EXCELENTE

REFERENCIA Diciembre / December 2015

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CONTENIDOS

Escritorio: Martín Blázquez; museo: cortesía del Museo Judío y Centro de la Tolerancia, Moscú; escaparate: Louis Vuitton Malletier/Melvyn Vincent; azafata coche: Slim Aarons/Getty Images

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En el estudio de

Arte

Estilo

Moda

Relojes

Motor

Gastro

Bar

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Conocemos las creaciones que Guille García de la Hoz realiza en porcelana, en su estudio madrileño

El Museo Judío y Centro de la Tolerancia de Moscú reúne 15 siglos de historia de la comunidad

Cansado de que le regalen ropa por Navidad, Javier Angulo hace su petición para estas fiestas

La columnista Kim Cáceres analiza si el adiós de Donna Karan es una despedida de verdad

Andrés Moreno nos habla de la firma Cuervo y Sobrinos y de la esencia cubana que mantiene

La industria automovilística sigue siendo machista y este mes te contamos por qué

Nuestra aceite de oliva virgen extra disfruta de una nueva era en la gastronomía internacional

Estas Fiestas, brindamos con champanes de autor, según las recomencaciones de un experto

A peek into the Madrid workshop of ceramicist Guille García de la Hoz and his porcelain animals

Moscow’s Jewish Museum examines 15 centuries of the community in Russia

Tired of getting dodgy sweaters, Javier Angulo calls for a Christmas gifts code of conduct

Kim Cáceres asks if Donna Karan is really quitting work, or if she’ll be busier than ever in retirement

Andrés Moreno on the Cuban Cuervo y Sobrinos, maker of Swiss watches with Latin style

Why is the auto industry a bastion of sexism when half of its customers are women?

José Carlos Capel on his favourite boutique olive oils. There’s one that’s just right for every dish

Champagne from small vineyards has so much more character than Champagne from the big maisons

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Desayuno Oficio en las cuerdas con

La chica de portada

Water of life

Learning the ropes

El constructor y coleccionista Jorge Pérez y Art Basel Miami Beach

Un grupo de jóvenes de todo el mundo se preparan en Bruselas para convertirse en los grandes artistas circenses del futuro

En 1951, la pelotari Alicia Weeks estuvo a punto de ser portada de la revista LIFE. Recuperamos sus fotos y su historia en el deporte

Fue en Comillas, en la costa de Cantabria, donde Antonio Gaudí cambió el rumbo de la historia de la arquitectura, 130 años atrás

En la historia y las leyendas del Parque Nacional Braulio Carrillo, el agua es un tesoro preciado. Por su conservación luchan los vecinos

Developer and art collector Jorge Pérez on Art Basel Miami Beach

With circus arts growing in popularity, Belgium’s only dedicated degree course is busily training the next generation of high flyers

In 1951, Alicia Weeks was on the verge of being on the cover of Life magazine. The story was pulled, but the photos have now resurfaced

It was in Comillas, on the Cantabrian coast, that Antoni Gaudí changed the course of architectural history 130 years ago

In Costa Rica’s Braulio Carrillo National Park, water is the most precious treasure. We meet locals fighting to preserve the land

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The whim of a genius

Bosque sagrado

Breakfast with

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Cover girl

El capricho de un genio

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Jai Alai: Loomis Dean; circo: Thomas van den Driessche; Gaudí: Óscar Larzábal; Costa Rica: Daniela Linares

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COLABORADORES ÓSCAR LARZÁBAL FOTÓGRAFO Colaborador del Diario Vasco y varias instituciones públicas, Óscar decidió dejar la publicidad por la fotografía. En ella se acerca a su otra pasión: el surf, que practica desde hace 20 años. Tuvo su propia revista sobre este deporte y disfruta fotografiando el mar, aunque esta edición, en tierra, nos ha hecho un retrato extraordinario de El Capricho de Gaudí. After working in an advertising agency, Óscar became a full-time photographer. He has worked for Diario Vasco and several public institutions, alongside exploring his passion for surfing through his lens (he’s been addicted for 20 years). He edited his own surf magazine and loves taking photos of the sea, but strayed inland for us to portray Gaudí’s El Capricho. “Comenzar el día con un baño en el mar y jugar con las olas me aporta una actitud muy positiva para crear”. ‘I start every day surfing in the ocean. It gets me in a very positive mood to be creative.’

CLODAGH KINSELLA PERIODISTA Periodista, traductora y aficionada a la aviación, Clodagh Kinsella escribe sobre viajes y arte para diferentes revistas vinculadas con los aviones. Como editora de la guía de viajes Gogo Paris, también es consultora editorial para proyectos de hoteles, restaurantes y tecnología. Este mes, nos presenta a la nueva generación de artistas circenses en Bruselas. Journalist, translator and aviation enthusiast Clodagh Kinsella writes about travel and the arts for a host of plane-borne publications. As the editor-at-large of travel guide Gogo Paris, she also takes on editorial consultancy projects in the hotel, restaurant and tech sectors. This month, she meets the next generation of circus artists in Brussels. “Tengo dos talentos: escribo en el teclado rapidísimo y logro meter muchísimas cosas en el equipaje de mano”. ‘I’ve got two great talents: I’m a lightning-quick typist and I can fit implausible amounts of stuff into hand luggage.’

MARTÍN BLÁZQUEZ FOTÓGRAFO El trabajo de Martín Blázquez es sencillo, pulcro y directo. La temática esencial de su obra fotográfica es el paisaje arquitectónico, que a menudo deriva en imágenes cercanas a la abstracción geométrica, en una visión poética de los ambientes y espacios. En esta edición, firma la imagen del fascinante estudio de Guille García de la Hoz, en Madrid. Martín Blázquez’s work is simple, meticulous and straightforward, and its fundamental theme is the architectural landscape, which often results in images close to geometric abstraction, in a poetic vision of environment and space. This issue, he shot the fascinating studio of ceramicist Guille García de la Hoz in Madrid. “Soy bueno encontrando la belleza de lo invisible, en abstraer imágenes de lo cotidiando”. ‘I am good at finding beauty in the invisible, in abstracting images from daily life.’

Diciembre / December 2015

EXCELENTE

EDITORIAL

ADVERTISING

INK

Director

Head of Print

Jesús Huarte

Germán Marín Alberca

Chief Executives Michael Keating y Simon Leslie

[email protected]

Advertising Director

CFO – Jim Campbell

Editora en inglés

Patricia Herranz

Imogen Rowland

[email protected]

Group Creative Director Toby Skinner

Subdirector

+44 (0)20 7625 0825

Santiago Suárez-Viñuela

Senior Sales Executives

Edición – Ana Valls y

Almudena García, Alfredo

Steve Handley

Ezquerra, Eduardo Requena

ARTE Director de Arte Antonio Gálvez

Diciembre / December 2015

[email protected] 0 Cover diciembre.indd 1

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Portada/Cover FOTO: Liz McBurney

y Ernesto Santana Digital and Onboard/Ambient Edith Collins [email protected]

Group Editorial Director Kerstin Zumstein Group Design Director Jamie Trendall Director of Photography Julia Holmes Sales Director Steve Rowbotham Group Advertising Director Chris Davies

Editora de Fotografía

PRODUCCIÓN

Regina Wolek

Responsable – Ana López

Editado, publicado e impreso por Ink

Reprografía – Mike Gibbon

Blackburn House,

Responsable de Impresión

Blackburn Road,

Pete Murphy

London, NW6 1RZ, UK

IBERIA Director – Juan Cierco Coordinación – Carolina Moreno

+44 (0)20 7625 0700

[email protected] ink-global.com © Ink. Todo el material está sujeto a derechos de autor. Queda terminantemente prohibido distribuir el contenido de la revista o una parte de éste sin autorización expresa del autor. Se ha comprobado la información, precios y datos concretos para que sean correctos en el momento de la publicación. De no ser así, Iberia no es en ningún caso responsable de fallos editoriales. Las opiniones expresadas en Excelente no tienen por qué ser las de Iberia y la compañía aérea declina cualquier tipo de responsabilidad por todo el contenido editorial y publicitario. Depósito Legal: M-17735-2013

FE DE ERRATAS/ERRATUM Créditos maquillaje Eugenia Silva (edición de noviembre): Vera Wolf para Chanel con la nueva colección de la temporada, Blue Rhythm Eugenia Silva make-up credits (November issue): Vera Wolf for Chanel with new season collection Blue Rhythm

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En el estudio de

Guille García de la Hoz FOTO: Martín

Blázquez

Diseñador de interiores y de cerámica, Guille García de la Hoz vive rodeado de un mundo fantástico, que él mismo ha creado –o recopilado en sus viajes buscando tesoros. En su tienda y estudio en el corazón de Madrid, se divierte mezclando el estilo naif con la rebeldía, dando a conocer a otros artistas que se inspiran también en el reino animal y reivindicando la belleza de los materiales en la fragilidad.

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Interior designer and ceramicist Guille García de la Hoz lives surrounded by a Noah’s Ark of animal figures that he has created or collected on his travels. At his shop-studio in the heart of Madrid, he enjoys mixing the naive with the rebellious in fragile porcelain. He also spotlights other artists similarly inspired by the animal kingdom. guillegarciahoz.com

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Retrato/Portrait: Asier Rúa

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Esta ballena es jarrón y altavoz para el iPhone. “Suena a jazz y se llama María Cristina, por mi madre, que no le vio la gracia al principio”, cuenta Guille. This whale is both vase and iPhone speaker. 'It sounds like jazz and is called María Cristina, after my mother, who didn’t think that was very funny at first,' says Guille.

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La señal es un canto irónico a la protección de los animales, tan importantes en la obra del artista. This sign ('Private Hunting') is a reminder about the protection of animals, which have a central place in the artist’s work.

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CIENTOS DE ANIMALES ACOMPAÑAN AL ARTESANO EN SU ESTUDIO MADRILEÑO HUNDREDS OF ANIMALS SURROUND THIS ARTISAN IN HIS MADRID STUDIO 3

En este set de platos, un perro persigue a un gato y éste, a un ratón. In this set of dishes, a dog chases a cat and the cat chases a mouse.

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En la tienda, las únicas piezas que alguna vez estuvieron vivas son estas mariposas, que encontró el artista en un mercado en Alicante. The only animals in the studio that once lived are these butterflies, found in an Alicante market.

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No hay dos piezas de porcelana iguales, aunque los moldes lo sean. When it comes to porcelain, no two pieces are identical, even if they come from the same mould.

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Guille vende piezas de otros artistas que le inspiran, como este azulejo serigrafiado del catalán Bussoga. Guille sells pieces by other artists who inspire him, like this printed tile by the Catalan artesan Bussoga.

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Esta serie la comenzó hace cuatro años pintando marcianos de videojuegos en platos clásicos. He began this series four years ago, painting videogame aliens on classic plates.

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La elefanta Maribel guarda flores, enfría champán y se llama como la suegra de su creador. Maribel the Elephant holds flowers, chills bubbly and is named after Guille's mother-in-law. We wonder if she was amused.

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El ciervo Gerardo es la primera pieza y la más popular del artesano, “mi alter ego y mi animal favorito”. Gerardo the Deer is the artist’s first and most popular piece: 'My alter ego and my favourite animal.'

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El libro Frágiles es su mayor fuente de inspiración. “La fragilidad es el mayor encanto de la cerámica”. The book Frágiles is his main source of inspiration. 'Fragility is the greatest charm of ceramics.'

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Las jaboneras con patas son un encargo de la marca española Olivia Jabones de Cuidado. This footed soap dish was for the Olivia Jabones de Cuidado brand.

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Guille admira los azulejos de la firma PaperPan, que corta papel en lugar de ilustrar, a la hora de crear. Guille admires the work of PaperPan, who cut paper instead of illustrating it.

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Con esta sublimadora, se puede teñir cerámica con poliéster aplicando calor a un papel especial. With this dye-sublimation printer, ceramics can be stamped with polyester colours.

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Este semáforo fue comprado para un proyecto de decoración. El artista comenzó diseñando espacios, algo que sigue haciendo. This traffic light was bought for an interior design project – the ceramicist started out designing spaces and still does.

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ÁNGELA MOLINA CRÍTICA DE ARTE DE EL PAÍS @AngelaMolina2

Rehabilitar el Arca de Noé

Igual que los países europeos de Occidente, o incluso más, los rusos quieren poner al día sus cuentas con la Historia. Prueba de ello fue la creación en 2012 del Museo Judío y Centro de la Tolerancia de Moscú, muy cerca del barrio judío de la capital. Lo primero que llama la atención de éste es el exterior, exponente de la arquitectura constructivista, obra de Konstantin Melnikov (1890-1974), autor del mausoleo de Lenin y del revolucionario pabellón soviético de la Expo de París de 1925. Aquel mismo año, los dirigentes estalinistas le encargaron al arquitecto que proyectara unas cocheras únicas para la ciudad: el Garage Bajmetievski. Junto al ingeniero Vladimir Shukhov, Melnikov ideó una estructura en forma de paralelogramo que habría de servir de aparcamiento de los famosos Leyland ingleses, los autobuses que los jefes soviéticos y sus familias utilizaban para viajar a sus dachas, o casas de campo, en las afueras de la capital. El aparcamiento estuvo en desuso durante décadas hasta que, en 2008, la poderosa coleccionista de arte Dasha Zhukova –mujer del multimillonario Roman Abramovich– lo rehabilitó para convertirlo en el Centro de Cultura Contemporánea Garage. Cuatro años más tarde, la mecenas moscovita trasladó su espacio a un nuevo emplazamiento en Gorky Park. Aprovechando la oportunidad, la comunidad judía de la capital rusa –más de 200.000 personas– convirtió el reciclado Garage en el Museo Judío más grande del mundo.

El dispositivo museográfico es ya un espectáculo en sí, más propio de un templo de la Ciencia que de un museo de la Historia: holografías, consolas interactivas, realidad virtual, fotografías a gran escala, una mini-sala de cine 4D y hasta un memorial en forma de pirámide con una pantalla LED, donde se proyectan los nombres de millares de víctimas del Holocausto. En este gran Arca de Noé caben quince siglos de historia de las comunidades judías rusas que estuvieron marcadas por vicisitudes y penurias. Incluso si uno no vive con fervor esta religión, aquí sentirá una amabilidad familiar que no esquiva la tragedia, pero sí las efusiones sentimentales o patéticas. El relato visual del Museo Judío discurre por el origen de las primeras comunidades hebreas, la historia del Viejo Testamento y los libros sagrados, la diáspora y la supervivencia durante los años de las terribles purgas estalinistas. Este inusual repositorio conserva también un valioso fondo de documentos desclasificados procedentes de los propios archivos soviéticos. El museo reserva un sitio para el arte contemporáneo. Hace pocas semanas se inauguró la muestra dedicada al artista anglo-indio Anish Kapoor, My Red Homeland, una enorme arena giratoria de doce metros de diámetro y 20 toneladas de peso, que remueve un conglomerado de resinas rojas y vaselina; una instalación que bien podría representar la historia a sangre y fuego de un pueblo, el judío, unido por un férreo vínculo cultural.

