Marzo / March 2016
EXCELENTE
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Homes peixe Seres mágicos que habitan el cauce del Miño. Leyendas que fluyen por el río, regando tierras y viñas, envolviendo al vino en una frescura única. Albariño Pazo de San Mauro. Un sabor fresco, frutal e intenso, tributo a un río mágico. El vino solo se disfruta con moderación
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En el estudio: Pedro Rus; Bienal de Venecia: Alessandra Chemollo; cortesía de la Bienal de Venecia; Plácido Domingo: Juanjo Molina; Bowie by Newton: Nigel Russell, Heritage Auctions
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En el estudio de
Arte
Estilo
Moda
Relojes
Motor
Bar
Desayuno con
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En el estudio del artesano Javier S. Medina, los animales son verdaderas obras de arte, en esparto
Ángela Molina reflexiona sobre la línea cada vez más borrosa que separa las ferias de las bienales
Este mes le preguntamos a Javier Fernández Angulo cuál es la receta para ser siempre joven
Ya es tendencia: los más pequeños se perfilan como grandes clientes para las marcas más lujosas
Creados en un castillo del siglo XIV, los relojes de la firma Bovet son maravillas excéntricas
Los fabricantes de automóviles se apuntan a la personalización con coches para caprichosos
Alberto Fernández Bombín nos da las claves para beber cada vino en la copa que corresponde
En esta edición, Plácido Domingo nos habla de dos de sus mayores pasiones: el fútbol y la música
In the studio of artisan Javier S Medina, animal heads become works of art in wicker
Expert Ángela Molina looks at the thin commercial line between art fairs and biennales
Javier Fernández Angulo sees how baby-boomers still call the shots – and want to stay young for ever
The client group of tomorrow: luxury clothes brands turn their attention to children
Our own Andrés Moreno visits Bovet, and sees the unique creative vision of its new owner
A car made just for you: how auto manufacturers have embraced personalisation
There’s a correct glass for every tipple – and it’s not always the one everybody thinks they should use
Opera singer Plácido Domingo discusses music and football, his two greatest passions in life
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Beber las nubes Drink the Clouds
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Presente perfecto Allá donde Present Perfect las musas
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The Call of the Muses
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Noches de neón Neon Nights
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Theo Hernando recolecta gotas de agua de la niebla tinerfeña, que luego embotella y comercializa para saciar la sed
El polaco Łukasz Malkiewicz ha fotografiado los más grandiosos edificios abandonados de Polonia y Alemania para que no se olviden
Guadalajara, en México, acoge una de las más grandes ferias literarias de habla hispana y en sus cantinas los autores encuentran inspiración
La nostalgia y el culto por los creadores del paisaje de neones de Hong Kong han vuelto para encender la tradición
What do you do when you’ve got clouds but no rain? Capture the mist, put it in a bottle and sell it as the finest ultra-pure table water
Łukasz Malkiewicz photographs abandoned mansions in Poland and Germany, immortalising an elegance lost to time and decay
Guadalajara, México, hosts one of the great literary fairs of Hispanic culture, and its cantinas inspire the writers who gather there
While LED lamps have long since dimmed Hong Kong’s enthusiasm for neon, signs of a revival are now flashing into view
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Palacio: Łukasz Małkiewicz; Canarias: Daniel Burgui Iguzkiza; Guadalajara: Adam Wiseman; Hong Kong: Brent Lewin
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COLABORADORES BRENT LEWIN FOTÓGRAFO El premiado fotógrafo editorial y comercial canadiense Brent Lewin vive en Bangkok, Tailandia, desde donde viaja para descubrir historias y lugares que ha publicado en National Geographic, The New York Times, Rolling Stone, Discovery Channel Magazine o Time. Este mes, nos lleva a Hong Kong para descubrir a los históricos artistas del neón. Award-winning Canadian editorial and commercial photographer Brent Lewin is based in Bangkok, Thailand. His work has been featured in National Geographic, The New York Times, Rolling Stone, Discovery Channel Magazine and Time. This month, he takes us to discover traditional neon-sign makers in Hong Kong. “Haría la portada de The Dark Side of the Moon, de Pink Floyd, con la luz atravesando un prisma, en neón”. ‘I would make a neon sign of the Pink Floyd Dark Side of the Moon cover of light refracting through a prism.’
ŁUKASZ MAŁKIEWICZ FOTOPERIODISTA Este escritor y fotógrafo polaco se especializa en paisajes, arquitectura y exploración urbana. Estudió en la Nicolaus Copernicus University de Toruń, ha vivido en Varsovia, Oporto, Barcelona, Roma y Venecia, y ha expuesto en galerías y museos de Europa y Estados Unidos. Este mes comparte su visita a los edificios abandonados de Polonia y Alemania. This Polish photographer and writer specialises in landscape, architecture and urban exploration. He studied at the Copernicus University in Toruń and has lived in Warsaw, Porto, Barcelona, Rome and Venice. Having shown his work in galleries and museums across Europe and the US, this issue he shares his images of spectacular abandoned buildings. “¿Lo que pondría en un letrero luminoso?: ‘Mientras seas fiel a ti mismo, irás por el buen camino”. I’d have this in neon:‘You’re on the right path, if you chose it yourself / You’ll shine like a star, if you stay true to yourself.’
ADAM WISEMAN FOTÓGRAFO Nacido en México, de madre escocesa y padre neoyorquino, Adam ha colaborado con Le Monde, Paris Match, The New York Times, T Magazine, Rolling Stone, Time o National Geographic, y tiene obra en la colección permanente de la Smithsonian Institution en Washington, D.C., el Museum of Fine Arts Houston y el 9/11 Memorial en Nueva York. Born in Mexico of Scottish and American parents, Adam has published his work in Le Monde, Paris Match, The New York Times T Magazine, Rolling Stone, Time Magazine and National Geographic. Some of his works are in the Smithsonian in Washington DC, Houston’s Museum of Fine Arts and at the 9/11 Memorial in New York. “Expresaría en una señal de neón la frase ‘si amanece, nos vamos’, que se ha convertido en un lema”. ‘I would express the saying, “no sleep till dawn” as a neon sign. You’ve got to live in the present.’
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EXCELENTE
EDITORIAL
ADVERTISING
INK
Director – Jesús Huarte
Head of Print
[email protected]
Germán Marín Alberca
Chief Executives Michael Keating y Simon Leslie
Editora en inglés
Advertising Director
CFO – Jim Campbell
Imogen Rowland
Patricia Herranz
Subdirector
[email protected]
Group Creative Director Toby Skinner
Santiago Suárez-Viñuela
+44 (0)20 7625 0825
Edición – Ana Valls y
Senior Sales Executives
Steve Handley
Almudena García, Alfredo
Ayudantes de redacción –
Ezquerra, Eduardo Requena,
Fátima Deus y Ana Martínez
Ernesto Santana y Ana Cañedo
ARTE Marzo / March 2016
Director de Arte Antonio Gálvez
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Portada/Cover FOTO: Liz McBurney
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[email protected] Editora de Foto - Regina Wolek
Digital and Onboard/Ambient Edith Collins
Group Editorial Director Kerstin Zumstein Group Design Director Jamie Trendall Director of Photography Julia Holmes Sales Director Steve Rowbotham
[email protected]
Group Advertising Director Chris Davies
PRODUCCIÓN
Editado, publicado e impreso por Ink
Responsable – Ana López
Blackburn House,
IBERIA
Reprografía – Mike Gibbon
Blackburn Road,
Director – Juan Cierco
Responsable de Impresión
London, NW6 1RZ, UK
Coordinación – Carolina Moreno
Pete Murphy
+44 (0)20 7625 0700
[email protected] ink-global.com © Ink. Todo el material está sujeto a derechos de autor. Queda terminantemente prohibido distribuir el contenido de la revista o una parte de éste sin autorización expresa del autor. Se ha comprobado la información, precios y datos concretos para que sean correctos en el momento de la publicación. De no ser así, Iberia no es en ningún caso responsable de fallos editoriales. Las opiniones expresadas en Excelente no tienen por qué ser las de Iberia y la compañía aérea declina cualquier tipo de responsabilidad por todo el contenido editorial y publicitario. Depósito Legal: M-17735-2013
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En el estudio de
Javier S. Medina FOTO: Pedro
Rus para W18Studio
Heredó la afición por las artesanías de su padre e hizo después de ella su profesión. Javier Sánchez Medina, que nació en Badajoz, es un pasionado por la naturaleza y su defensa. El creador autodidacta se inspira en su propia infancia y ha dado forma a espejos y cabezas de animales, que pueblan casas y establecimientos de vanguardia.
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What started out as a penchant for artisanal handicrafts eventually drove restorer Javier Sánchez Medina (born in Badajoz in 1977) to become a Da Vinci of wicker. Since the summer of 2014, he has been making his trademark animal heads (or ‘ecological trophies’) and mirrors at his workshop in Madrid’s Malasaña district. We stop by to explore his particular creative universe.
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@javiersanchezmedina Retrato/Portrait: Pablo Zamora
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Estas cabezas de rinoceronte, búfalo y toro, elaboradas con pleita (o esparto), son el sello característico de la obra de Javier. Las reivindica como alternativa a los trofeos de caza y están trenzadas a mano y cosidas con hilo de cáñamo. These woven animal heads (buffalo, rhino and bull) are the hallmark of Javier’s work. He calls them 'ecological trophies', and they’re an alternative to the heads taken by hunters. They’re all woven by hand and sewn with hemp.
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Estas tiretas o cintas de ratán se usan para la elaboración del trenzado de los espejos. These rattan strips are used to weave the surrounds for mirrors.
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DESDE SU TALLER DEL CENTRO MADRILEÑO, ESTE ARTESANO NOS DESCUBRE SU UNIVERSO THE ARTISAN UNVEILS HIS CREATIVE UNIVERSE AT HIS STUDIO IN DOWNTOWN MADRID 3
El artesano emplea la cuerda de esparto para trenzar los cuernos, orejas y lengua de sus trofeos. The craftsman uses esparto wicker to weave the horns, ears and tongues of his eco-trophies.
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Pleita al natural, una especie de junco que crece mucho en el sur de España. This kind of reed commonly grows in southern Spain.
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Tira de pleita trenzada, usada para dar forma a la cabeza del animal. A woven strip is used to shape the animal's head.
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Médula, material típico de la cestería que viene de la caña, antes de ponerla en remojo para hacerla flexible.
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The pith of the cane, common in basket-making, before being left to soak so that it becomes more flexible.
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Javier se inspiró en los tradicionales espejos de las casas de campo del sur de España para actualizarlos, creando una línea más contemporánea. El de la imagen se llama Espejo-sol. Javier was inspired by the traditional mirrors seen in the country cottages of southern Spain, updating them to create a more contemporary look. The one in the image is the Sunburst.
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Javier había visto burros en miniatura en las esparterías de los pueblos y se le ocurrió crear este trofeo. El precio es de 110 euros. Javier had seen miniature donkeys in traditional esparto grass craft shops in small towns. His cost 110 euros.
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Cuerda de coser cáñamo para dar puntadas, unir y dar forma al trofeo. Hemp sewing cord for shaping and stitching the trophies together.
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Javier se formó como restaurador y trabaja mucho con madera, que lija con estos cepillos. Algunos de sus trofeos incluyen cuernos de madera. Javier was trained as a restorer and frequently works with wood, which he sands with this tool. Some of the trophies sport wooden horns.
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El talento viene de familia: estas tijeras y martillo son de su padre y de su abuelo, restauradores de muebles y objetos por afición. Craft talent runs in the family: these scissors and hammer belonged to his father and grandfather, who were hobbyist restorers.
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El primer trofeo del creador fue un toro, su animal favorito. En el salón de su casa hay un modelo como este. The first trophy Javier created was of a bull, his favourite animal. He keeps a model similar to this bull in his lounge at home.
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Materiales utilizados por Javier en su proceso de creación con diferentes grosores, que emplea dependiendo del modelo u objeto que produce.
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These containers hold the materials Javier uses during the creation process, which vary depending on the model or object he is creating.
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ÁNGELA MOLINA CRÍTICA DE ARTE DE EL PAÍS @AngelaMolina2
Mercados de la experiencia
En esta escalada por alcanzar al turista/comprador 1.999.999 –¿se acuerdan de esa cantinela ye-yé de Cristina y Los Stop?–, participan también bienales y ferias de arte, que no cesan mecánica ni mediáticamente de multiplicarse. ARCOmadrid acaba de cerrar su 35 edición, y a principios de este mes se inaugura The Armory Show en Nueva York. Art Basel Hong Kong abrirá el 24 de Marzo y Art Basel (Suiza) lo hará la tercera semana de junio. Estas dos últimas ferias comparten en especial el gusto por el espectáculo y la publicidad de las cifras
récord, de manera que no es extraño que los precios de los artistas contemporáneos superen a los de los maestros clásicos o modernos. Pero, ¿alguien concibió alguna vez que la escultura de Jeff Koons titulada Pantera Rosa, pudiera valer 30 millones de dólares (26 millones de euros, aunque finalmente se vendió por la mitad del precio que se esperaba), incluso más que un Miró? En 2013, su Ballon Dog (Orange) se vendió en subasta por 58 millones (51 en euros). Y una foto de Andreas Gursky –¡sí, una reproducción!– por el precio superlativo de 5 millones (4 millones en euros). Las ferias no son solo lugares de encuentro entre galeristas y coleccionistas. Son “mercados de la experiencia”, un concepto inventado por los gurús de las nuevas tendencias del consumo, Joseph Pine y James H. Gilmore, para definir la última frontera del capitalismo, en la que las firmas compiten a través de la experiencia que le ofrecen al cliente. Después de todo, no compras una pieza de arte solo para admirarla; también la compras para disfrutar de la sensación de ser propietario de la misma.
