UNIDAD I

ARTE E HISTORIA DEL ARTE PLAN: I.- INTRODUCCIÓN AL ARTE Y A LAS ARTES II.- INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE

I.- INTRODUCCIÓN AL ARTE Y A LAS ARTES 1. ¿QUÉ ES EL ARTE? Es una función esencial del hombre, indispensable tanto al individuo como a la sociedad. El arte y el hombre son indisociables. No hay arte sin hombre, pero quizás tampoco hombre sin arte. Por él se expresa el hombre más completamente, se comprende y se desenvuelve mejor. Por él, el mundo se hace más inteligible. Es el medio de un perpetuo intercambio con lo que nos rodea.

Acto de comunicación

Actividad formativa (Técnica)

Función esencial del hombre Forma de expresión

Forma de conocimiento

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CUADRO SINÓPTICO

Explicación de este cuadro sinóptico: • El arte es una función esencial del hombre. –Porque está basada en dos cualidades esencialmente humanas que son el conocimiento lúcido (la capacidad para conocer, comprender y preguntarse sobre el mundo exterior) y el sentido de calidad (aspiración de lograr la realización de los valores, Ej.: la justicia, verdad, el bien, la belleza). –Porque es una actitud presente en todas las sociedades. • El arte es una forma de conocimiento que resulta de confrontar al mundo por una vía irracional, intuitiva o sensible en la que el artista genera una imagen mental (forma formante) que será el punto de partida para la creación de la obra de arte. • El arte es una forma de trabajo, es decir, una actividad creativa que se realiza con la materia para transformarla de acuerdo a determinadas técnicas (en este terreno, los artistas siempre se encuentran en la encrucijada entre tradición o innovación) y con una finalidad expresiva. Su producto es la obra de arte. • El arte es una forma de expresión de la psicología del artista. • El arte es un fenómeno de comunicación que representa similares características con el lenguaje. - Esquema de de funcionamiento de un acto de comunicación

- Esquema de funcionamiento del arte como acto de comunicación

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2.- OTROS CONCEPTOS VINCULADOS CON EL CONCEPTO DE ARTE o

• Belleza – Es una noción abstracta ligada a numerosos aspectos de la existencia humana, con respecto al arte ha tenido un valor cambiante con respecto a cada época de la historia (el arte no siempre buscó la belleza).

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• Gusto – Es la sensibilidad en contextos artísticos o estéticos; que por analogía se compara al sentido del gusto en vez de a los sentidos implicados en la contemplación de las bellas artes (la vista en las artes visuales o el oído en la música).

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• Estética – Es la rama de la filosofía que reflexiona sobre la belleza, el arte y el gusto. Por extensión se denomina estética al conjunto de valores artísticos que caracterizan a determinado estilo. (Ej.: estética griega, estética gótica, estética manierista).

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• Sublimación – Capacidad que tiene el arte en trascender la materia, de convertirla en un medio de expresión que comunica sentimientos, ideas, visiones del mundo. El concepto de sublimación también expresa la capacidad de asombro, atracción, de admiración y entusiasmo que genera la obra de arte en el espectador.

o

• Artesanía – Se refiere tanto al trabajo del artesano (normalmente realizado de forma manual por una persona sin el auxilio de maquinaria o automatizaciones), como al objeto o producto obtenido en el que cada pieza es distinta a las demás. La artesanía como actividad material se suele diferenciar del trabajo en serie o industrial. Para muchas personas, la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. Para otros es una continuación de los oficios tradicionales, en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante.

• Diseño – Se define como el proceso previo de configuración mental, "pre-figuración", en la búsqueda de una solución en cualquier campo. Utilizado habitualmente en el contexto de la industria, ingeniería, arquitectura, comunicación y otras disciplinas creativas. Referente al signo, significación, designar es diseñar el hecho de la solución encontrada. Es el resultado de la economía de recursos materiales, la forma, transformación y el significado implícito en la obra, su ambigua apreciación no puede determinarse si un diseño es un proceso estético correspondiente al arte cuando lo accesorio o superfluo se antepone a la función o solución del problema. El acto humano de diseñar no es un hecho artístico en sí mismo, aunque puede valerse de los mismos procesos en pensamiento y los mismos medios de expresión como resultado; al diseñar un objeto o signo de comunicación visual en función de la búsqueda de una aplicación práctica, el diseñador ordena y dispone los elementos estructurales y formales, así como dota al producto o idea de significantes si el objeto o mensaje se relaciona con la cultura en su contexto social.

