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Historia del Arte © 2011-2012 Manuel Alcayde Mengual
EL LENGUAJE ARTÍSTICO LA PINTURA
Historia del Arte © 2011-2012 Manuel Alcayde Mengual
¿QUÉ ES PINTAR? ¿POR QUÉ ES IMPORTANTE LA PINTURA? Lo específico de la pintura: • Representación plástica en superficie de dos dimensiones (ilusión tridimensional). • Intento de simular "una ventana abierta”.
La pintura es la más popular de las “artes visuales”, la más democrática, por cuanto su apreciación o percepción no requiere, aparentemente, un gran esfuerzo intelectual. Pintar es, en definitiva, atrapar la imagen sobre la materia, mediante la técnica del dibujo y el uso del color y la forma. Pero todo esto es sólo en apariencia.
Una mirada previa: ¿Qué debemos mirar en un cuadro?
¿Cómo contemplar un cuadro?
• El historiador del arte Erwin Panofsky (1892-1968) propuso una aproximación en tres fases a la hora de analizar una obra de arte.
• La primera es la fase preiconográfica, en la que se analizan los aspectos formales: formas básicas, composición, color, tono, línea, etc. • La segunda es la fase iconográfica, en la que se estudian los símbolos. • La tercera consiste en el análisis de la iconología o del contexto social más amplio.
LOS ASPECTOS MATERIALES DE LA PINTURA: LA MATERIA PICTÓRICA
• Soporte: muro, lienzo, madera, papel, etc. • elementos aglutinantes para el color: aceite, clara de huevo, agua, etc. • En la época contemporánea: arena, trapos, metal, y cualquier otro material… • La materia pictórica o cantidad de pasta determina, en cierto modo, la textura; es decir, las sensaciones táctiles que la obra transmite (lisa, pastosa, rugosa, mate, brillante, etc.)
LA TÉCNICA PICTÓRICA
MATERIALES
TÉCNICAS
DETERMINAN
COLORES (pigmentos) AGLUTINANTES adherentes y protectores de los colores
SOPORTES EXIGEN
FRESCO ACUARELA TÉMPERA AGUADA (GUACHE) TEMPLE ÓLEO ENCÁUSTICA (en caliente) ceras, lápices de colores PASTEL ACRÍLICO MOSAICO VIDRIERA
MURO PAPEL PAPEL ESTUCO TABLA TELA METAL MADERA CARTÓN SUELO VANOS
LAS TÉCNICAS MÁS FRECUENTES A LO LARGO DE LA HISTORIA • FRESCO (pigmentos con agua y cal como aglutinante). • TEMPLE (pigmentos como goma arábiga o yema de huevo como aglutinante). • ÓLEO (pigmentos con aceite de linaza refinado como aglutinante). • MOSAICO (pequeña teselas de colores hechas con pasta vítrea u otros materiales). • VIDRIERA (fragmentos de vidrio coloreado)
VIDRIERA
FRESCO
MOSAICO
ÓLEO
LAS TÉCNICAS MÁS FRECUENTES A LO LARGO DE LA HISTORIA
FRESCO (pigmentos con agua y cal como aglutinante).
TEMPLE (pigmentos con goma arábiga o yema de huevo como aglutinante).
VIDRIERA (Fragmentos de vidrio coloreados)
MOSAICO (pequeña teselas de colores hechas con pasta vítrea u otros materiales).
ÓLEO (aceite de linaza refinado Como aglutinante de los colores)
FRESCO (pigmentos con agua y cal como aglutinante).
ÓLEO (aceite de linaza refinado Como aglutinante de los colores)
MOSAICO (pequeña teselas de colores hechas con pasta vítrea u otros materiales).
VIDRIERA (Fragmentos de vidrio coloreados)
LAS “ACADEMIAS” Y LOS GÉNEROS EN LA PINTURA • Las primeras academias de arte se establecieron en Florencia, en 1563, y en Roma, en 1593. Más tarde les siguieron otras: París (1648),Londres (1748), San Petesburgo (1757), Madrid (1752). Las Academias formaban a los artistas y establecían modelos para la práctica del arte, al mismo tiempo que influían o controlaban su producción, el valor y la venta de obras de arte hasta finales del s. XIX. • Estas instituciones establecieron un orden jerárquico o categorías para diferenciar la imñortancia de los distintos temas (géneros) que se representaban.
