LaVAC PRESENTA: ABIERTO VALENCIA 2016 30 de septiembre - 1 de octubre EXPOSICIONES DE LAS GALERÍAS
ÍNDICE:
LUIS ADELANTADO “Cartografía del olvido” Oscar Carrasco “Rosetta” Alberto Feijóo AURAL “Punto (S) Singular (Es)” Concha Jerez BENLLIURE “23 Muestra Benlliure” ISABEL BILBAO “Diccionario de las Incertidumbres” Pedro Muiño ALBA CABRERA “Naturaleza extrema” Calo Carratalá & Helen Jones ESPAIVISOR “A chupar del bote, fotografías 1974-1976” Ximo Berenguer MISTERPINK “Desaparición” Vicente Talens PAZ Y COMEDIAS “Geometría de un hueco” María García Ibánez PEPITA LUMIER “APUNTES. Bocetos de una peli de Garriris” Javier Mariscal
PLASTIC MURS “Accipite et manducate ex hoc omnes...” Crajes PUNTO / AREA 72 “Interrelaciones” José Antonio Orts “Bubble World” Victoría Iranzo ROSA SANTOS “Blanco Nocturno“ Chema López SET ESPAI D’ART “Destellos” Juan Olivares GALERÍA SHIRAS “La misma savia, Versos, oleos y acuarelas“ Jose Saborit “Poesia de lo cotidiano” Irma Ortega ESPAI TACTEL “La Dernière Lueur” Antonio Fernández Alvira GALERÍA THEMA “Sehnsucht [Aquel lugar que anhelo]” Rebeca Plana GALERÍA9 “Houtspell” Jonay C. van der Linden
LUIS ADELANTADO “Cartografía del olvido” Oscar Carrasco “Rosetta” Alberto Feijóo Óscar Carrasco Barcelona, España 1976 Se expondrán una serie de fotografías de Óscar Carrasco mostrándonos un territorio paralelo, una topografía formada por diferentes tipologías arquitectónicas. Inmuebles desconocidos, rincones inexplorados o paisajes periféricos, que crean un particular catálogo que puede leerse como una única ruina contemporánea, un espejismo temporal de ese otro Madrid. El fotógrafo capta la luz y la atmósfera, potenciando los detalles para crear con sus imágenes nuevas interpretaciones de los espacios reflejados.
Oscar Carrasco Alberto Feijoo Alicante, 1985 Rosetta es una investigación experimental que toma como punto de partida y referencia a la célebre estela egipcia expuesta en el British Museum de Londres. Este trabajo de Alberto Feijoo, gira en torno a la experiencia de la temporalidad, sobre el pasado, el presente, la memoria y la persistencia de la identidad personal a través de los años, trazando líneas entre Historia e historias individuales (vivencias) utilizando el lenguaje visual como narrativa. Tomando como premisa el lenguaje visual se generan “formas de contar”, investigando la capacidad de la imagen como narradora de historias. Aquí se pretende explorar la frontera entre lo fotográfico y lo objetual, lo físico y el signo, el continente y el contenido. De esta manera, la piedra Rosetta aparece ante nosotros como símbolo cargado de significados y también como un objeto que cataliza relaciones de todo tipo, tanto Históricas como autobiográficas.
