una opinión personal. El sonido de estas congas es muy abierto con muy buena proyección. Otro factor a tomar en cuenta es que tienen un peso ideal (ligeras) para aquellos que tienen que transportarlas. Para las congas utilizo los soportes (stands) de Meinl TMC-C, son muy sólidos y los más prácticos y funcionales jamás diseñados desde mi punto de vista. Bongos: Meinl Freeride Series FFB400 Fiberglass - Carbon finish. Se repite el patrón en cuanto a sonido con muy buena proyección. Por otra parte, me gustaría resaltar que este modelo de bongo está muy bien compensado en cuanto a brillo, armónicos y cuerpo. Las medidas 19

REVIEW

son de 7” el macho y 8 ½” la hembra. Para el bongo utilizo el soporte (stand) de Meinl TMB (Professional Bongo Stand), el mejor stand de bongo que hay en mi opinión. Timbales: Meinl Artist Series Timbales Luis Conte Poco que decir que ya no se sepa sobre este gran set de timbales. Una sólida construcción con un inmejorable sonido. Os lo digo de verdad, es un placer tocar esta paila…. ¡Lo tiene todo! Djembe: Floatune Series Fiberglass - Carbon finish (custom-made) Un instrumento fundamental en mi set ya que me dá mucho juego a la hora de hacer patrones de todo tipo en la gran mayoría de los trabajos en donde soy requerido. Muy efectivo al combinarlo con las congas, bongo, darbuka, etc. El diámetro es de 12”, tamaño ideal (no es muy voluminoso) a la hora de ocupar espacio en el set con los otros elementos. OJO: el acabado Carbon finish de este djembe fue hecho especialmente para mi set. Es por eso que no lo podéis encontrar en catalogo o en la web. Darbuka: Aluminum Jingle Darbukas, hand-hammered. Otro instrumento que me brinda muchas posibilidades. Me gusta crear mis propios patrones rítmicos combinando varios instrumentos y esta Darbuka me gusta especialmente. En el interior tiene una sonajas (jingles) que hacen su sonido más complejo e interesante. Percusión menor: Este es un pilar fundamental en mi carrera como músico. La percusión “menor” es sólo menor en el tamaño de sus componentes pero de enorme importancia en el papel que desempeña y el arte que encierra. Personalmente hay instrumentos que no pueden faltar en mi mesa básica de percusión menor y estos son: Egg Shakers, Aluminum Jingle Shaker, Round Aluminum Shaker, Turbo Cabasa, Caxixi, Bar Chimes, Peg Chimes, Tamborines (panderetas), Fiberglass Bird, Fiberglass Waterfall, The Night, Kokiriko, Triangulo. B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

Platillos. Cuando trabajo como percusionista siempre utilizo la serie Candela de Meinl, ya que están diseñados para ser tocados tanto con baquetas como con la mano. Parches. En este apartado de los parches (o cueros como se le dice en Latinoamérica), tengo también la fortuna de ser artista Remo, en este caso, tanto en el set de congas como en el bongo utilizo Remo Tucked NuSkyn. Para el timbal y la darbuka utilizo Clear Diplomat y para el djembé utilizo Fiberskyn. Las baquetas son Wincent “El Pana” signature realizadas a medida bajo mis especificaciones. Un cordial saludo y mis mejores deseos para todos 20

GRETSCH. LA BATERÍA AMÉRICANA POR EXCELENCIA.

Taylor Hawkins / Foo Fighters y su Gretsch USA Custom

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OPINIÓN

Let´s dance Después de asistir a una actuación musical, estaba charlando con unos amigos a la fresca de una noche veraniega, la banda había tocado afrobeat y funk con mucha marcha, en un entorno de mesas y sillas sin espacio para bailar, o al menos para balancearse con la copa en la mano y poner esa cara de: “no sé bailar pero me muevo a compás”. Comentábamos, lo poco “cool” que queda (como dirían los ingleses) estar escuchando y viendo una actuación de este tipo como si fuese un concierto de cámara y, la situación un tanto patética que se crea, cuando la banda consigue hacer que el público se ponga en pie, que anquilosado por estar sentado un buen rato, intenta moverse al ritmo de la música y todo son golpes a las mesas, patadas a las sillas, estiramientos de pies dormidos y demás demostraciones de psicomotricidad escasa, o casi nula... B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

Y en ese momento de intelectualismos nocturnos con la penúltima en la mano, en ese momento en el que los argumentos empiezan a dormirse y solo queda, como último recurso, el humor, se nos acercó el organizador del evento, político cercano, político de a pie, ese político que acude a los actos que organiza, y que nunca sabremos si es para observar su repercusión, o para recoger los aplausos como si él fuera el artista. Y casi a bocajarro, sin apenas mediar saludo, nos lanzó un discurso a la luz de la luna de agosto, en el que casi nos convenció de que la música es cultura, y la cultura es algo serio, y se la debe escuchar sentado, pues el baile no es más que algo festivo, trivial, incluso populachero y vulgar. Es más, había organizado otra actuación musical, también de origen afro, en la que había buena dosis de danza, pero había pedido que no trajeran a los bailarines, o por lo menos no a todos, pues podría dar una imagen poco seria de la música africana. El principio ¿Desde cuándo los percusionistas estamos vinculados a la danza, al baile? La respuesta no está en el viento, como di-

Pepe Cantó

“La música es cultura, y la cultura es algo serio.”

bremos desarrollado ritmos y estilos para su utilización en el baile?, ¿no seremos los precursores de la música aplicada?, ¿tiene sentido nuestra existencia si alguien no baila lo que tocamos? En cualquier caso, aparte de la pura elucubración cómico filosófica, algo queda claro: nuestra tarea principal es tocar ritmos, dar base, hacer groove, vamos, hacer que la gente mueva el cuerpo. Por supuesto estoy hablando de música popular, ya que las formas clásicas, en occidente, no son precisamente muy bailables. Al contrario que las músicas clásicas orientales, como la persa o iraní, o la egipcia o la turca, que aunque hechas para el deleite del oído, es imposible escucharlas sin mover aunque sea el pie.

ría Dylan, la respuesta es más sencilla y mucho menos trascendental: desde el principio. Desde las primeras representaciones pictóricas rupestres, pasando por esos bellos lienzos bizantinos, griegos u orientales, hasta esas fabulosas colecciones fotográficas de clubes de jazz en blanco y negro, siempre se repite la misma escena con diferentes personajes e instrumentos: siluetas bailando, esbozos de tambores, bellas bailarinas orientales acompañadas de músicos bigotudos con panderos de todos los tamaños, jóvenes bailadores en posturas imposibles, tamboreros y baterías con caras poseídas, como pidiendo al bailador: sigue el ritmo, que vas a alcanzar el nirvana con mi swing. Que los percusionistas somos la piedra filosofal del baile en casi todas las culturas, es una evidencia. Tanto que podríamos preguntarnos maliciosamente, ¿no existiremos gracias a la danza?, ¿no ha-

El desarrollo Ya entrados en el siglo XX, por situarnos en tiempos más cercanos a nosotros, la música popular moderna sigue impregnada de ritmos bailables: en USA triunfa el swing y la música latina, pero también el bluegrass y el country, el blues se prolonga hasta el rhyhtm & blues y cuando choca con el gospel aparece el soul, que dará paso a la propagación de ritmos 22

