ART PALMA NEWS

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ABA ART LAB ADDAYA CENTRE D’ART CONTEMPORANI GALERIA FRAN REUS GALERIA HORRACH MOYÀ KEWENIG PALMA L21 LA CAJA BLANCA GALERIA MAIOR – PALMA PELAIRES CENTRE CULTURAL CONTEMPORANI GALERIA XAVIER FIOL Septiembre 2017

21 AÑOS DE “NIT DE L’ART” Coordinación y dirección gaceta: Art Palma Contemporani (Kewenig Palma + CCC Pelaires), en colaboración con Ian Waelder. © de los textos, imágenes, traducciones y edición: sus autores. Todos los derechos reservados. Agradecimientos: Carlos Urroz, Clément Delépine, Thom O’Nions, Adam Thomas, Eva González-Sancho, Agència de Turisme Balear, Direcció Insular de Cultura del Consell de Mallorca, Institut d’Estudis Baleàrics, Institut Ramon Llull, Ian Waelder y las 10 galerías que conforman Art Palma Contemporani. Fotografías: Páginas 2 y 3: Imágenes cedidas por Mallorca Sotheby’s International Realty (Sara Savage) y EventOne. Nit de l’art 2016. LENGUAJE (Prólogo). Performance a L21 amb la col·laboració de Cía BAAL / Copyright © Joan Morey, 2016. Cortesia de l’artista

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Palma en particular y Mallorca en general tienen una especial relación con el arte contemporáneo. Ello nos permite disfrutar continuamente de exposiciones de primer nivel, habitualmente con artistas de reconocido prestigio mundial. No en vano Palma es una de las ciudadades españolas con más galerías por habitante, un dato que revela claramente que el arte contemporáneo tiene aquí presencia y personalidad. Esto, que sucede 365 días al año y que me atrevería a decir que está en el adn de nuestra sociedad, tiene una gran celebración colectiva en un día muy especial. Sin ese germen social ninguna de las personas que hace ya 21 años sembraron las semillas de la Nit de l’Art habrían recogido fruto alguno. Y hoy, tantos años después, nadie duda de lo excepcional del evento y del gran acierto de esos precursores, a los que damos las gracias un año más. Porque por ellos tenemos un día en el que el arte contemporáneo lo protagoniza todo. Un día en el que el arte contemporáneo cambia el ritmo y el latido de la ciudad, y de la Isla. El próximo 23 de septiembre miles de personas volverán a

disfrutar de las propuestas de las galerías de Art Palma Contemporani, AIGAB y de los principales espacios culturales de Ciutat, remarcando el carácter cosmopolita, plural e internacional de Palma. Una nueva edición de la Nit de l’Art concitará a todo tipo de público para disfrutar de la cultura en estado puro. Ello será posible gracias a los artistas y al trabajo de muchos profesionales que cada año consiguen mejorar la calidad y la diversidad de las propuestas artísticas para configurar una oferta rigurosa para un público que, afortunadamente, es cada vez más exigente. Quiero a todos ellos darles las gracias, porque esta noche tan efímera y especial para el público conlleva un largo e intenso trabajo de preparación. Esta edición cuenta con la colaboración especial de la Agència de Turisme Balear (ATB) que tiene como uno de sus objetivos apoyar la cultura de Illes porque “es una manera única de presentarnos al mundo”. Por otro lado, gracias al programa de invitados internacionales del Institut d’Estudis Baleàrics (ILLENC) y del Institut Ramon Llull del Govern de les Illes Balears,

más de 20 profesionales de toda Europa van a poder visitar las galerías y conocer al sector artístico de la Isla, además de impartir unas charlas en relación a las ferias de arte. Paralelamente, y gracias a la misma institución, el público podrá disfrutar de los espectáculos y actuaciones de la Fira B. También el Departament de Cultura, Patrimoni i Esports del Consell de Mallorca ha colaborado en la programación de las galerías de Art Palma Contemporani, en las visitas guiadas y en la comunicación. Finalmente, el Ajuntament de Palma ha colaborado en la difusión del evento. A todas estas instituciones, muchas gracias por el apoyo, ya que de esta forma seguiremos haciendo entre todos de la Nit de l’Art una noche para recordar. Gracias a nuestros colaboradores se consolidan las actividades profesionales previas a la fiesta del arte. Os esperamos el sábado 23 de septiembre en las calles de Palma. Sin vosotros la fiesta que es la Nit de l’Art nunca estará del todo completa. Frederic Pinya, Presidente de la Associació Art Palma Contemporani.

PROGRAMACIÓN ART PALMA “NIT DE L’ART 2017” SÁBADO 23 DE SEPTIEMBRE DE 19 A 23H

ABA ART LAB Pl. de la Porta de Santa Catalina, 21 / www.abaart.com ALEX PROBA (STUDIO PROBA) “MINE YOURS OURS HERS” / “A POSTER A DAY” 23.09 – 11.12.2017

ABA ART LAB presenta por primera vez en España, la obra de la artista multidisciplinar Alex Proba (Lüdenscheid, Alemania). Esta joven y experimentada artista alemana, residente en Nueva York fundó en 2013 el Studio Proba dedicado entre otros al diseño de producto, gráfico, medioambiental, de mobiliario y arte. En su primera incursión en un espacio privado en España, Alex Proba nos ofrece su proyecto artístico más personal. Bajo el título “MINE YOURS OURS HERS / A POSTER A DAY”, el espectador podrá ver el resultado de un proceso de trabajo de cuatro años en los que Proba ha realizado un póster al día. Este proyecto comenzó como un ritual personal. Una noche de verano de 2013, en su apartamento de Brooklyn, la artista se encontró atrapada en un bloqueo creativo. Con la esperanza de sacudirlo, empezó a jugar con imágenes, formas y tonalidades. Sin un objetivo en mente, surgió un diseño y en su cerebro creativo sonó una campana. El proceso era satisfactorio, liberador y adictivo.