Alberto Feijóo
AURAL “Punto (S) Singular (Es)” Concha Jerez CONCHA JEREZ Las Palmas de Gran Canarias, Spain, 1941. PUNTO(S) SINGULAR(ES) En su condición de artista conceptual e intermedia, seducida por las posibilidades expresivas de conceptos como MEMORIA, TIEMPO, MEDIDA y LÍMITE, ha venido consignando estos conceptos desde los inicios de su trayectoria en 1970. Estos son los rasgos fundamentales de una figura esencial dentro de la generación de artistas conceptuales surgidos en los 70. Hoy es considerada como una de las artistas intermedia más significativas de la escena nacional, labor reconocida con el otorgamiento del Premio Nacional de Artes Plásticas en el 2015, y como una de las artistas española con más presencia internacional. Desde los años 80 Concha Jerez se plantea una dicotomía entre interior y exterior que surgen de dos raíces básicas: la realidad física, espacios interiores y exteriores dentro de un edificio o arquitectura, y por otra, partiendo de una narrativa personal, surge la idea del interior y del exterior de la persona, del tiempo, medida y paisaje interior/exterior. El vínculo entre pasado y presente, acción pasada traída al presente, y la relación continuada de la artista con la ciudad durante los últimos 25 años, justifica esta primera exposición individual de Concha Jerez en la galería, aunque ya lo hiciera de forma conjunta con José Iges en el 2012 con “Medios-Medidas” y en el 2006 en el Castillo de Santa Bárbara, junto a José Iges, con el proyecto “Persona”. La exposición PUNTO(S) SINGULAR(ES) parte de un proyecto anterior realizado por la artista en el Castillo de Sta. Bárbara de Alicante en 1989, de forma paralela a la pieza sonora de José Iges, con motivo del 5º Festival de Música Contemporánea de Alicante. El concepto de PUNTO SINGULAR, que procede del ámbito de la física, es el estadio límite de una trayectoria, de una superficie: un estado de densificación, de acumulación extrema de material. PUNTO(S) SINGULAR(ES) resulta de la selección de obras muy significativas que susponen algunos de los hitos en la trayectoria de Concha Jerez. Se trata de una selección de piezas que se relacionan con los conceptos de Tiempo, Memoria y Medida, Límite, Ambigüedad, Interferencia, Azar. La exposición es un reencuentro con su intervención en 1989 en el Castillo de Santa Bárbara a través de una serie de obras que
Intervención PUNTO SINGULAR, 1989 Castillo Santa Bárbara, Alicante formaron parte de aquel trabajo, para enlazar aquellos conceptos de Tiempo Real, Virtual y Mental que se planteaban como medida/límite del Paisaje Real, Paisaje Virtual y Paisaje Mental, que son la base de algunas de las preocupaciones que ha venido desarrollando en los últimos años. Estos conceptos fueron desarrollados como tres PUNTOS SINGULARES que se materializaron en distintas intervenciones distribuidas en distintos espacios singulares del Castillo, en un recorrido que abarcaba distintos niveles hasta llegar a la parte más alta. En el espacio de la galería también se distribuyen en los dos niveles una selección de piezas, ligando estos conceptos al espacio, la arquitectura, desde donde
ancla su narrativa. Para la ocasión Concha ha realizado el video “Punto Singular 1989-2016” que supone esa “idea de tiempo como campo de resonancias” pero también como captación del instante de la acción como memoria del lugar. Como diría Karin Ohlenschäger-,”Trenza los fragmentos de su memoria personal con los elementos propios del lugar o de sus habitantes. Con todo ello plantea una singular organización temporal del espacio”. Se trata de un video que recorre paso a paso los lugares que fueron intervenidos en el 89 y que hoy trata de explorar el entorno físico y los límites arquitectónicos del espacio del Castillo, y hoy explora los límites físicos del espacio de la galería.