OPINIÓN

funk, mientras tanto las influencias afro del blues y el rhyhtm & blues junto a las británicas, escocesas o irlandesas del bluegrass harán nacer el rockabilly y posteriormente el rock & roll. En África empieza un verdadero vendaval de ritmos calientes más occidentales. Por una parte en los 60 la incursión de Johny Pacheco en Senegal, produce que emerja un nuevo estilo, La Salsa Africana, siendo una de sus orquestas más representativas la Star Band, con un joven Youssou N’Dour que logró con el tiempo integrar instrumentos africanos, y que con su interés también por el rock y el soul harían nacer el estilo más conocido y exportado de Senegal, el mbalax. Por otra parte, en Nigeria comienza una verdadera revolución con Fela Kuti y el desarrollo del Afrobeat y el Afrofunk, y su baterista Tony Allen, conocido como artífice de este ritmo. Fela además de no renunciar a los ritmos puramente bailables, escribe letras comprometidas y críticas al sistema imperante en aquel momento en Nigeria, ganándose el apodo de “presidente”. Lo que constituye a mi parecer una verdadera innovación, pues en occidente no estamos muy acostumbrados a que los textos comprometidos se sustenten de ritmos bailables, artistas como Rubén Blades aún no habían aparecido, sí en cambio Bob Marley que también combinó a la perfección el compromiso y la poesía con el baile cadencioso y sensual. Sería interminable seguir citando ejemplos, desde el frenético nothern soul en UK hasta el prohibido durante años rai argelino, pasando por los ritmos brasileiros, los cubanos o los magrebíes, o nues-

B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

tra rumba catalana con expertos mueve cinturas como Peret y Bambino, o aquel imparable ritmo funk mezclado con rumba de la buena que hace de base en el “Cómo me las maravillaría yo”, interpretado por Lola Flores, tal vez una de las pioneras del rap que ya en los 70 coqueteó con el funk y el soul acoplándolo a su repertorio rumbero. Ruptura “Si Boy pensar mucho, olvidarse de reír”, decía Tarzán a su hijo, camino de Nueva York. Llega una etapa, que se podría situar entre finales de los 60 y principios de los 70 en cuanto al pop y el rock, y como una década antes, en cuanto al jazz, en la que llegan nuevos aires, tendencias progresivas experimentales, que indudablemente son necesarias en el arte. Los jazzmen compiten con la música clásica y sus repertorios gastados, ofreciendo nuevas sonoridades, y una evolución rítmica y armónica apabullante. En el rock y

el pop, después de la última etapa Beatle, se abre la veda para que progresivos, vanguardistas y buscadores de nuevas formas se carguen las pilas destruyendo fronteras musicales. Y aparece un nuevo modelo de directo, un nuevo modelo que buscará referencias en el concierto y la representación en el sentido clásico. Los jazzmen quieren tocar en teatros y que la gente esté sentada y los escuche en silencio. El club cargado de humo, la gente bebiendo y hablando o saliendo a mover el esqueleto, son incompatibles con unas nuevas músicas que buscan cierta espiritualidad. Los roqueros aspiran a un formato más operístico, en el que el diseño y la escenografía funcionen en perfecto maridaje con la música, que ya en ocasiones empieza a ser más una banda sonora que el elemento principal. Incluso muchos cantantes soul o r&b bajan la velocidad y la potencia de sus ritmos, propiciando así el medio tiempo y la balada, para acercarse a la figura del crooner, algo que aparentemente otorga un carácter de seriedad al artista.

Pero entre toda esta evolución, que provocará la producción de verdaderas exquisiteces musicales: Sgt. Peppers (The Beatles), Dark Side of the Moon (Pink Floyd), Bitches Brew (Miles Davis), Heavy Weather (Weather Report)...y tantas otras obras de arte, ¿dónde quedamos los chicos del tambor? “Mi gente quiere bailar… “…mi gente quiere gozar, mi gente no quiere que le coman la cabeza…” canta Lucrecia, en una coplilla sencilla y popular, que creo no deberíamos infravalorar. El desarrollo técnico de los percusionistas y baterías en los últimos tiempos ha subido de temperatura hasta unos límites de calor achicharrantes. Y esto no es malo, para nada es malo, aunque hay algo que creo que no se debe olvidar: si el break más complicado del mundo nos impide bailar, algo no funciona. Nuestra interacción con la música no debería nunca perder el sentimiento del baile, del balanceo. Da igual que el cantante este interpretando letras comprometidas,

“Nuestra tarea principal es tocar ritmos, dar base, hacer groove, vamos, hacer que la gente mueva el cuerpo.”

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OPINIÓN o de un alto valor poético, o de una profundidad de pensamiento digna de Montaigne, o que el solista esté interpretando una melodía, o un solo, de magnitudes sublimes. Podremos interactuar más o menos con la parte principal, pero todo se hundirá si nuestro ritmo no consigue mover, aunque solo sea, el pie del oyente. En géneros como el jazz o el flamenco, la improvisación de la percusión se desarrolla, en sus principios, observando, repitiendo y posteriormente interactuando con los solos del bailarín, o bailaor en el caso del flamenco. El claqué y el taconeo son referencias fundamentales para nosotros. Y qué es esto sino baile en estado puro, aunque acabe siendo interpretado, B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

no por unos pies sino, encima de unos parches. Cuando escuchamos al gran Buddy Rich o al magnífico Hossam Ramzy, nos da igual escucharlos manteniendo una base, que soleando, la sensación es de baile, es caliente, es cimbreante. Pero podemos avanzar a terrenos más sesudos, más progresivos, los casos del baterista Jack Dejohnette o el percusionista Airto Moreria, aunque siempre implicados en la melodía o el solo, sumergidos en un mundo de creatividad personal, no dejarán que el sentimiento de baile pare ni por un instante. “Los músicos no bailamos…

…ya lo habrás oído decir, gracias de todos modos y gracias por insistir”, Jorge Drexler, Empezaba el artículo alterado ante este virus de ranciedad intelectual que ha acampado en occidente, y que creo que no esconde más que complejos, sentido del ridículo y amaneramiento de la palabra cultura. Tal vez acabemos no comiendo cocido o paella por no gozar estos platos de suficiente altura espiritual. Retengo en mi memoria un recuerdo de felicidad musical. En uno de esos veranos de los principios profesionales, en los que cruzas y descruzas el país, sin parar, con una orquesta de baile, harto de calor, de olor a furgoneta, de habitación de hotel

barata, de festeros que se divierten al grito de “no cobraréis”, de fritángada de carretera, de sentirte vampiro cuando amanece y aún estás en el escenario mordiendo tu instrumento… en plena actuación en un pueblo cualquiera, la gente de ese pueblo que no recuerdo, empezó a bailarlo todo: el pasodoble, el r&r, el twist, el chachachá, la rumba, el vals, la polka. Unos bailaban de forma ordenada, con sus pasos, en pareja, otros sueltos, a su aire, unos mejor, otros peor, disfrutando, felices. En ese momento, simplemente, me sentí bien.