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ADDAYA CENTRE D’ART CONTEMPORANI Carrer de la Missió, 19 / www.addaya-art.com TAMARA VAN SAN 21-22-23.09.2017

“Actuar es decirle al mundo quién eres, independientemente de tus miedos”, escribe Tamara Van San. «Esculpir es pensar mediante la acción». En general, Van San intenta crear esculturas que nos hablen sin ser figurativas o geométricas. Sus nuevas esculturas en forma de torre están relacionadas con las piedras escolares chinas, a las que fue presentada por el pintor Zang Xiao Xia durante una estancia en China en 2010. La belleza de las piedras eruditas reside en el hecho de que no son hechas por el hombre, formado por la erosión. Son formas que parecen moverse, que cambian bajo la influencia de la luz. En este sentido, Van San trata de crear esculturas que parten de unos cuantos parámetros pero que podrían dar lugar a una serie interminable de proyecciones por parte del espectador. Una manera de hacer esto, es aplicar un acristalamiento multicolor, que refuerza las formas y el juego de la luz.

GALERIA FRAN REUS Passeig de Mallorca, 4 / www.galeriafranreus.net

NAUZET MAYOR “MISERIA CONTEMPORÁNEA” 23.09 – 25.11.2017

“Miseria Contemporánea” es un proyecto que toma referencias de la realidad para convertirlas en arte hablando del hecho artístico y sus conexiones con la vida personal del creador. La figura del artista y su entorno profesional (mercado del arte, relaciones con instituciones, galeristas, curators y otros artistas) y social (marginalidad, desconocimiento, incomprensión, visión romántica de la labor creativa) son básicos en este proyecto. Nauzet Mayor está interesado en generar reacciones a diferentes tópicos artísticos entendidos como claves en la carrera de un artista.

GALERIA HORRACH MOYÀ www.horrachmoya.com MARINA ABRAMOVIC “THE FREEING SERIES” Espai de la pl. de la Drassana, 15 “The Freeing Series” presenta tres trabajos históricos de Marina Abramovicć realizadas en 1975 que por su significado personal y político son de gran importancia para la artista y su posterior trayectoria. Estas obras representaron, y continúan vigentes en estos momentos de incertidumbre, un grito de libertad para superar los límites físicos de los países y convertir el cuerpo y la mente en un territorio libre de restricciones GIRBENT “PICTURES: EL RITO (EL DOCUMENTAL)“ C. de Catalunya, 4 En “Pictures: El Rito (El documental)” el artista afronta la tarea de explorar a fondo estas imágenes armado con la herramienta más elemental: un trozo de carbón, que nos retrotrae a los remotos orígenes de la representación, en los albores de la humanidad. Se intuyen en estas imágenes las huellas del titánico forcejeo con la representación, en pos del punto justo entre información e insinuación, un punto también indefinidamente escurridizo...

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KEWENIG PALMA Oratori de Sant Feliu. C. de Sant Feliu, s/n / www.kewenig.com A.R. PENCK 23.09 – 16.12.2017

A.R. Penck constituye una de las figuras más destacadas del arte alemán del siglo XX, relacionado con la tendencia artística del grupo Neue Wilden en la época de los 70, de la cual formaron parte artistas como Georg Baselitz, Markus Lüpertz, Anselm Kiefer, entre otros. La exposición se plantea como un homenaje al artista con una amplia selección de obras del mismo, compuesta por una colección de obras sobre papel y pinturas de entre los años 60 y hasta el 2013.

L21

C. del Gremi de Ferrers, 25 / www.l21gallery.com VALERIE KRAUSE 14.09 – 17.11.2017

“Interface” es la segunda exposición de Valerie Krause (Herdecke, Alemania, 1976) en L21 y la primera vez que se muestra su trabajo de forma individual en Mallorca. La artista residente en Düsseldorf presenta una serie de trabajos escultóricos inéditos, incluyendo una instalación de gran formato pensada expresamente para el espacio de la galería, que con esta muestra cumple un año desde su apertura en el Polígono Son Castelló. Krause muestra una especial sensibilidad hacia la crudeza de los materiales y sus volúmenes. Sus esculturas realzan una belleza de la mínima expresión de la forma, alternando conversaciones que se dan en la sala entre las distinas esculturas. La artista nos evade hacia un paisaje dentro de cada obra, donde discernimos las diferentes cualidades de los materiales que decide elegir y juntar. Metal, hormigón, tierra, yeso, cerámica... todo un compendio que Krause deja a nuestra vista para poder llegar a la pureza de cada forma y entender con sus aportaciones la escultura contemporánea desde el minimalismo.