Real Academia de Bellas Artes, Madrid
EL ORDEN JERÁRQUICO DE LOS GÉNEROS PICTÓRICOS
1. LA PINTURA HISTÓRICA (incluía los temas religiosos y mitológicos) 2. EL RETRATO 3. EL PAISAJE
4. LA PINTURA DE GÉNERO (los temas de la vida cotidiana) 5. LA NATURALEZA MUERTA
¿Cómo contemplar un cuadro? Los medios que se han empleado afectan al estilo
La témpera es contundente y duradera; el óleo permite crear buenas mezclas y realza la naturalidad y el brillo, así como la textura y el espesor; las capas de acuarela y las aguadas aportan translucidez y afinan el detalle. Las pinturas modernas: gouache, acríclico, etc. ofrecen cualidades diferentes
LA LÍNEA (el dibujo) Permite la identificación y el reconocimiento de las formas pictóricas. • Según el trazo varía su expresión plástica: –trazo continuo y cerrado (propósito descriptivo) –trazo grueso y vehemente (expresivo) –trazo abierto (imaginativo y poético) –trazo curvilíneo (sensualidad) • El trazo predominante le confiere a la obra una significación simbólica: –líneas verticales: elevación mística –líneas triangulares: equilibrio –líneas circulares: perfección
EL VOLUMEN • A pesar del carácter bidimensional de la pintura, el autor puede conseguir transmitir efectos de tridimensionalidad, es decir, de volumen mediante el uso adecuado de la línea, el color, la perspectiva y la luz.
LA PERSPECTIVA
• Esta técnica permite simular la profundidad (la tercera dimensión de la que carece la pintura), creando la ilusión del espacio en el conjunto de la obra.
EL COLOR (I)
• Es la esencia de la pintura, y tiene valor por sí mismo. Diferenciar colores: • primarios o puros (amarillo, rojo y azul) • secundarios o binarios, surgen cuando los primarios se mezclan entre sí (anaranjado, violeta, verde). Los colores pueden ser: • cálidos (amarillo, anaranjado, rojo), que expanden luz y avanzan hacia el espectador • fríos (violeta, azul, verde), que absorben luz y se alejan del espectador.
EL COLOR (II) • En la paleta del pintor los colores se pueden asociar y mezclar de manera infinita, a la búsqueda de efectos visuales o sensoriales…
• Existe, además, un componente simbólico en algunos colores que varía según la época o la cultura.
LA LUZ • o su ilusoria representación dentro del cuadro, ya sea como un elemento de la composición o como un elemento expresivo. • El tratamiento que el autor haga de la misma determina ambos valores: –Luz diáfana y homogénea: equilibrio y armonía. –Luz contrastada: dinamismo y expresividad. –Luz cenital: orden y estatismo. –Luz oblicua: movimiento y profundidad.
LA COMPOSICIÓN (la estructura compositiva) • Es la articulación, ordenación, de todos los elementos de la expresión plástica y de las sensaciones que en conjunto nos produce. • Las posibilidades compositivas son infinitas y vienen determinadas por aspectos como la perspectiva, la luz, el color, la línea, las formas, las interrelación expresiva, la disposición general, etc. • Predominan las composiciones cerradas y las abiertas. • Composiciones piramidales, oblicuas, centrífugas, centrípetas, simétricas, etc.
Vamos a contemplar con algo de detenimiento este cuadro
La Libertad guiando al Pueblo (28 de julio de 1830). (1830), Museo del Louvre, París. Autor: Eugène Delacroix (1798-1863). Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 259 x 325 cm
¿Cómo contemplar un cuadro?
¿Cómo está compuesta la escena?
La luz y la oscuridad crean profundidad y espacio; las líneas refuerzan la perspectiva, los puntos de fuga y el escorzo.; las figuras, las formas y los objetos proporcionan equilibrio y simetría a la composición; la escena consta de un primer plano, un término medio y un fondo. Las líneas que dibujan las armas conducen la mirada hacia la Libertad. Toda la acción se lleva a cabo en el primer plano, en el plano intermedio se halla la multitud congregada y, al fondo, vemos cómo se derrumba París.
¿Cómo contemplar un cuadro?
¿Qué colores se utilizan? ¿De qué tipo son?
¿Primarios/secundarios? ¿Secundarios/adyacentes? ¿Brillantes/apagados? ¿Cálidos/fríos? En la obra que nos ocupa los colores dominantes son apagados, de modo que se pueda enfatizar la bandera, el vestido de la Libertad y la figura postrada a los pies, con colores más vivos e intensos.