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OPINIÓN

¿Y si hacemos música? Hola a tod@s. Mi nombre es Coki Giménez, soy batería (o baterista) profesional pero ante todo me siento músico. Nuestro gremio siempre ha estado digamos “en el punto de mira” del resto de instrumentistas. Casi siempre representamos al tipo que no sabe música, el freak de la banda o el que aporrea los tambores al fondo del local. Personalmente llevo muchos años intentando evitar eso y no sólo “defendiéndome” con palabras, sino con hechos. En los años que llevo tocando siempre he procurado (tanto practicando, tocando en mis proyectos o tocando para los demás) hacer música. Escuchar, dejar espacio, acompañar, pero sobre todo disfrutar de la música y aportar cosas al repertorio que tenga entre las manos en esos momentos. Supongo que más de uno dirá “menudo coñazo está largando” o “¿Y esto, a qué viene?”. Dejadme que me explique. Debido al auge y progreso de las nuevas tecnologías, el desarrollo de las redes sociales y escaparates como es Youtube, el mundo de la música está cambiando… pero es que los músicos también; tanto para lo bueno como para lo malo. B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

Hoy por hoy podemos dar a conocer nuestros proyectos más personales, recibir clases on-line con maestrazos (y otros no tanto que se vuelven profes a la primera de turno) y podemos acceder a música alucinante que probablemente hace años no hubiese sido posible encontrarla o nos hubiese costado un montón conseguirla. Esto es muy positivo y supongo que cualquiera se da cuenta. Pero por otro lado no dejo de ver baterías (también en otros instrumentistas obviamente, pero ésta revista es por y para los baterías, ¿no?) que se dedican a hacer covers, postureos varios y promociones para marcas como si de vendedores se tratasen. Está claro que el “escaparate” del que hablábamos antes puede llegar a ser muy útil y hay todo tipo de historias y referencias a artistas que se han consagrado con un simple video que colgaron en su casa tocando la guitarra. Pero hacer de eso un fin me hace preguntarme: ¿A dónde nos lleva? ¿No creéis que se pierde algo en todo el proceso? No quiero decir que esté mal hacerlo ( no soy de crear juicios de valores), cada uno que haga lo que quiera, pero pienso que éste tipo de actitud hacia la música desvirtúa la propia música. Tenemos instrumentistas tocando sobre temas ellos solos, sin interactuar con músico alguno, grabándose a si mismo y rápidamente mostrándolo al resto del mundo..pidiendo que el máximo número de personas pulsen “me gusta” y

Coki Giménez

“Escuchar, dejar espacio, acompañar, pero sobre todo disfrutar de la música.”

queremos seguir aprendiendo (es un camino de nunca acabar). Además, no me los imagino haciendo covers de temas. Son músicos con mayúsculas que en todo caso muestras sus inquietudes, su personalidad y sus proyectos más arriesgados para intentar salir adelante. Sé que parezco el abuelo cebolleta pero en mi opinión habría que juntarse más entre músicos, crear música, arriesgarse, ser honesto, pegarse contra la pared, tener bajones y levantarse, reinventarse, jugar (como propone el maestro Pedro Barceló) y practicar, pero por el hecho de aprender y mejorar no para “salir en la tele” y competir para ver quien hace el más difícil todavía y quien realiza el video más molón. ¿Acaso tenemos que demostrar algo a alguien? ¿Es la música una competición entre músicos? Hagamos más música, escuchemos más música, a más músicos y bandas, menos a nosotros mismos. Aprendamos de los clásicos y de las nuevas generaciones. Experimentemos y disfrutemos…¿No es eso la música, una expresión artística? Seamos músicos, no sólo baterías.

cosas similares. Es como si se buscase aprobación de lo que acaba de hacer. Hace un tiempo un chaval me comentó si había visto a Cobus. Por lo visto un batería que se ha hecho muy famoso en la red precisamente por los covers que hace. Como soy un curioso, no me cierro a nada y me encanta aprender de todo lo que encuentre por ahí: busqué en Youtube…vi a un chaval que retoca temas de otras bandas…y punto (bueno, creo que también da lecciones on-line). A partir de ahí descubrí el submundo de los covers en la red y pensé en escribir éstas líneas porque flipé de ver la cantidad de gente que hace lo mismo. A los pocos días le pregunté al chaval que me recomendó a Cobus..¿Conoces a Steve Gadd? ¿Buddy Rich? ¿Chris Dave? ¿Dave King? ¿Matt Chamberlain? ¿Bonham? (la lista era casi interminable).. le faltaban muchos por conocer y desde mi punto de vista forman han formado y formarán parte de la historia de la música..la fuente de donde bebemos los que

Muchísimas gracias a Batería y Percusión por todo el trabajazo que hacen y que disfrutamos cada número. Y gracias por la oportunidad de poder escribir en la revista. ¡Salud y suerte compañer@s!

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TALLER

Pit Stop para baterías Si tu caja se sujeta al soporte gracias a unas vueltas de cinta americana y tu pedal de hi hat acciona la cadena mediante un alambre que has enrollado tú mismo con mucha maña, quizás vaya siendo hora de hacerle una buena puesta a punto a tu batería.

B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

El inicio de la temporada de bolos o la aproximación de alguna grabación, son oportunidades idóneas para hacer un chequeo general de todos los elementos tanto de nuestra batería como de nuestra vajilla. Debemos entender la batería como el conjunto de varios instrumentos de percusión, cada uno de ellos con sus piezas, mecanismos, ajustes y acabados, por lo tanto examinaremos cada uno de estos instrumentos de forma independiente. Como todos sabemos, existen partes de la batería que hay que ir sustituyendo regularmente ya que sufren un desgaste progresivo por el uso. Estos elementos consumibles que suelen intervenir directamente en la acción de golpear y que producen sonidos en nuestra batería son los parches batidores, baquetas, escobillas, mazas, hot rods, etc... Hay otros elementos que son igualmente desechables y que se deterioran a causa de la presión o vibración con otras piezas. Es el caso de los parches resonantes afectados por el aire proyectado desde el parche batidor en el momento del impacto, la bordonera por la tensión y el contacto permanente con el parche resonante de la caja y las almohadillas protectoras de fieltro y los “cymbal savers” por el peso y oscilación de los platos. De forma errónea solemos esperar a que baquetas, parches y demás cosas se rompan por sí solas antes de decidirnos a sustituirlas. Sin embargo, el instante apropiado para reemplazar estos elementos es cuando notamos por primera vez alguna anomalía durante la ejecución. Al igual que la raqueta de un tenista debe tener una tensión adecuada y la pelota un buen rebote, es perjudicial para un batería tocar con unas baquetas demasiado deterioradas o parches que no tengan una respuesta adecuada. 26

Ricard Monné

TALLER

A parte de estos elementos de desgaste progresivo, también deben formar parte de nuestros chequeos rutinarios las siguientes piezas de la batería: Platos: Contrariamente a lo que mucha gente piensa, los platos de batería son perfectamente reparables y los resultados son definitivos. Existe un corte específico para reparar cada tipo de grieta en función de su localización, forma y tamaño. Es importante mantener la superficie de los platos libre de polvo y otros residuos, no tanto por una cuestión estética sino sonora y para facilitar la localización a simple vista de fracturas. Otras formas de detectar grietas son mediante el oído y el tacto. Un filo bien pulido y sin dentadas reduce considerablemente el riesgo de la aparición de grietas radiales en nuestros platos. También debemos prevenir el efecto “Keyholing” evitando el contacto entre el orificio del plato y la rosca del soporte.

la fricción con el suelo y se agrietan por el paso del tiempo perdiendo adherencia y estabilidad.

llos. Como comentaba al principio, los bordones también pueden deteriorarse debido a la tensión y a la vibración. Es muy común que alguno de los muelles pierda elasticidad o incluso llegue a desengancharse de uno de sus extremos.