LA CAJA BLANCA C. de Can Verí, 9 / www.lacajablanca.com

YARA EL-SHERBINI | SAMIRA ESKANDARFAR “LCB GUEST ARTIST PROGRAMME”

El-Sherbini presenta su instalación más reciente; un proyecto inédito que explora la naturaleza subversiva del lenguaje, a través de deslices culturales, y los nuevos significados subversivos creados por el solapamiento de creencias y arquitecturas anacrónicas. Producido por La Caja Blanca en colaboración con Yara El-Sherbini, y la coordinación técnica de Carmen Gestoso. Eskandarfar presenta su primer vídeo de artista en formato largo, producido en su ciudad natal Teherán (Irán), y financiado gracias a la adquisición de su última instalación “Root Canal” presentada en La Caja Blanca durante 2015. Las piezas audiovisuales de Eskandarfar han sido incorporadas a colecciones privadas e institucionales de relevancia internacional, incluyendo Tate Modern (Londres).

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GALERIA MAIOR – PALMA C. de Can Sales, 10 / www.galeriamaior.com

PEDRO CALAPEZ “EL LÍMITE UBICUO” 23.09 – 25.10.2017

Former Event 04 2017 acrílico sobre aluminio 151 x 202 x 10 cm.

Los distintos trabajos presentados en la exposición se organizan en torno a dos grandes ejes: pinturas objetuales y pinturas de fragmentos, que revelan una convivencia natural (y no naturalizada) entre piezas aisladas y piezas de conjunto. Todo el aparato expositivo revela una vocación hacia la instalación, recurrente en las exposiciones del artista, que obliga a un cuestionamiento sobre la esencia de cada obra. Puede afirmarse que la obra de Pedro Calapez habita zonas limítrofes entre soportes, resultando de ello una inestabilidad consustancial, asumida, y que es consecuencia de meticulosos procedimientos plásticos.

PELAIRES CENTRE CULTURAL CONTEMPORANI C. de Can Verí, 3 / www.pelaires.com CARLOS AMORALES PARTITURAS PARA INSTRUMENTOS DE PERCUSIÓN 23.09 – 24.11.2017 Actuació de El Día eléctrico (7 pm) i Bearoid (8 pm), de la Fira B (Institut d’Estudis Baleàrics)

Imagen cortesía Carlos Amorales (© Carlos Amorales, 2017)

GALERIA XAVIER FIOL C. de Sant Jaume, 23 A / www.galeriaxavierfiol.com MELVIN MARTÍNEZ 23.09 – 31.10.2017

Pelaires presenta el trabajo reciente de Carlos Amorales (Ciudad de México, 1970), que puede verse por primera vez en España después de haber sido elegido para representar a México en la Bienal de Venecia (2017). En la planta baja de la galería se podrán ver las “Partituras abiertas para címbalos”, una serie de diez monotipos del 2016 que nunca antes se han enseñado. En el primer piso se expondrá una instalación a partir de monotipos y pinturas, güiros sobre mesas y dibujo mural, de la serie “Anti Tropicalia”. Completa la selección la proyección del vídeo “Fantasía de Orellana” (2013), hecho con la colaboración de Julián Lede, una de las piezas más emblemáticas de Amorales. El artista investiga el lenguaje textual, visual y musical como medio o impedimento de comunicación, a partir de la animación, el vídeo, el cine, el dibujo, la instalación, la performance y el sonido.

Melvin Martínez (San Juan, 1976) es uno de los pintores abstractos jóvenes más prometedores de Puerto Rico. Mostraremos un diálogo de sus lienzos que exponen una efectiva combinación de originales libertades, un lirismo apasionado y unas pensadas armonías con sus pósters/carteles de crítica social donde la tradición, el cartelismo histórico de San Juan juegan aquí su papel. Sus obras se muestran como dramáticas composiciones hechas con escarcha (brillos, glitter) sobre pintura y resinas, composiciones que dialogan con muchos de los protagonistas del New York School, composiciones llenas de luces, ritmos y profundidades, composiciones donde los colores y las texturas se complementan creando sensaciones visuales únicas.

 El nuevo discurso estético de Martínez es un discurso que se puede definir como una inteligente y embriagante fusión de arte kitsch y Postmo-POP–. A raíz de la crisis económica y social mundial surgen proyectos que sitúan al narcotrafico puertoriqueño (…) en foco de su atención y para llegar a un público que no puede comprar los lienzos de Martínez, el artista desarrolla el concepto de vender la escarcha/brillo/ glitter que usa en sus obras como si fueran drogas: cobran forma de pasteles, cakes, pumcakes, muffins, imanes, camisetas, sacos/ bags y pequeños espejos como “líneas” de cocaína.
Según Martínez, esta propuesta también nos muestra el mundo del arte, el mercado “como una adicción”. El concepto de “Martínez shop”, souvenirs para todos. Una gran tienda donde todo está a la venta.

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1. ABA ART LAB

2. ADDAYA CENTRE D’ART CONTEMPORANI

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3 3. GALERIA FRAN REUS

4. GALERIA HORRACH MOYÀ

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5. KEWENIG PALMA

6. L21

7. LA CAJA BLANCA

8. GALERIA MAIOR – PALMA

9. PELAIRES C.C.C.

10. GALERIA XAVIER FIOL

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ITINERARIO ART PALMA “NIT DE L’ART 2017”

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POLÍGONO DE SON CASTELLÓ

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ART PALMA NEWS #3 · FERIAS

La feria ha sido fundamental para hacer surgir toda una generación de coleccionistas que descubrieron el arte en ARCO.