Imágenes de la Bienal de Venecia, de Alessandra Chemollo; cortesía de la Bienal de Venecia
Ninguna obra de arte tiene un valor intrínseco, como una casa, un lingote de oro o un Lamborghini, ni su precio puede ser discutido con unos parámetros de valor laboral. La última cifra pagada por un Picasso o un Rothko es el índice de un deseo irrefrenable, pero también manipulable. De ahí que la relación entre el dinero y el arte haya dejado de ser un asunto que concierne únicamente al artista: el público, convertido en comprador compulsivo en las últimas décadas, también cuenta. Los museos más importantes del mundo, como el British Museum y la Tate Modern de Londres, el Metropolitan y el MoMA de Nueva York, el Louvre y el Pompidou de París, han suplantado a iglesias y campos de fútbol como focos de atracción turística y de consumo. Y esto va a más. Se dice que en Europa se inaugura un museo al día. Es un chiste, pero donde la broma se hace realidad es en China, uno de los países causantes, junto a los Emiratos Árabes, de la vertiginosa subida de los precios en el mercado del arte contemporáneo.
Hoy no parece extraño visitar una bienal, uno de los pocos espacios donde los connaisseurs encontraban la “autenticidad”, y ver las obras de artistas de prestigio bajo la supervisión de sus galeristas, que las producen para venderlas a algún director de museo durante los primeros días. Y recíprocamente, las ferias han adoptado las estrategias expositivas de las bienales. El siguiente capítulo de este espectáculo global, y puede que el último, lo están escribiendo las subastas a golpe de mazo. Y de ratón.
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Imágenes de la Bienal de Venecia, de Alessandra Chemollo; cortesía de la Bienal de Venecia
Marketing experience
You can’t give art an intrinsic value, based, say, on the number of hours required to produce it and cost of the materials used. The sale price of a Picasso or a Rothko is a measure of some collector’s lust to call it their own, a desire that is as irresistible as it is subject to manipulation. The context in which art is seen and sold matters here. Art fairs serve not only as a place for gallery owners and collectors to come together, but also as ‘experience markets’, a concept coined by the consumer trends gurus Joseph Pine and James H Gilmore to define capitalism’s last frontier, in which firms compete via the experience they give customers buying their goods and services. After all, you don’t own an expensive work of art just for its intrinsic value; you also enjoy the feeling of being a person who owns an expensive work of art. It’s a whole shopping experience. Art fairs are proliferating endlessly across the planet. ARCOMadrid
just closed its 35th edition and this month The Armory Show opens in New York. Art Basel Hong Kong opens later in March and Art Basel (Switzerland) in June. The latter two fairs are especially glitzy and (in)famous for record figures, where the prices of contemporary artists’ work far exceed those of traditional or modern masters. All the same, did anyone really expect that Jeff Koons’ Balloon Dog (Orange) could auction for $58m in late 2013, or a reproduction (yes, a reproduction) of a photograph by Andreas Gursky would go for $5m? The public also matter in this – and they have become aficionados of expensive art. The world’s most important museums – London’s British Museum and Tate Modern, New York’s Metropolitan and MoMA and Paris’s Louvre and Pompidou – have replaced churches and football fields as top draws for tourists and culture seekers. The joke goes that a new museum opens every day
somewhere in Europe, but the gag is actually coming true in China, one of the countries – along with the UAE – responsible for soaring auction prices. Art, commerce and public appreciation combine in one greasy compact. Nowadays, it’s not unusual to visit a biennial – one of the few spaces where art connoisseurs find ‘authenticity’ – and see works by renowned artists (under the attentive gaze of their gallerists) who have produced them in the secret hope of selling them to some museum director attending the event. In turn, the fairs have adopted the exhibition strategies of the biennials. Authentic art is an experience that is only heightened at such authentically breathtaking prices. Which no doubt pushes prices even higher. And so the merry-go-round continues. One day it’ll all end in tears. Ángela Molina is an art critic for El País 13
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Ángela recomienda/Ángela recommends HASTA/UNTIL 15/5 MOMA, NUEVA YORK moma.org
El Museum of Modern Art ha organizado la primera retrospectiva del artista belga, junto al Reina Sofía madrileño, y ha logrado reunir 200 obras de diferentes formatos, que explican la importantísima influencia que ha tenido Broodthaers en el siglo XX. “Es la exposición del año. Un artista extraño y extraordinario que volatilizó los límites del arte” New York’s Museum of Modern Art and Madrid’s Reina Sofía have organised the first retrospective of this Belgian artist, bringing together 200 works in different formats that illustrate Broodthaers’s pivotal influence in the 20th century. ‘This is the exhibition of the year, featuring a strange and extraordinary artist who erased the limits of art’
Helena Almeida HASTA/UNTIL 22/5 JEU DE PAUME, PARÍS jeudepaume.org
Ingres
Rafael Lozano-Hemmer
HASTA/UNTIL 27/3 MUSEO NACIONAL DEL PRADO, MADRID museodelprado.es
HASTA/UNTIL 17/4 MUSEO UNIVERSITARIO ARTE CONTEMPORÁNEO (MUAC), MÉXICO D.F. muac.unam.mx
Con la muestra Helena Almeida. Corpus, la capital francesa recibe a la creadora lisboeta, que sigue aún hoy explorando formas tradicionales del arte con un acercamiento transgresor. La exposición permite recorrer el talento de Almeida en las diferentes fases que han formado parte de su trabajo.
El Prado ha colaborado con el Louvre en esta muestra que desarrolla cronológicamente la obra del pintor y muestra su relación con el retrato, construida a través del rechazo y la admiración. Será definitivamente una de las grandes exposiciones del año en Madrid.
Con Pseudomatismos, la primera exposición monográfica del mexicano Rafael LozanoHemmer, el MUAC recorre 23 años en 42 obras espectaculares. La muestra incluye piezas de video interactivo, robótica, vigilancia computarizada e instalación sonora.
“Érase una vez una mujer atada, literalmente, al lienzo con una cuerda”
“Su obra es anunciadora de Picasso y de las grandes corrientes pictóricas del siglo XX”
“Su teatro tecnológico merecería una entrada en la saga de Star Wars”
This spring will see Paris enjoy an exhibition of works by Helena Almeida, the Lisbon-born artist who continues to break all the rules in her exploration of traditional art forms, questioning the standard forms of expression.
The Prado Museum has collaborated with the Louvre for this exhibition, which shows the artist’s progression in portraiture, and the effects of rejection and admiration. One of the highlights of the Madrid year in art.
Pseudomatismos is the first solo exhibition by the Mexican artist Rafael Lozano-Hemmer, covering 23 years in 42 spectacular works. The show includes interactive video, robotics, computerised surveillance and sound installations.
‘Once upon a time, there was a women who was tied – literally – to her canvas with rope’
‘His work foreshadows Picasso and the great pictorial movements of the 20th century’
‘Technological theatre that looks like it belongs in Star Wars’
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Broodthaers: 2015 Estate of Marcel Broodthaers/Artists Rights Society (ARS), New York/SABAM, Brussels; Ingres: Nueva York, The Frick Collection, 1927, cortesía Museo del Prado; Almeida: Filipe Braga, © Fundação de Serralves, Porto; Lozano-Hemmer: cortesía del MUAC
Marcel Broodthaers
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JAVIER FERNÁNDEZ ANGULO DIRECTOR DE GENTLEMAN MÉXICO
El arte de envejecer
Quizá parafraseando aquello de que se está muriendo gente que nunca se había muerto, podemos decir que está envejeciendo gente que jamás lo había hecho. Y en el proceso, estos nuevos maduros se están dedicando a rodar películas, y escribir artículos, libros y recetas sobre el fenómeno. El filme La juventud (2015) de Paolo Sorrentino, por ejemplo, reflexiona con Michael Caine sobre la vida, el cansancio y la edad demoledora. Comparte el miedo a envejecer (y morir) con la cinta mexicana En el último trago (2014) y la española Truman (2015). Sin embargo, nadie ha descrito la situación como la periodista y escritora Rosa Montero. “Esto es una advertencia: ayer mismo me acosté teniendo 16 años y hoy me he despertado con más de sesenta. Quiero decir que la vida vuela. Ah, si de joven yo hubiera sabido que iba a envejecer y que me iba a morir, creo que habría vivido de otra manera”, escribe. Nos previene también a los “adultos en plenitud”, el autor y académico mexicano Guillermo Sheridan, consciente de que “no fumar, no comer comida enlatada y correr cinco kilómetros diarios solo conduce a la muerte”. Al menos, en esta edad crítica en la que el día de tu cumpleaños las velas cuestan más que la tarta, siempre hay un consuelo,
también robado de Sheridan, quien asegura que los 40 son la madurez de la juventud y los 50 la juventud de la vejez. Mientras nos quejamos, la industria de la cosmética sigue creciendo, sobre todo en el mundo masculino (más de un 28% cada año). Ya nos depilamos más que ellas y nuestro neceser se agranda peligrosamente. El bótox, que pasó de la axila –al parecer, evitaba el exceso de sudores– al entrecejo, ahora llega hasta el talón del pie –dicen que elimina el cansancio. Y los hombres seguimos buscando las claves contra la devastación de la vejez y admiramos a celebridades como Mick Jagger. Probamos centrifugarnos la sangre, nos metemos luz pulsada para que brille nuestro rostro y aceptamos tratamientos de ultrasonido para acabar con nuestra papada. Untados en aceite de jojoba, parecemos más guapos ahora que solo nos quedan los recuerdos. Algunos hasta se someten a temperaturas bajo cero desnudos, para que se les congele la edad. Yo he llegado a sumergirme en una bañera de ginebra –era bueno para la piel, decían. Al salir, quise tomarme un gin tonic y me lo negaron porque me bajaría mucho la tensión. Y yo que, de mayor, solo quería ser feliz...
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Estilo®
Frank Edwards / Getty Images
The art of ageing Old age ain’t what it used to be. And given greater time, wealth and health than any generation before, today’s pensioners have taken to reflecting upon their situation, with a plethora of films and articles on the phenomenon of growing old. In Paolo Sorrentino’s recent movie Youth, for example, Michael Caine takes a look at life, weariness and the devastation of age. Concern about ageing and death shows up again in 2014’s Mexican film One for the Road and Spanish movie Truman, but no one describes the situation quite as well as the Spanish journalist Rosa Montero: ‘This is a warning: yesterday when I went to bed I was 16; today when I woke up, I was over 60. I mean, life flies. If I’d known when I was young that I would grow old and die, I think I’d have lived differently.’ The Mexican scholar Guillermo Sheridan also warns us about ‘senior citizens’, fully aware that ‘running five kilometres a day, giving up smoking and
tinned food just leads to death’. At least at this critical age, when your birthday cake candles cost more than the cake itself, there is some comfort: according to Sheridan, 40 is the old age of youth and 50 the youth of old age. While we moan about our fate, the cosmetics industry continues to grow, especially in men’s products (more than 28% each year). We men are waxing as much or more than women, and our bag of cosmetic tricks is growing exponentially. Botox
– once used to prevent underarm perspiration – has now moved from the forehead to the heel; they say it gets rid of tired feet. And we men continue to seek out weapons against the devastation of old age: we get our blood centrifuged, have pulsed light applied to our faces and ultrasound to our double chins. Glistening with jojoba oil, we look better than ever, just when most of life’s opportunities are behind us. Some people even subject themselves – in their birthday suit – to sub-zero temperatures in an effort to ‘freeze’ their age. I’ve personally taken the Mick Jagger approach and pickled myself in a tub full of gin; they said it’d be great for my skin. When I got out, I was in the mood for a gin and tonic, but they said no: it might make my blood pressure drop. And all I ever wanted when I grew up was to be happy... Javier Fernández de Angulo is editorin-chief of Gentleman México 17
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A Subasta/Under the hammer
Fotos inéditas Heritage Auction subastará el próximo mes en Dallas fotos nunca vistas de David Bowie tomadas por el histórico fotógrafo Helmut Newton. La hoja de contactos con 36 imágenes, para las que el artista usó película de 35mm, pertenece a una sesión realizada en 1983 en Monte Carlo.
UNSEEN PHOTOS
Never-before-seen photos of David Bowie by Helmut Newton are set to be auctioned next month by Heritage Auctions in Dallas. The contact sheet of 36 frames is from a shoot in Monte Carlo in 1983.
Edición limitada/Limited edition
La firma de moda masculina Fred Perry vuelve a colaborar con el primer británico en ganar el Tour de Francia y siete veces medallista olímpico Bradley Wiggins. La colección se inspira en el ciclismo, con polos y cárdigans de punto y lana 100% merino.