BENLLIURE “23 Muestra Benlliure” Francisco Bores, Carmen Calvo, Rafael Canogar, Equipo Realidad, Luis Feito, Juan Genovés, Manuel Hernández Mompó, Miquel Navarro, Albert Rafols Casamada, Antonio Saura, Juan Uslé, Manolo Valdés, Esteban Vicente, Fernando Zóbel,
Rafael Canogar
ISABEL BILBAO “Diccionario de las Incertidumbres” Pedro Muiño Del 30 de Septiembre al 30 de Noviembre 2016 IB ISABEL BILBAO-Galería de Arte, muestra por primera vez en Jávea/Xàbia la obra del artista gallego Pedro Muiño. Nacido en Irixoa en 1954, ese mismo año su familia se trasladó a vivir a Vigo. Su padre, músico, decidió emigrar a la ciudad venezolana de Trujillo en 1958, regresando a Vigo en 1963. En 1971 se instalaron en Ferrol, donde Muiño comenzó a exponer con sólo 17 años. Estudió Naútica en A Coruña, y al terminar la carrera se embarcó durante dos años. Vivió en Huelva entre 1978 y 1979, y regresó a A Coruña, donde fundó junto a otros artistas coruñeses Gruporzán. En 1996 se trasladó a Cataluña donde permaneció un año y medio antes de irse a Alicante, ciudad en la que reside actualmente. A pesar de su carácter errante, nunca perdió sus vínculos con Galicia. Muiño escribe a menudo consideraciones y reflexiones sobre pintura, plástica, forma, percepción, pensamiento, de una forma analítica y franca. Sobre su obra reciente escribe: “...las manchas, los gestos, las líneas, el color, van dando las claves del proceso del trabajo y permiten la continuidad del mismo. Éstos elementos están obsesivamente pensados, medidos, controlados, intentando que lo gratuito no tenga cabida en la obra, la anécdota ha desaparecido para permitir que lo sobrio sea el actor principal, entiendo que son obras de una “gran tensión contenida”; y si bien reconozco que la contemplación por parte del espectador de una serie grande de estas obras puede resultar un tanto austera, también entiendo que por su plasticidad no debería de dejar de ser atractiva para dicho espectador y su posible lectura no debería de resultar difícil. Mi obra está sin duda muy alejada del arte-espectáculo, cuyo despliegue no despierta mi interés. Sigo luchando contra la “formula”. El planteamiento inicial (quizás la única premisa que me planteo al iniciar una obra), es intentar evitar los logros anteriores, pero la propia dinámica en la ejecución de la obra, te lleva a un resultado final que tiene una lectura formal muy similar a lo anterior. Quizás que habría que dejar que las cosas transcurriesen de una forma más natural, cuando no fuerzas la obra el resultado es más positivo, a parte de que cuando encuentras claves que consideras acertadas, otras alternativas a menudo no resultan estar a la altura, o al menos esa es la impresión que te envuelve, y acabas optando por la opción que te parece más acertada; en la elección de estas alternativas radica tu crédito. A veces pienso que soy un pintor mucho más convulso de lo que por
el resultado final del conjunto de la obra podría deducirse...” “...El método que uso para poner titulo a las obras, sigue siendo el mismo, ‘el bautizo colectivo’. Dado el proceso o génesis de creación que empleo, no pongo títulos a las obras hasta que no están terminadas, espero a tener varias obras nuevas y cuando me parece apropiado, las bautizo colectivamente; trabajo sobre series y las bautizo como tales. Doy gran importancia
a los títulos, podría evitarlos perfectamente, el valor plástico de las obras no variaría, pero faltaría algo que me parece interesante, lo que piensa el autor cuando trabaja, cuando vive, las inquietudes que le asaltan, los deseos, sus dudas, las ansias, los desasosiegos, las situaciones mentales que le envuelven...”
ALBA CABRERA “Naturaleza extrema” Calo Carratalá & Helen Jones Naturaleza extrema , Calo Carratalá & Helen Jones es el título de la exposición que presenta la galería Alba Cabreara en este Abierto Valencia 2016 . Esta muestra es el perfecto maridaje de dos artistas pertenecientes a la última generación de pintores figurativos vinculados al paisaje . Unos paisajes silenciosos , apasionados y majestuosos como lo son las selvas amazónicos del valenciano Calo Carratalá y los celajes, mares y costas del atlántico de la británica Helen Jones . En la obra de estos dos artistas se aprecia una clara intención neo romántica sustentado con una depurada técnica, tan pictórica , y aparentemente sencilla como es la del carboncillo y lápiz graso sobre distintos soportes : papel ,tabla o tela.