Entrevista a Carlos Urroz, director de ARCO

Incentivando el coleccionismo joven y de proximidad

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Por IAN WAELDER

ARCO es indiscutiblemente una feria de referencia que ha marcado el panorama español desde su fundación. ¿Qué considera que aporta la consolidación de un evento de estas características a un país como España? La llegada de ARCO en los años 80 dio una visibilidad al arte contemporáneo que otras artes no tuvieron. Ha sido importante para que no solo los profesionales, sino los medios, el gran público, las empresas, los políticos… se interesaran por la creación actual. Ha sido fundamental para hacer surgir toda una generación de coleccionistas que descubrieron el arte en ARCO y que luego se hicieron compradores. Además, supuso una imagen nueva para España y para las distintas ciudades que construyeron museos. La relación de ARCO con las galerías de Mallorca es bastante notable. Actualmente cuenta con galerías como Pelaires, L21, Horrach Moyà o Kewenig. En otros años ha habido hasta 6 galerías de la isla. ¿Qué importancia tiene para la feria contar con la presencia mallorquina? Baleares es la tercera Comunidad Autónoma mejor representada en ARCO tras Madrid y Cataluña. Mallorca siempre ha tenido un panorama galerístico muy especial, donde el galerismo tradicional se enriquecía con proyectos dirigidos por los extranjeros que eligen Mallorca para vivir. Por eso hay una mezcla única e inigualable en cuanto a los distintos proyectos de galerías. En un momento con el calendario de ferias a rebosar, ¿cuál es su postura sobre el estado actual del sistema de las ferias de arte y cómo ve su futuro?

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La proliferación de ferias prueba que el formato funciona. Da visibilidad a artistas y galerías a la vez que atrae a coleccionistas y crea nuevos compradores ocasionales. Además, hay ese momento social del encuentro, de compartir información que ayuda a enamorarse de las obras y desearlas. Es cierto que hay muchas ferias y posiblemente se equilibrará el calendario, pero sobre todo creo que las galerías elegirán dónde quieren ir, qué mercados les interesan, qué perfil de ferias es el adecuado para su galería. Ya no irán a todas las ferias; habrá una segmentación por zonas geográficas, por carácter de la feria y también por costos. En 2018 cumplirá su octavo año como director de la feria y sin duda usted y su equipo la han revitalizado con el apoyo a los coleccionistas noveles, la sección de Opening, la apertura de ARCO en Lisboa, por mencionar unas pocas. ¿Qué repaso hace a estos años de mandato y qué objetivos se marca para las próximas ediciones? Está siendo un honor para mí dirigir ARCO. Es un proyecto de máximo interés para el sector, para el país y para Madrid. El balance es muy positivo y las perspectivas excelentes ya que, si unimos la recuperación económica a la revitalización de la feria, ARCO tiene un excelente futuro. Entre los objetivos a medio plazo está el incidir sobre el nuevo coleccionismo local. Hacer que la gente joven se interese por el arte y se dé cuenta de que puede comprar una obra de un artista joven en una galería cercana. Es una campaña que vamos a mantener durante varios años y con distintas acciones para recuperar y crear el coleccionismo nacional, de proximidad.

Mallorca siempre ha tenido un panorama galerístico muy especial, donde el galerismo tradicional se enriquecía con proyectos dirigidos por los extranjeros que eligen Mallorca para vivir. Fotos: Cortesía ARCO Madrid La entrevista completa la pueden leer en www.artpalmacontemporani.com

Invitado del Institut d’Estudis Baleàrics (ILLENC).

Morten Wintervold, GATE RÅMELKAS BOUQUET, 11-17 Abril 2016. Foto: Niklas Lello. Producido por OSLO PILOT.

Entrevista a Eva González-Sancho, co-curator de OSLO PILOT

Concebir una Bienal desde el pensamiento crítico

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Por IAN WAELDER

Se anunció su nombramiento como comisaria de OSLO PILOT junto a su compañero Per Gunnar Eeg-Tverbakk a finales de 2014, a través de convocatoria pública. Un proyecto piloto de dos años para la preparación de una bienal en Oslo ¿Podría explicarnos cómo surgió esta propuesta y cuál ha sido la manera de afrontar un proyecto de tal envergadura? La Ciudad de Oslo publicitó la búsqueda de un equipo curatorial para definir una primera Bienal de “arte público” en la ciudad de Oslo. Término que entrecomillo ya que fue lo primero que mi compañero Per Gunnar y yo cambiamos nada más empezar el proyecto y sustituimos por “arte en el espacio público”. Per Gunnar y yo compartimos una formación académica y experiencia laboral con muchos rasgos comunes: ambos hemos estudiado bellas artes antes de estudiar también o de trabajar directamente en el campo del comisariado de exposiciones; hemos dirigido instituciones de arte contemporáneo y trabajado mucho en el espacio público, hemos llevado a cabo múltiples proyectos de producción de obra nueva etc. Se nos encomendó formular el formato de bienal más favorable para el espacio público de Oslo. Podríamos habernos ajustado a esta petición in sensu stricto y dedicar dos años a especular en papel y entregar al final del periodo de trabajo un repport con un concepto de bienal para Oslo y recomendaciones. Nuestra propuesta fue sin embargo la de desarrollar un proceso activo que nos permitiera conocer mejor el contexto: su escena artística, formas de trabajo, potencial y limitaciones de intervención en el espacio público, marcos de producción para la bienal, etc. OSLO PILOT es esta respuesta: un proyecto experimental y de investigación para determinar qué tipo de bienal para el espacio público de Oslo. En dos años y medio hemos llevado a cabo unos 40 proyectos: encargo de obra para el espacio público en sentido muy amplio (espacio físico público de la ciudad de Oslo, redes sociales, etc.), publicaciones, seminarios, charlas, un simposio; el proyecto ha contado con toda una serie de canales de actuación entre ellos una oficina de proyectos muy visible en pleno centro de la ciudad a partir de la cual se generaba la actividad. La colaboración con artistas, poetas, comisarios, es-