“El inicio de la temporada de bolos o alguna grabación, son oportunidades idóneas para hacer un chequeo general de nuestra batería.” Soportes: El recubrimiento cromado es muy común en soportes y herrajes de batería y su integridad afecta únicamente al aspecto estético. Si nos interesa renovar un cromado, tenemos la opción de pulirlo o cromarlo de nuevo, dependiendo de su grado de deterioro. Las partes más delicadas de los soportes y que comprometen plenamente su funcionalidad son las roscas y tuercas de mariposa que fijan las extensiones telescópicas y trípodes. Es importante saber que no debemos deshacernos de un soporte porque se nos haya “pasado una rosca” ya que, tanto si es cuestión el tornillo como de la hembra, este problema tiene una buena y sencilla solución. Por último, los tacos de goma de las patas se desgastan por

B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

Caja: La particularidad que diferencia a éste del resto de tambores de nuestro set, es el conocido sistema de bordones que le otorga su sonido metálico característico. Este es precisamente el responsable del 90% de las reparaciones de cajas que realizo en mi taller. Se trata de un mecanismo relativamente complejo dependiendo del modelo y que tiene como finalidad poner en contacto la bordonera con el parche resonante de la caja mediante una palanca. Es muy recomendable prestarle una atención especial a este mecanismo, mantenerlo siempre bien lubricado y ajustado para evitar ejercer demasiada presión al accionarlo, hecho que podría causar rotura en resortes, holguras en partes móviles o pérdida de torni-

Otros tambores: Esta categoría engloba tanto bombos como toms en general. Estructuralmente son idénticos entre sí solo diferenciándose por su diámetro y profundidad. Debido a su similitud comparten con la caja algunas patologías. Si el recubrimiento de los cascos está muy dañado, es posible restaurarlo e incluso modificar totalmente su aspecto estético (acabados en aceite, lacado, vinilo, etc). Si hablamos desde un punto de vista más funcional, las hendiduras e irregularidades en los “bearing edges” o en los “snare beds”, un casco o unos aros ovalados y unas bellotas rotas o en mal estado pueden convertir una simple y rápida afinación en un verdadero quebradero de cabeza. 27

TALLER

“Si el recubrimiento de los cascos está muy dañado, es posible restaurarlo e incluso modificar totalmente su aspecto estético”

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Pedales: Son elementos de la batería que reciben presión e impactos de forma constante por lo que deberían estar diseñados para poder soportarlos. Aun así, puede que con el tiempo algunas de sus piezas envejezcan y empiecen a fallar. El muelle de retorno de la maza y su cojinete, las roscas y tuercas de fijación del piñón, los enganches de la cadena, la mordaza de anclaje al aro del bombo y la bisagra de la suela son ejemplos de algunos de los puntos más débiles de los pedales de bombo y que posiblemente acabaremos reparando o sustituyendo algún día. El mecanismo de los pedales de hi hat es bastante más simple y su mantenimiento se limita a los enganches de la cadena, las roscas y tuercas que fijan la extensión y el trípode, y el “clutch” del hi hat superior.

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LUTHIER

Entre platos anda el juego.

Manolo Cascales

E

videntemente, no vamos a hablar de nada relacionado con el arte culinario ni nada por el estilo, faltaría más, si no del papel que desempeñan los platos pero como elemento de percusión. Obviamente y como viene siendo habitual, este artículo se va a referir siempre a cosas genéricas que afectan prácticamente a todas las marcas sin llegar a nombrar ninguna en concreto. Actualmente, nos podemos encontrar en el mercado una gran variedad de marcas -cada día más y no como hace unos pocos años que estaba monopolizado prácticamente por dos o tres marcas- unas consolidadas, otras emergentes y todas luchando por hacerse un hueco, ofertando un sinfín de modelos de los cuales hablaremos mas tarde. Dicho esto, es evidente que a la hora de decantarse por una marca u otra habrá que tener en cuenta si esta se adapta a tu sonido, tu forma de tocar y el estilo de música que se interprete.

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LUTHIER

Modelos y tamaños hay muchos, pero vamos a partir de lo que sería un kit básico: -CRASH: de distintos tipos y medidas por regla general de 14” hasta 20” con alguna excepción en alguna marca que bajan hasta las 13” o llegan a más de 20”, se usan para acentuar y provocar efectos de choque.

-RIDE: aquí el rango de medidas no es tan amplio entre 18” y 22” pudiendo llegar a 24”, se usan para acompañar, cuanto más pesado sea, el sonido será más directo, cuanto más fino será más amplio.

-CHARLES: para usar con baqueta o con el pie, tienen la particularidad que el plato inferior suele ser bastante más pesado que el superior, con lo que se asegura la estabilidad.

-SPLASH: platos pequeños de sonido corto para efectos y ataques rápidos, entre 6 y 12 pulgadas, se hicieron muy famosas gracias a bateristas como Copeland y como no, al maestro Manu Katche.

-CHINA: plato de efecto básicamente, pero usado ocasionalmente como ride en las Big Band antiguas...

En todos los casos existen una variedad de grosores: thin, médium thin, médium, heavy, etc. que evidentemente afectan al sonido y a la durabilidad del plato y como no...¡De las baquetas! Pero si es importante el hecho de que los platos más gruesos y por lo tanto menos elásticos, tienden a romperse antes que los platos más finos y elásticos, ya que la resistencia del material es menor. A este juego “básico” se le pueden añadir tantos como quieras teniendo en cuenta que puedes elegir desde platos con agujeros, con forma de cruz, etc y un sinfín de variopintos modelos que mucha veces se adquieren sin saber muy bien la finalidad del mismo. B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

FABRICACIÓN Y COMPOSICIÓN Hay que tener en cuenta que la gran mayoría de las marcas fabrican todos sus modelos en Turquía, a excepción de alguna que, según modelo y gama, se fabrican en Suiza o Alemania. Muchas veces nos hemos preguntado, ¿De que están hechos los platos? ¿Por qué tienen ese color? Pues bien, aquí es importante distinguir entre gamas bajas y altas para el tipo de material utilizado. En todas hay una aleación de bronce y cobre, pero en las gamas bajas normalmente la mezcla se hace con impurezas o con metales poco nobles, de ahí que se suelan romper con el uso, ya sea de forma circular o transversal, siendo esta ultima el único tipo de rotura que las marcas reconocen como defecto de fabricación y la cubren con la garantía del plato, de ahí que algunas marcas se decantan solo por la fabricación de gamas altas, asegurando la durabilidad y calidad de sus productos. En los modelos de gama alta se suele añadir una pequeña cantidad de plata y el troquelado es realizado a mano con lo que es difícil encontrar dos platos con sonido similar, a diferencia de las demás gamas que este trabajo lo realiza una máquina, eliminando así el factor humano. Algunas marcas suelen añadir a sus modelos un número que indica el porcentaje de un metal u otro usado en su fabricación. En cuanto a su forma y los surcos que están impresos en él, actúan a modo de disco, el sonido se transmite de dentro hacia fuera en forma circular, de ahí que cuando se rompen pierdan sonoridad y se esparce en el aire del mismo modo que las ondas en el agua al dejar caer una piedra.

En todas hay una aleación de bronce y cobre, pero en las gamas bajas normalmente la mezcla se hace con impurezas o con metales poco nobles, de ahí que se suelan romper con el uso

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LUTHIER

COLOCACIÓN Evidentemente, cada cual es muy libre de colocarlos como mejor le plazca, dependiendo de unas reglas básicas de distancia que no entorpezcan el recorrido del palo hacia el parche, etc. Pero como es natural, en un plato puedes encontrar zonas con sonido diferente dependiendo de que parte de la baqueta uses y como los golpees. A groso modo yo distinguiría tres partes: -Perfil o borde, que afecta ligeramente al tono del plato. -Zona de golpeo, según si se toca con la punta o con el cuerpo de la baqueta. -Campana, aquí el tamaño si que importa ya que afecta directamente al volumen y a los armónicos de la misma. Resumiendo y como decía mi abuela “ si eres pobre compra caro” porque ten en cuenta que unos platos deberían ser para siempre...como los diamantes.