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Art e

Imágenes del interior del Museo Judío de Moscú / Moscow’s Jewish Museum

Maria Nasimova: Egor Zaika © Jewish Museum and Tolerance Center; museo: cortesía del Museo Judío y Centro de la Tolerancia

A high-tech Noah’s Ark Just like Western European countries – perhaps even more so – the Russians want to put right their account with history. Proof of this was the 2012 creation of the Jewish Museum and Tolerance Centre in Moscow, near the Jewish quarter. The first thing that catches one’s attention is its exterior, a magnificent example of Constructivist architecture designed by Konstantin Melnikov (1890–1974), the architect of Lenin’s mausoleum and of the revolutionary Soviet pavilion at the 1925 Paris Expo. That same year, the architect was commissioned by Russian leaders to design a unique bus depot for the city: the Bakhmetevsky Bus Garage. Melnikov devised a parallelogramshaped structure for parking the famous British Leyland buses used by Soviet leaders and their families to travel to their dachas on the outskirts of the capital. It was abandoned for decades until Dasha Zhukova – a prestigious art collector and wife of billionaire Roman Abramovich

– restored it in 2008, creating the Garage Centre for Contemporary Culture. Four years later, she moved the space to a new site in Gorky Park and Moscow’s Jewish community of more than 200,000 turned it into the world’s largest Jewish museum. Russia’s Gentile great and good enthusiastically backed the project – Vladimir Putin apparently donated a month’s salary from his own pocket. The museum itself is a spectacle, more like a temple to science than a museum of history: holographs, interactive consoles, virtual reality, large-scale photos, a 4D mini-cinema and even a pyramid-shaped memorial with an LED screen displaying a projection of the names of thousands of victims of the Holocaust. This great Noah’s Ark houses 15 centuries of Russian Jewish communities marked by vicissitudes and hardships. Even if not devout believers, visitors will feel a sympathy that – while it doesn’t turn aside from the tragedy

– does avoid sentimentality or pathos. The museum’s visual narrative offers a journey through the origin of the first Jewish communities, the history of the Old Testament and other sacred books, the Diaspora and survival during the years of the terrible Stalinist purges. This unusual repository also safeguards a valuable collection of declassified documents from Soviet archives, and has also set aside space for contemporary art. A few weeks ago an exhibition by the Anglo-Indian artist Anish Kapoor, My Red Homeland, opened. The 2003 title piece is a 20 tonne disk of red wax, around which a huge steel block, propelled by a motorised arm, slowly traces a one-hour course, destroying and reshaping the wax into peaks around its edge. It’s an installation that could very well represent the blood-and-fire-filled history of a people bound by cultural ties of iron. jewish-museum.ru Ángela Molina is an art critic for El País 15

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Ángela recomienda/Ángela recommends

Louise Bourgeois

Como parte de la Bienal de Moscú, la muestra Structures of Existence: The Cells expone diferentes ambientes escultóricos que la creadora gala Louise Bourgeois (1911-2010) realizó en sus 20 últimos años de vida. “Llama la atención la profusión de exposiciones en todo el mundo sobre la artista franco-americana y, sin embargo, nunca consigue estar de moda. Tal es su extrañeza” As part of the Moscow Biennale, the exhibition Structures of Existence: The Cells shows different sculptural environments created by the French artist Louise Bourgeois (1911–2010) in the last two decades of her life. ‘It’s striking, there’s a worldwide profusion of exhibitions of the French-American artist, and yet she never seems to be in fashion. That’s how strange she is’

León Ferrari HASTA/UNTIL 21/2/2016 MUSEU DE ARTE DE SÃO PAULO masp.art.br

Colección Videobrasil

Carteles modernos

HASTA/UNTIL 7/2/2016 MUSEO MARCO, VIGO marcovigo.com

HASTA/UNTIL 18/1/2016 MUSEO DE BELLAS ARTES, BILBAO museobilbao.com

La exposición León Ferrari: Entre Dictaduras recorre la obra del artista plástico argentino durante los 15 años que vivió exiliado en Brasil, en los que la crítica a las dictaduras latinoamericanas fue una constante.

La muestra Memorias imborrables: Una mirada histórica a la Colección Videobrasil presenta un conjunto de piezas que ayuda a rescatar la memoria de eventos y conflictos cuya interpretación popular se ha basado en las versiones oficiales de los vencedores.

Obras de pioneros del cartel moderno como Jules Chéret y Eugène Grasset, así como de diseñadores de renombre internacional, pintores y dibujantes conforman la exposición Mensajes desde la pared. Carteles de la colección del Museo de Bellas Artes de Bilbao (1886-1975).

“A Ferrari le servía cualquier medio, por anti-artístico que fuera, para criticar a la Iglesia Católica y a la dictadura militar”

“En esta colección de un total de 3.000 obras se encuentra la memoria visual de toda una Latinoamérica olvidada”

“Los pioneros del cartel moderno lograron convertir, sin pretenderlo, un formato efímero, en pieza de museo”

León Ferrari: Between Dictatorships is an overview of the Argentine artist during his 15-year exile in Brazil, when his continual theme was criticism of despotic Latin American regimes.

The exhibition Unerasable Memories: A Historical Look at the Videobrasil Collection presents a series of videos showing the artists’ personal acounts of historic events often distorted in official records, including 9/11 and the 1973 coup d’état in Chile.

Works by pioneers of the modern poster, such as Jules Chéret and Eugène Grasset, as well as internationally renowned designers, painters and artists are featured in the exhibition Messages off the Wall: Posters from the Bilbao Fine Arts Museum Collection (1886–1975).

‘Ferrari used all kinds of media – no matter how anti-artistic – to criticise the Catholic Church and military dictatorship’

‘In this collection of 3,000 works is the visual memory of an entirely forgotten Latin America’

‘The pioneers of the modern poster unintentionally converted an ephemeral format into museum pieces’

Bourgeois: Olga Alekseenko © The Easton Foundation/RAO, Moscow; Ferrari: Museo de Arte de São Paulo; Videobrasil: MARCO, Museo de Arte Contemporáneo de Vigo; bañistas: Rafael de Penagos; Marilyn: Dorothea Fischer-Nosbisch

HASTA/UNTIL 7/2/2016 THE GARAGE, MOSCÚ garageccc.com

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Estilo®

JAVIER FERNÁNDEZ ANGULO DIRECTOR DE GENTLEMAN MÉXICO

Regalos que sorprenden (demasiado)

Oh, you shouldn’t have…

“A los maridos hay que sorprenderlos”, le dijo mi suegra a mi santa esposa, mientras le enseñaba un pijama de pantalón corto, en raso y con amebas, más propio del ex presidente del Atleti Gil y Gil que de mi persona. Por supuesto, me sorprendió: me dejó patidifuso más bien. Y, desde entonces, nunca pongo nada de ropa en mi lista de regalos. Ni corbatas, ni gemelos, ni bufandas. Porque rara vez aciertan. Y los hombres odiamos ir a cambiar ropa. Si existiera un manual del no regalo, yo incluiría evitar las corbatas de animales –no sirven ni para ir de visita al zoo. También pondría que no se atrevan con los calcetines, tan íntimos como un diario personal. Y, sobre todo, que no regalen falsificaciones –un amigo me trajo un reloj “Bulgari” de Marruecos, me lo puse para una comida y me lo tuve que arrancar debajo de la mesa, cual Houdini, cuando vi a la directora internacional de la firma (la de verdad) entrar en el restaurante. En esta categoría, pongan especial cuidado con los “vuittones”, para evitar el disgusto y la vergüenza, en caso de que necesiten alguna reparación.

‘Husbands should be surprised,’ said my motherin-law to my sainted wife, showing her a pair of leopard-print satin pyjamas that looked more to the taste of Elton John circa 1973 than mine. I was more than surprised: gobsmacked, actually. Since then, I avoid putting anything remotely to do with fashion on my Christmas list. No ties, cufflinks or scarves, because people almost never get it right, and I detest having to exchange clothing. If there were such a thing as a ‘don’t give’ list, mine would include animal-themed ties, which you can’t even wear to the zoo. I’d also suggest forgetting about socks, which might seem generic but are about as personal a gift as you can buy. And, please, no fakes: a friend once brought me a ‘Bulgari’ from Morocco. I put it on to wear to lunch, but had to quickly tear it off my wrist in a move Houdini would’ve been proud of when I saw the director of Bulgari – the real deal – come into the restaurant. On this note, be especially careful with the ‘Vuittons’ to avoid feelings of mortification when it’s taken in for repair...

Yo comencé a sospechar de los Reyes Magos cuando me empezaron a traer calzoncillos. “¡Qué prácticos!”, decía mi madre, que me dio a entender que la madurez era cambiar trenes eléctricos por mudas. Resultó traumático y solo fue a peor cuando, con la edad, llegó otro insulto añadido en los regalos de moda: el que “da” la talla. Si te queda grande es que eres más

I began to question the existence of Santa Claus when he started gifting me underwear. ‘How practical!’ said my mother, implying that growing up meant giving up train sets in favour of Y-fronts. I was traumatised, but things got even worse when, as I grew into a teenager, another fashion-related insult reared its ugly head: the size issue. If it’s too 19

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enano de lo que te ven. Si te queda pequeño, es que te vieron gordo, pero lo eres más todavía. Recuerden siempre que la talla del hombre no la sabe ni el hombre mismo y que es mejor no adentrarse en los caminos farragosos del tamaño. De pruebas (sin estrenar) está lleno mi armario: abrigos con silueta Thierry Mugler –los hombros no me crecieron lo suficiente–, chaquetas verdes para días de vino y caza –jamás llegaron–, y unos coloridos zapatos con suela de goma, que no consigo reciclar ni con primos ni con sobrinos, por mucho que lo intento aplicando las palabras de Bond al mundo de la moda: “Nunca digas nunca”. Porque incluso algún regalo –reconozco con dolor, para ser justo– me ha permitido dar un paso adelante en mi estilo. No hay más que verme luciendo un par de slippers de diseño con una bufanda de Missoni alrededor del cuello, mientras abro más regalos estas fiestas. ¡Oh, gracias! No tendrías que haberte molestado.

long, it’s because you’re short for your age. If it’s too small, it’s because you’re fatter than your peers. And never forget that a man never knows what his size is, so don’t make him suffer by chasing him for it. My wardrobe is crammed with unworn clothing: coats with a Thierry Mugler silhouette (my shoulders never filled out enough); green jackets for days of wine and hunting (which never arrived); and some brilliantly gaudy rubber-soled shoes that I haven’t been able to fob off even on my cousins, no matter how often I apply Bond’s words to the world of fashion: ‘Never say never…’. All of this said – and even if it hurts to admit it – over the years I have received a gift or two that have helped me to step up my style. Just take a look at me in my multicoloured Missoni scarf and patterned slippers opening my Christmas presents. For me? You really shouldn’t have. Javier Fernández de Angulo is editor of Gentleman México

Edición limitada/Limited edition

Arte salvaje Empezó pintando en el metro de Nueva York a los 17 años y hoy el grafitero JonOne (John Andrew Perello), que define su estilo como abstractoexpresionista, se atreve con el cocodrilo de la moda. Su edición limitada para Lacoste L!VE le ha dado esta temporada un aire más urbano que nunca a la mascota de la marca francesa.

WILD ART He began painting the New York Subway at 17 but, today, graffiti artist John Andrew Perello, AKA JonOne, has gone legit, bringing his street version of Abstract Expressionist to a limited edition of shirts, sweaters and hoodies for Lacoste L!VE. The French brand has never looked more urban.

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Casa Burés

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Lanzamiento/Launch

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El magnetismo de más de 35 escaparates se despliega en las páginas del nuevo libro de la editorial Assouline, Louis Vuitton Windows, con dinosaurios de oro, globos aerostáticos de colores y un universo estampado de lunares. Todos están firmados por Faye McLeod y Ansel Thompson, creadores de las vitrinas más artísticas del mercado del lujo.

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Moda

KIM CÁCERES COLABORADORA DE ELLE MÉXICO Y HARPER’S BAZAAR EN ESPAÑOL @KimCaceresUSA

Nuevo capítulo para Karan La diseñadora neoyorquina Donna Karan le ha dado un giro dramático al último capítulo de su recientemente publicada autobiografía, My Journey, al anunciar el pasado mes de junio su renuncia como directora creativa de su firma homónima, después de tres décadas en la misma. La drástica decisión de dejar el imperio que fundó hace ya 31 años y junto a su difunto marido, la tomaba de la mano del grupo LVMH, que en 2001 la adquirió junto a su licenciatario, por la suma de 580 millones de euros. Karan ya no sería la dueña de su propio nombre – en la industria de la moda– y la colección de la marca sería suspendida por tiempo indeterminado, quedando eso sí como consultora de la marca. Conocida por revolucionar la moda estadounidense en 1985 al lanzar sus Seven Easy Pieces (siete diseños versátiles para llevar de la mañana a la noche, y de un día de diario al fin de semana), por rehusarse al uso del sostén, por tener un gran sentido del humor o por ser amiga de Barbra Streisand (quien escribió el prefacio de su nuevo libro), Karan se ha dado el gusto de haber vestido a Bill Clinton o haber conocido a la Reina de Inglaterra y al Dalai Lama. Su peculiar

vida ha llegado a propiciar incluso rumores sobre una posible película. Recuerdo que hace un par de años tuve la oportunidad de visitarla en su casa en la exclusiva isla privada Parrot Cay, en las Islas Turcas y Caicos. Muy simpática, abierta y observadora, se percató de que mi collar estaba enredado y así pasamos los primeros minutos de la entrevista: con ella tratando de desenredarlo. Después me confesaba su creciente interés en la que por aquel entonces era su flamante nueva compañía y fundación, Urban Zen, donde combinaba filantropía y diseño. “Es como tener otro hijo. Necesita atención”, declaraba en aquel momento. En la actualidad, la diseñadora centra todas sus energías en esta organización, a través de la cual ayuda a la educación y a la preservación de las diferentes culturas, lanzando colecciones de prendas inspiradas prácticamente en su propio guardarropa, con diseños para la ciudad y los Hamptons (dos de sus lugares habituales). También crea accesorios para el hogar, e incluso productos de belleza. Está claro que, al margen de haber dejado de ser oficialmente Donna Karan, la diseñadora no piensa aún en alejarse de la moda. 25

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A new chapter In 1985, Donna Karan shook the US fashion industry with her Seven Easy Pieces collection (seven versatile items designed to go from day to night, weekday to weekend). Thirty years later, she’s caused a rumpus again, this time with her summer announcement that she was stepping down as creative director of the company she founded 31 years ago and which was bought by LVMH in 2001 for a whopping €580m. While she will continue to work for her old firm as a consultant, Donna Karan International will suspend its collections and catwalk shows (though not licences: her name is a valuable property and DKNY will live on). The announcement has certainly given a dramatic spin to the last chapter of her recent autobiography, My Journey, written over the past year with Donna Karan International’s in-house writer Kathleen Boyes.