DESIGN CHAMPION
This spring Fred Perry repeats its collaboration with cyclist Bradley Wiggins, the first Brit to win the Tour de France and a seven-time Olympic medallist. The new collection features polos and cardigans in merino wool.
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Campeón de diseño
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Moda
KIM CÁCERES COLABORADORA DE ELLE MÉXICO Y HARPER’S BAZAAR EN ESPAÑOL @KimCaceresUSA
Los niños están de moda Tradicionalmente, las marcas de lujo se han centrado en el público adulto –tan solo Ralph Lauren se atrevía a lanzar una marca de lifestyle que incluía diseños para niños, hace poco más de una década, con apenas un puñado de imitadores. Sin embargo, en la actualidad, cada vez más firmas, entre ellas Marni, Gucci, Stella McCartney o Lanvin, han decidido explorar el mercado infantil buscando mini-celebridades que ayuden a promocionarlo. El hijo de David y Victoria Beckham, Romeo, de 13 años, ha sido imagen de la campaña de Burberry en dos ocasiones –la colección infantil de la firma inglesa incluye hasta bolsas de pañales con el estampado característico de la marca– y cada temporada son más las firmas que suman colecciones para niños. Las más recientes, Fendi, Missoni, Roberto Cavalli y Oscar de la Renta, todas con precios exorbitantes. Hoy, los niños son percibidos como nuevos clientes, convertidos a veces hasta en accesorios, que llevan productos de lujo y, en definitiva, refuerzan el poder de la marca. Desde las redes sociales, el estilo de los hijos de las celebridades ejerce una importante influencia. Así sea en la primera fila de los desfiles de las semanas de la moda, en los eventos de alfombra roja o paseando por Central Park, los descendientes de los famosos se codean en los círculos más prestigiosos, luciendo ropa
de diseñador y zapatos hechos a medida. Sus fotografías ganan miles de likes y circulan en diferentes plataformas. Suri Cruise, la hija de Tom Cruise y Katie Holmes, muestra una colección envidiable de tacones (sí, tacones), que incluye algunos Louboutin personalizados. Los hijos de la cantante Gwen Stefani (Zuma y Kingston Rossdale) se han subido a la pasarela con su madre y Skyler Berman (hijo de la estilista/ diseñadora Rachel Zoe), lleva jerseys de Missoni diseñados exclusivamente para él y mocasines de Tod’s. La tendencia apunta a que los niños puedan disfrutar también de las colecciones bandera de las casas de moda más conocidas. Prueba de ello es la nueva línea de vestimenta infantil que, a partir de junio, Balmain sacará a la venta. El director creativo de la firma francesa, Olivier Rousteing, lo anunció en su cuenta de Instagram con la foto de un grupo de niños luciendo chaquetas negras de cuero y estampado animal. El motivo de explorar este nuevo mercado, según Rousteing, surgió tras diseñar atuendos para North West, la hija de Kim Kardashian y Kanye West. La línea contará con 55 piezas para niños de 6 a 14 años que son, en su mayoría, versiones en miniatura de los diseños de la marca. En cambio, los precios –la prenda más cara supera los 5.000 euros– son sin duda cosa de adultos. 21
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Niños desfilando en la China Fashion Week para la firma M.Latin Children parade in M.Latin clothing during China Fashion Week
Luxury fashion has always been an adults-only concept: only Ralph Lauren dared to launch a lifestyle brand that included designs for children a little over a decade ago, and there were notably few imitators. However, in recent years companies like Marni, Gucci, Stella McCartney and Lanvin have also decided to explore the children’s fashion market. David and Victoria Beckham’s son Romeo has already starred twice in Burberry campaigns (first aged 10, then 13) that even include diaper bags featuring the company’s iconic tartan. And every season sees more companies hopping on the bandwagon – most recently Fendi, Missoni, Roberto Cavalli and Oscar de la Renta – and all at exorbitant prices. Today, children are viewed as new customers – sometimes, controversially,
converted into accessories – who wear luxury products, ultimately strengthening the brand’s power. Social networks, where the style of celebrities’ children is a hot topic, are an important influence. Whether in the first row at Fashion Week shows, attending red carpet events or just strolling through Central Park, celebrities’ offspring are rubbing elbows with top fashion VIPs, wearing their clothes and custom-made footwear. Their photos get thousands of ‘likes’ and can be seen on myriad platforms. Nineyear-old Suri Cruise shows off her enviable collection of heels (yes, heels!) including custom Louboutins. Gwen Stefani’s kids (Zuma and Kingston Rossdale) walk the catwalk with their mother. And Skyler Berman (son of the stylist/designer/reality TV star Rachel Zoe) wears Missoni knitwear designed exclusively for him.
The trend is for children to have fun wearing the flagship collections of fashion houses. Proof of this is the new children’s line that Balmain is launching in June. Olivier Rousteing – creative director at the French firm – announced it on Instagram with a photo of a group of children wearing animal prints and black leather jackets. Rousteing says his focus on this new market emerged after he designed costumes for North West, the daughter of Kim Kardashian and Kanye West. The line will feature 55 pieces for children aged 6–14 years, most of which are miniature versions of the brand’s adult designs. One thing that definitely isn’t miniature, though, is the price, with some pieces on sale for €5,000. Kim Cáceres writes for Elle México and Harper’s Bazaar en Español
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Childhood: the latest trend
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Edición limitada/Limited edition
Sobre ruedas La casa italiana Pucci se ha propuesto animar las calles con sus característicos estampados y estética retro, gracias a esta colección de skateboards con nombres tan sugerentes como Limoni, Diamanti o Gelato, que ya recorren las ciudades.
ROLLING Italy’s Pucci has suggested livening up the streets with the company’s distinctive patterns and retro aesthetic. A collection of skateboards with names like ‘Limoni’, ‘Diamanti’ and ‘Gelato’ has already hit the streets.
Colaboración/Collaboration
Bebé a bordo Este mes, Bugaboo by Diesel Rock presenta la tercera colección de la marca de cochecitos con la firma de denim. El espíritu roquero llega a detalles como el manillar en piel sintética, un tatuaje grabado en láser, llantas con el logo de Diesel, parches y tachuelas. BABY ON BOARD This month, Bugaboo by Diesel Rock presents their third collection of pushchairs. Their rock-n-roll attitude can be seen in the details, like the fauxleather handlebar, laser tattoo, Diesel wheels, patches and studs.
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Relojes
ANDRÉS MORENO COLABORADOR DE RELOJES EN DAPPER, ESQUIRE, FUERA DE SERIE Y ROBB REPORT @_Andres_Moreno
El buen gusto es personal Una de las actividades más habituales en la tarea del periodista de relojes es visitar los sitios donde se fabrican. Son las manufacturas, un término ambiguo que ya hemos tratado en esta columna, y visitarlas suena mucho más emocionante de lo que realmente es. También es cierto que ver a un maestro relojero montar un mecanismo es un espectáculo sin igual, aunque la mayoría de las operaciones que vemos en una manufactura son tan atractivas como ver cambiar una rueda en un taller mecánico. Lo mismo podemos decir de los edificios: imaginamos las manufacturas como coquetas casas situadas en bucólicas praderas donde pastan las vacas y, en la mayoría de los casos, son construcciones en polígonos industriales no muy diferentes de los que podemos encontrar en los alrededores de Madrid, Barcelona o Valencia. Hay excepciones, por supuesto. Existen verdaderas maravillas arquitectónicas y Bovet cuenta con la más bonita de todas ellas. Cerca de la localidad de Neuchâtel, se alza un castillo del siglo XIV, cuya vista domina el Val-de-Travers en su totalidad. El Château de Môtiers merece una visita por puro placer turístico. Saber que ahí dentro elaboran algunos de los más complicados relojes de Suiza ya es razón suficiente para excitar la imaginación de cualquier coleccionista. Situar la manufactura de Bovet en este castillo da una buena idea de la personalidad del propietario de esta casa fundada en 1822. Se trata de Pascal Raffy. De familia francesa aunque nacido en Beirut, Raffy consiguió en persona el sueño que todos anhelamos: disfrutar de una fortuna con la que vivir el resto de su vida sin
trabajar. Lo hizo posible con 38 años, cuando vendió por una cifra repleta de ceros un laboratorio farmacéutico desarrollado por él apenas diez años antes. Con las espaldas bien cubiertas, Raffy decidió que dedicaría su tiempo a sus grandes pasiones: su familia y los relojes. Para satisfacer el segundo de los deseos adquirió en 2001 la casa Bovet con el objetivo de convertirla en una de las firmas más punteras de la alta relojería. La falta de necesidad de recuperar la inversión monetaria realizada explica la trayectoria de Bovet en estos últimos años. Es una firma construida desde el gusto personal, fuera de las leyes del mercado, lo que la convierte en un rara avis dentro del panorama relojero actual. Sus diseños no dejan indiferente a nadie y cuentan con singularidades muy curiosas que ayudan a identificarlos rápidamente. Varias de ellas las encontramos en el reciente Amadeo Fleurier Virtuoso VII Retrograde Perpetual Calendar; entre ellas, la ubicación de la corona a las 12 horas y el uso de la caja Amadeo, un invento del propio Raffy que permite convertir el reloj de pulsera en uno de bolsillo o incluso usarlo como instrumento de escritorio. El nivel técnico de la manufactura queda acreditado con la elección de un movimiento propio con calendario perpetuo. En este punto es necesario recordar que Bovet es una de las pocas firmas suizas capaz de fabricar todos los componentes que incorporan sus relojes, incluyendo las esferas; algo no muy habitual en la industria. Visto el resultado, tenemos que agradecer que Raffy decidiera emplear su dinero en resurgir esta histórica casa. De haberlo dedicado a cualquier otra excentricidad propia de millonarios, la relojería actual sería un poco más aburrida. 27
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Good taste is personal One of a watch journalist’s most common duties is to visit the workshops of watch manufacturers (though how little of the watch is actually made there often makes the term ‘manufacturer’ ambiguous) – but it sounds a lot more exciting than it really is. It’s true that witnessing a master watchmaker assemble a mechanism is one of the greatest shows on earth, but most of what goes on is as thrilling as watching a tyre being changed at a garage. The buildings are no less anodyne: in our imaginations, they’re charming cottages set among bucolic pastures dotted with grazing cows, but in most cases they’re simply colourless sheds on industrial estates. There are exceptions, of course, including some authentic architectural marvels. Bovet’s workshop is the loveliest of all: located near Neuchâtel on a Swiss mountain, between the towns of Val-de-Travers and Fleurier, it’s a 14th-century castle that overlooks the entire valley. Choosing to manufacture their watches in the Château de Môtiers tells you something about the personality of Pascal Raffy, Bovet’s owner. The Beirut-born son of French emigrés, Raffy managed to acquire by mid-life a fortune large enough to never have to work again. At 38, he sold the pharmaceutical company he’d founded just 10 years earlier for an astronomical sum and, with the money issue settled, decided to devote his time to his lifelong passion: watches. In 2001 he purchased Bovet with the aim of turning it into a leader in haute horlogerie. His deep pockets explain Bovet’s business strategy over the past few years: the company doesn’t depend on a quick return; rather it’s a reflection of its owner’s personal taste. Its designs leave no one indifferent, with distinctive features that make them instantly recognisable.
