Silvia Copello ante el desafío de contar una historia

25 mar. 2014 - países, incluida la lejana Letonia. Por donde se la mire, esta monu- mental obra de Haendel (compues- ta en tres partes, de las que Wain-.
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espectáculos

| Martes 25 de Marzo de 2014

Silvia Copello ante el desafío de contar una historia relato en el pasillo. La actriz acaba de estrenar Un cuento de

lágrimas en Portugal, que narra un episodio real del medioevo alejandro rapetti PARA LA NACION

carlos furman

El mesías, quince años después Danza. El regreso de una obra fundamental al Teatro San Martín Néstor Tirri

PARA LA NACION

Ha vuelto El mesías al escenario del Teatro San Martín. La obra coreográfica de Mauricio Wainrot fue compuesta para el Royal Ballet de Bélgica en 1977, pero en Buenos Aires fue dada a conocer en 1999 por el Ballet Contemporáneo, en el mismo espacio en el que ahora renace. A 15 años de su estreno porteño, pues, hay que decir que la pieza construida sobre la música de Georg Friedrich Haendel, con su ambientación ascética (concebida por el recordado Carlos Gallardo: indumentaria blanca, despojamiento escénico, panorama color cielo) mantiene su frescura, su brillo y su proverbial carga de energía. No es una reposición más; es el reencuentro con una de las piezas más reconocidas de la profusa producción de su autor (quien, por lo demás, también la juzga como uno de sus capolavori). Es que, por extensión y concepción, la de Haendel no era una pieza sencilla de abordar. El mesías, en efecto, considerada como la obra maestra del género oratorio, es un monumento sonoro de inspiración religiosa pero no litúrgica, con algo de narratividad, pero no destinada a la representación escénica, sin personajes ni vestimenta especial. Llevar a escena este género musical para ser bailado es toda una aventura. Oscar Araiz, hace más de cuarenta años, propuso algo seme-

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jante con su Magnificat, sobre Bach, estrenado también en el San Martín y luego probado con diversos Ballets internacionales. El mesías también atrajo a otras compañías, en México, en Italia, en Canadá… Llegó a diez países, incluida la lejana Letonia. Por donde se la mire, esta monumental obra de Haendel (compuesta en tres partes, de las que Wainrot coreografió las dos primeras: 33 módulos, en total), se erige en una manifestación de la alegría esencial, producto de un estado de elevación espiritual no necesariamente místico, pero capaz de renovar la armonía individual con el universo, a lo largo de sus más de cuarenta “números” corales. Este sentimiento que, en tanto coreógrafo, Wainrot transfiere a los cuerpos, se resuelve en figuras danzadas que llevan a comprobar que la elevación es posible: es una operación que vincula la devoción con lo bello, un cruce que pauta buena parte de la profusa producción del barroco del siglo XVIII. Esa elevación, en la concepción con la que Wainrot moviliza coreográficamente El mesías, arranca de cero, esto es, desde la condición terrenal más llana de los hombres: en el cuadro inicial todo el elenco yace de bruces, contra el suelo, no en posición de plegaria sino de neutralidad, con una única figura visible en su corporeidad: una mujer contemplativa, sentada en el fondo de un escenario tapizado de cuerpos yacentes.

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A partir de ahí se desarrolla un discurso coreográfico en el que, durante hora y cuarto, desfilan las secciones de la partitura, con cuartetos, dúos, algún solo, octetos y, cada tanto, un tutti que compromete a toda la compañía (alrededor de veinticinco bailarines). Hay momentos en los que se impone una interioridad reflexiva, como el trío “Thy rebuke hath broken his heart”, el cual, con la ayuda de un banco invertido, alegoriza la crucifixión. Y otros en los que se desata la exaltación, como el vibrante “For unto us a child is born”, hasta llegar al “Halleluya!” final, que enfervoriza a la platea. Todo en un código sobriamente neoclásico, con algún toque contemporáneo (como el solo “Behold, a virgin shall conceive”). La que apreciamos en el San Martín es, obviamente otra compañía (del Ballet Contemporáneo que estrenó El mesías en 1999 permanece solo un bailarín, Diego Poblete), pero lo que ha ido transfiriéndose de una conformación grupal a otra es un principio de disciplina técnica y de calidad interpretativa que, en buena medida, responde a la mano férrea de Wainrot en su rol de director y que, por suerte, asegura la continuidad de la danza académica en la Argentina. ß

El mesías Por el Ballet Contemporáneo Teatro San Martín, Corrientes 1530. Funciones: jueves a las 14.30; viernes y sábados a las 20.30; domingos a las 19.

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na la fundación Inés de Castro. Ahí está todo. Los pasillos están cubiertos de fotos, cuadros, estatuas, bustos, títeres. Pero además acababa de comprarme una tablet y filmé mucho. No sabía para qué, pero filmaba como loca. Iba al río Mondego, me ponía en el cauce y filmaba. Así grabé minutos del Mondego corriendo. Justamente hoy el espectáculo abre con esas imágenes.” De regreso, Copello continuó su investigación, comunicándose con diferentes fuentes, buscando datos. Así, recopiló hojas y hojas de información y minutos de material audiovisual que tiempo después conformarían la materia prima de este cuento de lágrimas en Portugal, ambientado con aquellas imágenes grabadas in situ y la música medieval portuguesa seleccionada por Erika Brandauer.