critores y otros especialistas de diversos campos fue un elemento clave que permitió al proyecto explorar formas de trabajo y la creación de un marco crítico y una estrategia a largo plazo para futuras producciones. Este proceso también significó involucrarse con la escena artística de Oslo para una mejor comprensión de sus intereses, dinámicas y modus operandi con el fin de interactuar juntos durante el proceso del piloto y en el curso de la próxima bienal.

Supone un gran desafío y aliciente suplementario proyectar una bienal en un contexto tan sumamente variable como el de Oslo. En su práctica curatorial destaca la importancia de tratar el espacio, tanto en términos de espacio público y privado como la forma de entender la arquitectura y el urbanismo. Evidentemente es un tema que no puede faltar en una bienal en una ciudad como Oslo y el término “Público” es uno de los ejes principales de investigación del proyecto. ¿De qué manera se decide abordar este concepto en OSLO PILOT? ¿Podría hablarnos del resto de líneas de investigación del proyecto y por qué surgen? El espacio público no sólo consiste en un marco físico, en arquitectura o componentes urbanos u otros componentes; el espacio público va más allá de sus características físicas e incluye diferentes esferas públicas como la prensa, los medios de comunicación, las redes sociales. El espacio público es un campo donde muchas agencias, identidades e intereses se encuentran y se hacen visibles, y se caracteriza por su contingencia y realidades cambiantes. Es el telón de fondo de múltiples acontecimientos y actividades humanas o sociales, tanto previstas como im-

previstas, rutinarias y extraordinarias, que tienen lugar en ritmos regulares, ciclos o manifestaciones aisladas. Como resultado, el espacio público está sujeto a condiciones que están cambiando constantemente de una manera que puede ser altamente impredecible. La experiencia de las obras de arte que se exhiben, operan, fuera de los entornos más controlados como son los museos o galerías de arte, se ve afectada por una situación más compleja en el espacio de la ciudad. En este sentido, el significado de una intervención artística en el espacio público está profundamente relacionado con el tiempo. Esto marca una diferencia esencial con el arte que se muestra en entornos más especializados y protegidos. En el espacio público, una obra puede ser de carácter efímero o permanente, aunque, paradójicamente, el efímero termine siendo inmanente de un modo natural. El significado de la obra de arte puede estar condicionado por la vida fluctuante y volátil de la ciudad y por lo tanto altamente mutable. Nuestra investigación parte de esta base y se centra en cuatro términos interconectados: Reactivación, Periodicidad, Desaparición y Público; cuatro problemáticas que implican reflexiones sobre el tiempo y la temporalidad de la propuesta artística. Estos cuatro conceptos de estudio nos acercan a aspectos del arte que incluyen ciclos, ritmos, extinción / destrucción y reinvención que desafían la idea de la posible naturaleza permanente o temporal de una obra de arte en el espacio público. ¿Qué ofrece la escena de Oslo para poder albergar un proyecto como el que tienen entre manos desde OSLO PILOT? ¿Es cuestión de que la ciudad ya tenga algo que ofrecer en relación a estructura o consiste en adaptarse a lo que uno se encuentra y aportar algo nuevo? Oslo es a día de hoy la capital con mayor crecimiento de toda Europa. Supone un gran desafío y aliciente suplementario proyectar una bienal en un contexto tan sumamente variable. Oslo se está construyendo hoy. Las posibilidades de acción bajo tales parámetros son excepcionales. Una Bienal puede ser el motor impulsor y catalizador de muchas energías en una escena artística. Este ha sido en parte nuestro deseo desde el principio: pensar una nueva ecología institucional que facilite la dinámica de la escena artística siempre respetando sus propias especificidades. La entrevista completa la pueden leer en www.artpalmacontemporani.com Invitada del Institut Ramon Llull

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ART PALMA NEWS #3 · FERIAS

Entrevista a Clément Delépine, co-director de la feria Paris Internationale

La nueva generación de galeristas va en busca de formatos alternativos

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Por IAN WAELDER

Paris Internationale comenzó hace tres años como una bocanada de aire fresco en el calendario de arte europeo. Sigue la estela de otras ferias fundadas por galerías como Independent, Material, NADA o SUNDAY, que también son satélites de otras ferias de arte más grandes y establecidas. ¿Podría explicarnos cómo y por qué comenzó Paris Internationale y cuáles son las principales diferencias en comparación con otras ferias? Creo que la chispa que originó todo fue el deseo de promover el trabajo de una generación de galerías con un pensamiento semejante. La principal diferencia es que tratamos de romper las convenciones del cubo blanco de las ferias de arte al ubicar el proyecto en lugares no habituales y jugar con la idiosincrasia de la arquitectura. Paris Internationale es nómada. La primera edición tuvo lugar en un particular hotel en ruinas que estaba en proceso de renovación. La segunda edición tuvo lugar en un monumento catalogado que solía ser la residencia parisina de Calouste Gulbenkian y el hogar de su colección, y posteriormente de la fundación homónima. En la edición de 2017 la feria se llevará a cabo en la antigua redacción de Libération, el diario cofundado por JeanPaul Sartre unos años después de los acontecimientos de mayo del 1968 en Francia.