Two years ago, I had the chance to sit down and talk with her at her home on the island of Parrot Cay in the Turks and Caicos Islands. Genial, open and very observant, she noticed that my necklace was tangled, and that’s how we spent the first few minutes of the interview: with her untangling it. Afterwards, she talked about Urban Zen which was then a new company. ‘It’s like having another child. It needs attention,’ she said. This progeny will receive even more attention now Karan has time on her hands. She’s obviously not planning to say goodbye to the fashion industry. Even now when she’s no longer Donna Karan, she’s even more Donna Karan than ever.

Jim Spellman / Getty Images

Known for refusing to wear a bra, her great sense of humour and sometimes overloading her designs with exotic influences, Karan has had a stellar career. She’s dressed Bill Clinton and met both the Queen of England and the Dalai Lama. She’s also a great friend of Barbra Streisand, who wrote the foreword to the book. Her life has been filled with moments of both light and darkness, and there are already rumours of a possible movie. For the moment, though, she’s once again made a commitment to change, and to the future, with her company and foundation, Urban Zen, which combines design and philanthropy, aiding education and preserving cultures. Her new collection for this label is inspired by her own wardrobe, with designs for the city and for the Hamptons (two of her favourite hangouts).

Kim Cáceres writes for Elle México and Harper’s Bazaar en Español 26

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No te pierdas/Don’t miss

Joyería india DESDE/FROM 21/11 HASTA/UNTIL 28/3/2016 VICTORIA & ALBERT MUSEUM, LONDRES vam.ac.uk

Parte del India Festival que celebra el museo Victoria & Albert de Londres, Bejewelled Treasures: The Al Thani Collection explora la influencia que ha tenido la joyería india en las vanguardias de las casas contemporáneas. La muestra expone impresionantes piezas pertenecientes a la colección privada del jeque Al Thani, con joyas procedentes de los talleres de la dinastía Mogol y los ateliers de art decó de París.

INDIAN JEWELLERY

Bejewelled Treasures: The Al Thani Collection explores the influence of Indian jewellery on the West. The exhibition, part of the V&A’s India Festival, displays treasures from both the workshops of the Mughal dynasty and the Art Deco ateliers of Paris, as collected by Qatar’s Sheikh Al Thani.

Muñeca icónica Barbie es la musa que ha inspirado a Sophia Webster para la última colaboración de la diseñadora de calzado británica. En rosa riguroso y con detalles de plástico, nueve pares –seis de ellos para adultos– componen la divertida colección cápsula para este otoño, con la que Webster asegura haber cumplido su sueño, en un proyecto “muy emocionante y profundamente personal”.

LIVING DOLL

Shoe designer Sophia Webster’s latest collaboration is with every little girl’s favourite fashion muse, Barbie. The girly-pink tones and plastic details of the nine styles – six of which are for grown-ups – in this autumn’s capsule collection are the culmination of a dream that Webster deems ‘very exciting and deeply personal’.

Joyas: The Al Thani Collection © Servette Overseas Limited, 2014. Fotos: Prudence Cuming Associates Ltd

Edición limitada/Limited edition

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Relojes

ANDRÉS MORENO COLABORADOR DE RELOJES EN DAPPER, ESQUIRE, FUERA DE SERIE Y ROBB REPORT @_Andres_Moreno

Homenaje al tiempo. Al que pasa lento Hace tiempo, conocí en un foro especializado a un coleccionista que se lamentaba de la falsa imagen que su afición le había creado. En el trabajo o en una cena con amigos, perdía el hilo de la conversación y se quedaba obnubilado viendo avanzar la aguja de los segundos, disfrutando del diseño de la esfera o contemplando la luz reflejada en el cristal de zafiro. Siempre aparecía alguien que le regañaba por estar tan pendiente del tiempo, pero no era una manía relacionada con la puntualidad o con la prisa: simplemente disfrutaba contemplando su reloj. Una pasión parecida movió a Marzio Villa a involucrarse hace más de una década en Cuervo y Sobrinos. Italiano afincado en España desde hace muchos años y uno de los más importantes distribuidores independientes de nuestro país, Marzio se confesaba nostálgico en uno de nuestros encuentros. “Me hubiera encantado vivir en los años cincuenta. Me gusta todo de aquella época. Su estilo, la música y el modo más pausado de vivir. Cuervo y Sobrinos es mi modo de volver al pasado”, decía recordando el momento en que tomó las riendas de la firma en 2004. Única por su peculiar origen, Cuervo y Sobrinos nació en La Habana en 1882, lejos de las montañas suizas donde surgieron la gran mayoría de marcas del mercado –hoy se fabrican

en Lugano. La casa fue fundada por emigrantes asturianos y, durante décadas, el establecimiento en que la alta sociedad cubana y los turistas más adinerados adquirían sus relojes. En él se vendían las principales firmas procedentes de Europa, pero también modelos fabricados por los dueños del negocio, aunque con el tiempo fue languideciendo hasta desaparecer con la llegada de la revolución. Por eso, la incorporación de Marzio Villa supuso un gran cambio. El experto italiano empleó maneras de arqueólogo en la recuperación de la firma, buscando antiguos diseños y bocetos perdidos en los archivos, hasta reflejar fielmente relojes que triunfaron tras la Segunda Guerra Mundial, cuando la marca vivió su época dorada. Las sinuosas formas de las cajas y la información en español que aparece en las esferas ayudan a definir la personalidad del catálogo, que ha ido creciendo hasta incorporar modelos para el submarinismo y las carreras de coches, y una importante oferta para mujer. Este año, la marca ha dado un importante paso con el modelo Historiador Vuelo, una evolución estética de la marca, poco más de un lustro después de que Marzio Villa abriera una tienda-museo en La Habana, y 130 años después que sus fundadores. La boutique de Cuervo y Sobrinos ha sido la primera tienda de lujo de la capital de Cuba, desde donde disfrutar del tiempo, a paso lento. 31

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Slow time

Years ago, I met a watch collector who lamented the misleading impression that his penchant for timepieces had created. At work or at dinner with friends, he would lose the thread of the conversation, enthralled by the sweep of the second hand, delighting in the design of the face or beholding the light reflected on the sapphire crystal. People would sometimes admonish him for being obsessed with time, but it wasn’t about punctuality, he just enjoyed looking at his watch. In 2004, a similar passion moved Marzio Villa to get involved in Cuervo y Sobrinos, a Cuban brand popular in the postwar years. Villa – an Italian who has lived in Spain for many years and is one of the country’s biggest independent dealers – confesses he is motivated by nostalgia: ‘I would have loved to live back in the fifties. I just love those times. The style, the music and the more laid-back lifestyle. Cuervo y Sobrinos is my way of getting back to the past.’ Cuervo y Sobrinos was established in Havana in 1882, far from the Swiss mountains where the vast majority of luxury brands first appeared. Founded by emigrants from Asturias, it was for decades where Cuban high society and the wealthiest tourists purchased their watches. The shop sold not only timepieces by Europe’s leading firms but also models made in-house. Cuervo y Sobrinos disappeared with the arrival of the revolution, so to bring it back, Villa sought out sketches of old designs in dusty files. Finally he was able to faithfully reproduce watches in the style of the brand’s

Modelo del nuevo Historiador Vuelo de la casa relojera cubana Cuervo y Sobrinos The new Historiador Vuelo from Cuban brand Cuervo y Sobrinos

postwar golden years. These watches are not now made in Havana but Lugano. However, they have a distinct Latin style with sinuous cases and Spanish script on the faces – ‘Swiss made but with a Latin heritage,’ as the company says. The range has gradually grown to include models for divers and racing-car drivers, along with a large range for women, and this year takes a big step forward with the presentation of the Historiador Vuelo. It comes a little more than five years since Marzio Villa opened his shop-museum in Havana, the first own-brand watch showroom in Cuba’s capital. It’s on historic and elegant Calle Muralla, so do take your time – it’s what the island deserves. Andrés Moreno writes about watches in Dapper, Esquire, Fuera de Serie and the Robb Report

Lanzamiento/Launch

Invierno indio India está de moda. Y no solo lo dice el museo londinense V&A, también la casa francesa Boucheron, que ha lanzado su colección de alta joyería Bleu de Jodhpur, reafirmando el exotismo de su ADN desde hace 157 años. Un centenar de piezas recuerdan el blanco y azul típicos de las casas de Jodhpur, en diamantes y zafiros, con diseños que han contado con el asesoramiento del actual Maharajá de la región india.

INDIAN WINTER India is trendy. And it’s not just London’s V&A museum, which has a season devoted to the sub-continent, that says so. Boucheron has launched its Bleu de Jodhpur collection of fine jewellery, reaffirming the fundamental exoticism that has defined the firm since its founding 157 years ago. A hundred pieces recall the typical blue and white of Jodhpur’s houses in diamonds and sapphires, with designs based on the advice of the current Maharaja himself.

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Motor

HÉCTOR IZQUIERDO JEFE DE SECCIÓN DE MOTOR DE GQ ESPAÑA @Infhector

¡Mujer tenías que ser! Página de publicidad de una revista. En primer plano, una bella modelo se insinúa al lector con gesto libidinoso. Una frase subtitula sus pensamientos: “Sabes que no eres el primero, pero… ¿de verdad te importa?”. Parece una página de contactos, pero no, en una esquinita, el logo de una marca premium de automóviles disipa toda duda. Se trata de un anuncio de coches usados. Me recuerda a otro de una marca francesa, que exhibe divorciadas en ropa interior. Y a otro que, hace varias décadas, mostraba un utilitario con un golpe visible en el morro y la leyenda: “Tarde o temprano, tu mujer volverá a casa en coche, una de las principales razones por las que comprar un Volkswagen”. “Las mujeres son dulces y delicadas –concedía–, pero se estrellan con cosas”. Los hombres, como es bien sabido, no. Nosotros “podemos reparar todo lo que ellas utilicen para detener el coche”, según apuntalaba la creatividad, “incluso los frenos”. Por fortuna, la percepción de la mujer que transmite la publicidad de coches ha cambiado en los últimos años. Ahora por fuerza, las marcas también han de dirigirse

a ellas. Sin embargo, no se puede negar que todavía existen abundantes resquicios de machismo en el mundo del motor. No casa muy bien con el concepto de una sociedad igualitaria, por ejemplo, el hecho de que en los salones del automóvil se siga cosificando a las azafatas como simples adornos ligeritos de ropa –lo mismo vale para las pit babes en los circuitos, sin entrar en polémicas sobre los baños indeseados de champán. Tampoco debería ser común la opinión de muchos hombres de que las féminas conducen peor, a pesar de que todos los informes de las aseguradoras sostienen lo contrario. No ayudan las salidas de tono de mandamases como Bernie Ecclestone. Preguntado por si veía a una piloto vestida con los colores de un equipo de Fórmula 1, respondía que, en su opinión, las mujeres solo deberían vestir de blanco, como los electrodomésticos (sic). Que el sexo venda o que la comunicación automovilística haya sido un territorio tradicionalmente masculino no es excusa. Erradicar la discriminación de nuestras carreteras de una vez por todas es responsabilidad de todos, incluso del propio Ecclestone. “¡Machista tenía que ser!” 35

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Motor

A magazine advert. In the foreground, a gorgeous model stares out of the page with come-hither eyes. Below, a caption: ‘You know that you’re not the first… but does it really matter?’ Except for the logo of a luxury auto brand in the corner, you’d think it was a profile on Ashley Madison. In fact it’s an advert for used cars. It puts me in mind me of a French auto maker whose ads feature lingerie-clad divorcees. And of another that – admittedly, decades ago – showed a car with an obvious ding on the front fender over the caption ‘Sooner or later, your wife will drive home one of the best reason for owning a Volkswagen’. ‘Women are soft and gentle,’ the copy concedes, ‘but they hit things.’ Men – as everyone knows – do not. We can ‘repair everything they use to stop the car,’ the ad continues, ‘even the brakes.’ Happily, the perception of women conveyed by car adverts has changed significantly in recent years as auto makers have been forced to advertise to them, too. Still, there’s no denying that there remains abundant evidence of male chauvinism in the industry. Short shrift is given to the concept of an egalitarian society

by the organisers of auto shows, where women serve as scantily clad props. The same is true for the pit babes of the racing circuit, forcing a smile through Champagne showers. Here’s something else: why do men carry on about being better drivers than women when all of the stats from insurance companies clearly demonstrate the contrary? Off-key remarks by the likes of auto racing magnate Bernie Ecclestone make matters worse. Asked if he thought there would ever be a female pilot wearing Formula 1 team colours, he replied, ‘You know, I’ve got one of these wonderful ideas that women should be dressed in white like all the other domestic appliances.’ It’s not news that sex sells and that car talk has always been men’s turf, but that’s no excuse to persist in fossilised attitudes that marginalise one-half of the Earth’s population. Eliminating sexism on our roads once and for all is everyone’s responsibility. Ecclestone might represent that part of the population who still mutter, ‘Only a woman would park that badly,’ but he should remember, it’s just a short hop to ‘Only a sexist would talk such crap’. Héctor Izquierdo is the motoring editor of GQ Spain

Slim Aarons/Getty Images

‘Only a woman would park that badly’

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JOSÉ CARLOS CAPEL CRÍTICO GASTRONÓMICO DE EL PAÍS Y PRESIDENTE DE MADRID FUSIÓN @JCCapel