Ejemplo de setup 1.- Crash 2.- Ride 3.- Charles o Hit-Hat 4.- Splash 5.- China

Un saludo

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DIDÁCTICA

Fraseos a la medida (I) Muchas veces nos encontramos con melodías que requieren un trabajo baterístico que valla más allá de la aplicación de los patrones comunes (ver serie Sílabas Rítmicas en B&P). Seguir de cerca el fraseo de la banda aporta a la batería un aire de grandeza y musicalidad ambicionado por todos, incluyéndome. Inspirado por el video Neeps and Tatties de Stanton Moore Trío, disponible en Youtube, he desarrollado una serie de ejercicios enfocados en la habilidad para construir patrones baterísticos a medida, ya sean planificados o improvisados. El estilo de Stanton Moore (portada de B&P número 5) es relativamente sencillo de analizar, más no de imitar. Stanton ha logrado desarrollar varias destrezas muy importantes para alcanzar la libertad musical frente al kit. Primero, ha trasladado el acostumbrado, y muy útil, ostinato de platillo de la mano derecha al, modernamente olvidado, pie izquierdo (o simplemente pie de hi-hat si eres zurdo). Con esto ha conseguido que el pie izquierdo realice una de las funciones más importantes para todo el conjunto musical: marcar el tiempo. Así, ha liberado su mano más hábil de una tarea importante, pero monótona. Esto ha dejado a Stanton con dos manos disponibles para frasear, sin olvidar el pie de bombo. Esta situación puede atemorizar a muchos a costumbrados a guiarse por su mano derecha, pero es una gran oportunidad. Luego de esta introducción “teórica”, entremos en materia. Te propongo desarrollar algunas habilidades similares a las que Stanton demuestra en el video Neeps and Tatties en etapas progresivas. Para empezar, ejecuta la lectura mostrada en la figura 1 procurando alcanzar solo dos niveles de sonido y la máxima regularidad y relajación posibles. Un metrónomo será de invaluable ayuda en esta tarea. La lectura no es ningún problema, de hecho es bastante sencilla. Lo importante, en este nivel del ejercicio, es que seas capaz de comprender la musicalidad contenida B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

en las notas acentuadas. A continuación, añadiremos el pie de hi-hat. En principio, un patrón de negras constantes y, una vez dominada esta variación, un patrón de corcheas. Como segundo ejercicio, sin el pie de hi-hat, acompañaremos cada acento de caja con el pie de bombo. La separación de las dos variaciones propuestas tiene el propósito de permitirte comprender como “funciona” cada pie respecto al patrón rítmico básico. Una vez te sientas cómodo con ambos ejercicios, puedes proceder a unirlos en una misma ejecución. Si es muy complicado unir todo con un patrón de pie de hi-hat a corcheas, prueba hacerlo con un patrón a negras con el pie de hi-hat. Ahora sí, a desarrollar el fraseo alrededor del kit. Para esto, te daré algunas pautas a tener en mente, al final comentaré más acerca de este punto. Las siguientes indicaciones deben seguirse de manera progresiva y aditiva para facilitar el aprendizaje: 1. Toca los acentos que “caen” en la mano izquierda en el tom agudo y los acentos de la mano derecha en el tom grave o granadero. 2. Luego, acompaña los acentos sobre los toms con el pie de bombo. 3. Toca los acentos que “caen” en la mano izquierda en el Crash y/o hi-hat y los acentos que “caen” sobre la mano derecha en el Ride, Crash-Ride y/o Splash. A continuación, acompaña los golpes sobre los platillos con el pie de bombo. 4. Ejecuta en la caja todos los acentos que coincidan con la parte fuerte de los tiempos 2 y 4 del compás. Ejecuta sobre el Crash todos los acentos que coincidan con la parte fuerte del primer tiempo de cada compás. Distribuye el resto de los acentos entre platillos y tambores a voluntad.

Raúl Guzmán

Como podrás notar, en cada ejercicio deberás tomar decisiones sobre la marcha en lugar de seguir una lectura planificada. Esto también constituye un entrenamiento mental. Muchas veces notarás que cada ejecución será diferente a la anterior. Esta es la parte más importante de los ejercicios: el desarrollo de la habilidad para decidir, sobre la marcha, que instrumento tocar siguiendo un patrón rítmico básico. La última pauta propuesta hará que tu fraseo aún conserve un aire a “patrón estándar” combinado con libre fraseo que te hará sonar como todo un grande. Como recomendación final, insistiré en que comprendas la musicalidad contenida en el patrón de acentos antes de avanzar con la técnica. Esto te ayudará en gran medida al momento de tomar decisiones sobre que instrumento tocar y en que lugar del patrón teniendo como criterio la musicalidad. Escucha los sonidos de esta didáctica

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DIDÁCTICA

Percusión al día. En esta nueva entrega de Percusión al Día, os vuelvo a traer tres ritmos básicos de África del este, pero está vez en 6/8. La instrumentación del Take es para tres djembes y un dunun y la del Soli y el Wasulunke para dos djembes y un dunun. La línea superior del dunun es el kenen, que podremos tocar en un cencerro y las dos inferiores son dos dunun (tambores graves) afinados por cuartas, que podremos practicar, si no disponemos de ellos, en dos tímpanis o bases. Para los bateristas recomendaría tocar el kenen en el charles, la línea más baja en el bombo y la siguiente en la caja, aro o batidor, a elegir. En el Soli y el Wasulunke los dos primeros compases son una llamada, que ejecuta uno solo de los djembes, a modo de cuenta de entrada.

Pepe Cantó

Take

Golpes Djembe: D: grave, O: open, S: slap. Golpes Dunun: Línea superior: kenen o cencerro. Línea inferior: dunun grave, línea media: dunun agudo. Aplicación a la batería: Línea inferior: bombo, línea media: caja, línea superior: charles.

 

Soli

 

Wasulunke

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DIDÁCTICA

El más simple y más difícil de los rudimentos.

Josu Erviti

parte (II)

Redoble de golpes sencillos por el kit. ¿Qué tal, queridos lectores? ¿Fue bien la primera parte del más difícil de los rudimentos que os presenté en el número anterior? Si tu respuesta es si, es que ya estás preparado para ponerte a trabajar en este nuevo ejercicio y si tu respuesta es no, ve corriendo a descargarte la revista número 13 de Batería & Percusión. Tal y como os comenté en el número anterior, en este nuevo ejercicio os enseñaré una manera muy potente para poder desarrollar vuestro redoble de golpes sencillos por toda la batería, mejorando en velocidad, agilidad, movilidad y en unas cuantas palabras más terminadas en “idad”.

B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

Hoy utilizaremos el mismo “esqueleto” de notas que teníamos en el número anterior y le daremos movimiento de esta manera. Para empezar quiero que cojas el primer ejercicio y que toques cuatro corcheas en diferentes piezas de tu batería con tu mano derecha. Yo lo voy a hacer tocando 4 cajas, 4 tom1, 4 tom2 y 4tom3. Seguido, harás el mismo movimiento liderando con la izquierda y con el movimiento a la inversa. Estos ejercicios los haremos de forma continua hacia la derecha e izquierda, repitiéndolos las veces que haga falta para memorizarlos.

  Ahora poco a poco iremos sumando golpes. Recordad la importancia de la distancia entre notas y que unas no se junten a otras. La velocidad no es el primer objetivo, sino la calidad. Hazlo a la velocidad a la que te salga perfecto y después lo acelerarás. Recuerda que otro aspecto muy importante es el volumen. Tócalo fuerte, medio y suave.

   

Quiero que pongas mucha atención a que los golpes vayan en el centro de cada tambor y que los movimientos sean lo más efectivos posibles. No queremos hacer ningún movimiento de más, para poder ir a la mayor velocidad posible con el mayor control posible. Como hicimos en el número anterior, empezaremos a sumar golpes ahora, de manera que intercalaré una mano izquierda después del primer golpe de caja. Haremos lo mismo intercalando una mano derecha después del primer golpe de tom3 al hacerlo a la inversa, de esta manera:

 

 

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DIDÁCTICA

Cuantas más notas damos, se convierte en un ejercicio mucho más exigente físicamente. Es importante que toméis descansos si notáis sobrecargas y que pongáis atención en que la respiración fluya de manera relajada. ¡Seguimos con más movimiento!  