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nos elementos, su historia... Simbólicamente, también creemos que celebrar el evento en este contexto va acorde con los retos actuales del periodismo y el desarrollo urbano. Supongo que lo que buscamos es un atractivo general. Debe ser factible también en términos de logística. Al fin y al cabo, nuestros expositores cubren una cantidad sustancial de los costes para participar en la feria. Por lo tanto, para ser justos con ellos, tenemos que proporcionarles una superficie para colgar obras e iluminación. Nunca es fácil encontrar un espacio de estas características en el centro de París que no esté ocupado. Durante los últimos años, en las ferias hemos estado viendo una actitud más propensa a experimentar con el formato de exposición, dejando atrás la idea del booth y trabajando con el espacio ofrecido, como ha ocurrido en LISTE, en SUNDAY o recientemente en Independent en Bruselas. ¿Buscan expositores que asuman riesgos a la hora de mostrar sus propuestas? ¿O esto es algo que se da por hecho teniendo en cuenta el tipo de galerías que eliges?

¿Que la feria tenga lugar en esta antigua redacción de Libération, un periódico histórico fundado por Jean Paul Sartre como bien menciona, pretende ser una clara declaración de intenciones? ¿Podría hablarnos de este cambio? ¿Qué características buscan en un lugar para establecer allí la sede de la feria?

Lo que impulsa Paris Internationale es la calidad de los proyectos presentados en la feria. No recomendamos tomar riesgos por el simple hecho de tomar riesgos (yo diría también que tenemos que estar de acuerdo en una definición), pero nos interesa lo que eleva el nivel general de la feria. Dicho esto, participar en una feria puede ser un gasto desorbitado para las galerías, si se tiene en cuenta el envío de las obras, los gastos de viaje del equipo, etc. Mantenemos los precios bajos también para animar a las galerías a que presenten proyectos arriesgados.

Dado que la feria es nómada, sabíamos desde el primer momento que tendríamos que buscar otro lugar para la edición de 2017. Nos ofrecieron una visita a la antigua redacción de Libération e inmediatamente nos quedamos prendados de la estética brutalista, la rareza de algu-

Paris Internationale se ha consolidado como una feria de arte relevante que se centra en la nueva generación de galerías y artistas. ¿Puede explicarnos la importancia de las galerías jóvenes que deciden trabajar con artistas al principio de sus carreras? ¿Por qué debemos apoyarlas?

Las galerías jóvenes trabajan muy duro para construir tanto una base de coleccionistas como un reconocimiento institucional para sus artistas emergentes. Asumen grandes riesgos para exponer el trabajo de artistas de los que quizás nunca se ha oído hablar. Todos los artistas ya establecidos en los que puedas pensar hoy, fueron expuestos primero por una galería joven... y suelo escuchar de boca de los dealers que se tarda la misma cantidad de tiempo en vender una obra de 2.000 euros que una de 100.000 euros.

En Paris Internationale tratamos de romper las convenciones del cubo blanco de las ferias de arte al ubicar el proyecto en lugares no habituales y jugar con la idiosincrasia de la arquitectura. Fotos: Booth de Sultana en Paris Internationale 2016, con obras de Pia Camil, Olivier Millagou y Celia Hempton. Foto: Aurélien Mole. La entrevista completa la pueden leer en www.artpalmacontemporani.com

Invitado del Institut d’Estudis Baleàrics (ILLENC).

Quizás empecemos a ver en el futuro una descentralización del mundo del arte a medida que la gente empiece a desarrollar mercados en diferentes ciudades. Entrevista a Thom O’Nions y Adam Thomas, directores de Sunday Art Fair y Supplement Gallery

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SUNDAY, representando la descentralización del mundo del arte desde Londres

Por IAN WAELDER

SUNDAY lleva ya siete años celebrándose y fue fundada por galeristas. ¿Qué situación dio origen a la feria y qué ha cambiado desde entonces? La feria comenzó primero en Berlín en su primera edición y luego se trasladó a Londres. Siempre ha estado dirigida por galeristas, aunque los organizadores han cambiado varias veces a lo largo de los años. Inicialmente, en la feria se podía participar solo por invitación, pero cuando asumimos el control introdujimos un proceso de aplicación como una forma de ampliar el alcance de la feria y atraer a una selección más diversa. Que seamos galeristas es importante, puesto que, tras haber hecho un montón de ferias nosotros mismos, sabemos lo que queremos en una feria y en SUNDAY tratamos de hacerlo realidad en la medida de lo posible.