De aceites y cosechas Pasado el otoño, algunas pequeñas almazaras ya han presentando sus AOVE (Aceites de Oliva Virgen Extra) de 2015, que han vuelto a nacer con toda la fuerza aromática para, después del próximo verano, apagarse con suavidad. En sus primeros meses sabrán intensamente afrutados y, a menudo, con notas a tomates verdes, alcachofas, cardos y hierbas recién cortadas, con matices de frutos secos. Cristóbal Lovera, productor y envasador de la Denominación de Origen Baena, me aseguraba que “la calidad de este año es buena”, la campaña se ha beneficiado de las altas temperaturas registradas en la primavera y el verano pasados y la falta de lluvias (algo positivo para el cultivo del olivo). La expectativa está ya a la altura de la que generan los aficionados a las cosechas de vinos. Igual que sucede con ellos, los AOVE deben mostrar en la etiqueta la fecha de campaña junto a la ficha de cata. Y eso que no envejecen, más bien al contrario –tan solo algunos, como los procedentes de las variedades picual o manzanilla cacereña, se mantienen en buen estado a lo largo de más meses. Los rasgos sensoriales de unos y otros guardan estrecha relación con la climatología de cada zona, el tipo de aceitunas y características, como la altura de los terrenos. Hasta hace poco, sin embargo, la añada, fundamental para valorar el estado

del aceite, se escamoteaba por las marcas. En lo que las firmas españolas han dado pasos de gigante es en el diseño: de los antiguos envases de plástico han pasado a botellas de cristal, oscuras o blancas, opacas a la luz –uno de los mayores enemigos del aceite. Son botellas con tapones irrellenables, que ocupan un espacio central en las mesas de grandes restaurantes, de nuevo en línea con los vinos. También cabe hablar de un aceite de oliva virgen extra para cada plato. Siempre y cuando se trate de aliños en crudo –con el calor, sus compuestos volátiles desaparecen–, el juego de las armonías entre platos y aceites se presta a mil sugerencias. Para aliñar el pan con tomate prefiero los aceites de arbequinas, con gusto a hierbas y al mismo tomate; con las ensaladas de hojas amargas (escarola, rúcula o endibias), ninguno como los de picual que refuerzan las hortalizas; para las anchoas, prefiero los de aceitunas hojiblanca, lo mismo que para los pescados al horno o a la sal, que también casan perfectamente con la cornicabra. Para una escalibada de verduras recurriría a aceites arbequina, manzanilla cacereña o empeltre. Y para los desayunos de pan tostado con aceite y azúcar prefiero los de la Denominación de Origen Baena. 39

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Olive oil to savour

As autumn fades, small olive oil mills have been presenting their 2015 extra-virgin olive oil. In the bottle, summer’s pungent aromas turn slowly to gentle perfumes. During these early months, they’ll have an intense, fruity flavour, with notes of green tomatoes, raw artichokes, cardoons and fresh-cut herbs, and nuances of nuts. Cristóbal Lovera, who produces and packages DO Baena oils, assures me that ‘this year, the quality is good’, despite high temperatures in spring and summer and scarce rainfall. Anticipation runs as high among fans of olive oil as it does among lovers of wine. Just like winemakers, extra-virgin olive oil labels are required to include the oil’s date of harvest and tasting characteristics. Unlike wine, however, olive oil does not improve with age – with some exceptions, such as the Picual or the Manzanilla from

Cáceres, which last well. An oil’s characteristics are closely tied to the weather conditions in each area, the type of olives and features such as the altitude of the land. Until recently, however, manufacturers gave little or no information about the vintage, which is essential to assess the condition of the oil. Spanish producers have, however, taken giant steps in design: from the former plastic containers, they’ve changed to dark glass bottles that are opaque to UV light, one of the oil’s greatest enemies. These bottles have special caps that make it impossible for them to be refilled, and are designed to be served as part of meals in fine restaurants – again like wine. There’s an extra-virgin olive oil that’s just right for every dish, and thousands of harmonious pairings to be discovered (though just be aware this

only applies to oil that’s drizzled on after cooking not used during – heat kills some of its flavours). For bread spread with freshly crushed tomatoes, I prefer oils of the Arbequina variety with their herbal and even tomato-ey touches. For salads of bitter greens (curly endive, rocket or Belgian endive), there’s nothing better than Picual to ramp up the leafy green notes. For anchovies, I really like the Hojiblanca variety. It also goes well with fish baked in the oven or in salt, which, in turn, also harmonises perfectly with the Cornicabra variety. For grilled vegetables, I’d go with Arbequina, Manzanilla from Cáceres or Empeltre. And for breakfast, drizzled on toast and sprinkled with a pinch of sugar, DO Baena is the best way to start the day. José Carlos Capel is a food critic for El País and president of Madrid Fusión

Del menú/On the menu Merienda dramática La ceremonia del té tan característica del afternoon británico cobra un cariz teatral en House, el restaurante del National Theatre de Londres. El establecimiento ofrece una rica merienda con creaciones inspiradas en producciones clásicas como My Fair Lady, El gato ensombreado y Dos mejor que uno. Incluye dos “actos”, una “subida del telón” con un Bellini y un “intermedio” de helado con infusiones y café.

DRAMATIC TEA The ever-so-British ritual of afternoon tea takes on a theatrical feel at House, the restaurant in London’s National Theatre on the South Bank of the Thames. The eatery is offering a delicious afternoon repast with creations inspired by classic productions such as My Fair Lady, The Cat in the Hat and One Man, Two Guvnors. It includes two ‘acts’, a ‘curtain up’ with a Bellini and an ‘interval’ with ice cream, tea and coffee. 40

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ALBERTO FERNÁNDEZ-BOMBÍN GASTRÓFILO, SUMILLER Y PROFESOR DE CATA

Más allá del champán de gasolinera Coincidirán ustedes en que no hay nada menos glamouroso que una gasolinera. Y, sin embargo, en muchas de ellas es posible encontrar botellas de champán, la bebida que asociamos con el lujo y la sofisticación. Junto a la gasolina diésel se venden botellas con la misma etiqueta que las que se descorchan en discotecas de Ibiza: Moët & Chandon, Veuve Clicquot, Mumm... Todas estas maisons comparten su origen en la región francesa de Champagne, siendo responsables de dos tercios de la facturación y del 90% de las exportaciones de la zona. En la copa son fáciles de identificar: acidez moderada, marcado dulzor, nítidos aromas de panadería y nula variabilidad en su perfil a lo largo de los años. En sus etiquetas se encuentran siempre las siglas NM junto al nombre del productor, abreviatura del término Négociant Manipulant, que identifica que han sido elaborados por alguna de las grandes casas de la región, a base de uvas compradas a pequeños viticultores (o vignerons). Su obsesión es que los millones de botellas que venden sean iguales año tras año y respondan al estilo de la casa, y no a la expresión del terroir, ese concepto francés que resume las características del suelo, el clima, la variedad y el sello de su creador. A mí no me disgustan, pero me aburren.

Sin embargo, existe una alternativa a este “champán de gasolinera” y que responde a las siglas RM, Récoltant Manipulant. Las bodegas amparadas por este marchamo están obligadas a cultivar como mínimo el 95% de las uvas utilizadas en sus cuvées. Casi siempre son pequeños elaboradores y su número no para de crecer de forma vertiginosa, con frecuencia como resultado del vencimiento de contratos de larga duración firmados en los años 50, que les obligaban a vender sus vendimias a las conocidas maisons. La mayoría comparte la obsesión por el terroir y sus pequeños matices hacen que en la copa se expresen de forma diferente. Unos trabajan en biodinámica y otros reivindican variedades ancestrales casi olvidadas (Arbane, Petit Meslier, Fromentot, Blanc Vrai...) o carecen de azúcar añadido. Personalmente, me encanta Jacques Selosse y sus inclasificables cuvées de autor, los Blanc de Blancs de Ulysse Collin y Jacques Lassaigne (discípulos ambos de Selosse), o Pierre Gimonnet, el rey de la uva Chardonnay. La lista de buenos productores es casi infinita y no hace falta ganar un Gran Premio de Fórmula 1 para probar una nueva. Porque, como decía Oscar Wilde, “sólo las personas poco creativas fallan al encontrar una razón para tomar champán”. 43

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Nuevas bodegas retan a las tradicionales maisons a la hora de producir champán en la mítica región francesa Small wineries provide a toothsome alternative to the Champagne of the great maisons

There are few things in life less glamorous than a petrol station. Yet, in many of them, it’s quite possible to buy Champagne, that eternal signifier of luxury and sophistication. Along with your unleaded you can pick up a bottle with the same label as you’ll see uncorked in Ibiza’s clubs or sprayed over Formula 1 crowds: Moët & Chandon, Veuve Clicquot, Mumm… These maisons of France’s Champagne region are big business, being jointly responsible for two-thirds of the historic province’s turnover and 90% of its exports. Their wines are easy to identify in the glass: a moderate acidity, marked sweetness and crisp bakery aromas. You’ll always find the initials NM, which stands for Négociant Manipulant, on their labels; this identifies them as having been produced by one of the region’s great houses from grapes purchased from small growers (vignerons). Yet despite the

variation in all these grapes from different growers over different years, the maisons ensure that the millions of bottles they sell are always the same. Their wines represent the style of the house rather than the terroir, that French concept that encompasses the features of the soil, climate, variety and personal touch of its creator. While I don’t find these fizzy wines displeasing, they do bore me. There is an alternative to petrol station Champagne, however. ‘Grower Champagnes’ are wines made by an estate using its own grapes. Wineries whose bottles bear the initials RM, for Récoltant Manipulant, are required to cultivate at least 95% of the grapes used in their cuvées. They’re almost always small producers, and their number (currently around 5,000) is growing steadily, often as the result of the expiry of

long contracts dating from the 50s that obliged them to sell their vintages to the maisons. Most share the obsession for terroir, and their nuances mean that the results in the glass vary. Some work with biodynamics and others are resurrecting long-forgotten ancient varieties (Arbane, Petit Meslier, Fromentot, Blanc Vrai), or are not adding sugar. I love Jacques Selosse and his unclassifiable signature cuvées, the Blanc de Blancs of Ulysse Collin and Jacques Lassaigne (both disciples of Selosse) or Gimonnet, the king of Chardonnay. The list of good producers is nearly endless, and you don’t need to win an F1 Grand Prix to try out a new one. As Oscar Wilde said, ‘Only the truly unimaginative can fail to find a reason for drinking Champagne.’ Alberto Fernández-Bombín is a sommelier and gastrophile

Quinta do Vallado, Relais & Châteaux

Putting fresh fizz into Champagne

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Estar On es conseguir Avios para el empleado y descuentos para tu negocio. Disfruta de descuentos directos para tu negocio. Acumula y canjea puntos en las 3 aerolíneas. Consigue Avios para el empleado. Accede a clases superiores. Entra en onbusiness.iberia.com introduce el código EXCELENTEDIC15 y conéctate ya.

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De la carta/On the list

Mezclas navideñas Heddon Street Kitchen, en el barrio Myfair de Londres, propone elaborados cócteles navideños para disfrutar planeando las compras en la vecina Regent’s Street.

CHRISTMAS MIXES

Heddon Street Kitchen in London’s Mayfair district offers some elaborate cocktails to enjoy while planning your Christmas shopping in nearby Regent Street.

Christmas Pudding Hard Shake 25ml Ron especiado Bacardi Oakheart / spiced rum 25ml Jerez Pedro Ximenez / sherry 10ml Almíbar de pan de jengibre / gingerbread syrup 1/4 Ralladura de naranja / orange zest Helado de vainilla / vanilla ice cream

Panamare Bellini 1 Panatone entero / whole panatone 100ml Amaretto 100ml Cointreau 100ml Agua / water

Hot Buttered Rum 200ml Bacardi 8 años / 8-year-old rum 200g Mantequilla sin sal / unsalted butter 1 Anís estrellado / star anise 5 Clavos / cloves 2 Ramas de canela / cinnamon sticks 1 Vaina de vainilla / vanilla pod 6 Granos de pimienta / peppercorns Nuez moscada / grated nutmeg

No te pierdas/Don’t miss

Heddon Street Kitchen: Regent Street, regentstreetonline.com

De autor

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En el madrileño Aravaca Village, Taüer by Diego Cabrera les hace un guiño a las coctelerías clásicas anglosajonas con una carta de mezclas de siempre, con las que reivindica su papel como uno de los barman más especializados del territorio español.

SIGNATURE CREATION

In Madrid’s Aravaca Village shopping and leisure centre, Taüer by Diego Cabrera gives a nod to the classic cocktails of the Englishspeaking world with a menu of traditional drinks that confirms Cabrera’s place as one of Spain’s most versatile bartenders.