Calo Carratalá
Helen Jones
ESPAIVISOR “A chupar del bote, fotografías 1974-1976” Ximo Berenguer Ximo Berenguer Valencia, 1946 Abrimos la temporada mostrando parte del legado fotográfico de Ximo Berenguer (1946–1978), figura prácticamente olvidada desde su temprana desaparición y solo recuperada recientemente merced a azarosas circunstancias. Joven fotógrafo valenciano, empezó a despuntar al instalarse en Barcelona en 1966, a fin de iniciar sus estudios de fotografía en la Escuela Industrial. Abandonó entonces la estética del salonismo para adoptar un reportaje directo y descarnado. Admirador tanto de Cartier-Bresson y Brassaï, como de Miserachs, Maspons o Colom; Berenguer se propuso erigirse en testigo gráfico de la conflictiva efervescencia social que agitaba el país. Espaivisor presenta una selección del trabajo realizado en el famoso music hall “El Molino” a mitad de los 70’s. En 1975 Berenguer pudo realizar una inmersión fotográfica en el universo particular de ese teatro de variedades, gozando de total acceso al local y de la intimidad con sus protagonistas. Las fotografías fueron realizadas mientras la compañía representaba la obra “A chupar del bote” y efectuaba los ensayos del que sería el siguiente espectáculo, “Taxi al Molino”. Muchas representaciones satirizaban situaciones de la actualidad y el espectáculo terminaba con el apoteosisde toda la compañía cantando: “A chupar del bote / hasta que se agote / a chupar del bote / es lo mejor…” Una alusión a la corrupción que sigue bien vigente hoy en la letra de esa canción. De hecho, lo que interesaba a Berenguer era que El Molino debía verse, por un lado, como un espejo de la transición política: en los palcos departían empresarios e intelectuales, hombres del régimen y líderes obreros, agentes de paisano y universitarios y todos ellos se burlaban juntos de esto y de lo otro, como de los males de la burocracia o de la incompetencia de la Administración. Por otro lado, El Molino constituía un refugio de seguridad en el que la vida exterior se concedía una tregua: a menudo mientras la platea estallaba en risas resonaban, no muy lejos, las consignas coreadas por los manifestantes, o las sirenas de los furgones policiales que evidenciaban el cambio que se estaba precipitando.
Ximo Berenguer (1946–1978) Serie El Molino 1#, 1974-1976 23,77 x 17,88 cm sin enmarcar
Ximo Berenguer (1946–1978) Serie El Molino 6#, 1974-1976 23,77 x 17,88 cm sin enmarcar Se podría hablar de las composiciones y del tratamiento de la luz, del sentido de la oportunidad, de lacapacidad para describir una atmósfera o captar un clímax… pero por encima de todo la obra de Ximo Berenguer nos remite a la lucidez de Alfred Stieglitz cuando tuvo que explicar lo obvio y consignar que por encima de todo “cuando hago una fotografía, es como si hiciera el amor”. Rafa Levenfeld
MISTERPINK “Desaparición” Vicente Talens Vicente Talens Valencia, 1962 ¿Cuáles son los márgenes reales entre que una cosa exista y que desaparezca? ¿Y entre lo que ha sido y lo que ya no es? ¿Pueden tocarse, palparse, sentirse, fotografiarse, incluso difuminarse? ¿Pueden estos mismos márgenes desaparecer? Vicente Talens, como un ilusionista fenomenólogo contemporáneo nos lleva al terreno de lo borrado. Lo eliminado, lo extinguido. Un camino oculto, una puerta cerrada, algo que ya no será. Entrelazando ficción y realidad, pone en cuestión los límites de la realidad más literal. Talens, artista multidisciplinar conocido por su particular iconografía y su amplio imaginario pictórico que desarrolla en medios gráficos y escultóricos, nos propone esta vez un proceso de ultradepuración, un planteamiento conceptual eminentemente reflexivo donde los márgenes quedan difusos y donde cualquier pregunta en torno a la huella, al vacío, a la desaparición, al rastro, al cuestionamiento de los límites, puede ser planteada. Nada y todo es lo que parece. Vicente Talens nos lleva a cuestionarnos nuevos márgenes entre concepto, obra, proceso artístico y el lugar mismo que la figura del espacio, en este caso la galería, representa en estos procesos. Desaparecer a través de lo matérico. Una desmaterialización a través del uso de la propia materia. Borrar el rastro a través de lo construido, eliminar la huella. Hacer desaparecer como si lo borrado nunca hubiera existido. Esconder, ocultar, fugarse, extinguirse, borrarse, hacerse ausencia, desaparecer. Pero esto no es más que el preámbulo de algo más grande. Esta vez mr. pink será sujeto activo de la pieza, una intervención en la que los márgenes de la ficción y la realidad quedarán descubiertos una vez concluya la intervención. Desaparición. Pieza n.01 es el principio y el fin del primer acto. * Desaparición. Pieza n.01 es la primera parte de la exposición homónima de Vicente Talens que abrirá la próxima temporada de la galería mr.pink en el mes de septiembre.