Es un tema muy complejo. Está muy claro que el modelo actual está siendo presionado y que se tienen que reconsiderar muchas cosas en los próximos años. Un gran problema es el aumento de los alquileres en los centros de arte, como Londres o Nueva York, que está haciendo pasar dificultades a un montón de galerías jóvenes. Creo que, en el futuro, quizás empecemos a ver una descentralización del mundo del arte a medida que la gente empiece a desarrollar mercados en diferentes ciudades, pero esto ya se verá. Es algo que intentamos reflejar en la feria de este año, en la que contamos con muchas galerías de lugares más periféricos que tienen programas y escenas de arte increíbles.

Sin duda, la colaboración entre galerías de arte es esencial. Fruto de ello son iniciativas como Condo. ¿Creen que este tipo de programas, así como las ferias de arte organizadas por galerías, son el modelo más sano para el futuro del mercado? No quiero hacer ninguna predicción acerca de lo que sucederá en el mercado del arte porque las cosas están cambiando muy rápidamente. Pero sí, por supuesto, proyectos como Condo y las ferias de arte independientes más pequeñas son muy importantes justo en este momento y el debate que se están produciendo en relación con este asunto es también muy relevante. Donde haya un foro para que las galerías jóvenes se reúnan y hablen es donde comenzarán a suceder las cosas.

SUNDAY está reconocida como la antesala a Frieze y una feria en la que descubrir artistas que empiezan sus carreras. ¿Cómo responde a esto el coleccionista? ¿Es el mismo tipo de coleccionista que se encuentra en Frieze o también se corresponde con un perfil joven de coleccionista novel? La verdad es que es una mezcla, pero es cierto que, por lo general, los coleccionistas que vienen están realmente comprometidos con el arte emergente y buscan descubrir cosas nuevas. Hay muchos artistas que expusieron en SUNDAY en un momento muy temprano de su carrera y que han llegado a ser realmente reconocidos. Esta es una de las cosas que hace que el trabajo en esta feria sea tan emocionante. En los últimos años hemos sido testigos de algunas malas noticias en el mundo del arte. Una de las más impactantes ha sido el cierre de una galería como Limoncello, co-fundadora de SUNDAY en sus primeras ediciones. ¿Qué tiene que decir el mercado cuándo una galería como esta se ve obligada a echar el cierre? ¿Se debe reconsiderar la fórmula?

Fotos: Booth de Deborah Schamoni en Sunday 2014 con obras de Anne Imhof y Gerry Bibby.

Invitado del Institut d’Estudis Baleàrics (ILLENC).

La entrevista completa la pueden leer en www.artpalmacontemporani.com

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ART PALMA CONTEMPORANI ENTREVISTA AL SR. PERE MUÑOZ, DIRECTOR GERENT DE L’AGÈNCIA DE TURISME DE LES ILLES BALEARS (VICEPRESIDÈNCIA I CONSELLERIA D’INNOVACIÓ, RECERCA I TURISME)

El arte como imagen de un territorio

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Alcanzamos la edición número 21 de la Nit de l’Art. ¿Por qué han optado por colaborar con esta propuesta? La Nit de l’Art es un evento que coincide plenamente con lo que predicamos desde las instituciones, que el arte sea accesible para todos los públicos, hacer fiesta en la calle, invitar a personas que habitualmente no consumen arte a conocerlo y apreciarlo, hacer de la cultura un elemento de atracción turístico, que Palma se convierta durante una noche en una fiesta de la cultura… ¿Cree que hay algún evento cultural, social o deportivo gratuito equivalente? Sin lugar a dudas, la Nit de l’art es uno de los acontecimientos más potentes que tenemos y de carácter más social, surgidos de la iniciativa privada. ¿Cree que esta colaboración con la Nit de l’art se puede transformar en un proyecto más a largo plazo en el que la ATB y asociaciones culturales como Art Palma Contemporani presenten proyectos comunes para la promoción de las Illes Balears en el exterior? La cultura ha de ser uno de nuestros elementos de atracción. Muchos destinos turísticos han hecho de la cultura su estandarte; ahora nos toca a nosotros poner en valor nuestro patrimonio, nuestros creadores, nuestros centros culturales, etc. El turismo cultural es un tipo de turismo de calidad que tenemos que querer, al que tenemos que aspirar para que repercuta también en nuestros agentes culturales, artistas, escritores, actores, productores, etc. ¿Se puede mejorar la imagen y la calidad de la oferta de una ciudad o de unas islas a partir del arte? El arte no sólo puede mejorar la imagen de un territorio: el arte puede ser la imagen de un territorio. Los territorios que apuestan por la cultura se transforman en lugares más competitivos en todos los campos: cultural, social, económico, comercial… Un estudio que se hizo en Francia afirma que en los países en los que la percepción positiva se basa en la cultu-