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Desayuno con

Jorge Pérez TEXTO: Jesús Huarte FOTO: Josh Ritchie

No contento con crear el skyline de Miami con The Related Group, el constructor (y mecenas) Jorge Pérez ha contribuido a convertir la ciudad en una auténtica capital del arte

El desayuno de Jorge “Un café americano y una arepa (tortilla de maíz) con queso”

Para relajarte. El tenis y las novelas policíacas Escucharías mil veces. Nowhere Man, de The Beatles De vacaciones. En Lucca, la Toscana (Italia) Tu mayor logro. Mi familia Un consejo que no olvidarás. Hazlo todo con pasión

¿Qué no ha cambiado desde tus inicios? Mantengo la ilusión que siempre sentí de hacer algo que tuviera permanencia, de dejar un legado. Siempre quise convertir Miami en una gran ciudad y hacer que la gente volviera al centro, que no tuviera que mudarse a los suburbios como sucede en muchas ciudades estadounidenses. Recuerdo que tenía el deseo de ayudar a crear esta ciudad y, en cuestión de dos décadas, hemos conseguido internacionalizarla y volverla muy urbana. ¿Por qué son únicos los edificios que construye The Related Group? Cada uno es completamente diferente, igual que su diseño. Una vez que vemos las necesidades del proyecto, buscamos al mejor arquitecto y al mejor interiorista en cualquier lugar del mundo. Hemos trabajado con Enrique Norten, César Pelli o Arquitectonica, y con David Rockwell, Philippe Starck, Yabu Pushelberg o Piero Lissoni. Además, invertimos muchísimo en arte, pero arte “de museo”. Ni siquiera permitimos que sean los interioristas los que seleccionen las obras, tenemos dos comisarios trabajando a tiempo completo en nuestra oficina. ¿De dónde viene tu interés por el arte? Siempre tuve cierta afinidad, me da alegría, me llena de vida. Ya cuando estaba estudiando, ahorraba para comprarme litografías de Miró y Marino Marini. Y después, cuando decidí quedarme en Estados Unidos –nací en Argentina y me crié en Colombia–, me daba miedo perder mis raíces. Poco a poco, empecé a coleccionar arte latinoamericano como una forma de mantenerme en contacto con mi cultura. Había entonces dos subastas especializadas al año, en Christie’s y Sotheby’s, y allí nos encontrábamos

todos los coleccionistas latinos y hablábamos de literatura, teatro, política, de lo que estaba pasando más allá del arte… El museo que lleva tu nombre, ¿es la construcción de la que más orgulloso te sientes? El Pérez Art Museum Miami (PAMM) es para mí grandioso, por dentro y por fuera. Sus arquitectos Herzog & de Meuron captaron la belleza de Miami, la luz, el agua, la vegetación, e hicieron un museo tropical y moderno. Yo he trabajado mucho para fomentar la filantropía entre los latinos y que el museo tenga mi nombre es un ejemplo. Sigo pidiendo a mis amigos que den al arte, la ciencia, la investigación… en definitiva, a la sociedad. ¿Qué artistas eran imprescindibles para el museo? De los clásicos, sin duda Torres García, Diego Rivera, Roberto Mata y Wifredo Lam. Son grandes artistas de mediados del siglo XX y maestros de la pintura latinoamericana. Era muy importante históricamente que pasaran de la colección privada a una pública en Miami, siendo la ciudad algo así como la capital de las Américas. ¿Participas en Art Basel Miami Beach, del 3 al 6 de diciembre? No dormiré (ríe), porque mi señora y yo participamos desde que comenzó la feria. Somos parte de la junta que logró traerla y organizamos una fiesta con exposiciones cada noche. Este año, vamos a tener una muestra del arte contemporáneo latinoamericano que hemos adquirido recientemente y traeremos una colección de esculturas monumentales de Botero. Será una semana mágica. 49

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Jorge Pérez TEXT: Jesús Huarte PHOTO: Josh Ritchie

Not content with redefining Miami’s skyline with The Related Group, property developer and patron of the arts Jorge Pérez has helped make the city a capital of culture

What hasn’t changed since you started out? I’m just as enthusiastic as I ever was about doing something that would last, about leaving a legacy. I always wanted to make Miami a great city and get people to move back to the city centre instead of having to move to the suburbs as in so many US cities. I recall that I really wanted to help create the city and, in just two decades, we’ve managed to make it more international and more urban. What makes The Related Group’s buildings unique? Each one is completely different, just like its design. Once we see the project’s requirements, we scour the globe for the best architect and the best interior designer. So, we’ve worked with Enrique Norten, César Pelli and Arquitectonica, and David Rockwell, Philippe Starck, Yabu Pushelberg and Piero Lissoni. Moreover, we’ve invested very heavily in art, museum art. We don’t even let our interior designers choose it; we have two full-time in-house curators. Where do you get your interest in art? I’ve always had an affinity for art; it brings me joy and makes my life full. Even back when I was a student, I’d save up to buy lithographs by Miró and Marino Marini. And later, when I decided to stay in the US – I was born in Argentina and raised in Colombia – I was afraid of losing my roots. I started to gradually collect Latin American art as a way of keeping in touch with my culture. At the time, there were two specialised auctions here – at Christie’s and at Sotheby’s – and that’s where all we Latin American collectors 50

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would meet up and talk about literature, theatre, politics… whatever was going on besides art.

Jorge’s breakfast ‘An Americano and an arepa [maize flatbread] with cheese’

Is the museum that bears your name the construction you feel proudest of? For me, the Pérez Art Museum Miami (PAMM) is simply sublime, inside and out. Its architects – Herzog & de Meuron – captured Miami’s beauty, its light, water and vegetation, and created a tropical, modern museum. I’ve worked hard to encourage philanthropy among Latin Americans and a museum bearing my name is an example. I keep asking my friends to give to art, science and research... in short, to society.

To relax Tennis and detective novels A song you’d listen to over and over again Nowhere Man by the Beatles A holiday In Lucca, Tuscany

What artists were ‘musts’ for the museum? Of the classics, Torres García, Diego Rivera, Roberto Mata and Wilfredo Lam. They’re great mid-20th century artists and the grand masters of Latin American painting. For historical reasons, it was very important for them to be transferred from a private collection to a public one in Miami, as the city is kind of like the capital of the American continents.

Your greatest achievement My family A piece of advice you’ll never forget Put passion into everything you do

Will you be taking part in Art Basel Miami Beach, on 3 to 6 December? I won’t sleep a wink, because my wife and I have been involved since it started. We are part of the board that managed to bring it here and we organise a party with exhibitions every night. This year, we going to have a sample of Latin American contemporary art that we recently acquired and we’re going to show a collection of monumental sculptures by Botero. It’s going to be a magical week. 50

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Breakfast with...

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TEXTO: Clodagh

Kinsella

LEARNING THE ROPES WITH CIRCUS ARTS GROWING IN POPULARITY WORLDWIDE, BELGIUM’S ONLY DEDICATED DEGREE COURSE IS BUSILY TRAINING THE NEXT GENERATION OF HIGH FLYERS

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FOTOS: Thomas

van den Driessche

OFICIO EN LAS CUERDAS JÓVENES DE TODO EL MUNDO SE PREPARAN EN BRUSELAS PARA CONVERTIRSE EN LOS GRANDES ARTISTAS CIRCENSES DEL MAÑANA

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La Escuela Superior de Arte Circense de Bruselas nació oficialmente en el año 2003 y es la única academia del país que ofrece un programa oficial de formación Brussels’ College of Circus Arts has offered a degree programme in trapeze, cradle, ropes and all the other big top skills since 2003

En un edificio de ladrillo del municipio de Auderghem, en Bruselas, los alumnos de tercer curso de la Escuela Superior de Arte Circense (ESAC) estudian en pleno movimiento. Mientras dos argentinos están suspendidos en un trapecio (uno de ellos lanza y vuelve a agarrar a su compañera, que ejecuta un salto mortal), un acróbata se desliza por una tira de tela y su vecino practica en el mástil chino. Antes la gente abandonaba su hogar para unirse al circo o nacía en él y aprendía de su familia las artes de las cuerdas, el equilibrismo o el trapecio, mientras se desplazaba de un lugar a otro con una compañía tradicional. Hoy, sin embargo, muchos de los aspirantes a circense profesional realizan estudios en escuelas universitarias especializadas como la ESAC y otros centros pioneros en estas artes, como la École Nationale de Cirque (ENC) de Montreal o el Centre National des Arts du Cirque (CNAC) en Châlons-en-Champagne, Francia. Las artes circenses han evolucionado en cuestiones fundamentales. Con Annie Fratellini (hija

del circo y primera mujer payaso de Francia) y el gran Cirque du Soleil canadiense a la cabeza, el nouveau cirque, o circo contemporáneo, ha conseguido revitalizar el género desde finales de los años 70. En lugar de los maestros de ceremonias y los actos con animales de la antigua escuela, los espectáculos de este “nuevo circo”, que pueden verse también en los teatros, incluyen danza, funciones y artes visuales, y presumen de sofisticados vestuarios, efectos escénicos y música original. Bélgica ha tenido que actualizarse. “Al igual que la mayoría de países europeos, hemos introducido el nuevo estilo, pero no al nivel de Francia o Canadá”, explica la directora del ESAC, Virginie Jortay, señalando el edificio de la primera escuela circense de Bélgica –que en un comienzo se llamó L’Ecole sans Filet– inaugurada en 1981, como el germen de las actuales iniciativas. Un obstáculo ha sido la falta de escuelas secundarias preparatorias; ESAC comenzó siendo una, pero con el apoyo del gobierno francófono local, lleva

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Los estudiantes proceden de diversos países y campos tan dispares como la danza, para formarse en teatro, baile y maestría sobre el escenario ESAC students often come from other fields such as dance to learn acrobatic skills and big top-style showmanship

In a redbrick school hall in Auderghem, on the easternmost end of the Brussels metro network, a third-year class at the College of Circus Arts (L’École Supérieure des Arts du Cirque, or ESAC) is in full swing. While an Argentinian duo hang from an aerial cradle – the inverted catcher slickly releasing and grasping his somersaulting partner – an aerial silk specialist slides dramatically down a swathe of fabric, as his neighbour nimbly ‘monkey climbs’ up a Chinese pole. Once upon a time, people ran away to join the circus. Others were born into it – learning the ropes, teeterboard or trapeze from their families as they roamed around with a traditional big top. Nowadays, would-be professionals are just as likely to do a bachelor’s degree at a famous circus university such as the ESAC, or its trailblazing peers: the École Nationale de Cirque (ENC) in Montreal and the Centre National des Arts du Cirque (CNAC), in Châlons-enChampagne, France.

Besides accruing acronyms, circus arts have changed in other, more fundamental, ways. Spearheaded by Annie Fratellini – circus scion and France’s first female clown – and practised by Canada’s all-conquering Cirque du Soleil, nouveau cirque, or contemporary circus, has revitalised the genre since the late 1970s. In lieu of old-school animal acts and ringmasters, nouveau cirque’s story-led shows span dance, theatre and visual art, and boast sophisticated lighting and costumes, plus original scores. Circus now inhabits theatres as well as tents. Belgium has had some catching up to do. ‘Like most European countries we had the new circus coming in, but not as clearly as in France or Canada,’ explains ESAC director Virginie Jortay, who cites Belgium’s first circus school, which opened in 1981, as the genesis of the country’s current circus initiatives. One hurdle has been the lack of preparatory schools; ESAC began as one, but with the backing of the local Francophone 55

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La canadiense Léah Wolff, que posee formación como bailarina, es estudiante en la Escuela circense de Bruselas, donde se ha especializado en acrobacias con aro Canadian Léah Wolff, who trained as a dancer, is a student at the Brussels circus school, where she specialises in acrobatics using the hoop

desde 2003 otorgando títulos universitarios. Los estudiantes de tercer año que están desafiando a la gravedad se encuentran ya a un paso de su espectáculo de graduación Exit, que se representará en mayo del próximo año, y en el que cada uno realizará su propio número ante el público. Todos han estudiado baile, teatro y maestría escénica. “La escuela ofrece una especie de paquete con todo incluido –dice Léah Wolff, canadiense especialista en acrobacias con aro. Recibes formación para desarrollarte como un artista integral”. Léah viene del mundo de la danza y supo de la ESAC por unos estudiantes de intercambio en Canadá. “Me enamoré de la escuela y del circo”, cuenta. La mayoría de los 50 estudiantes nacieron en los 90 y algunos han llegado hasta la escuela tras ver videos de antiguos alumnos entrenando en Facebook y YouTube. En los últimos años, la ESAC ha adquirido renombre también en el extranjero, especialmente en América Latina –su página web está en

español, inglés y francés. Los artistas del trapecio Josefina Castro Pereyra Soler y Sergio Ortiz Cabrera llegaron de Argentina para trabajar con el profesor Yuri Sakalov, un gimnasta soviético contratado en 1999, que tiene la vida de los alumnos en sus manos. “Tenemos mucha confianza. Sé que si necesito cualquier cosa o que si algo no va bien, puedo comentárselo”, dice Josefina recién bajada del trapecio. “Tienen mi teléfono y mi correo electrónico –añade Yuri. En Rusia los profesores eran muy distantes. Aquí no es así”. Todas las plazas están cubiertas y para tener éxito como estudiante de la ESAC se necesita algo más que talento. “Lo más importante para mí es que la gente ame, quiera y respete la profesión –afirma el profesor. Cuando seleccionamos a alguien intentamos mirar en su interior”. Yuri intenta imponer disciplina por un lado, y actuar como guía por el otro: “Intento enseñarles cómo introducirse en este mundo una vez que salgan de aquí. Al final es una cuestión de actitud y de saber estar”.

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La Escuela cambiará de instalaciones gracias a la ayuda del gobierno, para instalarse en un moderno campus en el que se han invertido 3.5 millones de euros With financial assistance from the Belgian government, the school is about to move to a new €3.5m campus

government, it has bestowed degrees since 2003. The third-years currently defying gravity are a hop, skip and a jump from their graduation show in May, Exit, when each performs their own numéro for the public. Besides countless hours spent mastering their chosen apparatus, each has studied dance, theatre and showmanship – the razzmatazz distinguishing circus from gymnastics. ‘The school gives you a kind of package deal’, says Léah Wolff, a Canadian aerial hoop specialist with the pep of a born performer. ‘You get a little bit of everything that helps you develop as an all-round artist.’ Léah, who defected from the dance world, heard good things from ESAC students on an exchange programme in Canada, and auditioned on a whim. ‘Actually I fell in love with it, and it turns out that the circus world is really friendly, really familial,’ she says. Given that the 50-strong student body are all Millennials (most were born in the 1990s), others have arrived at ESAC’s door after watching training videos posted by former pupils on Facebook or YouTube. In recent years, ESAC’s renown has grown abroad – especially in Latin America: the website comes in Spanish as well as English and French. Aerial cradle artists Josefina Castro Pereyra Soler and Sergio

Ortiz Cabrera decamped from Argentina to work with teacher Yuri Sakalov – a Soviet-era gymnast who joined the school in 1999 and jokily describes himself as a ‘mammoth’. Given ESAC’s extravagant staff-to-student ratio, and the fact that he literally holds their lives in his hands, they enjoy an easy rapport. ‘We have a lot of confidence. I know that if I need something, or something is wrong, I can tell him,’ says Josefina, having jumped down from her perilous perch. ’They have my telephone, they have my email,’ Yuri chips in. ‘In Russia, the teachers were so distant. Here it’s not like that. They address me with the informal tu. In my country they said vous.’ Places are vastly oversubscribed, and successful ESAC candidates need more than just talent. ‘The most important thing for me is that people need to love it, want it and respect it,’ Yuri says. ‘Now, more and more, when we select people we look at what they have inside. If they come just to stay in Europe it’s a problem. They take someone else’s place.’ Yuri is part disciplinarian and part pastor. ‘I try to teach them how to leave and go into the world,’ he says. ‘It’s about attitude and etiquette.’ The Russian is clearly still bemused by one former student’s reinvention as a fireman, but graduates’ options are limited. Most want the security and contract offered by a company – Josefina cites 57

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El gimnasta ruso sigue desconcertado porque un antiguo estudiante se hizo bombero, pero es que las opciones de los graduados son limitadas. Muchos prefieren la seguridad de un contrato con una empresa. Josefina cita a algunos de sus predecesores que se unieron a la compañía Akoreacro. La mayoría van de un sitio a otro, intentando vender sus actuaciones a circos tradicionales, festivales como el Cirque de Demain de Francia o cabarets alemanes. “Si te ofrecen un trabajo estable, es difícil que digas que no”, admite Léah. La mayor parte se quedan en Bruselas, crean su propia empresa y viven en pisos compartidos. Aparte de los festivales circenses celebrados en Bélgica, como el Gentse Feesten, el Theater op de Markt y el MiramirO, Bruselas ofrece lugares de entrenamiento y actuación como Espace Catastrophe, L’Ecole de Cirque de Bruxelles y La Roseraie, además de la empresa de danza dinámica P.A.R.T.S. “Hay quienes se pasan en algún

momento a la danza, pero casi siempre acaban volviendo –dice Virgine, la directora– porque cada vez hay más actividad circense”. En el caso de la ESAC, “el problema es que no estamos en un momento en que podamos desarrollar nuestro propio proyecto y que esté abierto siempre que queramos”. Afortunadamente, con la ayuda del gobierno, la escuela está a punto de instalarse en una antigua planta de carbón, en el barrio de Anderlecht. Dentro del conocido campus de Ceria, la academia tendrá edificios diferentes para entrenamiento y representaciones como Exit, que actualmente se escenifica en Les Halles de Schaerbeek. El traslado está programado para 2017 y coincidirá con el lanzamiento de un máster, que elevará el perfil de la escuela en el país, donde hasta ahora ha pasado casi de incógnito. En lugar de que el circo llegue a la ciudad, será la ciudad la que llegue al circo.