Several can be seen in the company’s recently launched Virtuoso VII, including the location of the crown at 12 o’clock. It’s Raffy’s own invention, and allows you to convert the wristwatch into a pocket watch or even a desktop clock. The technical level of its manufacture is evinced by the choice of an in-house movement with a perpetual calendar. Let’s not forget that Bovet is one of the few Swiss firms capable of manufacturing all the components they use in their watches, including the faces. Having seen the results, we have to thank Providence for Raffy’s decision to invest in this time-honoured company, founded in 1822. Had he indulged himself in some other eccentric millionaires’ pursuit, today’s world of watches would be a whole lot more boring. Andrés Moreno writes about watches in Dapper, Esquire, Fuera de Serie and the Robb Report
Noticias/News
Aniversario del primer enlace Tiffany ha querido honrar a los artesanos de su anillo de compromiso icónico, el Tiffany Setting, para celebrar el 130 aniversario de la joya. Ellos son los protagonistas de la campaña de la casa, por primera vez en su larga historia. ANNIVERSARY OF ITS FIRST ENGAGEMENT Tiffany is to honour the artisans who make its iconic engagement ring, the Tiffany Setting, as part of the 130th anniversary celebrations of this classic piece. For the first time in the company’s long history, the craftspeople rather than the rings will be the stars of the new campaign. 28
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Motor
HÉCTOR IZQUIERDO JEFE DE SECCIÓN DE MOTOR DE GQ ESPAÑA @Infhector
Coches a medida Nunca olvidaré la fiesta familiar que montamos en el concesionario el día que mi padre se compró su primer coche con pintura metalizada. Era un Renault de color champagne y costaba sus buenos 2.000 euros –la pintura. Parecerá poca cosa, pero por aquel entonces entendíamos aquella fruslería como el epítome de la exclusividad. Poco más te ofrecía el fabricante para personalizar tu coche, salvo ponerle unas llantas de aleación o un aleroncito. Tales días han pasado a la historia. Ahora, los responsables de Bentley, por ejemplo, me aseguran que podría elegir hasta el árbol del que se saca la madera para las inserciones del salpicadero (de tener dinero para comprar un Continental). Marcas como Mini y vehículos como el Fiat 500 han hecho de este negocio, que mueve unos 94.000 millones de euros en el mundo, su bandera. Pero todas las grandes firmas, especialmente las premium, disponen de divisiones cuya única finalidad es satisfacer los caprichos de sus clientes: Audi y Porsche Exclusive, Ferrari Tailor-Made... Lejos de constituir una moda pasajera, la industria de la personalización irá a más: hoy crece en torno al 8% anual. Diversos estudios aseguran que para un tercio de los jóvenes, la
famosa Generación Millennial, las posibilidades de individualización de su coche son un aspecto tan fundamental como el motor a la hora de decidirse por uno u otro. Y los fabricantes saben que dejando volar la imaginación del futuro conductor pueden incrementarle la factura en decenas de miles de euros. “Sky is the limit”, me aseguraba hace poco Lapo Elkann, heredero del imperio Agnelli y dueño de una de las firmas de customización más importantes del momento, Garage Italia Customs, que cuenta con clientes como Renzo Rosso, Lady Gaga o Leonardo DiCaprio. ¿Quieres un mini-bar en el asiento de atrás? Te lo hacen. ¿Te gustaría montar un set de Dj en el maletero? Sin problema. ¿Deseas que la piel de la tapicería haga juego con el color de los ojos de tu mujer? Por supuesto. El afán de notoriedad de los nuevos ricos, sin embargo, puede generar a veces problemas de imagen para una marca. Por ejemplo, cuando uno de ellos pretende perpetrar la herejía de pintar un Rolls-Royce de color rosa. “Intentamos convencerles de que no lo hagan, recordándoles que esas excentricidades reducen el valor de reventa”, me ha llegado a confesar un portavoz de la firma británica. Aunque, por desgracia, en cuestión de mal gusto el cielo es también el límite. 31
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Cars made to measure I’ll never forget the party my family threw in the dealership the day my father bought his first car with metallic paint. It was a Champagne-coloured Renault and the paint cost €2,000. It seems silly now, but back then we really thought this was the epitome of exclusivity. Manufacturers used to offer few other options for customising your car except for alloy wheels or a spoiler, but those days are long gone. Nowadays, the people at Bentley tell me, I could even pick the tree the wood in the dashboard inlays comes from (if I could afford a Continental, that is). Brands like Mini and vehicles like the Fiat 500 have focused their efforts on this business – worth some €94 billion worldwide – but all the big manufacturers of top-of-the-line cars have divisions whose sole purpose is to satisfy their customers’ whims: Audi and Porsche Exclusive, Ferrari TailorMade, the list goes on. Far from being a fad, the industry is becoming increasingly customised, with current growth at about 8% annually. Several studies claim that for a third of today’s young people – the famous
‘millennial’ generation – the ability to personalise their car is as fundamental as what engine to chose. And the manufacturers know all too well that indulging the imagination of their future drivers can mean tens of thousands of euros worth of options added on to the invoice. ‘The sky’s the limit,’ says Lapo Elkann, heir to the Agnelli empire and owner of one of the biggest names in vehicle customisation today, Garage Italia Customs, which boasts the likes of Renzo Rosso, Lady Gaga and Leonardo DiCaprio as clients. Want a mini-bar in the back seat? Done. Want a DJ set-up in the boot? No problem. Want the upholstery to match the colour of your wife’s eyes? Of course! However, the nouveau riche’s need for notoriety can sometimes create image problems for a brand. For example, when one of them intends to commit the heretical act of painting a Rolls pink. ‘We try to convince them not to do it by reminding them that eccentricities like that reduce the resale value,’ a spokesman for the British firm confessed to me. But – unfortunately – when it comes to poor taste, the sky is also the limit. Héctor Izquierdo is the motoring editor of GQ Spain
Noticias/News
De cabeza Con motivo de la feria de electrónica CES celebrada en Las Vegas, BMW ha presentado su prototipo BMW Motorrad, un casco con pantalla integrada que muestra información de carretera, velocidad, llamadas e incluso estado de los neumáticos. Los datos se proyectan en el panel transparente para asegurar que el conductor no se distraiga. HEADS UP BMW Motorrad has presented its new helmet prototype at the CES electronics show in Las Vegas. It features a heads-up display showing road conditions, speed, temperature, gear, fuel level, even incoming phone calls and tyre condition, all projected onto a glass panel over the right eye so that the driver doesn’t have to look away from the road.
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P U B L I R R E P O R TA J E
HOTEL Y SPA DE LUJO EN LA PLAYA LUXURY BEACH HOTEL AND SPA Puente Romano Beach Resort & Spa Marbella, miembro de “The Leading Hotels of the World”, se encuentra situado en la costa de España, a orillas del Mar Mediterráneo, a tan solo 35 minutos del aeropuerto de Málaga. Sus edificios recuerdan a un pueblo andaluz a pie de playa, entre preciosos jardines subtropicales, que aportan un aire de tranquilidad y tradición único. Con un total de 9 restaurantes en los que se puede degustar lo mejor de las distintas cocinas del mundo, desde la nikkei a la tailandesa, italiana o la más vanguardista, de la mano del chef Dani García (con 2 estrellas Michelin). Y el 100% sin gluten, Celicioso. Al atardecer, se puede disfrutar tomando una copa en la terraza chill out de La Plaza Village o en Suite, una de los clubs más sofisticados de Marbella. Además, una amplia oferta de terapias y tratamientos de lujo componen la especializada lista del spa Six Senses. Los más deportistas puede hacer uso de las instalaciones del Club de Tennis & Fitness,y del campo de 18 hoyos de Marbella Club Golf Resort. Puente Romano Beach Resort & Spa Marbella, a member of The Leading Hotels of the World consortium, is located on the south coast of Spain, overlooking the Mediterranean Sea
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and just 35 minutes from Malaga airport. Its buildings make you feel as though you’re in a traditional Andalusian beach town. The hotel is surrounded by subtropical gardens, which create a unique atmosphere of tranquillity and tradition. There are a total of nine restaurants where guests can try the finest dishes from different cuisines from all over the world. The gastronomic offering ranges from Nikkei, Thai or Italian food to cutting edge cuisine prepared by Dani García (holder of two Michelin stars). There’s also the 100% gluten free restaurant Celicioso. To end the night, guests can enjoy a drink and chill out on the terrace in La Plaza Village or at Suite, one of the most sophisticated clubs in Marbella. A wide range of therapies and treatments can be enjoyed at the Six Senses spa, while guests can also use the facilities of the Tennis & Fitness Club, and the 18-hole Marbella Club Golf Resort.
Puente Romano Beach Resort & Spa Marbella Bulevar Príncipe Alfonso von Hohenlohe, s/n 29602 Marbella – Malaga – Spain +34 952 82 09 00,puenteromano.com
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ALBERTO FERNÁNDEZ-BOMBÍN GASTRÓFILO, SUMILLER Y PROFESOR DE CATA
Rey de copas Si es usted de esas personas a las que les resulta indiferente tomar el café en una taza de porcelana francesa de Limoges o en un vaso de papel, no siga leyendo. Lo que voy a contar no le interesa. Gracias por su atención, disfrute de su vuelo y pase a la página siguiente. Si por el contrario, es de los que piensa que los vasos de papel y los cubiertos de plástico son una aberración, le contaré que más allá del material, también hay una copa para cada vino. Cualquier manual de introducción a la cata le dirá que el cristal de una buena copa debe ser fino, transparente y sin motivos decorativos que oculten el aspecto y el color del vino. El diseño debe ser ergonómico –huyan de los tamaños gigantes que buscan el cielo y de aquellas copas tan pequeñas que parecen pensadas para las manos de un hobbit. La forma, anchura y altura no solo afectan a la percepción de los aromas, también determinan cómo se distribuye el vino en la boca: si lo hace directamente hacia el centro de la lengua donde residen las papilas encargadas de los sabores amargo y la textura, hacia los lados donde se percibe la acidez, o por toda la superficie. El consejo (equivocado) más habitual es utilizar copas grandes para los vinos menos aromáticos y copas pequeñas para los más intensos. El ejemplo más evidente de este error histórico y generalizado es el de la clásica copa de flauta para el Champagne. Hace años que solo la utilizo para sorbetes –y eso porque soy tacaño y
me falta valor para tirarlas a la basura. Su pequeño diámetro minimiza la expresión aromática y dirige el vino hacia el centro de la boca, limitando la acidez característica de un buen espumoso. El argumento más empleado para justificar su uso es que su altura permite contemplar la evolución de la burbuja. Sin embargo –y les contaré otro secreto–, el aspecto visual es el menos relevante en la cata de cualquier vino. La calidad de la burbuja se expresa en la característica sensación de cremosidad del carbónico natural, frente a la agresividad del que se añade a los refrescos industriales. Prueben a utilizar una copa de vino blanco para los espumosos más jóvenes y una de tinto para los de perfil oxidativo y podrán comprobar la diferencia. Otro ejemplo sangrante es el de los típicos catavinos jerezanos. Pequeños e incomodos pero muy folclóricos, reducen la paleta aromática de los vinos de Jerez hasta convertirlos en una pálida sombra de sí mismos. Dirigen el vino hacia el fondo de la garganta, invitando a tragar rápido, sin dar tiempo a que la lengua haga su trabajo. Mi consejo es el mismo que para el Champagne, aunque la solución al enigma no es siempre la misma, prueben sin miedo y se llevarán grandes sorpresas. Letra pequeña: Todas la recomendaciones vertidas en esta columna son reales, han sido testadas en primera persona y les animo a que las repitan en casa. 35
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King of cups
If you’re one of those people who don’t care whether they drink their coffee from Limoges porcelain or a paper cup, don’t bother to read on. Thanks for your attention, enjoy your flight and turn to the next page. If, on the other hand, you’re someone who thinks paper cups and plastic cutlery are some kind of aberration, you should also know that there’s a glass for every kind of wine. As any beginners’ wine-tasting manual will tell you, a good wine glass will be thin, transparent and lacking any decorative motifs that might hide the appearance and colour of the wine. The design should be ergonomic – ditch anything designed for the hands of a giant or a hobbit. The shape, width and height not only affect the perception of aromas, they also determine how wine enters the mouth. Does it move directly to the middle of the tongue, where the papillae responsible for the bitter taste and texture are, to the sides where acidity is perceived, or across the entire surface?
The usual (incorrect) advice is to use large glasses for less aromatic wines and small ones for those that are more intense. The most obvious example of this historic and widespread error is the classic Champagne flute. For years now, I’ve used mine just for sorbets, and that’s only because I’m a tightwad and can’t bear to throw them away. The small diameter minimises the aromatic expression and directs the wine towards the centre of the mouth, limiting the acidity so characteristic of a good sparkling wine. The argument most commonly offered to justify using the flute is that its height makes it easy to see the evolution of the bubble. However – and I’ll let you in on another secret – the visual aspect is the least relevant of all in any wine tasting. Bubble quality is expressed in the characteristic feeling of creaminess from natural carbonation, as opposed to the aggressiveness of industrially carbonated soft drinks. Try using a white wine glass
for younger sparkling wines and a red wine glass for those with a more oxidative profile and taste the difference. Another flagrant example of wrongness is the sherry glass. Small and uncomfortable – but oh so folkloric! – it reduces the aromatic palette of sherries and turns them into pale shadows of themselves, directing the wine to the back of the throat and triggering a fast swallow without giving enough time for the tongue to do its job. My advice here is the same as for Champagne. Which glass to use isn’t always obvious, but if you’re not afraid to try something new, you’ll reap surprising rewards. And now for the fine print: All the recommendations expressed in this column are real and have been tested personally. I encourage you to repeat them at home. Alberto Fernández-Bombín is a sommelier and gastrophile
Edición limitada/Limited edition Un clásico moderno Siguiendo la tradición de colaboraciones creativas con artistas como Karl Lagerfeld, David Lynch y Jeff Koons, la casa francesa Dom Pérignon ha fichado a Björk y a su videoartista Chris Cunningham para esta temporada. La pareja ha creado el estuche y la botella de la serie From Earth to Heart, iluminada con un láser, que guarda un champán vintage de 2006.
MODERN CLASSIC
Following a tradition of creative partnerships with artists like Karl Lagerfeld, David Lynch and Jeff Koons, Dom Pérignon has commissioned Björk and her longtime collaborator, video artist Chris Cunningham. The result is From Earth to Heart, which features a laserlit box containing either a 2004 rosé or a 2006 blanc.
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trends as necessary tools to cater to this growing sector. Who is it aimed at? It’s aimed at university graduates and/or professionals who want to enhance their professional profile with the nowledge required to further their career in the luxury sector, and to acquire a solid base of marketing expertise. One semester is spent on campus, while the other is spent training in a luxury company. What job prospects does it create? Currently, 90% of Les Roches Marbella graduates find a position as soon as the finish their degree. Several times per semester, representatives from some of the world’s biggest hotels and luxury retail companies visit our campus to recruit talent.