¿Cómo contemplar un cuadro?
¿Cómo se emplean las líneas?
El brazo de la Libertad, su cuerpo y el arma forman un grupo de líneas que van hacia delante con fuerza y que se repiten en el cuerpo del niño y en las armas que portan el resto de los personajes. Este juego de líneas refuerza el dinamismo de la escena y contribuye a subrayar el enérgico heroismo del Pueblo de París, que avanza hacia adelante.
¿Cómo contemplar un cuadro?
¿Cuáles son las partes luminosas y cuáles las oscuras? ¿Hacia dónde se dirige la luz?
La luz se proyecta desde la parte superior izquierda e incide sobre la figura de la Libertad y las figuras estiradas de la izquierda. La luz, que atrae la mirada del observador por todo el cuadro y vincula a la Libertad con la multitud, permite que se distingan los rostros, las figuras y los detalles.
¿Cómo contemplar un cuadro?
¿Cómo se han definido las figuras?
¿Se ha marcado la forma de las extremidades? ¿Son oscuros los pliegues de las ropas? ¿Las líneas se han utilizado para enfatizar las extremidades o el artista las ha coloreado suavemente? Las figuras de Delacroix proyectan sombras oscuras y los pliegues de sus ropas están pintados con suavidad.
¿Cómo contemplar un cuadro?
¿La escena es activa/dinámica y viva o estática y serena?
¿Las figuras aparecen contorsionadas, alargadas, retorcidas? Se aprecia movimiento en el remolino de humo, en la multitud activa y en los brazos alzados de la Libertad. Las figuras verticales contrastan con las de los muertos, dispuestos de forma horizontal o en escorzo. La Libertad gira la cabeza para comprobar que la multitud la sigue.
¿Cómo contemplar un cuadro?
¿Existe algún tipo de simbología en la obra?
Los símbolos de la revolución son la bandera tricolor (roja, blanca y azul), la escarapela del caído y los emblemas de los macutos y las gorras. Menos obvias son las botas gastadas del soldado muerto, la figura vulnerable y medio desnuda que posiblemente representa a Francia, y la personificación femenina de la Libertad. Además, la representación de las distintas clases sociales que participan en la revolución: el burgués que porta la balloneta, los jóvenes y estudiantes, etc.
¿Cómo contemplar un cuadro?
¿Cuál es el estilo del cuadro?
Estilo era el término utilizado para valorar una obra y situarla en un determinado momento de la Historia del Arte. E. Delacroix es un pintor que desarrolla su obra en los años centrales del s. XIX, perteneciendo a la corriente pictórica del Romanticismo francés. Este estilo se caracteriza por el uso de una pincelada gruesa y visible, con luz intensa y colores vivos y contrastados. El resultado suelen ser composiciones de gran vitalidad e intensidad expresiva, lo que contrasta con la frialdad y el estatismo del estilo neoclásico anterior.
¿Cómo contemplar un cuadro? ¿Qué significa esta obra en relación a su contexto histórico? “He emprendido un tema moderno, una barricada, y si no he luchado por la patria, al menos pintaré para ella.” (Delacroix, 1830)
El cuadro representa un mensaje político lleno de ideales republicanos; el autor recurre a la representación de un acontecimiento histórico, la revolución de julio de 1830, para expresar tales ideales. La figura femenina, una alegoría de la libertad con el pecho descubierto, conmemora la revolución con la que se derrocó al rey Carlos X, el último rey Borbón de Francia. Los ciudadanos, incluido el autorretrato del artista en la figura con sombrero de la izquierda, persiguen la victoria por encima de los caídos, creando una de las imágenes de la revolución más poderosas de la Historia.
ACTIVIDADES DE INICIACIÓN: ANÁLISIS COMPARADO DE LAS OBRAS PROPUESTAS
Hombre rojo con bigote, 1971 autor: Wilhem de Kooning. Óleo sobre papel montado sobre lienzo. 186 x 91,5 cm. Colección ThyssenBornemisza, Madrid
Retrato de Giovanna Tornabuoni 1488. Autor: Ghirlandaio Museo: Museo Thyssen Bornemisza Caracteristicas: Témpera sobre tabla - 77 x 49 cm Historia del Arte © 2011-2012 Manuel Alcayde Mengual