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Los alumnos son como una gran familia al más puro estilo circense tradicional. A la dcha., el profesor y gimnasta ruso Yuri Sakalov Students form one big family in traditional circus style. Right: Russian gymnast and teacher Yuri Sakalov

predecessors who joined noted troupe Akoreacro – but few are hiring. Instead, they wander, trying to sell their acts to traditional circuses, festivals like Cirque de Demain in France, or German cabarets. ‘It sounds horrible but beggars can’t be choosers. If you get offered work, most of the time you’ll probably take it,’ Léah admits.

around the primary school, music academy and evening classes that share its modest home – the situation is increasingly precarious, says Virginie. ‘The problem is that we are not in our own place. It’s absolutely necessary for us to have our own location, open when we want, so we can develop our project.’

The majority remain in Brussels, share apartments, and form their own companies. Besides circus-minded Belgian festivals Gentse Feesten, Theater op de Markt, and MiramirO, the capital itself boasts training and performance spaces like Espace Catastrophe, L’École de Cirque de Bruxelles, and La Roseraie – plus dynamic dance company PARTS. ‘Many students cross over into dance but nearly all come back,’ says director Virginie. ‘There’s more and more circus activity.’ Not least at ESAC. While it has long performed a fine juggling act in Auderghem – working

Happily, with the government’s aid, the school is poised to decamp to a new home in canal-side Anderlecht. Set in a former coal-fired heating plant, the €3.5m CERIA campus will have separate buildings for training and shows like Exit (currently held off-site at the Halles de Schaerbeek). The move, which is slated for 2017, will chime with the launch of a master’s degree. It should also raise the school’s profile at home, where it has long gone relatively incognito. Then, rather than the circus coming to town, the town will be coming to them. 59

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COVER GIRL SIXTY-FOUR YEARS AGO, ALICIA WEEKS FOSTER WAS ON THE VERGE OF BEING THE COVER STAR OF LIFE MAGAZINE. THE STORY WAS PULLED, BUT THE PHOTOS HAVE NOW RESURFACED TO TELL THE INSPIRING STORY OF THE FIRST FEMALE JAI ALAI PLAYERS IN THE USA

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LA CHICA DE PORTADA HACE MÁS DE 60 AÑOS, ALICIA WEEKS FOSTER ESTUVO A PUNTO DE SER PORTADA DE LA REVISTA LIFE, PERO ESTAS FOTOS, QUE HOY VEN POR FIN LA LUZ, QUEDARON EN UN CAJÓN JUNTO A LA HISTORIA DE LAS PELOTARIS DE EE UU TEXTO: Daniel Burgui Igúzkiza FOTOS: Loomis Dean 61

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T de Copenhagen Suborbitals en la capital danesa, donde se encuentran los prototipos de los cohetes, como el Spica 1, cuyo diseño están desarrollando en este momento The Copenhagen Suborbitals workshop, where rockets such as its Heat and Sapphire models were made and state-of-the-art Spica is now being designed

T de Copenhagen Suborbitals en la capital danesa, donde se encuentran los prototipos de los cohetes, como el Spica 1, cuyo diseño están desarrollando en este The Copenhagen Suborbitals workshop, where rockets such as its Heat and Sapphire models were made and state-of-the-art Spica is now being designed

Era el otoño del año 1949. Alicia Weeks Foster tenía 18 años y junto a otras compañeras de instituto acababa de crear el primer equipo femenino de cesta punta en Estados Unidos. Tres días por semana, bajo la supervisión de Carmen Davies –la esposa de un militar de la base naval de San Diego aficionada al deporte vasco–, media docena de jóvenes estudiantes cruzaba la frontera hasta Tijuana, para entrenar y jugar en el Frontón Palacio, una cancha para 3.000 espectadores con casino, restaurantes y casa de apuestas, en la que a menudo se citaban actores de Hollywood. “Nunca pensé que estuviésemos haciendo algo extraordinario, simplemente nos divertíamos”, recuerda la propia Alicia, de 84 años, desde Coronado, California.

La cesta punta o jai alai es una modalidad de juego de pelota vasca considerada entre los deportes más rápidos del mundo –la bola de cuero de piel de cabra viaja a más de 300 kilómetros por hora, estampándose con un golpe seco en la pared del frontón, para rebotar recorriendo una cancha de 54 metros y que el contrincante la capture en una cesta de mimbre y la catapulte de nuevo contra el muro. Es un espectáculo vivo y peligroso que, aunque nació en el País Vasco, en aquella época vivía su época dorada al otro lado del charco, gracias a la emigración y al auge de las apuestas. Se convirtió en el capricho de las clases altas de Miami, La Habana, Nueva York, y México, e incluso de El Cairo, Shanghái o Manila.

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El primer equipo femenino de pelotaris de EE UU viajaba hasta Tijuana para entrenar en el mítico Frontón Palacio Jai Alai The first female US jai alai team travelled to Tijuana to train at the legendary Frontón Jai Alai Palace

It was the autumn of 1949. Alicia Weeks Foster was 18 years old and – together with other highschool classmates – she had just created the first women’s jai alai team in the United States. They trained three days a week under the supervision of Carmen Davies, the wife of a soldier from the San Diego naval base who was a fan of the Basque sport, with six young women crossing the border to Tijuana to practise and play in the Frontón Palacio, a court with room for 3,000 spectators, plus restaurants, a casino and a betting shop where Hollywood actors liked to hang out. ‘I never thought that we were doing anything extraordinary; we were just having a good time,’ recalls Alicia, now 84 years old and living in Coronado, California. Jai alai (or zesta-punta) is a variation of Basque pelota and is considered one of the world’s fastest sports: the ball, made from goat leather, travels at more than 300kmph, rebounding off the front wall and across a 54m court for the opponent to capture it in a cesta – a long, curved catching mitt – and catapult it back against the wall. It’s an intense and dangerous spectacle that, despite originating in the Basque

Country, was enjoying a golden age; thanks to Basque emigration and the rise of gambling, it had became fashionable among the upper classes in Miami, Havana, New York, Cairo, Shanghai, Manila, Madrid and Mexico City. ‘Back then, we girls weren’t allowed to play American football or basketball, just minor sports. But when we played jai alai, we felt free. We didn’t even think about whether it was a “man’s sport” or not,’ says Alicia. ‘The jai alai player José Gárate taught us to play, and Mr Fernández, who managed the court, always took good care of us. We girls never argued among ourselves; we exercised, a lot of people came to see us and we competed. It was so dangerous! One girl got hit in the eye with a ball and it smashed her glasses.’ In March 1950, the girls’ prowess came to the attention of the editors at Life magazine, the world’s most prestigious photojournalism publication. It had published Capa’s photos of the 1944 Normandy landings and, years later, would show the arrival of man on the Moon. The publishers sent Loomis Dean, one of their star photographers, to spend a few days with the jai alai girls. The editors loved his photo essay. 63

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Alicia Weeks pudo convertirse en portada de la revista Life, junto a sus compañeras Alicia Weeks and her teammates nearly became Life magazine cover stars

“JUGANDO A LA PELOTA VASCA NOS SENTÍAMOS LIBRES. NO PENSÁBAMOS SI ERA ALGO DE HOMBRES”

“En aquella época a las chicas no nos dejaban jugar ni al fútbol ni al básquet, solo a deportes denominados ‘menores’. Sin embargo, jugando a pelota vasca nos sentíamos libres. Ni siquiera pensábamos si era un deporte de hombres o no. El pelotari José Gárate nos enseñaba a jugar y el señor Fernández, el mánager del frontón, siempre nos cuidaba. Entre nosotras nunca discutíamos, hacíamos ejercicio, venía mucha gente a vernos y competíamos. ¡Y era peligroso! Una chica recibió un pelotazo en el ojo y le reventó las gafas”, relata Alicia. En marzo de 1950, la proeza de estas muchachas llegó a los oídos de los redactores de la revista Life, la más prestigiosa publicación de fotoperiodismo del mundo, la misma que había publicado las fotos de Capa del desembarco de Normandía y que, años más tarde, mostraría la llegada del hombre a la Luna. Los editores enviaron a uno de sus reporteros estrella, Loomis Dean, para convivir varios días con las chicas del jai alai. El reportaje fotográfico de Dean conquistó a toda la redacción.

“Lo recuerdo como si fuese ayer. Llegó con varios asistentes. Era muy profesional y educado, quedamos impresionadas. Estuvieron un par de días con nosotras”, asegura Alicia sobre la figura que, a lo largo de su carrera, retrató a actores y familias reales europeas, al león de la Metro Goldwyn Mayer, al Papa Pablo VI en una audiencia privada o al mismo Ernest Hemingway pocos días antes de su suicidio, firmando también hasta 56 portadas en la mítica revista. Alicia pudo haber ocupado una de ellas aquella primavera, cuando se puso frente al objetivo de Dean, junto a Peggy Lane, Marilyn Raftery, Pat Parker, Dolores Paden, Pat McGlynn, Peggy Barton y Elena Olazabal. Y, sin embargo, ni ella ni sus compañeras vieron jamás el resultado.

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La cesta punta se convirtió en el deporte preferido de las clases altas americanas In the forties, jai alai became a favourite sport of the American upper classes

‘IT WAS SO DANGEROUS! ONE GIRL GOT HIT IN THE EYE WITH A BALL AND IT SMASHED HER GLASSES’

‘I remember it like it was yesterday. He arrived with several assistants. He was very professional, very polite; we were impressed. They spent a couple of days with us,’ recalls Alicia of the man whose career included taking photographs of actors and European royal families, the MGM lion, Pope Paul VI in a private audience, and Ernest Hemingway just a few days before he killed himself. His work graced 56 covers of Life magazine, and Alicia could have been one of them that spring, when she and Peggy Lane, Marilyn Raftery, Pat Parker, Dolores Paden, Pat McGlynn, Peggy Barton and Elena Olazabal posed for his camera. However, neither she nor her teammates were ever to see the results.

Just a few months earlier, two other magazines had scooped Life: the British Illustrated and US Parade. The athletes’ stories were part of more general articles, with simpler photos and little text. But this was enough for Life – a prestige publication – to can the story. ‘I suppose they didn’t want to play second fiddle,’ says Alicia. While the cover of Parade, which was distributed nationwide with many local newspapers, starred Alicia as the pin-up of jai alai, Loomis Dean’s photos gathered dust in a drawer. Parade’s headline asked: ‘Is jai alai a sport for girls?’ Today, Idaho jai alai player Esther Ciganda reads it and thinks of Alicia Weeks with admiration. ‘What those girls did in the 50s is simply astounding. History erased them completely, just like the girls who played baseball during the war and the postwar period,’ she says, with a measure of anger. Esther represented the USA in the Basque pelota World Cup held in Mexico in 2014, where there were representatives from 65

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“NO INTERESA SI EL COHETE ES BONITO, TIENE QUE SER FIABLE PARA QUE NO MUERA EL TRIPULANTE”

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“LO QUE ESTAS CHICAS

HICIERON EN LOS AÑOS 50 ES INCREÍBLE Y LA HISTORIA LAS BORRÓ POR COMPLETO”

Aún hoy, la pelota vasca es un deporte mayoritariamente masculino, por ello sigue siendo importante recordar la hazaña de las jugadoras del jai alai When even today Basque pelota is a male-dominated sport, these photos remind us of the achievements of women jai alai players in the forties

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La revista Parade retrató en su foto de portada a Alicia Weeks, antes de que Life pudiera usar sus fotos Parade magazine put Alicia Weeks on its cover before Life could use its own shots of her

Justo unos meses antes, dos revistas se adelantaron a la publicación de Life: la británica Illustrated y Parade, de EE UU. Ambas retrataron las historias de estas deportistas en un reportaje más general, con fotos más sencillas y un texto muy breve. Pero esto bastó para que Life, que era ya una publicación de gran prestigio, desestimara la historia. “Supongo que no querían ser unos segundones”, admite Alicia. Mientras las fotos de Loomis Dean quedaron olvidadas en un cajón de la redacción, la portada de Parade, que se distribuía con numerosos periódicos locales, recorrió toda la geografía estadounidense con Alicia Weeks convertida en una auténtica pin-up de la pelota vasca. La propia revista cuestionaba en su titular: “¿Es la pelota vasca un deporte para chicas?”. Hoy, la pelotari de Idaho Esther Ciganda lo lee y piensa con admiración en Alicia Weeks. “Lo que estas chicas hicieron en los años 50 es absolutamente impresionante –reconoce. La historia las borró por completo, igual que aquellas chicas que jugaron al béisbol durante la guerra y la posguerra, fueron olvidadas”, dice con cierta rabia. Esther

representó a EE UU en el mundial de pelota vasca celebrado en México en 2014, entre delegaciones de otros 18 países y reconoce, en pleno siglo XXI, que este es un deporte minoritario al que las mujeres tienen difícil acceso aún hoy. Tras terminar la universidad, la vida de Alicia Weeks giró en torno a la de su marido, un marine destinado a reparar submarinos nucleares durante la Guerra Fría. En su trasiego de mudanzas de una base militar a otra, dentro y fuera del país, se perdieron papeles y enseres. Alicia extravió los pocos recortes de prensa que conservaba. Sus hijas nunca vieron sus fotos, mucho menos sus nietos. Todo este tiempo guardó, sin embargo, la cesta con la que jugaba en el frontón. “Me sentía sola, mi marido estaba muchos meses fuera de casa y yo sacaba a la familia adelante como podía. A veces, miraba mi cesta y recordaba aquellos años en el frontón y me decía a mi misma: Alicia, tú puedes. ¡Adelante! –narra la anciana. Jugar a pelota vasca fue lo más maravilloso que hice en mi vida. ¡Ah! Y dar a luz a mis hijas”, añade mientras mira de reojo a una de ellas.