PAZ Y COMEDIAS “Geometría de un hueco” María García Ibánez María García Ibánez Madrid 1978 Vive y trabaja entre México y Madrid La nueva muestra que María García Ibáñez presenta en Galería pazYcomedias continúa en su línea de trabajo en torno al territorio, el origen y la pertenencia. En esta ocasión reúne una serie de piezas que reflexionan sobre la gráfica del hueco, de la estructura de las colmenas y su relación con el paisaje; formas o cobijos reversibles que son a veces vacío y otras relleno. Se sirve de la línea, la silueta y la geometría como herramientas elementales que, a través de distintos procesos y materiales como el tejido en telar, el papel recortado o la acuarela, nos remiten a la esencia común que existe entre ellas: el dibujo.
Panal ( detalle). 2016 Acuarela y gouache 120x80cm
Maqueta (detalle). 2016. Papel recortado a laser. Medidad variables. 250 x150 cm aprox.
PEPITA LUMIER “APUNTES. Bocetos de una peli de Garriris” Javier Mariscal Javier Mariscal Valencia, 1950 APUNTES. Bocetos de una peli de Garriris. Mariscal 2016 Los garriris la peli se trata de un proyecto muy personal e íntimo de Javier Mariscal. Un proyecto en el que lleva tiempo trabajando y que espera materializar en una película de animación y un cómic. En la Galeria Pepita Lumier, se mostrará un material inédito de bocetos, trabajo gráfico de creación de personajes y desarrollo gráfico del guión de la película. Se expondrán prints sobre papel arte y firmados por el autor, impresiones sobre materiales especiales como metacrilato y prints en blanco y negro intervenidos individualmente por el artista. Se trata de un camino novedoso de arte digital para acercar la obra de Mariscal a todo tipo de público. Los prints se realizan sobre un papel de algodón de alta calidad que juntamente con las tintas pigmentadas le dan a la impresión un acabado perfecto y con una calidad cromática extraordinaria.
CASA DE DUSTIN Impresión sobre metacrilato 126 x59,4 cm
La peli se ambienta a principios de los años 70 y trata de dos jóvenes de 20 años que toman el barco hacia Formentera para ser hippies, es un viaje hacia la libertad en busca de “sexo & droga & rock and roll”. Paisajes 100% mediterráneos, con preciosos juegos de luz, atardeceres amaneceres y una continua fiesta donde el tiempo no existe y la naturaleza marca el ritmo de la vida. Con esta exposición Javier Mariscal quiere dar un paso más en el camino que inició en Enero 2016 con el lanzamiento de Mariscal Portraits y que en unos meses se consolidará con el lanzamiento de su nueva tienda Mariscal Store, una web donde se venderá básicamente prints sobre papel, aluminio o metacrilato. La exposición será inaugurada el próximo 16 de septiembre de 2016 y podrá visitarse hasta el 29 de octubre. El día de la inauguración contaremos con la visita del artista.