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ra hace aumentar sus exportaciones de todo tipo porque los compradores prefieren hacer negocios con un territorio bien posicionado culturalmente antes que con otro que no apuesta por su cultura. Barcelona es uno de los ejemplos en los que la cultura ha atraído talento, conocimiento, innovación…por tanto, esta apuesta por la cultura no solamente trae turistas sino que aporta diversificación económica. ¿Qué objetivos estratégicos tiene la ATB en relación a la cultura y, en concreto, en relación a los creadores y los profesionales de la cultura en las Illes Balears? La ATB está apostando firmemente por la cultura, la gastronomía y el deporte como elementos generadores de un nuevo turismo basado en la calidad, concentrado en los meses de invierno, y que huye del actual modelo basado en “más es mejor”. Por eso, desde la ATB y la Conselleria d’Innovació, Recerca i Turisme, estamos apostando por llevar nuestra oferta cultural por todo el mundo para conveniar programas con la Conselleria de Cultura y con los consells insulars, para apoyar a los centros/espacios culturales que abren todo el año, para colaborar con nuestras principales instituciones como la Orquestra Simfònica de Balears o el Museu d’es Baluard. Todo esto hay que llevarlo a cabo con acciones directas, con campañas de comunicación y redes sociales, con visitas de periodistas y agentes de viaje procedentes de los mercados emisores, con publicaciones, con patrocinios a programas culturales, etc. Desde la legislatura 1999-2003 nunca se había dado tanto apoyo a la cultura desde el área de turismo. ¿Cómo nació y qué actividades se llevan a cabo en el programa Better in Winter? Better in winter pretende desplazar turistas de verano al invierno. Mostramos otra cara de nuestras Illes, una cara desconocida. Así, hemos puesto en marcha un programa de apoyo a la programación de actividades que se comunican en las ferias, mercados y acciones promocionales. No se realiza ningún tipo de promoción durante el vera-

Cada año recibimos más visitantes que ya conocen nuestra cultura popular tradicional, el arte, la música, el patrimonio, la gastronomía, la naturaleza, los deportes y todo un abanico de ofertas que nos hacen más sostenibles y más competitivos. no. Al contrario, pretendemos desincentivar el verano para potenciar el otoño, el invierno y la primavera. Para acabar señalar que, a largo plazo, nuestra meta es cambiar la percepción que se tiene fuera de las Illes Balears, una percepción basada, en gran parte, únicamente en el “sol y playa”. Esa percepción va cambiando y cada año recibimos más visitantes que ya conocen nuestra cultura popular tradicional, el arte, la música, el patrimonio, la gastronomía, la naturaleza, los deportes y todo un abanico de ofertas que nos hacen más sostenibles y más competitivos. Lo ideal es conseguir que nuestra industria turística sea sostenible ambiental, social y económicamente. Solamente tenemos futuro si conseguimos el equilibrio. Fotos: Art Palma Contemporani y ATB

PRESENT

IMMEDIAT

Arantxa Boyero Carles Congost Democracia Patricia Esquivias Lara Fluxà Bel Fullana Grip Face Las TaradAas Nauzet Mayor Neus Marroig Levi Orta Tomás Pizá Marta Pujades Francesc Ruiz Laura Torres Bauzà

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Los premios de pintura y artes plásticas en la Mallorca del siglo XXI bien podrían configurarse como un presente inmediato del estado de la creación contemporánea. La exposición, organizada por el Departamento de Cultura, Patrimonio y Deportes del Consell de Mallorca, rebusca en las colecciones de arte contemporáneo de nueve municipios de la isla. La selección, a cargo de Pilar Rubí, propone un recorrido por los certámenes de artes plásticas de Mallorca de los últimos quince años, a partir de dieciséis obras de quince artistas, entre los cuales encontramos una destacada presencia de creadores locales. Obras de Arantxa Boyero, Carles Congost, Democracia, Patricia Esquivias, Lara Fluxà, Bel Fullana, Grip Face, Las Taradas, Nauzet Mayor, Neus Marroig, Levi Orta, Tomás Pizá, Marta Pujades, Francesc Ruiz y Laura Torres Bauzà nutren una muestra multidisciplinar: una manera de reivindicar los fondos de arte municipales y la importancia de los premios locales como impulso a la carrera de muchos artistas que, hoy en día, son referentes en el mundo del arte. La exposición cuenta con actividades complementarias, como visitas guiadas. Las propuestas expositivas del Consell de Mallorca en la Nit de l’Art tienen en el Centro Cultural la Misericòrdia otro espacio neurálgico. La capilla del emblemático edificio del centro de Palma alberga hasta el 30 de septiembre la exposición fotográfica «Halard, del Moral i Torres. Tres fotògrafs miren Barceló a la Catedral de Mallorca», con una selección de sesenta imágenes sobre el proceso de creación de nuestro artista más internacional, Miquel Barceló, en la capilla del Santísimo de la Catedral de Mallorca. Tres pisos más arriba, en la planta del Arxiu del So i de la Imatge, hallamos la propuesta del joven artista de Felanitx, Pere Banek: “HIPODERMA”. Y en la planta baja, vuelve una nueva cita con Art Forana con la presencia de las galerias Espai d’Art B2 de Sóller, Dionís Bennàssar de Pollença i el CCA de Andratx.

Una revisió dels certàmens municipals d’arts plàstiques i visuals a Mallorca (2002-2017) Del 20 de septiembre al 18 de noviembre Centro de Cultura “Sa Nostra” (c. de la Concepción, 12, Palma)

Imágenes cedidas por los autores y el Consell de Mallorca.

En el patio de la Misericordia comparten espacio otras dos propuestas que utilizan el arte como instrumento para despertar conciencias. «envaSOS», de Joan Lacomba, es una instalación que reflexiona sobre la angustia que provoca el abuso excesivo de envases de plástico. Y a escasa distancia, unos paneles verticales muestran las fotografías de denuncia de la exposición Luis Valtuenya «En retrospectiva», organizada por Médicos del Mundo: una selección de imágenes del premio de reconocimiento internacional que lleva el nombre del fotógrafo cooperante que falleció en Ruanda en 1996.

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23/09 19h