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Alicia Weeks se retiró de la cesta punta al contraer matrimonio con un marine. Aun así, sus logros siguen inspirando a las mujeres pelotari de hoy Alicia Weeks retired from jai alai to take up married life with a marine engineer, but her sporting achievements still inspire the players of today

Life Collection/Getty Images

‘PLAYING JAI ALAI WAS THE MOST WONDERFUL THING I EVER DID IN MY LIFE. WELL, BESIDES GIVING BIRTH TO MY DAUGHTERS’

18 countries. She admits that, even in the 21st century, this is a minority sport that women have difficult accessing. After finishing university, Alicia Weeks’ life was focused on her husband, a marine, who had been deployed to repair nuclear submarines during the Cold War. In one of their many moves from one military base to another – both foreign and domestic – papers and belongings were mislaid, and Alicia lost the few press cuttings she’d kept. Her daughters never saw the photos, and neither did her grandchildren. Nevertheless, she managed to hold on to the cesta she played with. ‘I was so lonely; my husband would be gone for months at a time, but I did the best I could to raise our family. Sometimes I’d look at my cesta and remember those days on the court, and I’d say to myself, “Alicia, you can do this. Come on!”’ she recalls. ‘Playing jai alai was the most wonderful thing I ever did in my life. Well, besides giving birth to my daughters,’ she adds, sneaking a sideways glance at one of them. 69

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THE WHIM OF A GENIUS IT WAS IN COMILLAS, ON THE CANTABRIAN COAST, THAT ANTONI GAUDÍ CHANGED THE COURSE OF ARCHITECTURAL HISTORY 130 YEARS AGO

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EL CAPRICHO DE UN GENIO FUE EN COMILLAS, EN LA COSTA DE CANTABRIA, DONDE ANTONIO GAUDÍ CAMBIÓ EL RUMBO DE LA HISTORIA DE LA ARQUITECTURA, 130 AÑOS ATRÁS TEXTO: Alejandro González Luna FOTOS: Óscar Larzábal

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La primera gran obra arquitectónica de Gaudí, Villa Quijano, en Comillas, fue encargo de un indiano con fortuna recién llegado de Cuba Gaudí’s first great building, Villa Quijano in Comillas, was a commission from an expat recently returned, fortune in hand, from Cuba

Era la segunda mitad del siglo XIX y un grupo de emigrantes había regresado a su Comillas natal, una villa costera de Cantabria, tras haber hecho fortuna en América. Los llamaban indianos y el más destacado de todos era Antonio López y López, quien había sido nombrado marqués de Comillas por el rey Alfonso XII, gracias a sus contribuciones a la Corona. Sin perder tiempo, el noble ponía en marcha una acelerada transformación de la localidad para darle legitimidad social a su marquesado. Para ello, contrató a algunos de los arquitectos más innovadores de la época e hizo construir en su tierruca lustrosos palacios, villas, jardines, capillas y demás edificios. Comillas se convirtió así en uno de los enclaves arquitectónicos más importantes del período decimonónico y una de las estaciones veraniegas predilectas de la aristocracia de la época. En ese contexto, y ante la inminente visita del rey Alfonso XII a Comillas, Antoni Gaudí i Cornet –por entonces, un joven arquitecto recién salido

de la universidad– recibió el encargo de diseñar un quiosco para la villa. El arquitecto catalán asumió el reto y creó uno de estilo chinesco, con borlas y flecos de cristales, que producían música al compás de la brisa. Aquella estructura no pasó desapercibida, y el primo y concuñado del marqués, otro indiano con fortuna que acababa de retornar de Cuba, le encargó el diseño de su villa. Era el primer proyecto de envergadura del que se hacía cargo, y Gaudí –que tenía apenas 30 años– aprovechó la oportunidad para diseñar un edificio como no se había hecho antes. La casa, que se erigió sobre una pendiente y entre un bosque de castaños, se llamó Villa Quijano, en honor a su propietario, aunque al poco tiempo se empezó a conocer como El Capricho de Gaudí. Con ella, el arquitecto compuso como solo los genios saben, articulando con los viejos materiales un lenguaje original, una sintaxis nueva. Utilizó la libertad formal para volver al origen, para replantear la historia desde otra óptica. “La casa es como un grito, un manifiesto a gritos”, dice Antonio

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En el exterior del edificio, que cumple 130 años de vida, destacan las cerámicas vidriadas con girasoles de su exterior Ceramic sunflowers adorn the exterior of the 130-year-old Villa Quijano

In the second half of the 19th century, a group of immigrants returned to their hometown of Comillas, a coastal town on the Cantabrian Coast in northern Spain, having made their fortunes in the Americas. The most renowned of these so-called indianos was Antonio López y López, who – thanks to hefty contributions to the Crown – had been appointed Marquis of Comillas by King Alfonso XII. Wasting no time, the nobleman launched a rapid makeover of the town in order to lend some cachet to his new marquisate. To do this, he hired some of the most innovative architects of the time and had gleaming palaces, villas, gardens and chapels built. Comillas quickly became one of the most important 19th-century architectural sites, and one of the favourite summer resorts of the aristocracy of the time. Against this background, and with a visit from King Alfonso XII in the offing, Antoni Gaudí i Cornet – then a young architect fresh out of

university – was commissioned to design a pavilion for the villa. The Catalan architect relished the challenge and created a Chinese-style structure, with crystal fringing that chimed when the wind blew. The building did not go unnoticed, and the Marquis’s cousin and brother-in-law, Máximo Díaz de Quijano – another Indiano with a fortune just off the boat from Cuba – commissioned Gaudi to design him a villa. It was the first major project the 30-year-old Gaudí had been entrusted with, and he took the opportunity to design a building like no other. The house – built on a slope and set among a forest of chestnut trees – was named Villa Quijano in honour of its owner, but quickly became known as El Capricho de Gaudí (‘Gaudi’s Whim’). The architect’s design was a composition that only a genius could come up with; it created an original language, a new syntax, from traditional materials. He used freedom of form to return to the origins, to show history from another perspective. ‘The house is like an outcry, a manifesto of outcries,’ says Antonio 73

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El Capricho quedó en el olvido en la década de los 70, llegando a aparecer en las páginas de anuncios de diversos periódicos nacionales y saliendo a subasta en Sotheby’s By the 1970s, El Capricho was forgotten and unloved. It appeared in the ad pages of Spanish newspapers and was put up for auction at Sotheby’s, with no takers

Sama, autor de El manifiesto del girasol y uno de los mayores expertos en la Villa Quijano. “Gaudí es un arquitecto con una dimensión literaria muy importante; siempre quiere contar cosas. A veces, sus edificios son como discursos. Y El Capricho es el inicio de su gran obra, su primer gran proyecto: proclama su concepto de la arquitectura”. A partir de entonces, la carrera del genio catalán sería una fuga hacia delante. LA INTRAHISTORIA Villa Quijano es, de alguna manera, la historia de una confluencia improbable: la de un pequeño pueblo pesquero junto al Cantábrico que se transforma de repente en un paisaje de ensueño, la de los indianos que huyeron de la pobreza e hicieron fortuna para regresar más tarde a su tierra natal, y la de un joven artista catalán con un arrojo y ambición capaces de revolucionar la arquitectura de la época. La casa se empezó a construir en 1883 bajo la dirección de Cristòfol Cascante i Colom, compañero universitario de Gaudí. Las obras, prácticamente terminadas a falta de pequeños detalles decorativos, se detuvieron en 1885 por la enfermedad y posterior muerte de su propietario,

Máximo Díaz de Quijano, que pidió vivir allí sus últimos días –se mudó a la quinta el 30 de junio de 1885 y murió el 7 de julio del mismo año. A partir de entonces, la casa pasó de mano en mano, sufriendo el deterioro que traen consigo el polvo y el olvido. Con el tiempo, el edificio quedó casi abandonado, y a finales de la década de los 70 fue comprado por un empresario con la intención de reformarlo y venderlo. “Se lo ofreció al gobierno de Cantabria, pero éste dijo que no le interesaba”, señala Carlos Mirapeix, director de la actual casa– museo El Capricho de Gaudí. “El edificio salió a subasta en Sotheby’s, y nadie lo compró. En La Vanguardia y el ABC de 1977–78 se pueden encontrar anuncios que decían: ‘Se vende palacete de Gaudí. Llamen interesados’. Era el colmo, era una casa que no quería nadie”. En la actualidad –tras haber pasado por las manos de un grupo japonés que lo convirtió en restaurante primero y en el actual museo después–, la Villa Quijano ha vuelto a recuperar el esplendor que vivió en sus comienzos, gracias también a la revalorización de la obra y la figura de Gaudí. Hoy, recibe la visita de miles de personas cada

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La construcción, con sus curvas, vidrieras y ventanas de guillotina, es contemporánea a la barcelonesa Casa Vicens, también de Gaudí The building, with its curves, stained glass and beautiful sash windows, is a contemporary of Gaudí’s Casa Vicens in Barcelona

Sama, author of El manifiesto del girasol and a world expert on Villa Quijano. ‘Gaudí is an architect with a very important literary dimension; he always had something to say. Sometimes his buildings are like speeches. And El Capricho was the beginning of his great work, his first major project: it was a proclamation of his concept of architecture.’ From that moment on, the career of the Catalan genius skyrocketed. RICH MAN’S FOLLY Villa Quijano is, therefore, the story of an improbable convergence: that of a small fishing village on the Cantabrian Sea that suddenly became a dreamlike landscape, of the Indianos who left Spain fleeing poverty, making their fortunes and returning to their native land, and of a young Catalan artist with the courage and ambition to revolutionise the architecture of the time. The house’s construction began in 1883, overseen by Cristòfol Cascante i Colom, one of Gaudí’s classmates, and was near completion when progress halted in 1885 due the illness and subsequent death of the owner, Máximo Díaz de Quijano, who asked for work to be stopped so

he could live out his remaining few days there, moving to the estate on 30 June and dying just a week later. After that, the house passed from owner to owner, condemned to dusty deterioration and oblivion. Eventually, the building was virtually abandoned and, by the late 1970s, it was purchased by a businessman who planned to renovate and then resell it. ‘The businessman offered it to the government of Cantabria, but it wasn’t interested,’ says Carlos Mirapeix, who now runs El Capricho as a historic house museum. ‘The building was put up for auction in Sotheby’s, and nobody wanted to buy it. You can find classified adverts in La Vanguardia and ABC from 1977–78 that say, “For sale: Gaudi’s mansion. Call if interested.” It was simply unbelievable; it was a house that nobody wanted.’ Today, owned by a Japanese group that first converted it into a restaurant before opening it as the museum, Villa Quijano has been returned to its original glory. Thousands of people tour it every year, and it’s been the subject of books and considerable academic research. ‘People find this place extremely interesting. They come and they 75

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“LAS OBRAS DE GAUDÍ

SON DISCURSOS. ES UN CREADOR CON UNA GRAN DIMENSIÓN LITERARIA”

INCÓGNITAS Aún quedan interrogantes sin responder alrededor de El Capricho. La que más debate genera es si Gaudí estuvo o no en Comillas. Se sabe que le transmitía instrucciones desde Barcelona a su condiscípulo y responsable de la construcción, Cristòfol Cascante i Colom, pero hay testimonios que afirman que pasó por Comillas en un viaje a Santiago de Compostela. Otros, que estuvo presente en la obra dando instrucciones. Investigadores como Antonio Sama han escarbado en viejos archivos y hemerotecas, pero aún no han podido encontrar pruebas concluyentes de que el arquitecto catalán pasase por la localidad cántabra. 76

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‘GAUDI ALWAYS HAD SOMETHING TO SAY.

SOMETIMES HIS BUILDINGS ARE LIKE SPEECHES’ UNSOLVED MYSTERIES There are still unanswered questions about El Capricho. The most controversial is whether Gaudí ever actually visited Comillas. It’s known that he sent instructions from Barcelona to his classmate and construction foreman, Cristòfol Cascante i Colom, but some suggest he only passed through Comillas on his way to Santiago de Compostela. Others say he was there on the construction site, giving instructions. Researchers such as Antonio Sama have dug through old files and newspaper archives, but have yet to find conclusive evidence that the Catalan architect ever set foot in Comillas. 77

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año, y es motivo de libros e investigaciones por parte de académicos. “A la gente le interesa el lugar. Vienen y se encuentran a un Gaudí desconocido”, dice Carlos Mirapeix, mientras contempla el edificio y señala sus franjas de cerámica vidriada decorada con girasoles, el alminar persa, las barandillas de hierro forjado que evocan notas musicales, los azulejos, la riqueza cromática, las líneas curvas, las ventanas de guillotina que al moverse producen sonidos musicales, el jardín con forma de herradura, y los guiños a la naturaleza, el entorno y la historia de la localidad de Comillas. Hay, en Villa Quijano, un dejo singular, un aire difícil de aprehender. La casa es el testimonio inicial de un hombre que quiso darle vida a la materia, que supo ver en la naturaleza las formas de un lenguaje más hondo y más complejo. Y, ahora que se cumplen 130 años del “nacimiento” de El Capricho, cuando Gaudí es un fenómeno de masas, el genio catalán vuelve a dejarse redescubrir, lejos del ruido de los tópicos.

discover a Gaudí they never knew about,’ says Carlos, contemplating the building and pointing out its strips of glazed ceramic decorated with hundreds of delicate sunflowers, the Persian minaret, the forged-iron railings that recall musical notes, the tiles, the rich colours, the curved lines, the sash windows that make musical sounds when moved, the horseshoe-shaped garden, and the nods to nature, the surroundings and the history of Comillas itself. At El Capricho, there’s a unique atmosphere, an aura that’s difficult to grasp. The house is the early statement of a man who wanted to bring matter to life, someone who could see in nature the forms of a more profound and more complex language. And now, on El Capricho’s 130th birthday, and with Gaudí now recognised as one of the world’s best-loved and most accomplished architects, he is still being rediscovered, in the place it all began.