- DISEÑO ARQUITECTÓNICO: que consiste en concebir y proyectar espacios habitables para el ser humano (edificios, parques, plazas públicas, casas, etc.)

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DISEÑO DE ESPACIOS: que es una especialización del Diseño Arquitectónico y se ocupa de concebir y realizar proyectos de uso / adecuación de los espacio de acuerdo a necesidades específicas de su utilidad (comercial, habitacional, lúdica, educativa, laboral, etc.)

- DISEÑO INDUSTRIAL: que consiste en concebir y proyectar objetos de producción industrial para el uso humano (desde una cuchara hasta la carrocería de un automovil o el fuselaje de un avión, pasando por muebles, herramientas, artefactos, etc.)

- DISEÑO GRÁFICO: que consiste en concebir y configurar mensajes visuales significantes (logotipos y marcas, carteles, revistas, portadas de libros, websites, etc.). Conforma una nueva visión en cuanto a la creación de objetos, trayendo como consecuencia un cambio en el orden cultural, que se sustrae a una imagen que se tiene del mundo. Finalmente, en cuanto al Diseño Gráfico se refiere propiamente, las ramas principales de su actividad son: -

DISEÑO EDITORIAL: todo lo que tiene que ver con la creación de productos impresos, en especial revistas, periódicos y libros. - DISEÑO CORPORATIVO: todo lo que tiene que ver la creación de logotipos, marcas e identidad visual de compañías, personas, organizaciones y productos. - DISEÑO DE EXPOSICIONES: todo lo que tiene que ver con la creación de stands o layouts de exposición para tiendas, ferias, convenciones, actividades culturales y museos y galerías (en cuyo caso también se suele referir como "Museografía"). - DISEÑO DE ARTE: que se ocupa mucho en la producción escénica, fímica y TV y tiene que ver con el diseño de escenografías y estilos visuales de producción. - DISEÑO PUBLICITARIO: todo los objetos de comunicación visual relacionados con la promoción y difusión de mensajes comerciales. - DISEÑO DIGITAL: que se ocupa del desarrollo y creación de imágenes mediante medios digitales. - DISEÑO FOTOGRÁFICO: también conocido como "fotodiseño" y que tiene que ver con la creación de imágenes mediante medios fílmicos (fotografía y cine, más que nada). - ILUSTRACIÓN: que consiste en aplicar las técnicas y métodos de las artes plásticas (principalmente pintura) a la creación de imágenes para ilustrar conceptos específicos en cualquier canal de comunicación (actualmente se usa mucho en medios impresos e interactivos). - EMPAQUE Y EMBALAJE: que se ocupa de la creación de los envases, empaques y etiquetas de los productos de consumo, tanto visualmente como también a nivel del diseño del objeto en sí (la "cajita", la "botella", etc.)

-DISEÑO DE MODA: que consisten en proyectar y realizar prendas accesorios para vestir (ropa, zapatos, joyería, etc.)

y

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- DISEÑO TEXTIL: que es una rama derivada de la combinación de algunos métodos del Diseño Gráfico con algunos otros del Industrial y el de Modas, y consiste en concebir y configurar telas y patrones para la industria textil (estampados, hilados, bordados, fibras, etc.)

3.- LA OBRA DE ARTE A. Forma y contenido: Lo obra de arte es un objeto material que ha ganado un carácter significativo como consecuencia del trabajo del artista; por lo tanto en su naturaleza coexisten dos componentes que son: Forma y Contenido. B. Factores de los que depende la obra de arte: La creación de la obra de arte, así como los estilos y la actividad artística en general, están influenciadas por distintos factores, cuya modificación los hace evolucionar. De otra manera se puede decir que el acto de creación, el arte y los estilos se van modificando en el transcurso de la historia.

LA PLASTICA LO VISUAL

ESTETICA

IDEAS, SENTIMIENTOS, VALORES, CONCEPCION DEL MUNDO, ETC

MEDIO ESPECIFICO

IDEAS Factores intelectuales

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4.

EL ARTE Y LAS ARTES

El Arte es un actividad de múltiples facetas que se desarrolla a través de distintas expresiones que son Las Artes ( pintura, escultura, arquitectura etc ). Las artes son un fenómeno social, un medio de comunicación, una necesidad del hombre de expresarse y comunicarse mediante formas, colores, sonidos y movimientos, Los griegos antiguos dividían las artes en superiores y menores, siendo las artes mayores aquellas que permitían gozar las obras por medio de los sentidos superiores, vista y oído, con los que no hace falta entrar en contacto físico con el objeto observado. Las Bellas Artes eran seis: arquitectura, escultura, pintura, música, poesía y danza. Esa es la razón por la que el cine es llamado a menudo hoy, el séptimo Arte. Las artes menores, según ello, serían las que impresionan a los sentidos menores, gusto, olfato y tacto, con los que es necesario entrar en contacto con el objeto: gastronomía, perfumería y algo que podríamos llamar cariciería, nombre que si bien suena un poco raro, se manifestaría en la sensación experimentada por toda persona en el momento de tocar un objeto con una superficie especialmente agradable. A.