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LA SOLUCIÓN DEFINITIVA PARA RECUPERAR TU PELO: EL ROBOT ARTAS Y LA EXCELENCIA DE CLÍNIC A IMEMA THE DEFINITIVE SOLUTION TO RESTORE YOUR HAIR PERMANENTLY: THE ARTAS ROBOT AND THE EXPERTISE OF MADRID’S CLÍNIC A IMEMA Clínica IMEMA ha sido la primera clínica europea en recibir la acreditación como Artas Clinical Excellence. En un acto presidido por el Consejero de Sanidad de la Comunidad de Madrid, el vicepresidente mundial de Restoration Robotics entregó al Dermatólogo Eduardo López Bran, Director de IMEMA, la acreditación de excelencia en trasplantes de pelo con robot. IMEMA es la primera Clínica en Europa en disponer de la segunda generación del Robot Artas. El Dr Eduardo López Bran es uno de los cinco miembros del Consejo Asesor Médico Mundial para el desarrollo de mejoras en la tecnología robótica. Con el robot Artas y la experiencia de Clínica IMEMA se logran trasplantes de pelo definitivos, indetectables, sin cicatrices, utilizando la tecnología más avanzada. l nica M M was the first clinic in urope to be awarded the Artas Clinical Excellence accreditation.The company was given this accreditation in robotic hair transplants in a ceremony led by the Minister of Health of the Community of Madrid. The global vice president of Restoration Robotics presented it to dermatologist Eduardo López Bran, director of IMEMA. l nica M M is the first centre in urope to have the second generation Artas robot. Dr Eduardo López Bran is one of the five members of the world medical advisor board developing robotic technology.The Artas robot, along with the experience of the team at Clínica IMEMA, means they can achieve undetectable hair transplants without leaving scars, using the most advanced technology.
Dr. Eduardo López Bran (Doctor y Fundador de Clinica IMEMA) Jesús Sánchez Martos (Consejero de Sanidad de la Comunidad de Madrid) Mr. Brent Nixon (Vicepresidente de Restoration Robotics, Inc)
Clínica IMEMA Juan Hurtado de Mendoza 15, Madrid, Spain, +34 91 359 77 07, imema.es
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El desayuno de Plácido “Un cappuccino y un croissant” El concierto Plácido en el Alma se celebrará el 29 de junio en el Estadio Santiago Bernabéu
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Desayuno con
Plácido Domingo TEXTO: Jesús
Huarte
FOTO:
Juanjo Molina
Recién cumplidos los 75 años y a punto de recibir en el estadio Santiago Bernabéu de Madrid el homenaje Plácido en el Alma este 29 de junio, el cantante y director de orquesta nos habla de sus dos grandes pasiones: la música y el fútbol ¿Qué es lo mejor que te ha dado la ópera? El privilegio de hacer feliz a personas que a veces ni conozco. Me ha permitido encontrar un común denominador en mi familia: mis padres eran cantantes de zarzuela, también ha cantado Marta, mi mujer, que ha sido mi inspiración y mi ayuda más valiosa. Y he podido vivir la vida de muchísimos personajes y épocas. Tu vida es un viaje constante. ¿Dónde te sientes en casa? En España, por supuesto, y en México o algún país de Latinoamérica. Pero en general, allá donde voy, solo necesito tres cosas: un lugar agradable, un teatro o auditorio cerca y el público, mis amigos desconocidos.
De la etapa de Los tres tenores se recuerda que acercaron la ópera a todo el público. ¿Puede decirse que conciertos como este van en la misma dirección? Creo que sí. Desde el año 1990, en que nos reunimos en un concierto para la final del Mundial de Roma, ha cambiado mucho el público. Yo aún recibo cartas de personas que no sabían nada de ópera y hoy son abonados en su país o ciudad. ¿Se parecen el fútbol y la ópera? En ambos, público de diferentes orígenes e ideas se sienta codo con codo a dejarse llenar por el espectáculo. El de la ópera se emociona como el del fútbol, con una Romanza o una escena, e incluso a veces silba también (ríe).
¿Cómo cuidas la voz? En español la voz es “la”, es mujer. Y es muy celosa. No sabes cuánto te pide. Es difícil vivir con ella, hay que tratarla muy bien, cuidarla y cultivarla. Uno aprende a conocerse a sí mismo. Por ejemplo, si tengo que cantar, el día anterior me lo paso casi en silencio.
De no haber sido cantante, ¿crees que te habrías dedicado al fútbol? No creo, aunque jugué mucho hasta muy recientemente. Fui portero y jugué adelante, pero no tenía las cualidades. Hay que practicar y aprender desde pequeño, como hice yo con la música.
De todos los lugares en los que has cantado, ¿cuál te hace sentir mejor? Los cuatro grandes son para mí el Covent Garden de Londres, el Metropolitan de Nueva York, la Scala de Milán y la Ópera Estatal de Viena. Además, tengo mucho cariño al Liceo de Barcelona y al Real de Madrid.
¿En qué se diferencia el Plácido cantante del director de orquesta? Las dos cosas van juntas. Dirigir me permite estar contacto con los cantantes jóvenes que salen de Operalia (Plácido creó esta competición de jóvenes talentos en 1993). Estos artistas jóvenes son ya el presente y serán el futuro de la música.
Entre los más llamativos está el Santiago Bernabéu. ¿Qué podemos esperar del concierto Plácido en el Alma? Me acompañarán artistas como Andrea Bocelli, Sara Baras, Pablo Alborán, David Bisbal, Il Volo, Ara Malikian, José María Cano, Helene Fischer y Paola Fernández. Va a ser una noche inolvidable y, en lo personal, me emociona congregar a tanto público y tantos artistas en el escenario improvisado del Bernabéu, donde se han vivido tantos días de gloria y, también, de sinsabores.
Además de para deleitar al público, tu voz ha servido para un gran número de causas. ¿De cuál te sientes más orgulloso? Cuando sucedió el terremoto de México (1985), pudimos ayudar a miles de personas. Yo me encontré atrapado en una situación tan tremenda con familiares que perdí y me di cuenta de que otros estaban en una situación aún peor. Con el éxito, viene la responsabilidad, pero cualquiera en ese momento hubiera hecho lo mismo. 43
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Plácido Domingo TEXT: Jesús
Huarte
PHOTO:
Juanjo Molina
This June, the singer and conductor – who’s just turned 75 – will lead a tribute to his illustrious career, called Plácido en el Alma – ‘Plácido in the Soul’, in Madrid’. We talk with him about his two great passions: music and football What’s the best thing that opera has given you? The privilege of making people – some of whom I don’t even know – happy. It’s allowed me to find a common denominator in my family: my parents were singers of zarzuela [Spanish operetta] and my wife Marta – my inspiration and my greatest help – has also sung. And I’ve been able to live the lives of many characters from other times.
The Three Tenors broadened the opera audience hugely. Are concerts like this aimed at popularising classical music? I think so. The public has changed enormously since 1990 , when we got together at a concert for the World Cup final in Rome. I still get letters from people who knew nothing about opera and who now own opera season tickets.
Your life is a constant journey. Where do you feel most at home? In Spain, of course, or Mexico or another Latin American country. But, in general, wherever I go, I need just three things: a nice place, a nearby theatre or auditorium, and the public – the friends I haven’t yet met.
Do you think football and opera have anything in common? In both, groups of people with different backgrounds and ideas sit together to take in the show. Just like football audiences, opera audiences get excited, but over a romance or high drama; sometimes they even whistle, too.
How do you take care of your voice? The Spanish word for ‘voice’ is feminine. And she’s very jealous. You’ve no idea of the demands she makes. She’s difficult to live with – you have to treat her well, nurture her. For example, if I have to sing, I spend the day before the event in virtual silence.
If you hadn’t been a singer, do you think you’d have been a footballer? I doubt it, even though I played until quite recently. I was a goalie and a forward, but I didn’t have what it takes to be good. You need to practise and learn how to play from very early childhood, as I did with music.
Which is your favourite place to sing? For me, the big four are New York’s Metropolitan, London’s Covent Garden, Milan’s La Scala and the Vienna State Opera House. I’m also quite fond of Barcelona’s Liceu and Madrid’s Teatro Real.
How are Plácido the singer and Plácido the conductor different? They’re part and parcel of the same thing. Conducting allows me to have direct contact with young singers coming out of Operalia [Plácido created the competition for young talent in 1993]. These young artists are the present – and future – of music.
Santiago Bernabéu is a striking venue. What can we expect from the Plácido en el Alma concert? I’ll be accompanied by artists like Andrea Bocelli, Sara Baras, Pablo Alborán, David Bisbal, Il Volo, Ara Malikian and Paola Fernández. It’s going to be an unforgettable evening and, personally, I’m excited about bringing so many artists and fans together at the stadium, which has seen so many days of both glory and disappointment. 44
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Plácido’s breakfast ‘A cappuccino and a croissant’ The Plácido en el Alma concert will be held at Santiago Bernabéu Stadium on 29 June
Besides delighting your audiences, your voice has served many good causes. Which are you most proud of? We were able to help thousands of people after the earthquake in Mexico. I found myself caught up in a terrible situation, and I realised that others were even worse off. With success comes responsibility but, at the time, anyone would have done the same. 44
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Breakfast with...
Plácido Domingo, fotografiado en el/photographed at the Gran Meliá Fénix, Madrid 45
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DRINK THE CLOUDS WHAT DO YOU DO WHEN YOU’VE GOT CLOUDS BUT NO RAIN? CAPTURE THE MIST, PUT IT IN A BOTTLE AND SELL IT AS THE FINEST ULTRA-PURE TABLE WATER, OF COURSE. MEET THE TENERIFE ENGINEER WHO’S DOING JUST THAT TEXTO Y FOTOS: Daniel
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Burgui Iguzkiza
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BEBER LAS NUBES THEO HERNANDO RECOLECTA GOTAS DE AGUA DE LA NIEBLA TINERFEÑA PARA EMBOTELLARLA, COMERCIALIZARLA Y SACIAR LA SED
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El ingeniero tinferfeño Theo Hernando posa en la estación de vigilancia medioambiental de El Gaitero, en Tenerife, frente a sus captadores de agua de niebla Tenerife-born Theo Hernando at El Gaitero, the environmental monitoring station high on the island’s central peak, where his ‘cloud collectors’ are located
Bajo la imponente cumbre del Teide (3.718 metros), en Tenerife, un mar de nubes avanza sigiloso entre los valles. Empujadas por los vientos Alisios, se estampan contra las cumbres volcánicas y cadenas montañosas del archipiélago. Rara vez provocan lluvia. La humedad que cargan tan solo impregna el ambiente: pura agua virgen recién concebida en las entrañas del océano Atlántico, de una calidad extraordinaria que dura en la tierra unos instantes. El tinerfeño Theo Hernando, un joven ingeniero técnico agrícola de 35 años, ha logrado capturarlas y bebérselas. Esta primavera, lanzará al mercado Garoé, agua de niebla embotellada para el consumo humano, extraída de forma sostenible. Alzar la copa y brindar con ese agua es el resultado de 15 años de investigación durante los que Theo ha patentado y perfeccionado unos innovadores
captadores para esta precipitación horizontal. Pero sobre todo ha resuelto una fascinación que sentía desde adolescente, aprovechar un recurso. La captación de niebla como ingenio científico moderno surgió en Chile, en el desierto de Atacama, en la década de los 60 y llegó a zonas de Perú con una geografía similar a Canarias, en los que las nubes apenas encuentran a su paso núcleos urbanos ni contaminación y atraviesan los cielos más limpios del planeta. Los atrapanieblas chilenos fueron importados a Canarias en los 80 por investigadores como Luis Santana Pérez, al que Theo escuchó por primera vez en una charla que organizó su propio padre, y por la catedrática de geografía Victoria Marzol, que después dirigió las investigaciones de Theo en la Universidad de la
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Esther Hernando, hermana de Theo y comercial de la empresa, delante del depósito de agua de niebla. A su drcha., José Hernández, ingeniero y socio Theo’s sister, Esther, who manages sales, and his mother’s partner, José, who is a retired engineer and acts as technical advisor for the project
A sea of clouds moves steadily through the valleys dominated by Tenerife’s 3,718m Mount Teide. Driven by the trade winds, they weave around the volcanic peaks and mountain ranges that dot the archipelago, but rarely create rain. Instead, the moisture they carry remains in the air: pure, unadulterated water of extraordinary quality, evaporated directly from the waters of the Atlantic. Thirty-five-year-old agronomist Theo Hernando has managed to collect this purest of nature’s gifts and bottle it, and this spring he’ll be launching Garoé, sustainably produced ‘mist water’ for human consumption. It’s the result of 15 years of research, during which Theo patented and perfected the innovative collection vessels used to capture moisture via condensation. It’s a question he’d been fascinated with since his teens. The modern scientific quest to collect water in places where you have mist but no rain first emerged in the 1960s, in Chile’s Atacama Desert and in areas of Peru with a geography similar to that of the Canary Islands, where the clouds’ paths have little contact with cities or other sources of pollution, instead crossing some of the cleanest skies on the planet. Chilean mist-catchers were imported to the Canaries in 1980s by researchers like Luis Santana Pérez – whom Theo
first heard speak while he was still a secondary school student – and geography professor Victoria Marzol, who supervised his subsequent research at the University of La Laguna in Tenerife. However, according to 16th-century historians, these devices had always existed on the islands. Their writings tell us that the Bimbaches – a people native to the island of El Hierro – worshipped a tree called Garoé, a giant linden whose leaves captured water from the mist, sustaining locals and their livestock alike. It all seemed like the stuff of folk tales and legends from a place that was, at the time, at the very edge of the known world. That is, until 1948, when the shepherd Tadeo Casañas from El Hierro saved his village from a great drought by condensing the mist using trees once again. Moisture-capture technology, using flat mesh panels that present a suitable surface on which moisture can condense and be collected, remained unchanged until 2008, when Theo devised three-dimensional collectors comprised of versatile, semi-rigid structures with rectangular surfaces able to withstand winds of up to 80kmph that are both more productive and precise, collecting up to 500 litres of water a day compared to the 60-70 litres of the best previous model. The new system requires no extra power, 49
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Modelos de captadores de agua de niebla de tipo chileno, que instaló el Cabildo de Tenerife hace décadas. El prototipo de Theo es mucho más eficiente Examples of the original Chilean cloud collectors, which were installed at Cabildo de Tenerife decades ago. Theo’s prototype is many times more efficient
Laguna, en Tenerife. Aunque según los cronistas españoles del s.XVI, en realidad estos ingenios nunca abandonaron las islas. Relatan que los indígenas de El Hierro, los bimbaches, adoraban al árbol Garoé, una especie de tilo gigantesco que les permitía captar y destilar el agua de las nieblas a través de sus hojas, de las que bebían los vecinos y sus ganados. Parecían cuentos y leyendas de un archipiélago que entonces era el último confín del mundo conocido, hasta que en época más reciente, en 1948, Tadeo Casañas, un pastor herreño, salvó a su aldea de una gran sequía capturando el agua gracias a las hojas de los árboles. Esta tecnología no había experimentado ninguna mejora –consistía en unas mallas planas y lisas en las que se condensaban las gotas de agua de niebla– hasta que Theo Hernando ideó en 2008 los captadores “tridimensionales” y diseñó unas superficies rectangulares semirrígidas y de materiales versátiles. Estas estructuras soportan vientos de hasta 80km/h, se pueden abatir y logran un mayor aprovechamiento y precisión: hasta 500 litros de agua al día frente a los 60 o 70 de sus predecesores. El sistema no precisa de energía extra, requiere poco mantenimiento y su precio es asequible –cada captador vale unos 800 euros–, ocupando además un 90% menos de superficie.