FESTIVAL DE LA LUNA LLENA Impresión sobre metacrilato 126 x 59,4 cm
PLASTIC MURS “ACCIPITE ET MANDUCATE EX HOC OMNES: HOC EST ENIM CORPUS MEUM, QUOD PRO VOBIS TRADETUR.” Crajes Mirada inocente, vulva sangrante, cadera andrógina, pecho incipiente; múltiples expresiones del cuerpo femenino deseante castigado una y otra vez por la doble moral opresora y violenta. Es lo que se palpa en el ambiente generado por Crajes, colectivo que aborda los conceptos de deseo, dolor y placer contextualizados a partir de la iconografía concreta de las artistas que lo integran: Carla Rendón y Jessica Ruiz. Fantasía, imaginación y creatividad a raudales han hecho que sus obras, con distintas técnicas y formatos, predominando en esta ocasión el papel, aborden los principales tabúes de nuestra sociedad en torno al cuerpo. Encontramos en ellas imágenes recurrentes que remiten a la enfermedad, la herida, la sangre o el cuerpo corrupto pero siempre sensual a la par que mórbido, atravesando los límites de lo políticamente correcto para denunciar el cinismo y la hipocresía à la manière del Divino Marqués. La ambigüedad y provocación al contemplar un rostro femenino lagrimoso esbozando una mueca que hace dudar de si goza o se revuelve para liberarse lleva a una reflexión sobre el atractivo del cuerpo yacente, como el célebre minotauro de Picasso que aparentemente fuerza a una joven cuyo cuerpo parece sin embargo estremecerse de placer. Se respira un ambiente de necrofilia en esas escenas cargadas de simbolismo y es que el cadáver que asoma en las obras de Crajes no está siendo ultrajado, mantiene una erección que se confunde entre ciertas sombras y un errático barroquismo que acumula personajes diminutos, huesos y objetos, superpuestos en el escenario pasional. Respecto a las mujeres, nínfulas rodeadas de insectos y masturbadas por gatitos, unas gozan de una especie de delirio sadomasoquista mientras que otras están siendo claramente abusadas, apuñaladas, atadas, vejadas, soportando un daño que tiñe sus pálidos torsos de sangre y sumerge sus almas en tinieblas. Se trata de una toma de conciencia sobre las raíces de la doble moral con base educacional judeo-cristiana, motivo por el cual escogen un título en latín aludiendo a los orígenes de la Eucaristía: Tomad y comed, este es mi cuerpo, que será entregado por vosotros. En él se señala la traición inminente de Judas en contraposición a las buenas intenciones del bíblico Jesús que entrega su carne y su sangre en un acto de fe. La reminiscencia religiosa de la
Crajes Corpus Meum I
que nuestra sociedad actual no consigue desprenderse a menudo culpa a la víctima, en especial si es mujer, por haber mostrado su cuerpo tentador o bien anula su identidad si queda viuda, cubriéndola con el velo negro y esperando, en ambos casos, que jamás se recupere, que sienta el yugo del heteropatriarcado, se doblegue y no replique pero... Inevitablemente lo hace evidenciando los infortunios de la virtud. Marisol Salanova
PUNTO / AREA 72 “Interrelaciones” José Antonio Orts “Bubble World” Victoria Iranzo Artista plástico y compositor, nacido en Meliana (B. Roca) en 1955, estudió con Blanquer, Berio, Xenakis y Taïra. Fue becario en París del Ministerio de Cultura en 1986-87 y en 1987-88, becario de música en la Academia Española de Bellas Artes en Roma en 198889 y en 1989-90, artista residente invitado por el Centre National d´Art Contemporain Villa Arson (Niza) en 1994-95, huésped del Berliner Künstlerprogramm del D.A.A.D. (Berlín) en 2000, Becario de Endesa para artes plásticas en 2002, becario de la Fundación Marcelino Botin para artes plásticas en 2004, artista residente del Berliner Künstlerprogramm del D.A.A.D. en 2002-2003. Premio de Arte Electrónico de la Fundación ARCO. Premio Bienal de Escultura Riofisa. Premio Alemán de Arte Sonoro en 2004 (Deutscher Klangkunst Preis). [...]