Una clasificación tradicional de las artes:

Arquitectura

Artes Mayores

Grabado Dibujo Fotografía Mosaico Vitraux

Pintura

Espacio

Escultura

De acuerdo al uso de su medio específico, las distintas artes se pueden agrupar en 3 categorías:

Artes Menores (Artes Aplicadas o Decorativas)

Tiempo

Civil Militar Religiosa

Artes Visuales

Relieve De bulto

Cerámica Orfebrería Ebanistería Marroquinería Plumería Joyería Azulejería

Música Literatura

Espacio / Tiempo

Danza Cine Artes escénicas

Artes Interpretativas

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B.- Superación de esta rígida clasificación (y separación) en el siglo XX. 5.- LA OBRA DE ARTE DESDE EL PUNTO DE VISTA FORMAL: LAS CATEGORÍAS FORMALES. A – Concepto: Forma y contenido son los dos aspectos esenciales de la obra de arte. Sin embargo para apreciar el significado de la obra de arte nuestro primer contacto con ella se produce por medio de los sentidos que nos informan sobre su aspecto formal. Las categorías formales son conceptos que han sido creados y son utilizados por la crítica y la Historia del Arte para clasificar las obras desde el punto de vista formal. También indican las distintas posibilidades que tienen los artistas cuando crean sus obras en relación con el mundo exterior. Las más usadas tradicionalmente han sido las siguientes: REALISMO, NATURALISMO, ABSTRACCIÓN E IDEALISMO. También se usan con menos frecuencia los conceptos de ARCAISMO, CLASICISMO, MANIERISMO, ACADEMICISMO, BARROQUISMO, EXPRESIONISMO o SURREALISMO. B – Cuatro categorías formales tradicionales: – Realismo: (representar las cosas tal como son) – Pintura holandesa del siglo XVII: Vermeer, Rembrandt. – Pintura realista del S. XIX: Daumier, Courbet. – Naturalismo: (representar las cosas tal como se ven: mímesis, imitación) – Plástica griega del S. V a.C.: Mirón, Policleto, Fidias. – Arte del alto renacimiento: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael. – Idealismo: (representar las cosas tal como deberían ser) – Neoclasicismo (S. XVIII y XIX: David) – Neoplasticismo: Piet Mondrain (S. XX) – Abstracción: (representar las cosas de forma simplificada por medio de la geometrización o la estilización). Se puede desarrollar en dos variantes: – Abstracción Geométrica: que recurre formas pre-establecidas (cuadrado, círculo, etc) que dan por resultado una especie de congelación del objeto. Por ejemplo El constructivismo de Torres García. – Abstracción Estilizada (estilización): que recurre a la síntesis de la forma por medio de la línea espontánea, preponderantemente curva, dando por resultado un objeto más vital . Por ejemplo H Matisse.

Cuadro sinóptico de las Categorías Formales Tradicionales

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Ejemplos de estilos que se encuentran en la equidistancia entre dos categorías formales:  Naturalismo - Idealismo: Escultura Griega S. V a.C. (Estilo Clásico Pleno): En este período, los escultores griegos lograron el equilibrio entre el naturalismo y el idealismo al representar la figura humana de forma verosímil pero con una belleza, proporción y expresión que no se aprecia en la vida real.

Zeus de Histaea - (autor desconocido S. V a.C.)

Atenea Lemnia – (Fidias, Siglo V a. C.)

Discóbolo – (Mirón de Eleuteras, 455 a. C.)

El Doríforo – (Policleto, 450 - 445 a. C.)

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

Naturalismo Realismo

Pintura Holandesa del siglo XVII (Barroco Burgués): Los pintores holandeses del siglo XVII como Vermeer de Delft, eran burgueses y trabajaron para la burguesía. Cultivaron distintos géneros como el paisaje, el retrato y el bodegón. Todos con una representación fiel de la naturaleza y sin idealizaciones. Modelos y paisajes aparecen tal como eran con lo feo, lo lindo, lo vulgar y lo agradable.