El invento siempre tuvo el enfoque social de mejorar los recursos hídricos para las poblaciones más desfavorecidas por la lluvia, pero en 2012, Theo y el resto de socios vieron la oportunidad de servir ese agua de niebla en restaurantes. Lo hicieron bajo la marca Alisios, un proyecto piloto que colocaron con éxito en boutiques y tiendas gourmet. Ganó reconocimientos como el premio europeo a la mejor empresa de Medio Ambiente 2014 y fue seleccionado por el Ministerio de Agricultura para representar a España en la Expo Internacional de Milán, pero la crisis económica y las desavenencias entre el variopinto grupo de inversores que patrocinaba el proyecto dejó en punto muerto el negocio. Hasta este año. Theo ha retomado la idea con el apoyo de su familia y amigos, y producirá de forma casi artesanal 12.000 botellas al mes. “Se trata de hacer una producción pequeña y elaborar un agua exclusiva”, explica. Pero Garoé no solo es un homenaje a aquellos nativos de las islas que exprimían las nubes, es también un regreso al mismo lugar en el que Theo desarrolló su proyecto de fin de carrera. Las gotas de agua que llenan las botellas de cristal de la nueva marca se extraen en la corona forestal de El Teide, en una ladera a 1.747 metros de altitud. Allí, en la estación de vigilancia medioambiental de El Gaitero, a temperaturas
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Theo muestra a su amigo el hostelero Jorge Campos las instalaciones de la pequeña embotelladora artesanal que comenzará a trabajar esta primavera Theo shows his friend and business partner Jorge Campos the bottling process that will go into full production this spring
‘COLLECTING WATER DROPLET BY DROPLET IS A METAPHOR FOR PERSEVERANCE AND CONSTANCY. IT’S A BEAUTIFUL IDEA’
little maintenance and costs less than €800. The project has always had a social purpose, which is to improve water resources in areas with supply issues and drought threats, but in 2012 Theo and his business partners saw an opportunity to also serve their ‘mist water’ in restaurants. They marketed it under the brand name Alisios, and the pilot project successfully placed the water in gourmet shops and boutiques. It received honours such as the European Business Award for the Environment in 2014, and was selected by the Ministry of Agriculture to represent Spain at the International Expo in Milan, but the economic crisis and disagreements between the disparate group of investors sponsoring the project caused the business to fold. Theo has revived the idea for 2016. With support from family and friends, he’ll produce 12,000 bottles per month using a small-scale system. ‘It’s all about the careful production of an exclusive water,’ he explains. But Garoé is not merely a tribute to the islands’ aboriginal people who first made water from clouds, it’s also a return to the very place where Theo carried out his thesis project. The water droplets filling the new brand’s glass bottles come from the crown forest 51
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de cero grados, instalaba hace una década sus primeros prototipos. “Aquí pasé toda mi juventud. Mientras mis amigos se iban los fines de semana de fiesta, yo subía a esta montaña a pasar frío y hacer mediciones”, recuerda el ingeniero. A menudo le acompañaban su hermana, Esther o su madre Elvira y su perrita Noche. Juntos transportaban durante horas pequeños cubos con marcas para medir el agua que recolectaban. “Nos decían que no se podía, que era imposible”, recuerda Theo. “El día más feliz de todos estos años de investigación fue en 2012 cuando fui a revisar unos captadores que tenía en Gran Canaria. Llevaban instalados tan solo una semana, subí y me encontré 30.000 litros de agua. ¡No te imaginas qué es eso! Es casi una piscina”, explica entusiasmado. Ahora le acompañan en la nueva empresa su hermana, como comercial y jefa de ventas; José Hernández, ingeniero jubilado y pareja de la madre de Theo, que hace las veces de asesor técnico; y también Jorge Campos, amigo y dueño del restaurante El Sauco en Alcalá, al sur de la isla, el primer establecimiento en ofrecer en su carta el agua de niebla. “Conocí el proyecto y fue amor a primera vista: recoger agua gota a gota es una metáfora de la perseverancia y la constancia, y una idea muy bella”, explica el empresario de 36 años originario de Caracas. Mientras, Theo no descansa. En el último año ha patentado un sistema de energía renovable marítima basado en la gravedad y ha presentado un proyecto para reducir los accidentes de tráfico en aquellas carreteras donde la niebla tiene mucha incidencia. También ha localizado un lugar en México en el que exprimir las nubes, pensando ya en internacionalizar su producto. Aunque el más convencido del éxito del negocio familiar es Ian, su sobrino de cinco años. En los días nublados, mira al cielo como el que admira un viñedo del que se siente próximo heredero y pregunta: “¿Ves todas esas nubes? Son de mi tío”.
on Mount Teide, 1,700m above sea level. That’s where the first prototypes were installed – in the El Gaitero environmental monitoring station, at a temperature of zero degrees – a decade ago. ‘This is where I spent my adolescence; while my friends would go out partying at the weekend, I’d come up here in the freezing cold to take measurements,’ he recalls. His sister Esther or his mother Elvira and their dog Noche would often tag along. Together, they’d carry the little buckets used to measure the water collected. ‘Everybody said it was impossible,’ Theo reminisces. ‘The happiest day during all these years of research was in 2012 when I went to look at some collectors I’d put up on Gran Canaria. They’d been there just a week, but when I checked them, they’d collected 30,000 litres of water. You can’t imagine how much that is! It’s almost a swimming pool,’ he marvels. The new company comprises his sister (who manages sales), retired engineer José Hernández (Theo’s mother’s partner, who acts as a technical adviser) and chef and friend Jorge Campos, owner of El Sauco restaurant in Alcalá, to the south of the island, which was the first eatery to offer the mist water on its menu. ‘When I saw the project it was love at first sight,’ says Jorge. ‘Collecting water droplet by droplet is a metaphor for perseverance and constancy. It’s a beautiful idea.’ Theo’s energy is boundless. In the last year, in tandem with this project, he’s also patented a gravity-based offshore renewable energy system and presented a scheme to reduce traffic accidents caused by mist. He’s also found a site in Mexico suitable for his ‘cloud-squeezing’ technology, and has his eyes set on taking his product international. The project’s biggest fan, though, is Theo’s five-year-old nephew, Ian. On cloudy days, he looks at the sky like a winegrower looks at his vines and says, ‘You see all those clouds? They’re my uncle’s.’
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“RECOGER AGUA DE NIEBLA
GOTA A GOTA ES UNA METÁFORA A LA CONSTANCIA Y UNA IDEA MUY BELLA”
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PRESENTE
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PERFECTO FOTOS: Lukasz Malkiewicz
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Página anterior: vista desde el escenario del salón de baile de la Ballhaus Riviera, en el Berlín del Este. La Riviera fue construida en 1890 y cerró en 1991 tras la reunificación alemana. Sobre estas líneas: complejo hospitalario de Beelitz-Heilstätten, en la Alemania Oriental, donde Hitler se recuperó, en octubre y noviembre de 1916, de las heridas que sufrió en la Batalla del Somme. En 1945, fue ocupado por el Ejército Rojo y sirvió de hospital militar soviético hasta 1995, mucho después de la reunificación alemana Previous pages: the ballroom of the Ballhaus Riviera in East Berlin, as seen from its stage. The Riviera was built in 1890 and closed in 1991, shortly after German reunification. Above: Berlin’s Beelitz-Heilstätten hospital complex, where Hitler recovered from the wounds he suffered in the Battle of the Somme, in late 1916. In 1945, Beelitz-Heilstätten was occupied by Red Army forces and the complex remained a Soviet military hospital until 1995, well after German reunification
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La casa de un empresario en Guben, una ciudad dividida en la frontera entre Alemania y Polonia The former home of a factory-owner in Guben, a German city on the border with Poland
EL FOTÓGRAFO POLACO LUKASZ MALKIEWICZ HA RETRATADO LOS MÁS GRANDIOSOS EDIFICIOS ABANDONADOS DE ALEMANIA Y POLONIA, CON EL SUEÑO DE LOGRAR QUE NUNCA SEAN OLVIDADOS PHOTOGRAPHER LUKASZ MALKIEWICZ SHOOTS ABANDONED MANSIONS ACROSS GERMANY AND POLAND, IMMORTALISING AN ELEGANCE AND GRANDEUR LOST TO TIME AND DECAY
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“ALGUNAS COSAS MERECEN QUE SALGAMOS DE NUESTRO CAMINO POR ELLAS”
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Página anterior: palacio barroco abandonado en Bełcz Wielki, en la provincia de Baja Silesia, Polonia. Sobre estas líneas: el sanatorio abandonado de Waldhaus Buch, en el Berlín del Este. El impresionante pasillo fue modelado como el patio de un palacio italiano renacentista. Fue deshabitado en 1992 Previous page: an abandoned Baroque palace in Bełcz Wielki, Lower Silesian Voivodeship, Poland. Above: Waldhaus Buch, a hospital in East Berlin, abandoned in 1992. Its impressive hallway was modelled on the courtyard of an Italian Renaissance palace
‘PHOTOGRAPHY SNATCHES A MOMENT FROM THE DEGRADATIONS OF TIME AND HOLDS IT IN A SORT OF PERFECT MEMORY’
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Sobre estas líneas: Palacio barroco Sucha Dolna, en la provincia de Lubusz, Polonia. En la página siguiente: segundo salón de baile de la Ballhaus Riviera, en el Berlín Oriental, Alemania Above: the Baroque Sucha Dolna palace in Lubuskie Voivodeship, Poland. Following page: the Ballhaus Riviera’s second ballroom, East Berlin
“LA FOTOGRAFÍA CAPTURA EL MOMENTO DESDE LA DEGRADACIÓN DEL TIEMPO Y LO GUARDA EN UNA ESPECIE DE RECUERDO MEJORADO”
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“HAZ SOLO FOTOS Y DEJA SOLO HUELLAS. ESA ES LA NORMA TÁCITA DE LOS EXPLORADORES URBANOS” ‘THE UNSPOKEN RULE OF URBAN EXPLORERS: TAKE NOTHING BUT PHOTOGRAPHS, LEAVE NOTHING BUT FOOTPRINTS’
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Bailarines del Ballet de la Ópera de París, en el tejado del Palais Garnier, París, 2014 Dancers from the Paris Opera Ballet on the roof of the Palais Garnier
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ALLÁ DONDE LAS MUSAS
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CADA AÑO, GUADALAJARA, MÉXICO, ACOGE UNA DE LAS GRANDES CITAS LITERARIAS DE LA CULTURA HISPANA. Y SUS RESTAURANTES Y CANTINAS SE CONVIERTEN EN CAPÍTULOS DE INSPIRACIÓN PARA LOS MEJORES ESCRITORES
THE CALL OF THE MUSES EVERY YEAR, GUADALAJARA HOSTS ONE OF THE GREAT LITERARY GATHERINGS OF HISPANIC CULTURE, AND ITS RESTAURANTS AND CANTINAS INSPIRE THE WRITERS WHO GATHER THERE TEXTO: Andoni
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Aldasoro
FOTOS: Adam
Wiseman
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Los alrededores de la conocida Plaza de la Liberación en Guadalajara, México, se convierten en una fiesta durante la Feria Internacional del Libro Liberation Square becomes a focal point during Guadalajara’s International Book Fair
Con el sonido de la música y el olor a celebración, que en Guadalajara, Jalisco, es de tequila y madera vieja humedecida, el ambiente de la Cantina La Fuente (Pino Suárez 78) parece invitar a coger pluma y papel e implorar el beneplácito de las musas. ¿Qué escritor, consumado o principiante, rechazaría semejante propuesta? Esta cantina, a pocos metros de la popular Plaza de la Liberación, en el corazón de la ciudad, fue inaugurada en 1921 y no solo es la más antigua, sino también una de las mejores. “Sin duda, la mejor de la cuadra”, apunta Chuy Conrique con falsa modestia, desde el otro lado de la barra. Esta noche, como desde hace 33 años, el camarero está llenando vasos. Cuando termina de servir el mío y me mira a los ojos, aprovecho para lanzarle una pregunta: “¿Qué grandes escritores se han recargado donde yo estoy ahora mismo sentado?”. La tierra del tequila y el mariachi se vuelve también, durante 10 días al año, en la de la literatura. Y es que la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (FIL), que el próximo otoño celebrará su edición número 30, convierte la
ciudad en epicentro del mundo literario hispano. Con motivo de ella, los escritores de lengua española más importantes de los últimos tiempos han visitado la capital de Jalisco en estas tres últimas décadas. Y si tenemos en cuenta que esta profesión intelectual es proclive a la vida nocturna y los placeres gastronómicos y etílicos –todo sea por la inspiración–, es fácil adivinar que las mejores plumas han levantado tenedores, copas y vasos junto a los lugareños. Chuy no sabe, o no se acuerda, que al final es lo mismo, pero confirma que, cuando la feria cierra sus puertas, es fácil encontrar escritores en el establecimiento, uno de los preferidos del fallecido novelista y fotógrafo Juan Rulfo, quien vivió en Guadalajara, y que ha sido visitado por miembros de la Realeza española como Doña Letizia. Me pregunto si yo los reconocería. De seguro identificaría a un García Márquez, un Vargas Llosa o un Del Paso... Pero, ¿y a un Irvine Welsh, un Etgar Keret o un Jonathan Franzen? No estoy tan seguro. Guadalajara es una de las tres grandes metrópolis de México y recibe tal cantidad de