 

 

 

 

 

 

 

 

B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

  Por último, como podéis ver en este ejercicio, los dos últimos golpes son con la misma mano. En el segundo compás con la mano derecha y en el cuarto compás con la mano izquierda, para que así podamos cambiar de dirección y hacer el movimiento a ambos lados. Quiero que pongáis mucha atención a que suenen igual que los golpes sencillos.

 

¿Os ha gustado esta manera de jugar con los movimientos en el kit? Pues ahora echadle imaginación y podéis hacer los movimientos en un orden diferente o si tenéis un set de más o menos piezas, podéis adaptarlo a vuestro set. Relajación, agilidad, dedicación, paciencia, y buen humor, ¡Es todo lo que os hace falta para que esto fluya! Nos vemos en otra ocasión, ¡Hasta pronto!

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SOFTWARE

Agus González Lancharro

LUMINA La claridad de ProjectSam

Symphobia 1 y 2 y la serie True Strike de ProjectsSAM se han convertido en una adición obligatoria de muchas bandas sonoras de películas y televisión, que con su amplio sonido épico puede ser reconocible al instante. Con Lumina parece cerrar un círculo.

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Con un peso de más de 38 GB de data, Lumina es una de las mayores bibliotecas de ProjectSAM hasta la fecha. Este espacio se ha puesto a buen uso ya que ofrece tres posiciones diferentes de micrófono (Direct, Ambient y Wide) en lugar de los dos que se incluye con las bibliotecas Symphobia anteriores. Parece que hay un uso pragmático de las capas dinámicas de Round Robin (técnica que consiste en lanzar diferentes samples para evitar el efecto “metralleta”), manteniendo los tiempos de carga y uso de memoria a un contingente realista pero nunca sacrificando el aparente realismo de lo que puede lograr. La biblioteca se divide en cinco secciones principales: Stories, Textures y Gestures, Playable Instruments, Legato Soloists y Dystopia. Podría decirse que la mayor novedad es la sección Stories, la que podría ser comparado vagamente a la Multis que apareció en las librerías Symphobia originales. En teoría, Stories extrae los diferentes instrumentos y efectos registrados por Lumina, que luego han sido imaginativamente trazados a través del teclado. En muchos sentidos, ilustra perfectamente tanto el enfoque imaginativo tomado por ProjectSAM y la increíble habili-

dad de mapeo del motor de Kontakt. Lamentablemente, los coros y solistas suenan un poco planos y sintéticos, y la selección de parches de dibujos animados podría ser más adecuados para una biblioteca independiente. Alguna programación se muestra molesta y estropea un paquete estelar: las frases no pueden ser automáticamente sincronizadas al tempo en Kontakt, la articulación puede ser ilógico, y la configuración de teclado podría mejorarse. Al igual que con muchas bibliotecas con sonidos modernos, es importante asegurarse de que exploramos y entendemos la variedad de formas en que las muestras son asignadas y programadas para asegurarse de

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que se trabaja con ellos de una manera totalmente expresiva. Muchos de los instrumentos y las texturas, por ejemplo, cuentan con diferentes capas dinámicas, lo que permite fácilmente y sin transiciones con el uso de la Mod Wheel (CC1).

Precio elevado pero merece la pena el “esfuerzo”, a pesar de unos coros más bien flojitos.

SOFTWARE Después de haber creado un producto tan emocionante con la primera Symphobia, las ediciones posteriores han tenido que trabajar duro para cumplir con las mismas normas y expectativas. Mientras Symphobia 2 es muy similar al 1, es agradable ver que Lumina adopta un enfoque ligeramente diferente, que abarca colores orquestales más ligeros e incluso comedia, que es algo claramente ausente de las dos primeras ediciones, mucho más grandes, épicas y de acción. Como siempre, la calidad de los samples y el mapping, así como la imaginación aplicada en la creación del producto, son ejemplares. En pocas palabras, no hay otros desarrolladores de samples que creen un sonido tan épico, y por esa razón, Lumina será una proposición atractiva para muchos compositores. Inevitablemente, sin embargo, es difícil no mencionar el precio, que de acuerdo con las otras ediciones Symphobia se encuentra alrededor de los 800 EUR. Lumina es sin duda un producto de primer nivel con un precio superior, pero teniendo en cuenta la fuerte competencia de algunos de la talla de Spitfire Audio y Sonokinetic (entre muchos otros), Conclusión es una posición cada vez más difícil de tomar. Sólo el tiempo dirá si una futura Mucha expresividad, sonidos granedición puede ofrecer acceso a algunos des, claros y épicos, diferentes pode los contenidos de Lumina a un precio siciones de micro que facilitan la más asequible como ya hicieron con Orproducción y amplio mapeado de chestral Essentials, pero por ahora, si tu las muestras. Precio elevado pero presupuesto puede estirarse hasta ahí, es difícil pensar en un instrumento más merece la pena el “esfuerzo”, a pesar inspirador para disparar tu inspiración a de unos coros más bien flojitos la hora de comenzar un tema. B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

The Mastery Of Tone.

Distribuidor en España y Portugal de Crescent Cymbals

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SOFTWARE

Agus González Lancharro

2 Nuevas alternativas a los clásicos DAW Hace 3 años, la dura batalla de los Digital Workstations se vio endurecida gracias a la novedad en el mercado que suponía el nuevo vecino, Studio One de PreSonus. Toda vez que esta pieza de software ya alcanza su versón 2.5 podemos decir que nos encontramos entre una mezcla entre lo mejor de Logic y lo mejor de Cubase, con ciertas dosis de Reaper. Studio One va acortando tereno con la competencia a pasos agigantados...

B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

La principal novedad de Studio One 2 fue la inclusión de Melodyne, y con sucesivos updates podemos ir sumando otras adiciones menores, pero no menos interesantes. Como ya hemos mencionado, Cubase y Nuendo (ambos de Steinberg) son los programas que más se asemejan a Studio One a grandes rasgos. En cambio, un ámbito en el que Studio One se basa es en el Drag And Drop de Ableton Live. Aunque se puede, por ejem-

plo, agregar efectos a los canales mediante la elección de un menú pop-up, la forma más fácil es usar el navegador completo en la parte derecha de la ventana principal. Aquí, puedes elegir un plug-in o cadena de efectos, y arrastrarlo a una pista existente, o en el espacio vacío para crear una nueva. Del mismo modo, los archivos de audio y muestras se pueden oír, localizados y catalogados en el navegador, y cuando se les arrastra, Studio One creará las vías adecuadas. La 38

masterización integrada también es una gran característica. Y sí, podemos instalarlo incluso en 5 equipos. Quizás lo más destacado de cómo se integra Melodyne es la increíble facilidad con la que podrás convertir audio a MIDI. Una vez que la pista ha sido analizada, sólo tienes que crear una pista de instrumento y arrastrar el evento en la misma. Como por arte de magia, que tendrá una versión MIDI de la parte.