Paisaje de Delft La Joven de la Perla

El Geógrafo

La Lechera

Todas obras de Johannes Vermeer

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 Realismo y Abstracción El Cubismo (Comienzos del siglo XX): El Cubismo es una de las primeras vanguardias artísticas del siglo XX. Fue creado por el pintor español Pablo Picasso junto con los franceses George Bracque y Juan Griss. Buscaron crear un arte diferente, más expresivo que el que se hacía por entonces, inspirándose en las formas artísticas de los pueblos primitivos de Africa y España.

Las Señoritas de la Calle Avignon – Picasso, 1907 En este caso, una de las primeras obras calificadas como “Cubista”, el pintor español consigue, mediante la abstracción dar una visión intensa de la realidad.

Guernica

Guernica – Pablo Picasso, 1937

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 Abstracción e Idealismo Neoplasticismo (Holanda a partir de 1917 ) - Piet Mondrian: El Neoplasticismo es otro de los primeros movimientos de Vanguardia de comienzos del siglo XX . Fue creado por los artistas holandeses Piet Mondrian y Teo Van Doesgburg durante la Primera Guerra Mundial. La finalidad del movimiento y su creación artística estaba basada en el Ideal de crear un Arte nuevo y universal para el mundo nuevo que habría de desarrollarse después de la Gran Guerra. Piet Mondrian logra que sus obras sean tan idealistas como abstractas. El abandono de todo tema o referencia figurativa al mundo real, el uso de los colores primarios y las formas geométricas puras le dan su carácter Abstracto. La búsqueda del equilibrio, de la racionalidad y de la serenidad señalan su carácter Idealista. En su “Composición en rojo, azul y amarillo” ( 1917 ) vemos reflejados ambos conceptos.

Composición en rojo, azul y amarillo - Mondrian

Brodway Boogie Woogie - Mondrián

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EL REALISMO EN LA HISTORIA DEL ARTE El Realismo es una forma de representación que consiste en materializar el concepto que el artista tiene de la cosa representada, implica una expresión de lo que el artista piensa sobre el objeto. Se diferencia de la idealización por su apego a las cosas concretas y particulares. Se distingue del naturalismo porque en algunos casos no imita las apariencias sino que las modifica, las exagera o las recrea por medio de la fantasía para representar lo que el objeto es. El realismo no implica necesariamente la representación naturalista. Por ejemplo la caricatura, que se basa en la estilización, es fundamentalmente realista. A lo largo de la Historia del Arte el realismo se ha presentado con distintas variantes. EJEMPLOS HISTÓRICOS DEL REALISMO: 

EL REALISMO CONCEPTUAL DE LAS PRIMERAS CIVILIZACIONES DEL CERCANO ORIENTE: ARTE EGIPCIO MESOPOTAMICO O PERSA.

Esta es una forma de representación propia de las Civilizaciones Primitivas o culturas arcaicas. Se aprecia tanto en las representaciones de la pintura como de la escultura (Relieve y Bulto redondo) de la civilización de Egipto, Mesopotamia o Persia. Consistía en representar los objetos no como se ven, sino como se sabe que son. Esto implica una visión antinaturalista, racionalista y convencional de la figura. Un ejemplo del Arte Egipcio: La escultura del Reino Antiguo

La Estatua Sedente del Faraón Kefrén - Museo del Cairo, aprox. 2400 a.C)

Características:  Ley de la frontalidad: la obra está realizada para ser vista de frente.  Hieratismo: ausencia de expresividad y rigidez en la actitud.  Belleza ideal: formas vigorosas, proporción esbelta, juventud.  No se desarrolla la profundidad , el tallado es superficial..  Uso de símbolos  La posición es convencional.

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Otro ejemplo del Arte egipcio. La Pintura de la XVIII dinastía: La cacería en el pantano. Tumba de Nebamón. 1400 a.C.