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Un grupo japonés compró El Capricho a una familia de empresarios para convertirlo en restaurante en el año 2010. Con la llegada de la crisis en España, el local tuvo que cerrar para renacer como casa-museo, siguiendo un modelo de autofinanciación sin ayudas públicas ni privadas In 2010, a Japanese group bought El Capricho and turned it into a restaurant. Now the place has reinvented itself as a popular museum

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WATER OF LIFE BRAULIO CARRILLO IS HOME TO COSTA RICA’S MOST PRECIOUS WATER SOURCES. WE MEET THE LOCAL PEOPLE WORKING FOR THIS NATIONAL PARK’S CONTINUED PROTECTION TEXTO: Michelle

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BOSQUE SAGRADO EN LA HISTORIA Y LAS LEYENDAS DEL PARQUE NACIONAL BRAULIO CARRILLO, EL AGUA ES EL TESORO MÁS PRECIADO, POR CUYA CONSERVACIÓN LUCHAN HOY SUS VECINOS FOTOS: Daniela

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El agua fluye desde el corazón de las montañas del Parque Nacional Braulio Carrillo, cayendo en cascada y ofreciendo un espectáculo natural extraordinario Water flows from the mountains at the heart of Braulio Carrillo National Park

Basta poner un pie en el sendero que da entrada al Parque Nacional Braulio Carrillo, a unos 25km al noreste de San José, en Costa Rica, para sentir el poder de las aguas que yacen en las entrañas de la montaña. En forma de niebla, humedecen los labios, como si estuvieran preparando al visitante para la caminata, ensordecen cuando el caudal aumenta tras un aguacero hasta dejarse oír cayendo en cascada y alimentan el musgo que envuelve piedras y árboles. Cuenta Guillermo Mora, guarda forestal desde hace una década en este paraíso de casi 50.000 hectáreas, que la pasión por este bien, que calma la sed del 70% de los habitantes de San José y de la provincia de Heredia, hace que “cuando llueve, hay quien sale a mojarse solamente para sentir el agua que cae del cielo”.

zapote blanco, con una serpiente enrollada en el tronco. Al detenerse la comitiva y la serpiente tocar el suelo, el agua brotó de la tierra. Los habitantes del poblado pidieron a los extranjeros que dejaran el árbol y se llevaran el reptil. Así lo hicieron, marchando hacia el norte hasta la cumbre más próxima, donde lo abandonaron. El agua volvió a salir formando un lago, hoy la laguna del Volcán Barva que ocupa su cráter y que mide 70 metros de diámetro y 8 de profundidad, siendo uno de los grandes cuerpos acuíferos del área silvestre protegida, situado entre los macizos de los volcanes Poás e Irazú. Las aguas de la laguna se comunican con la del suelo, que absorbe como una esponja las precipitaciones de hasta 3.000 litros por m2 al año que pueden caer en la región.

La devoción es herencia de los primeros pobladores del Valle del Abra, actual Valle Central Occidental, en el pueblo de San Josecito, al oeste del parque. Cuenta la historia local que en la época precolombina fueron visitados por un grupo de calpixques (recaudadores de tributos aztecas), quienes portaban un arbolito de matasano, o

Gracias a estas condiciones, el Braulio Carrillo, que fue declarado Parque Nacional en 1978, tiene 6.000 especies de plantas –no en vano los guardas lo llaman “el pulmón del Valle Central”–, la mitad de las presentes en el país, y una fauna endémica de pumas, jaguares, dantas (tapires de Baird), monos, perezosos y tepezcuintles (tipo de

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La riqueza del bosque tropical en esta región concentra la mitad de las especies de plantas presentes en el conjunto de Costa Rica. Por su protección, el abogado José Francisco Alfaro (sobre estas líneas) se unió a la asociación medioambiental Conceverde, parte de la Fundación Ambiental Yarca The rich tropical forest contains half of all the plant species in Costa Rica; helping protect it is lawyer Jose Francisco Alfaro (above)

‘When it rains, some people go outside just to feel the water falling from the sky,’ says Guillermo Mora, who has spent the last decade as a forest ranger at the Braulio Carrillo National Park. Set 24km north-east of San José in Costa Rica, this nearly 50,000-hectare paradise is home to more than 6,000 species of plants – half of those found in the whole country – and a wealth of wildlife, from pumas and jaguars to Baird’s tapirs, monkeys, sloths and agoutis (a large forest rodent). Their presence relies on the park’s water reserves, which also supply 70% of the inhabitants of San José and Heredia. But the locals’ reverence for the park’s waters is not solely for their function. Their devotion is inherited from the early settlers of the Valle de Abra, where the town of San Josecito in San Rafael de Heredia now lies, just west of the park. Local history tells that in pre-Colombian times a group of calpixques (Aztec tribute collectors)

visited the area, carrying a white sapote sapling with a snake wrapped around its trunk. When the entourage halted and the snake touched the ground, water gushed from the earth. The villagers asked the outlanders to leave the tree but take the reptile with them, and that’s what they did, walking north to the next mountain peak, where they left the snake. The legend tells that water appeared there as well, but this time it formed a lake known today as the Laguna del Volcán Barva. Seventy metres in diameter and eight metres deep, it is one of the major water bodies in the protected wilderness area located between the massifs of the Poás and Irazú volcanoes. The lagoon is filled by groundwater, which is endlessly replenished by all the rain that falls in the region, as much as 3,000 litres per square metre a year. Thanks to these rich conditions, and the numerous flora and fauna they support, the area has 83

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Los visitantes al Parque Nacional Braulio Carrillo pueden disfrutar en su recorrido de una colorida exhibición natural de las maravillas botánicas locales Braulio Carrillo National Park offers visitors a rich display of local botanical wonders

roedor). Estos animales, junto al colorido plumaje de los quetzales y las lanas de seda que cuelgan de los árboles, asombraron a los naturalistas alemanes Alexander von Frantzius y Karl Hoffmann, primeros occidentales en explorar la zona de las lagunas en 1861. Tan solo 17 años después, el botánico suizo Henri Pittier siguió su rastro hacia el volcán y, ya en aquella época, fue el primero en alertar sobre la acelerada deforestación y el riesgo que implicaba para el abastecimiento de agua, pues se ponían en peligro arroyos y manantiales. Las palabras de Pittier fueron escuchadas y el Congreso costarricense decidió promulgar una ley que declaraba inalienables las montañas que engendran agua desde las cumbres del volcán Barva hasta los cerros del Zurquí. Aun así, algunas tierras quedaron fuera de los límites del Parque Nacional, vulnerables a la deforestación e impermeabilización de los suelos, debido a la creciente expansión urbanística. Por eso, los vecinos decidieron organizarse en asociaciones como Conceverde, Comite para el Mejoramiento de Servicios Públicos de Heredia. Junto a

long attracted scientists and environmentalists from around the world. In 1861, German naturalists Alexander von Frantzius and Karl Hoffmann were the first to explore the western area of the lagoons, and just 17 years later, the Swiss Henri Pittier followed their trail to the volcano and was the first to warn of the alreadyrapid deforestation and the risk that it entailed to the water supply due to the threat to streams and springs. Pittier’s words made an impact, and Costa Rica’s Congress passed a law declaring that the mountains supplying water – from the top of Barva Volcano to Zurquí Hill – were sacrosanct. Later, in 1978, Braulio Carrillo was declared a national park in order to protect the sacred water supplies and their dependants. However, some areas of land fell outside the park’s boundaries and were left vulnerable to deforestation and soil sealing caused by the country’s growing urban sprawl. With that in mind, locals decided to organise themselves into associations like Conceverde – part of the Yarca network – in order to carry on the same battle to protect these

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“HAY QUE PENSAR EN NUESTROS HIJOS Y TENER EN CUENTA EL CAMBIO CLIMÁTICO” –JOSÉ FRANCISCO

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‘WE’VE GOT TO THINK OF OUR CHILDREN AND CONSIDER THE IMPACT OF CLIMATE CHANGE’ –JOSÉ FRANCISCO

TIERRA DE LEYENDAS Se dice que en las faldas de la montaña Zurquí vivía Turi uah, princesa de los valles del Barva e hija del cacique Térraba. Turi uah se enamoró de un guerrero y se marchó con él en busca de un lugar donde ser felices. El cacique capturó y mató al guerrero, cuyo alma ascendió a la cima del cerro donde yacen los muertos cobijados por la neblina. La princesa, llorando su pena como gotas de rocío, caminó hasta la cumbre. Con cada pisada, su cuerpo se desprendía de la piel y le nacían plumas de jilguero y alas, con las que alcanzó el cielo. Según la leyenda, aún se escucha a la princesa en el canto de los jilgueros, que pueblan el sendero donde los guardas tienen su puesto. Otros cuentos indígenas hablan de dioses que se transforman en jaguares y pumas. “He visto huellas de estos felinos impresas en la tierra húmeda y búhos realmente grandes, de 40 o 50 centímetros”, cuenta el guarda Guillermo.

LAND OF LEGENDS It’s said that Turi uah, a princess from the valleys of the Barva volcano and daughter of Chief Térraba, lived in the foothills of Zurquí Hill. Turi uah fell in love with a warrior and ran off with him in search of happiness. The chief caught and killed the warrior, whose soul climbed to the top of the hill to where the dead lie sheltered by the mist. The princess, her tears falling to the ground like dewdrops, walked to the summit. With each step, her skin turned into the feathers of the goldfinch, forming wings, and she flew up into the heavens. It’s said that you can still hear the princess’s cry in the mournful song of the goldfinches on the path where the park wardens watch over the forest. Other native legends tell of gods who become jaguars and pumas. ‘I’ve seen the footprints of these cats on wet ground, and really huge owls with 40cm or 50cm wingspans,’ says warden Guillermo. 87

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Activistas como José Francisco monitorean el estado del parque y sus aguas, y luchan por que el gobierno siga ampliando la zona protegida Activists such as José Francisco monitor the park and its waters and campaign to expand the protected area

la Federación Ambiental Yarca, quieren continuar la lucha por la protección que habían iniciado los primeros naturalistas europeos. Entre los activistas que trabajan de manera voluntaria en esta labor está el abogado José Francisco Alfaro, quien llegó a Concepción de San Rafael de Heredia hace 15 años. “Propusimos al ministro de Ambiente Édgar Gutiérrez ampliar el parque –cuenta– e incorporar todos esos terrenos. Y logramos su apoyo sumando 2.836 hectáreas el pasado octubre”. El trabajo no ha terminado. “Hay que pensar en nuestros hijos y tener en cuenta el impacto del cambio climático”, explica preocupado José Francisco. Su grupo es optimista, tanto, que prevé que podrán añadir en los próximos meses otras 1.668 hectáreas a las ya protegidas. “La propuesta está en curso”, adelanta el abogado. Los bosques a integrar se pueden contemplar desde la carretera

del Cerro Zurquí, que conecta las provincias de San José y Limón, siguiendo el camino que mandó construir el ex Jefe de Estado Braulio Carrillo, en 1838 –es por esta vía que recibe su nombre el área silvestre protegida. Muy cerca de ese lugar, en el que hay otra entrada al parque, junto al rastro de antiguas lavas y venas volcánicas en la piedra, se unen los ríos Hondura y Sucio, uno cristalino y el otro amarillo (por efecto de la geología). Tan diferentes, acaban convirtiéndose en uno, del mismo modo que se han fundido también la ciencia y las creencias ancestrales en la historia de los lugareños. No es de extrañar, si solamente el 10% de estos bosques han sido explorados. La mayor parte del parque sigue siendo virgen y, aunque nadie conozca todavía los tesoros secretos que puede albergar, todos los que lo pisan se empeñan en seguirlo protegiendo.

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El guardabosques Guillermo Mora es una de las personas que mejor conoce los secretos de este tesoro nacional Park warden Guillermo Mora is one of the people who best know the secrets of this national treasure

resources as was begun by the early European naturalists. After all, with only 10% of the rainforest explored, it is impossible to know what other precious treasures the land may hold. One of the activist volunteers working on the project today is José Francisco Alfaro, a lawyer who arrived in Concepción de San Rafael de Heredia some 15 years ago. ‘We submitted a proposal to the environment minister, Édgar Gutiérrez, to expand the park and include all that land,’ he says, ‘and we won his support. Last October a total of 2,836 hectares were added to the Braulio Carrillo National Park’. But the job is far from being finished. ‘We’ve got to think of our children and consider the impact of climate change,’ he insists. His group is optimistic, so much so that they expect that another 1,668

hectares will soon be added to the protected area. ‘The proposal is already underway,’ he adds, smiling hopefully. The forested land they are campaiging for can be seen from the road connecting Zuquí Hill to the provinces of San José and Limón. It follows the track that then head of state Braulio Carrillo had built in 1838, and which ultimately led to the park bearing his name. Very close to this spot, where there is another entrance to the park, the Hondura and Sucio rivers meet, one crystal clear, the other a murky yellow thanks to the silt it carries. In a swirling confluence, the two rivers become one, just as the ancient beliefs of those who inhabit this land have joined with modern environmentalists in their fight to protect this verdant paradise. 89

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Desmontando la portada

De golpe TEXTO: Jesús Huarte FOTO: Liz McBurney

Fue la pelota vasca la que dio a España la primera medalla olímpica: el oro en cesta punta de José de Amézola y Francisco Villota en los Juegos de 1900, en París. Desde entonces, frenética, certera e imparable, nunca dejaría de rebotar por muros de México, Filipinas y Estados Unidos. Allí se cubrió de glamour con Alicia Weeks, una heroína del deporte a quien este mes rendimos homenaje, buscándole a su chistera el corazón de madera de castaño. HARD HITTING Basque Pelota gave Spain its first Olympic medal: gold for José de Amézola and Francisco Villota at the 1900 Games in Paris. Since then, frantic and unstoppable, the game continues, with balls bouncing with terrifying speed off walls in Mexico, the Philippines and the United States. This issue we tell the story of one of its postwar American players, Alicia Weeks, who nearly appeared on the cover of Life magazine. The story was cancelled, but the pictures, like the game, live on. 90

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