SOFTWARE

Studio One también presenta herramientas para la corrección de la sincronización audio rítmica. Según el manual, cuantificación de audio debe ser tan simple como seleccionar un evento de audio y pulsar ‘Q’, pero sobre el papel, por lo menos, también tiene las herramientas para hacer frente a las grabaciones de audio que requieren un poco más de masaje. Es capaz de analizar y corregir varias pistas al mismo tiempo, preservando la coherencia de fase entre ellos, una característica que es esencial para la cuantización batería multipista. Studio One 2 posee dos mejoras importantes en el arsenal de plug-ins: Open AIR convolution reverb y el Ampire XT simulador de amplificación.. Esto sigue las convenciones bien establecidas, lo que le permite elegir entre una serie de amplificadores, pantallas y pedales. Curiosamente, los últimos aparecen en un orden fijo, pero la mayoría tienen un interruptor pre / post lo que permite colocar ya sea antes del amplificador, o entre el amplificador y el altavoz - probablemente no es algo que te gustaría intentar con un pedal de chorus real. La mayoría de los sospechosos de siempre están aquí, con la obvia excepción de un pedal compresor y cualquier tipo de fuzzbox de alta ganancia o distorsión. Los modelos de amplificador cuentan con dos canales conmutables, y encontrarás la habitual gama de opciones de micrófonos para las pantallas virtuales. La emulación de pantalla está basada en la convolución y Presonus han dado el paso interesante de permitir a los usuarios llevar sus propios impulsos de altavoces. De hecho, el nivel general de los plug-ins incluido en Studio One es muy alto. Esto es particularmente cierto en el compresor y EQ, que son fácilmente igual que los originales, tanto en calidad de sonido y flexibilidad, así como el medidor de fase. Un toque realmente agradable es que los plug-ins incorporados puede visualizar las interfaces en miniatura dentro del mezclador, para que puedas editar sus parámetros más importantes, o mantener un ojo vigilante sobre la fase o el balance espectral, sin tener B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

que abrir una ventana separada del plug-in. No existe de-esser, pero hay un procesador de dinámica bastante bien diseñado. Sobre el tema de la edición de audio, quizá no sea el área más fuerte de Studio One. Por un lado, las opciones de agrupación son un poco primitivos (así como el look general del pool). Se pueden seleccionar varias pistas y grupos, pero no es posible tener pistas que pertenezcan a varios grupos diferentes, o al grupo de sólo algunos parámetros, como con Edit de Pro Tools y grupos Mix o para eventos de grupo independientemente de las pistas que haya. Crossfading es una pesadilla particular. Puedes ajustar fácilmente la longitud del desvanecimiento arrastrando sus límites, y los acontecimientos en el resto de pistas en un grupo harán lo mismo. Sin embargo, todos se desvanecen en Studio One por defecto. El resultado es que si estás haciendo una edición en varias pistas y deseas hacerlo independientemente, no tienes más remedio que ajustar la forma de cada desvanecimiento individual a través de cada pista. Por suerte nos encontramos ante un DAW en desarrollo continuo, a buen seguro que en un futuro próximo habrán tomado nota desde PreSonus. ¿Soñaste alguna vez con tener WaveLab integrado en Cubase? El editor de masterización integrado ya era uno de los aspectos más destacados de Studio One. La versión profesional de Studio One cuenta con un editor especificado y se ha mejorado aún más en la segunda versión. Graba, edita y masteriza todo en un mismo proyecto. Plus añadido sin duda.

El nivel general de los plugins incluido en Studio One es muy alto. Esto es particularmente cierto en el compresor y EQ”

Distribuidor en España y Portugal de Crescent Cymbals

Conclusión Las ventajas únicas de Studio One superan fácilmente sus frustraciones. Su capacidad para trabajar sin problemas con múltiples proyectos abiertos a la vez, por ejemplo, es una gran ayuda, y el conjunto de herramientas de masterización integrada es excelente. Presonus han alcanzado una cantidad enorme en el desarrollo de esta nueva versión, y ahora es un competidor muy serio para la talla de Cubase, Logic, Sonar, Pro Tools y Reaper. Su precio es muy competitivo, y el rápido desarrollo futuro parece garantizado, dado el pedigrí de los desarrolladores y el músculo financiero Presonus. The Mastery Of Tone. 39

DIME QUE...

Dime qué escuchas/ves/ estudias y te diré quién eres.

Danko Compta

Discos, directos, métodos, websites, y curiosidades en los que parar, ya sea un ratito o para que formen parte de tus incunables.

Joey Ramone – cantante

VIDEOS

Johnny Ramone - guitarrista

Live in Reykjavik Mezzoforte

Dee Dee Ramone - bajista Tommy Ramone – batería

CD

Ramones Y volvemos en esta nueva entrega, empezando la temporada 2013-2014 con muchas ganas y fuerza. Y qué mejor que a día de hoy, en el que las razas urbanas se han impuesto como la única forma de encontrar el uniforme adecuado para encajar con la sociedad, que hablar de una de las bandas que ocupa tantísimas camisetas; la cosa está en quienes saben que no es un diseño de una multinacional sino uno de los mayores referentes del punk, RAMONES. Con ese primer disco homónimo y su primer track, desconocido por el título, conocido por el “grito de guerra” de la intro, BlitzKrieg Bop (alias Hey Ho, Let’s Go).

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Los 4 Ramones, que hablaban de surf, experiencias personales y referencias a películas de miedo de serie B en sus letras, con esa sonoridad y una técnica más bien lamentable, estuvieron en un momento y un entorno que les hizo precursores, junto a bandas como Velvet Underground, The Stooges, Buzzcocks, Stiff Little Fingers y un largo etcétera de lo que hoy aún perdura, bandas de punk rock, con, aparte de la apariencia obligatoria en este estilo, esa energía, sonoridad y velocidad. El punk, uno de mis estilos preferidos, el de entonces por su autenticidad en letra y actitud, hoy en día por la técnica que demuestran bandas como Misfits, Rancid, y todo el abanico inmenso que podemos encontrar, y con baterías que telita, ¡no sólo en el funky fusion encontramos cracks de los golpes!

Después de hablaros de algo que marca tanto como un disco de auténtico punkrock, cambiamos de temperatura, nunca mejor dicho. Estos chicos, y digo chicos porque empezaron como con 17 años haciendo un jazz fusion exquisito, oriundos de Islandia, la tierra más comúnmente conocida por artistas de new age como Björk y Sigur Ros, deberían ser un referente imprescindible en vuestras estanterías (reales o digitales) si os mueve el funk, jazz fusión y el pop elegante y técnico.

Mezzoforte: Fridrik Karlsson - Guitar Eythor Gunnarsson - Keyboards Johann Asmundsson - Bass Gulli Briem – Drums Oskar Gudjonsson – Sax Bruno Mueller - Guitar Sebastian Studnitsky – Keys & Trumpet Thomas Dyani – Percussion Thorbjorn Sunde – Trombone Jens Petter Antonsen – Trompet

Extraídos de 3 conciertos en Reykjavic, los 20 tracks que conforman este doble CD + DVD en directo ofrecen un buen rato de desconexión y diversión musical, no sólo por la exquisitez de las composiciones, armonías, melodías, sino por la increíbles técnica de todos y cada uno de sus músicos, con ese estupendo solo de Gulli Briem (batería) y Johann Asmundsson (bajo) que debéis ver sin duda.

Mixed by Johann Asmundsson 5.1 Mix assisted by Birgir Tryggvason Bonus material includes footage from rehersals, old videos and photos covering the band’s 30 year history. Recorded and filmed in Borgarleikhus, March 26 & 27, 2007 - Iceland

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Un método divertido que aporta nociones básicas de patrones de rock y swing y que te abre la spuertas de la inquietud para probar y experimentar trucos, montando el set y tocando.

DIME QUE...