José Antonio Orts Blaue rhytmen Victoria Iranzo, Valencia, 1989 Partiendo de la asociación metafórica de significados, mediante el uso de la imagen y la palabra, se desarrolla el proceso pictórico como lenguaje formal. Entendiendo “proceso” como un (no) espacio-temporal. Y formando parte éste como escenario. Concibo el proceso de trabajo como una constante dicotomía, desarrollada tanto en el espacio físico (experiencia) como en el abstracto (ideas), en forma de retroalimentación. El factor tiempo, aquel en el que deambulamos, modifica y canaliza nuestra visión e interpretación de las cosas. Todo forma parte de un juego de significados, de relaciones intuitivas entre imágenes, intereses e influencias. Espacios como escenarios, donde nos relacionamos. Con nosotros mismos, con nuestras ideas y opiniones, con las de los demás. Espacios de peligro, espacios de confort. Espacios de 4Dimensiones. El conocimiento del peligro y las protecciones necesarias contra el medio en el que nos adscribimos forman parte un juego en el que no es necesaria rivalidad ni confrontación, sino una “simple” concepción y aceptación de todos los factores. Incluidos relatividad y subjetividad. [...]
Victoria Iranzo Instant camouflage mask, 2015. Oil on canvas, 195 x 195 cm
ROSA SANTOS “Blanco Nocturno“ Chema López Chema López Albacete, 1969 La obra de Chema López incide sobre los grandes relatos de la Modernidad y sus bases éticas, con la certeza de que están sometidos a una profunda crisis. En esa crisis, y aun dentro de sus heridas abiertas, el artista inicia su reflexión. El resultado no es tanto una posibilidad de restituirlos, huyendo por lo tanto de la figura del artista como gurú, como sí de firmar su certificado de defunción a través de homenajes fragmentarios y no siempre ofrecidos a primera vista.
SET ESPAI D’ART “Destellos” Juan Olivares J’aime l’emotion qui corrige la règle. Juan Gris, hacia 1914, París. Un destello más allá de un fenómeno lumínico es también una manifestación repentina de alguna cualidad o actitud. Un momento perfecto y fugaz en el que se produce una revelación, un descubrimiento. Este el es hilo conductor de mis últimos trabajos que podrán verse en la exposición individual de Septiembre en la galería Set Espai d´Art. La muestra recogerá una serie de nuevos collages de gran formato y esculturas.
Juan Olivares destellos I
Juan Olivares destellos VII
GALERÍA SHIRAS “La misma savia, Versos, oleos y acuarelas“ Jose Saborit “Poesia de lo cotidiano” Irma Ortega Jose Saborit Valencia 1960 Moviéndose en los límites que unen y separan al paisaje y la abstracción, la pintura de José Saborit surge de una mirada al mundo intemporal, contemplativa y despojada de anécdotas y teorías, un mirar emocionado que desea perdurar o hallar doble vida mediante una cuidadosa combinatoria técnica de la materia sobre el lienzo. Pinta, escribe, y trabaja como catedrático de pintura en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de la UPV. Recientemente ha sido nombrado Académico Electo de la Real Academia de San Carlos.