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Por la Cantina La Fuente, una de las más antiguas de la ciudad y punto de encuentro de autores desde hace 30 años, han pasado escritores de la talla de García Márquez o Vargas Llosa The Cantina La Fuente is one of the oldest in the city and for more than 30 years has been a meeting place for authors such as García Márquez and Vargas Llosa
‘IMAGINE LOCKING UP 700 WRITERS AND EDITORS WITH LIVE MUSIC, TEQUILA, WHISKEY, VODKA AND BEER FROM 9PM TO 1AM’
If the Muses – the Greek goddesses credited as being the source of all artistic inspiration – were to find themselves in Guadalajara, Jalisco, my suspicion is that they might pull up a bar stool at La Fuente (Pino Suárez 78), and so too would any writer seeking their help. The cantina – located just metres from Liberation Square in the heart of the Mexican city – was built in 1921 and is not only the city’s oldest, but also one of its best. ‘It’s certainly the best on the block,’ says Chuy Conrique with false modesty from the other side of the bar. Tonight, just as he has for the last 33 years, the waiter is serving drinks. When he puts mine down in front of me and looks me in the eye, I seize the moment and ask a question: ‘Which great writers have sat down here and toasted their creations over the years?’ For 10 days every year, this western city in the land of tequila and mariachi also becomes the land of literature, when the Guadalajara International Book Fair (which celebrates its 30th edition this autumn) converts the city into the centre of the Hispanic literary world. Over the 67
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El restaurante Hueso, sobre estas líneas, acoge numerosas fiestas durante la celebración de la Feria del Libro Restaurants such as Hueso host numerous special events during the festival
“IMAGINA ENCERRAR A 700 EDITORES Y ESCRITORES CON MÚSICA Y CERVEZA TODA LA NOCHE”
turistas que cualquiera podría hacerse pasar por literato. Además, no sería extraño que en un país que leyó 3,9 libros por persona en 2015, un escritor pase desapercibido frente a muchos. Es precisamente este anonimato el que agradecen las grandes firmas, en escenarios espontáneos como La Fuente o elegantes locales que acogen celebraciones más organizadas. La FIL está plagada de este tipo de fiestas, que suelen tener lugar en algunos de los mejores restaurantes de la ciudad, entre ellos, Hueso (Efraín González Luna 2061, Lafayette), que ofrece cocina de autor del chef Poncho Cadena; Alcalde (Av. México 2903, Vallarta Norte), del tapatío Francisco Ruano; o i Latina (Inglaterra 3128, Vallarta Poniente), la versión nocturna del restaurante diurno Anita Li (Inglaterra 3100, Vallarta Poniente). Si se tiene el deseo de toparse con un escritor bien vestido, en cualquiera de estos tres lugares, se logrará; por otro lado, si un escritor quiere pasar desapercibido, también lo conseguirá. Igualmente privada, pero mucho más informal, es la sede de la gala oficial de la feria, el conocido
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En el local, que ofrece cocina de autor de la mano del chef Poncho Cadena, uno puede toparse con escritores que tratan de pasar desapercibidos With food from local chef Poncho Cadena, literature fans can expect a good feed as well as the chance to meet their favourite writers at Hueso
past three decades, the Fair has drawn the world’s finest Spanish-language writers to Jalisco’s capital. Bearing in mind that members of this profession also tend to enjoy nightlife, fine food and copious amounts of alcohol – after all, inspiration is hard to come by – one can assume that they have thoroughly enjoyed the local offerings. Chuy claims he doesn’t know or can’t remember specific names, but does say that when the event finishes a number of writers stop by – the bar used to be one of the late novelist and photographer Juan Rulfo’s favourites – and that it’s also been visited by Queen Letizia of Spain. I wonder if I would recognise them. I could identify García Márquez, Vargas Llosa and Del Paso, but what about Irvine Welsh, Etgar Keret or Jonathan Franzen? I’m not sure. Guadalajara is one of Mexico’s three biggest cities, and so many tourists visit it that practically anyone could impersonate a writer. Besides, in a country in which, on average, 3.9 books per person were read in 2015, it’s not surprising that writers can enjoy total anonymity. And this is exactly
what the big companies are looking for, in impromptu settings like La Fuente or in venues for more organised celebrations. This kind of party is common at the Fair, and is usually held at one of the city’s top eateries, like Hueso (Efraín González Luna 2061, Lafayette), with offerings from chef Poncho Cadena, Guadalajara native Francisco Ruano’s Alcalde (Av. México 2903, Vallarta Norte), or I Latina (Inglaterra 3128, Vallarta Poniente), the night-time version of the daytime restaurant Anita Li. If you’re looking to run into a well-dressed writer then try any of these three spots, although if they want to go unnoticed, the chances are they can. Also private, but much more informal, is the venue of the Fair’s official gala: La Mutualista (Madero 553). This cantina has been hosting the Oaxaca-based publishing company Almadía’s party for the past decade. ‘Imagine locking up 700 writers and editors – all friends – together with live music, tequila, whiskey, vodka and beer, from 9pm to 1am,’ says Raul Ureña, the owner’s son. They all know each other; 69
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El bar La Mutalista celebra desde hace una década la fiesta de la editorial oaxaqueña Almadía, en la que participan más de 700 escritores y editores La Mutualista has hosted the book fair party for Oaxaca-based publishing company Almadía for the past decade, with 700 writers and editors
bar La Mutualista (Madero 553), que celebra desde hace una década la fiesta de la editorial oaxaqueña Almadía. “Imagina encerrar a 700 escritores y editores, todos amigos, con música en vivo, tequila, whisky, vodka y cerveza, de las 9 de la noche a la 1 de la mañana”, comenta animado Raúl Ureña, hijo del dueño. Todos se conocen. Raúl llama a unos por nombre (Lydia Cacho, Juan Villoro, Jorge Herralde, Ricardo Yáñez, Guillermo Fadanelli) y a otros por su anécdota: “Un escritor de Tamaulipas, que recibió 80 mil pesos (3.800 euros) como premio en la FIL, vino a La Mutualista a gastárselo todo en vino”. De los eventos públicos, el más concurrido es el del Casino Veracruz, un salón de baile que aloja la fiesta de la primera noche de la Feria –cualquier visitante puede vivir su sueño literario allí, solo pagando la entrada. De los que conquistan por su propuesta culinaria, el restaurante de mariscos El Carnal (La Nebulosa 3085, Jardines del Bosque), en la sucursal cercana a la Glorieta de la Estam-
pida, y al lado de hoteles donde se alojan los escritores. “Aunque vienen también porque la comida está muy buena”, sentencia Roberto, el camarero. Avanza la noche y, con los tragos, es imposible no imaginar: si yo fuera el escritor con el que sueño convertirme, ¿dónde me gustaría pasar las noches de FIL? Le pido al taxista que me lleve a la Plaza de la Liberación. Desde fuera reconozco la música. En la barra no hay lugar, así que me acerco con mi cerveza hasta donde se encuentra Pepe Lozano, el pianista que desde 1989 es el Dj de La Fuente. “Hay que tantear a los presentes, empezar con música suave, ir subiendo la intensidad”, me cuenta con la sonrisa de un tipo que se dedica a lo que le gusta: despertar las fibras sensibles. Pronto las voces lo acompañan y yo, mientras apuro el último trago, tiento en el bolsillo el boli y la libreta de los viajes. Tal vez sería bueno aprovechar la inspiración local, a ver si así algún día Chuy recuerda que yo estuve aquí.
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El bar y restaurante i Latina es otro de los puntos de encuentro favoritos entre miembros del gremio literario cuando cae la noche en la ciudad mexicana I Latina is a favourite meeting place for the literary set when night falls
Raúl refers to some by name (Lydia Cacho, Juan Villoro, Jorge Herralde, Ricardo Yáñez, Guillermo Fadanelli) and others by their story: ‘A writer from Tamaulipas who won an 80,000 peso prize at the Fair came in to the La Mutua to spend it all on wine’ is a particular favourite. The most popular public event is the Casino Veracruz, a ballroom where the Fair’s opening night party is held, and where anyone can party the night away among their literary idols simply by purchasing a ticket. A popular spot among the writers is the seafood restaurant El Carnal (La Nebula 3085, Jardines del Bosque) near the Glorieta de la Estampida, close to the hotels where the writers stay. ‘They also come because the food is very good,’ says Roberto, the waiter.
The night continues and, after a few drinks, it’s impossible not to wonder, if I were the writer I’d like to one day become, where would I spend my nights while attending the Fair? I ask the taxi driver to take me back to Liberation Square. From outside, I recognise the music. There’s no room at the bar now so, with beer in hand, I make my way towards Pepe Lozano, a pianist who’s been at La Fuente since 1989. ‘You have to play the audience, start off with soft music, then gradually kick up the intensity,’ he tells me as he plays, with the smile of someone who does what he loves for a living. Soon, everyone is singing along, while I swallow the last of my drink and reach for the pen and notepad in my pocket. Maybe I should keep an ear out for the Muses, and write something for Chuy to remember me by. 71
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NOCHES DE NEÓN
HONG KONG ESTUVO TAN LLENA DE RÓTULOS DE NEÓN QUE SE DECÍA QUE HABÍA INSPIRADO LOS PAISAJES DE BLADE RUNNER. LA NOSTALGIA Y EL CULTO POR SUS CREADORES HAN VUELTO A ENCENDER SU TRADICIÓN
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NEON NIGHTS HONG KONG’S SKYLINE WAS ONCE SO NEONDRENCHED THAT IT WAS SAID TO HAVE INSPIRED BLADE RUNNER’S ICONIC CITYSCAPES. WHILE LED LAMPS HAVE LONG SINCE DIMMED THE CITY’S ENTHUSIASM FOR NEON, SIGNS OF A REVIVAL ARE NOW FLASHING INTO VIEW TEXTO Y FOTOS: Brent
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Lewin
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Lau Wan, de 75 años, es uno de los fabricantes de neón más veteranos y reconocidos de Hong Kong. Aquí posa en su taller, antes repleto de empleados Lau Wan, 75, is one of the oldest neon craftsmen in Hong Kong, having spent over five decades crafting signs in the city
En un taller cerca del puerto Kwai Chung de Hong Kong, encontramos al veterano fabricante de rótulos de neón Lau Wan encorvado sobre una mesa trabajando en su última creación. El cargado ambiente del taller es testigo de cómo los curtidos dedos de este artista de 75 años dan forma al cristal con gran delicadeza y con la única ayuda de un quemador Bunsen. Así se han hecho las cosas durante más de un siglo, y aunque en el pasado existían en Hong Kong más de un centenar de fabricantes de neón, Lau es uno de los pocos que quedan hoy. Nacido en la provincia china de Guangdong, se trasladó a Hong Kong con su familia en 1958 y pasó cuatro años como aprendiz antes de comenzar a fabricar sus propios rótulos. Más de cinco décadas después, su trabajo es el fiel reflejo de uno de los símbolos más característicos de las calles de Hong Kong, ahora en decadencia. “Todo esto se está quedando obsoleto”, dice Lau señalando al vacío taller en el que antaño los empleados hacían malabares para poder entregar a tiempo todos los pedidos de la semana. “Ahora no hay ni siquiera aprendices interesados en el ne-
gocio, y no les culpo, cada vez se hace más difícil vivir de esto. Los tiempos cambian”. Aunque los rótulos de neón ya no se producen en masa al vertiginoso ritmo de antes, Hong Kong sigue presumiendo de su gran variedad caleidoscópica, que se muestra en todo su esplendor al anochecer, iluminando los ajetreados barrios comerciales de Wan Chai y Mong Kok. En cualquier tienda turística se siguen viendo rótulos de neón por todas partes, desde imanes para la nevera hasta en paraguas o delantales de cocina. En su momento de apogeo estas luces incandescentes venían en una gran variedad de formas, tamaños y colores: rosa pastel, amarillo canario, rojo chillón o azul zafiro; caracteres chinos, letras redondeadas e incluso motivos Pop art. El neón, un gas inodoro e insípido cuyo nombre proviene de la palabra griega neos (“nuevo”), comenzó a utilizarse como forma de iluminación en 1910 por el ingeniero francés Georges Claude en el Grand Palais durante la Feria del Motor
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Lau calienta los tubos de cristal hasta que alcanza los 800ºC para poder manipularlos. Después los va enfriando al soplar a través de ellos y darles así la forma deseada Lau heats the glass tubes to 800°C in order to shape them, then he cools them by blowing into the tube as he works
Inside a cluttered workshop near Hong Kong’s Kwai Chung port, veteran neon-sign craftsman Lau Wan hunches over a table working on his latest creation. Fumes hang thick in the air as the 75-year-old’s calloused fingers delicately bend glass tubing over a Bunsen burner. It’s the way things have been done for over a century, but while Hong Kong once had over a hundred neon craftsmen, these days Lau is among the last few remaining. Born in mainland China’s Guangdong province, he moved to Hong Kong with his family in 1958, spending four years as an apprentice before he was ready to start crafting signs of his own. More than five decades later, he’s a stark symbol of the fading signs for which Hong Kong’s streets are famous. ‘It’s slowly becoming obsolete,’ Lau says, gesturing toward an empty workshop where in the past labourers would have been trying to stay on top of the week’s orders.