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Esta obra es un nuevo desafío para Copello, que deja por un rato su labor como actriz y cantora de tangos para sumergirse en el personal y difícil rol de narradora. “Tuve esta necesidad interpretativa. En narración tenés que ponerte detrás de la historia. Es fantástico. A veces soy Inés, a veces soy el rey Alfonso, su padre, a veces soy la narradora.” El desenlace de la historia dejará a más de uno con la boca abierta, el corazón estrujado y las lágrimas brotando de los ojos. El lector sabrá comprender: no podrá ser revelado en esta nota. ß

Un cuento de lágrimas en Portugal Dirigido por Fernanda Gómez. Viernes, a las 21. Teatro del Pasillo, Colombres 35. Entrada, 50 pesos.

Tragedia con voces bellas

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Tarzán: La evolución de la leyenda 3D -ATP c/Res- 16 cast Tinker Bell: Hadas y Piratas 3D

Silvia Copello, entre hermosas proyecciones

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En el barrio de Almagro, a escasos metros de la avenida Rivadavia, un largo corredor conduce directamente a las profundidades del Teatro del Pasillo, donde hace casi dos décadas Silvia Copello creó un espacio para toda la familia, con espectáculos, clases y seminarios de actuación y danza. En esa sala, además, se accede a una biblioteca con volúmenes de teatro y libros para chicos, un lugar acogedor. Allí, la escenógrafa, directora y dramaturga le da vida a su última creación, Un cuento de lágrimas en Portugal, espectáculo de narración oral escrito y narrado por la misma Copello, con la dirección de Fernanda Gómez, que sube a escena los viernes. “Se trata de una historia de amor que se desarrolla en el Portugal del medievo. Como en esa época había unas guerras terribles, solucionaban todo con casamientos. Entonces casan a Constanza Manuela de Castilla con el heredero del trono de Portugal, el príncipe Pedro. Los casan a distancia, y ella viaja cuatro años después con una criada, Inés de Castro, que era su amiga. Cuando finalmente se conocen, el príncipe Pedro se enamora de la otra, y a partir de ahí se desencadena una historia tremenda”, sintetiza Copello, fundadora y directora del Teatro del Pasillo desde 1996. La punta del ovillo hay que rastrearla en el verano de 2011, cuando una tarde sin suministro de luz Copello tanteó en penumbras un librito vetusto de la obra Corona de amor y muerte, de Alejandro Casona. “Me puse a leerlo y me encantó. Como me gusta investigar, cuando llegué a mi casa me puse a buscar en la compu y sí, era cierta la historia. Todo había sucedido”, asegura. A partir de entonces, continuó con la investigación en Coímbra (Portugal), adonde viajó para seguir la pista de aquella trágica historia de amor. Incluso se alojó en la Quinta das Lágrimas, el mismísimo solar donde vivieron los amantes, a orillas del río Mondego, y visitó el monasterio de Alcobaça, donde fueron enterrados los dos. “Romeo y Julieta es un poroto al lado de esta historia de amor –anticipa–. Me hospedé en el hotel donde ahora funcio-

g

aetano Donizetti y Vincenzo Bellini fueron considerados por varios estudiosos de la historia del teatro cantado representantes del romanticismo italiano, pero con características muy diferentes de las consideradas para las óperas germanas, porque los aportes al género de esta última procedencia no encontraron equivalentes en la creación italiana. Esto desemboca en un espectáculo escénico con gran influjo de lo sinfónico, una clara preponderancia del canto. En este sentido, cabe agregar que las obras más destacadas de Donizetti se caracterizan por su difícil realización, dado que los cantantes deben enfrentar extenuantes y comprometidas arias con finales de gran lucimiento, y por eso tiene mucho valor haber programado Anna Bolena, un título que Buenos Aires no escuchaba desde tiempos lejanos. En la versión ofrecida por Buenos Aires Lírica, fue notorio que el aspecto vocal se trasformó en lo más destacado de la versión, sobre todo por la magnífica preparación musical y el alto rendimiento obtenido por todo el elenco de cantantes. Corresponde señalar en primer término a la soprano chilena Macarena Valenzuela en el personaje protagónico, que dejó escuchar una voz firme en la emisión, segura entonación y variabilidad de matices e intensidades. Asimismo, la mezzosoprano Florencia Machado, como Saymour, la dama de compañía,

reiteró sus magníficas condiciones de cantante y es, además, una sobria actriz, tanto por la naturalidad de sus expresiones y gestos como por la soltura de sus desplazamientos. Por el lado masculino, Christian Peregrino, poseedor de una natural voz de bajo, fue un Enrique VIII expresivo, tanto en el decir como en las partes cantadas, aunque se haya escuchado cierta incomodidad en la emisión del sonido, indudablemente provocada por una realista acción teatral, uno de los detalles que ponen en evidencia la enorme dificultad

del mundo lírico y hacen recordar aquello que sostenía un puestista del pasado, Ernest Poetgen: “La ópera es un monstruo de dos cabezas: música y teatro”. Finalmente, fue acertado el desempeño de Walter Schwarz encarnando a Lord Rochefort, hermano de Anna, y no se debe dejar de lado la corrección de Santiago Ballerini como Percy, así como tampoco dejar de elogiar la tarea oculta pero vital de Eduviges Picone como preparadora musical y de los maestros internos y pianistas. La versión musical, ofrecida por la batuta de Rodolfo Fischer, se caracterizó por una cierta palidez expresiva, pero compensada con un buen rendimiento de la orquesta, indudablemente conformada por instrumentistas con experiencia en integrarse con los cantantes. ß Juan Carlos Montero

Grandes intérpretes en Anna Bolena

teatro avenida