Jose Saborit Ver el mar I
Irma Ortega sello
ESPAI TACTEL “La Dernière Lueur” Antonio Fernández Alvira Antonio Fernández Alvira Huesca, España, 1977. Vive y trabaja en Madrid. El presente proyecto plantea, mediante el dibujo sobre papel y la instalación, una reflexión sobre la fragilidad y lo efímero de nuestro entorno y sus símbolos. Para tal fin el artista acude a lo escenográfico y a la estética de la simulación, es decir, a imágenes arquitectónicas que han permanecido sustentadas sobre una apariencia estable y eterna tras la cual habita el engaño. Este trabajo es una investigación sobre los conceptos de representación y fraude visual, a través del uso del preciosismo y del trampantojo, ámbitos en los que el ojo es seducido a través del dibujo, simulando la madera mediante el papel y la acuarela, algo que a su vez funciona como metáfora de lo asumido como real pese a tratarse de una pantomima. El proyecto es el encuentro de dos entidades antagónicas. Por un lado, la acumulación de escombros como desplazamiento de lo arquitectónico -lo que un día fue- hacia la abstracción (una nueva entidad que funciona como recordatorio de lo que ya no será). Por otro, la luz como agente encargado de dar una nueva y última vida a lo efímero. El resultado es una pieza artística que funciona como un escenario teatral: mientras hay un foco encendido la obra permanecerá viva. A un mismo tiempo este trabajo supone un campo de experimentación sobre las posibilidades del dibujo como algo que trasciende el marco y que interactúa con lo escultórico y lo arquitectónico.
GALERÍA THEMA “Sehnsucht” Rebeca Plana Galería Thema inaugura con un solo show para Abierto Valencia 2016 con la exposición “Sehnsucht” de Rebeca Plana. Sehnsucht es una palabra de origen germánico, característica de la cultura romántica y que no tendría traducción exacta al castellano. El término refiere a el anhelo hacia algo que no se sabe qué es, que no se encuentra en el presente y tampoco ha existido nunca en el pasado. Sehnsucht podría referirse a un lugar lejano o un país imaginario donde la artista encontraría su hogar. Rebeca Plana habla de “esa patria modesta, oculta y frágil, que nos sirve de apoyo para caminar por tanta realidad espeluznante (…) tiene el pintar un mucho de aventura idílica, acaso religiosa, que transporta al osado hasta las galerías de la memoria (…) reinventando las justas pinceladas de un himno que nos calme.” En la exposición Sehnsucht se mostrarán siete lienzos de grandes dimensiones y más de veinte obras sobre papel, originalmente mapas antiguos, sobre los que la artista trabaja. Sehnsucht simboliza en esta exposición una “dependencia del deseo”, un constante anhelo que mueve al ser humano hacia nuevos retos u objetivos.
GALERÍA9 “Houtspell” Jonay C. van der Linden Jonay Nicolas Cogollos van der Linden (Santa Cruz de Tenerife, España) vive y trabaja en Valencia. En 2011 obtiene el título de Doctor Europeo en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos, Universidad Politécnica de Valencia. Jonay compagina su actividad artística con su labor docente como profesor asociado en la Facultad Bellas Artes de San Carlos y ha realizado diversas estancias como investigador en la Universidad de Middlesex de Londres y proyectos de investigación artística en la FADU, Universidad de Buenos Aires. Jonay desarrolla su actividad artística e investigación académica en torno a la relación arte-diseño y a su repercusión en el ámbito sociocultural y artístico. Definir el arte en una comparativa con respecto al diseño es algo extremadamente complejo y existen serias dudas sobre donde posicionar cada disciplina. Los procesos artísticos influyen directamente en la generación de propuestas de diseño; y el diseño se nutre del arte o de los procesos del arte. En su trabajo existen variaciones conceptuales entre una disciplina y otra, pero las fronteras desaparecen cuando se encuentra de lleno en el proceso de elaboración o producción de piezas. Si bien viene a ser cierto que las diferencias entre el arte y el diseño de autor se reducen a los condicionantes o peculiaridades que entran en juego, los procesos creativos no son tan diferentes entre ambas disciplinas. En esencia, el artista ha desarrollado un especial interés por la composición, atendiendo a una amplia gama de elementos gráficos que definen: la forma, cromatismo, disposición y fuerza expresiva de las diferentes piezas exhibidas; resultado de su ardua tarea de investigación en nuevos ámbitos y técnicas (o procesos artísticos), y el éxito al conseguir unificar lo aprendido en un camino que, sin duda, le llevará a la evolución de sus próximas propuestas creativas.