‘No new apprentices are learning how to make neon and I can’t blame them, it’s increasingly hard to make a living. Times change.’ While neon signs might not be churned out at the breakneck pace they once were, Hong Kong is still full to bursting with a kaleidoscopic array, which spring to life at dusk, illuminating the buzzing commercial districts of Wan Chai and Mong Kok. Visit any tourist shop and you’ll find neon-sign motifs adorning everything from fridge magnets to flimsy umbrellas and kitchen aprons. Pastel pinks, canary yellows, fiery reds and sapphire blues; Chinese characters, looping script and kitschy pop-art motifs – in their heyday, these incandescent lights came in a mind-boggling array of shapes, sizes and hues. Hong Kong’s neon-lit nights are woven into the very fabric of the city. 75
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Una de las últimas obras elaboradas por el artista Lau Wan es esta cara de bebé en rosa, con orejas de Buda, para el restaurante-tetería Little Bao One of Lau Wan’s more recent pieces is a pink baby face with Budda ears – the sign for Little Bao, a ‘tea restaurant’ in the Sheung Wan district
de París. Sin embargo, no fue hasta los años 30 cuando se inauguró la primera fábrica de neón de Hong Kong, y hubo que esperar hasta los años 70 y 80 –con la expansión de los sectores publicitario e industrial de la ciudad– para que el negocio alcanzara su máximo esplendor. “Todas las empresas de las principales carreteras de Hong Kong querían un letrero de neón y competían por tener el más grande y el más llamativo”, cuenta Fung Siu-wah, afamado calígrafo de 66 años que durante muchos años se dedicó a diseñar caracteres y fuentes para este tipo de carteles luminosos. El escritorio de Fung –quien actualmente trabaja para el cine y la publicidad– rebosaba pedidos pendientes en el pasado. Ahora, apenas hay encargos. La revolución tecnológica de los 90 supuso el principio del fin. De repente, las calles de Wan Chai se llenaron de las efervescentes y brillantes luces LED, mucho más fáciles de fabricar, de color cambiante y, lo más importante, más baratas que las de neón. “De todas formas, sigo sin poder imaginarme Hong Kong sin estos
letreros”, dice Fung. “Tenemos que conservarlos en un museo en lugar de dejar que desaparezcan como si nada”. Afortunadamente, alguien ya ha pensado en ello. Situado en el Distrito Cultural de West Kowloon (un barrio que está ganando renombre por sus muestras de arte y diseño de los siglos XX y XXI) se encuentra el museo de cultura visual M+. El año pasado, el espacio albergó la exposición interactiva NeonSigns.hk, sobre la historia de los rótulos de neón de Hong Kong en todas sus facetas, desde la planificación y la arquitectura urbanas, hasta la literatura y la cultura pop. Además, a pesar del declive del sector, los artistas y fotógrafos contemporáneos se han seguido interesando por esta modalidad artística. En marzo de 2015, se vendió en Art Basel Hong Kong un rótulo de la artista inglesa Tracey Emin por más de 64.000 euros, mientras que el gran letrero luminoso del popular centro comercial de moda Millie’s Centre, situado en la ciudad china, se utilizó como presentación a una exposición en el centro artístico Duddell’s (con restaurante incluido), también de Hong Kong.
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Los caracteres chinos en colores chillones como estos en rojo eran la opción más popular en los años de apogeo del neón Chinese characters in bold colours were once the most popular choice in Hong Kong’s age of neon
Neon, a tasteless and odourless gas whose name derives from the Greek word neos (‘new one’), was harnessed as a form of lighting in 1910 by French engineer Georges Claude, who unveiled the first neon lights at the Grand Palais des Champs-Élysées during the Paris Motor Show. It wasn’t until the 1930s that Hong Kong’s first neon factory opened, and it was later still – in the 1970s and 80s, when Hong Kong’s industries and advertising sectors were booming – that neon reached its peak. ‘Every company on Hong Kong’s main thoroughfares wanted a neon sign and they competed over who had the biggest and brightest,’ says Fung Siu-wah, 66, a much soughtafter calligrapher who for many years designed characters and fonts for neon signs. Where once his desk was piled high with neon orders, today, Fung, who works in advertising and film, receives very few. The tech revolution of the 90s marked the beginning of the end – all of a sudden Wan Chai’s streets went crazy for fizzy, flashing LED lamps, which are easier to manufacture, can
change colour and, most importantly, are cheaper than neon lights. ‘I can’t imagine a Hong Kong without these signs, though,’ says Fung. ‘We need to preserve them in a museum instead of quietly watching them disappear forever.’ Fortunately, there’s light at the end of the tunnel. Located in the West Kowloon Cultural District – which is fast gaining renown for its displays of 20th- and 21st-century art and design – is ‘visual culture’ museum M+. Last year, the museum launched NeonSigns.hk, an interactive, online exhibition of Hong Kong’s neon, tracing its history in everything from urban planning and architecture to literature and pop culture. In addition, despite the industry’s decline, contemporary artists and photographers have continued to snap up glowing neon tubes. At Art Basel Hong Kong in March 2015, a Tracey Emin neon sold for over €64,000 while a large commercial neon sign, ‘Millie’s Centre’, was used to introduce an exhibition at esteemed Hong Kong art space Duddell’s. 77
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“SIGO SIN PODER IMAGINAR
HONG KONG, SIN TODOS ESTOS LETREROS LUMINOSOS”
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Los barrios comerciales de Wan Chai y Mong Kok en Hong Kong conservan muchos de los letreros luminosos creados en las décadas de los 70 y 80
Aunque el negocio avanza lento, para los artistas del neón que aún quedan en la ciudad siguen llegando algunos encargos. Preparándose para comenzar una nueva pieza, Lau se dirige a una mesa al fondo del taller. Utilizando un cianotipo como guía, calienta un tubo de cristal hasta que alcanza los 800ºC, que es el punto en el que se puede manipular. El calor hace que el cristal se expanda, por lo que para contrarrestar el efecto distorsionador y asegurarse de que el letrero adopta la forma deseada, Lau va enfriando el cristal soplando con suavidad por el tubo. Se mueve con agilidad hacia adelante y hacia atrás entre la llama y su proyecto, a medida que va dando forma y soplando el cristal. En el transcurso de una hora, el letrero ya está listo. “Ahora tenemos que extraer el oxígeno del tubo”, dice Lau mientras se dirige hacia otra mesa y pone el tubo en una máquina. “Cuando se haya aspirado el oxígeno, pondremos neón o argón, lo fijaremos dentro y colocaremos electrodos en los extremos. Cuando entre la electricidad, el gas hará su efecto: el neón brillará en rojo y el argón en azul”. A partir de estos dos gases inertes se pueden conseguir todos los colores, ya sea añadiéndolos o
simplemente pintando los tubos. La creación de letreros con neón tiene también sus inconvenientes. Lau admite que se sigue quemando los dedos de vez en cuando y que, como los letreros se hacen con un solo tubo muy largo, cualquier pequeño error significa tener que empezar de nuevo. Paseando por el moderno barrio de Sheung Wan, nos damos cuenta de que los hipsters y otros amantes del arte comparten también esta pasión y están contribuyendo al lento resurgir del neón. Ya se pueden ver rótulos de reciente creación en modernas tiendas de ropa o sobre las puertas de restaurantes nuevos. Uno de los más interesantes –que resulta ser obra de Lau Wan– se encuentra en Little Bao, un restaurante-tetería chino. “Crecí en Hong Kong y la inspiración para este trabajo me vino de los letreros cantoneses que se ven en las teterías locales conocidas como cha chaan teng”, dice su fundadora May Chow. “Es impresionante el arte derrochado para hacer este rótulo”, afirma mirando a la imagen iluminada de una carita rosa de bebé con orejas de Buda. “Hay auténticos artistas en Hong Kong”.
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Hong Kong’s shopping districts of Wan Chai and Mong Kok still display many of the neon signs created in the 70s and 80s
While commercial business is slow for the city’s remaining neon craftsmen, commissions still trickle in. Preparing to start a new piece, Lau makes his way towards a table at the far end of the workshop. Using a faded blueprint as a guide, he heats a glass tube until it reaches 800ºC, at which point it becomes malleable. The heat also causes the glass to expand, so to counteract the distorting effect and ensure that the sign takes its desired shape, Lau cools the glass by gently blowing into the tube. He nimbly moves back and forth between flame and blueprint while carefully bending and blowing into the glass. Over the course of an hour, the sign comes into being. ‘Now we must remove the oxygen from the tube,’ Lau says as he moves to another workstation and fuses the tube to a machine. ‘When the oxygen is vacuumed out, we insert either neon or argon gas, seal it inside and attach electrodes to the ends. When electricity is introduced, the gas becomes excited; neon will glow red while argon is blue.’ From these two inert gases all colours can be achieved, either by applying the principles of colour addition or simply by painting the
glass tubes. Neon sign-making is not without its pitfalls, however. Lau admits that he still burns his fingers on the hot glass from time to time, and because neon signs are composed from one long glass tube, a single mistake means restarting the process from scratch. It’s a labour of love. Wandering through the trendy Sheung Wan district, there are signs that the city’s vintage-loving hipsters and arty crowd are still enthusiastic about neon: one can see newly minted signs poking out from trendy second-hand clothing stores and suspended over the doors of slick new restaurants. One of the more interesting signs – which happens to have been made by Lau Wan – hangs above Little Bao, a hip fusion Chinese-tea restaurant. ‘I grew up in Hong Kong and the inspiration for the sign came from the Cantonese signs that would hang outside local cha chaan teng [tea restaurants],’ says founder May Chow. ‘It’s amazing to see the craftsmanship that has gone into making this neon,’ she says, gazing at the illuminated image of a pink baby face with Buddha-inspired ears. ‘They’re the true artists of Hong Kong.’ 81
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Desmontando la portada
Neones, cámara, ¡acción! TEXTO: Jesús FOTO: Liz
Huarte McBurney
Inspirados por el colorido skyline de Hong Kong, este mes hemos querido iluminar también nuestra edición. Para ello hemos contado con la inestimable ayuda de un dragón, el de portada, construido por encargo de Ridley Scott para los escenarios de Blade Runner (1982). La joya de neón vuelve al estrellato con nosotros. Nos lo ha prestado Marcus Bracey, tercera generación de artesanos del neón y dueño de God’s Own Junk Yard, todo un museo de la luz en Londres. Ojalá que no le importe verlo descompuesto. Al menos le garantizamos que, aunque levante el vuelo, fuego no volverá a escupir. NEONS, CAMERA, ACTION! Inspired by Hong Kong’s colourful skyline, we have illuminated this issue with the help of a dragon – one custom-built for Ridley Scott’s seminal 1982 film, Blade Runner. We borrowed it from Marcus Bracey, a third-generation neon maker and the owner of God’s Own Junkyard, London’s premier neon signmaker and stockist. We hope he won’t mind seeing it in pieces, and can at least guarantee that, once pieced back together, it will no longer breathe fire. 82
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