(y ya de dónde venían…). Considero tan importante conocer y entender nuestros referentes que si eres de los que mueve el cogote con un disco de Backyard Babies está bien ver este docu y ver de dónde venía Dregen (Cantante). Como suelo decir, las cosas no aparecen ni desaparecen espontáneamente, son resultados o preceden a otras. Es lo bueno de poder disfrutar y adquirir tanta información en las tiendas y en las redes (más en las tiendas, recordad que para que siga existiendo tenemos que valorar el trabajo de quienes nos influencian, y para nosotros poder crecer) DOCUMENTAL

Goodnight Cleveland Hellacopters Y volviendo al rock (no lo puedo evitar, a medida que pasan los años uno se vuelve más terco con lo que le motiva ) os vengo a hablar de un documental de esos que tanto me gustan. Relata las vivencias de HELLACOPTERS durante los 10 últimos días de gira que realizaron en 2002 presentando el disco “High Visibility” en Nueva York. Curiosidades de ser un documental un poco diferente: rodado con una sola cámara y con el estilo de “Cinéma Vérité”, sin planificación cinematográfica alguna, lo que me gusta tanto de este documental es que es una mezcla de imágenes y sucesos de gira captados y escogidos por su naturalidad con una banda de rock de la que sus integrantes han ido creciendo B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

WEB SITE

MÉTODO INSTRUCCIONAL (DVD/LIBRO/ AUDIO CD)

Deivhook El drummer y el mono

Slim Jim Phantom Rockabilly Rocking Swing

Una muestra real de persistencia, trabajo, esfuerzo, actualidad y serenidad. Una persona afín a sus valores y que cree en el trabajo, crecer, evolucionar, mostrar lo que se sabe para seguir avanzando a por más de la forma que todos tanto valoramos hoy en día: el vídeo. Y me he dejado a toda esa lista de referencias algo que, personalmente, valoro tan positivamente en una actualidad gris como la que vivimos: el humor.

Siguiendo con la tónica rockera, os vengo a hablar de un método mítico, importante, y divertido. Slim Jim, baterista de STRAY CATS nos explica en este método la técnica de un “Stand-Up Drummer”, concepto que ayudó a poner bastante de moda. Nos habla de patrones de rockabilly, rock, swing, fills, redobles, breaks, maneras de colocar las piezas del set para hacer unos patrones u otros. Y cómo no, hey, el rockabilly tiene un factor importante en la imagen. ¡Ese tupé, esa chaqueta, y esos “Stick Tricks”! Nos enseña como “molar” más haciendo rock haciendo malabarismos con las baquetas, todo ello con su humor particular.

Un batera, joven, atractivo, que usa pinturas corporales de una forma moderna y muy creativa, y que va acompañado de un mono/gorila que le baila, le incordia, le ayuda, depende lo que sea preciso, haciendo versiones de grandes temas, y mostrando una evolución clara, teniendo 41

DIME QUE...

un especial cuidado en la imagen, no sólo en la suya, el set de batería, las localizaciones en las que rueda los vídeos, etc. Un proyecto interesante, por el potencial que demuestra, respaldado por marcas como Zildjian, Yamaha, Promark, Nike y Bench, que le ayudan a crecer. Las visitas que recibe en su canal Youtube y su página de Facebook, no sólo por esos vídeos, sino por las actuaciones que lleva ya unos meses realizando en salas y festivales, todo ello demuestra que una persona, su idea, rodeada de un equipo humano adecuado que conecta con esa idea, son capaces de crecer juntos. Un claro ejemplo de grandes logros a nivel musical, marketing, imagen y concepto. Porque no nacemos aprendidos, a los que tienen y muestran esas ganas y ese trabajo, merecen estas oportunidades. www.youtube.com/DEIVHOOK www.facebook.com/deivhook www.twitter.com/deivhook

B&P Magazine. Isue SEP/OCT 2013

FESTIVALES INTERNACIONALES

Taubertal Open Air Festival Vamos a dar un pequeño esquinazo a nuestras recomendaciones mediáticas (Tv y Radio) y esta temporada me voy a dedicar a hablaros de lugares a los que acudir para disfrutar y conocer más música. Y no es la red ¡Es la vida real! Festivales. Ese fenómeno que lleva desde los albores de los tiempos avivando la música en el planeta y que ahora, más que nunca, está tan de moda, siendo eventos y espacios que dan cabida a una hegemonía social y cultural tan amplia en entornos tan dispares como el hormigón de una ciudad o la pureza de un valle. Desde los años 60 con el mítico Woodstock hasta la actualidad con los tropecientos mil y uno festivales que podemos encontrar en cada rincón occidentalizado del globo las cosas han cambiado mucho, sobretodo a nivel técnico y logístico. El público sigue siendo el mismo, más o menos, seres humanos con ganas de pasarlo bien de concierto. Vale que las modas y los fenómenos musicales copan un poco los festivales, o

quizá mucho (según la región en la que te encuentres) pero lo bueno del día de hoy es que invirtiendo un poco puedes encontrar fácilmente el “festi hecho a tu medida” y de paso te echas un buen viaje. Este agosto, por razones de trabajo, he tenido la oportunidad de vivir el TAUBERTAL OPEN AIR FESTIVAL que se hace en Rothenburg Ob Der Tauber, Alemania. Quizá no el más grande del que hayáis oído a hablar, pero lo viví con mucha intensidad, una cartelera increíble, no sólo por los grandes nombres que albergaba (Bad Religion, Skunk Anansie, Biffy Clyro, Pennywise, The Editors) si no por la inmensa cantidad de nuevas bandas a las que daba cabida también, con un segundo escenario regentado por el concurso internacional Emergenza, en el que se dieron cita las bandas ganadoras de 19 de las diferentes ciudades que este concurso gestiona, además de bandas nacionales. Un festival en el que es fácil pararse frente a cualquiera de los más de 50 conciertos que se ofrecen, con bateras de un gran nivel técnico y dinámico, fuera cual fuera el estilo. Hacía mucho que no iba de festival y recordé lo bueno de hacerlo en un paraje como el Valle de Ob Der Tauber: olvidar el mundanal ruido y centrarme en el ruido que más me gusta, la música, las risas y las conversaciones con quien fuere.

CLUBS DE CONCIERTO

Baked Potato Y otro lugar en el que podemos disfrutar y descubrir música de todos los colores y sabores son los clubs, las salas de conciertos, las de toda la vida. Lamentablemente nuestro país está un poco “tocado” en ese aspecto, por eso me permitiré el lujo de hablaros de algunos lugares de fuera mientras me hago una lista de imprescindibles de nuestras tierras. Y qué mejor que empezar por uno de los santuarios en los que han actuado casi todos (por no decir todos) los baterías que copan las listas de Maestros de los que hablamos siempre los bateras: The Baked Potato de Los Angeles. Si alguna vez visitáis Los Ángeles con el suficiente tiempo y dinero para salir por la noche mi consejo es que cuando programéis el viaje tengáis en cuenta la agenda de Baked Potato, podéis dar con Colaiuta, Simon Phillips, Donati y Chambers en la misma semana, lo que viene seguido de guitarristas, teclistas y vientos como

http://2013.taubertal-festival.de

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DIME QUE...

Eric Marienthal, Michael Landau, Greg Mathieson, Abe Laboriel… Aunque sean conocidos o no los músicos que toquen, siempre hay una gran programación. Todos mis amigos que lo han visitado dicen lo mismo: “La primera impresión es que es un garito “mediocre”, pero se come muy bien y no te diré nada que ya no sepas de un concierto de funk, fusión, jazz, latin, epxerimental o incluso rock, no sólo por los musicazos que tocan si no por lo que tocan”. Si os gusta viajar, iremos viendo sitios a los que guste poder acudir durante el viaje para disfrutar de la buena música (¡novias allowed!) Mientras no tenga oportunidad de visitar LA seguiré devorando los vídeos de los shows que corren por la red, ¡echadle un tiento! http://www.thebakedpotato.com/home.html

¡Feliz verano, queridos lectores!

En nuestro ánimo de expandir nuestros conocimientos musicales, os animamos a que si conocéis programas o cadenas de televisión y de radio nos escribáis para descubrírnoslas y así poder recomendarlas a todos. Buscad el Canal Facebook de la revista BATERÍA PERCUSIÓN y mandadnos un post con vuestras ideas o mandadme un mensaje interno a mi página en Facebook. ¡Gracias! DANKO COMPTA HIRNYJ

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