 La temática de la pintura egipcia era muy variada y oscilaba entre las representaciones religiosas de carácter simbólico (dioses, ritos) y las escenas de la vida cotidiana ejecutadas con gran realismo.  Hay numerosas representaciones de plantas y animales.  Los personajes de mayor importancia (faraón, sacerdotes, etc.) se pintaban en mayor tamaño que los de menor categoría. Rasgo típico de la pintura egipcia es que las figuras se dibujaban de perfil, quedando únicamente de frente el tronco y los ojos.  Otra de sus características es la ausencia de perspectiva y el empleo de colores planos, es decir, sin degradar o difuminar.  Por otra parte, los hombres se representaban con piel más oscura que los de las mujeres. Nebamun ostentaba el título de escriba y contador de granos. Esta escena es una de las más conocidas de su tumba. Es una caza en los pantanos, y la escena se encontraba en la capilla de su tumba en Tebas. Data de la Dinastía XVIII. Se lo muestra cazando aves en un pequeño bote con su esposa y su hija, en las marismas del Nilo Occidental. Los jeroglíficos nos relatan como el difunto disfrutaba de la belleza de la naturaleza. Esto es más que una simple imagen de la recreación. Pantanos fértiles fueron vistos como un lugar de renacimiento y divertimento. La caza de animales podría representar Nebamun triunfal sobre las fuerzas de la naturaleza. Su figura domina la escena, siempre triunfal, alegre, joven. Originalmente había otra mitad de la escena, pero lamentablemente se ha perdido. Un gato pardo captura aves entre los tallos de papiro. Los artistas han llenado todos los espacios con detalles vivos. El pantano está lleno de flores de loto, mariposas y aves. Están pintadas en forma libre, y sobresale la hermosa textura de sus alas. Se expone actualmente en el Museo Británico, sala 61. Medidas 83 cm de altura, 98 cm de ancho y 22 cm de espesor.

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Un ejemplo del Arte Mesopotámico: El estandarte de Ur - Mosaico de Lapislázuli y concha del pueblo sumerio (aprox. 2600 a.C)

El arte mesopotámico revela características similares al arte egipcio. Ante todo fue como aquel instrumento de la vida religiosa y como él se expresó en un lenguaje que rechaza las apariencias episódicas y fugitivas de los objetos y seres, buscando las estructuras y el orden más allá de lo contingente; los mesopotámicos eligieron como forma de expresión artística el Realismo Conceptual. El arte mesopotámico estaba también dominado por las convenciones, entre ellas la ley de la frontalidad y la división del espacio en registros. Como el arte egipcio, recibió influencia de la prehistoria, y conjugó en sus creaciones plásticas el relato visual con la creencia en el valor mágico de la imagen. No obstante, el arte mesopotámico es un arte original que manifiesta una creatividad diferente a la egipcia. Contrariamente a lo que secesión en Egipto, El estandarte de Ur es una de las piezas más llamativas de lasMesopotamia artes figurativas mesopotámicas. no conoció la escultura La pieza fue encontrada en lasTumbas Reales de Ur, junto con otros objetos muy valiosos. Se monumental, de tumbas data en torno al año 2.600 a.C. Artísticamente su calidadcareció es extraordinaria colosales y no utilizó la en y desde el punto de vista temático también es excepcional, ya quepiedra sus imágenes nos permiten sus construcciones religiosas y acercarnos a la cotidianeidad de la sociedad sumeria: entre la paz y la guerra civiles; sus artesanos crearon de resonancia arte en sellos Es un objeto de madera, probablemente laobras caja de de yunmosaicos, instrumento musical. sus arquitectos desarrollaron la embutido con betún. Mosaico. La incrustación consiste en dos materiales, conchas y lapislázuli, arquitectura palaciega y sus - Longitud 47cm x 20cm. escultores se manifestaron en - Cerca del 2.600 a. C. forma muy diferente a la plástica - British Museum de Londres. egipcia. CARACTERÍSTICAS ARTÍSTICAS Y TEMÁTICAS: Estereotipo humano sumerio:  Pequeña estatura.  Canon desproporcionado: cabeza y ojos grandes.  Viste faldilla larga de lana.  Muchos rasgos de representación arcaicos.  Ley de la frontalidad. Torso frontal y cabeza y piernas de perfil.  Jerarquía de tamaño. El rey más grande que sus súbditos.  Geometrización de las formas. Ausencia de detalles.  Rigidez. Falso movimiento: pierna adelantada, pero planta del pie pegada al suelo  Falta profundidad a la escena. Los personajes se colocan uno a continuación de otro sin solaparse (excepción con los animales).  Descontextualización. Las escenas se desarrollan sin referencia a un espacio físico.

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 EL REALISMO MÍTICO DEL ARTE PRECOLOMBINO DE MESOAMÉRICA. Arte Teotihuacano: Teotihuacan es una zona arqueológica situada en la cuenca de México, a unos 45 km del Distrito Federal, cuyo contenido supuso el centro cultural y religioso más importante del Altiplano Central, habitado desde 500 años antes de la era cristiana hasta el año 650, cuando el lugar empezó a ser abandonado. Este enorme conjunto (cuyo centro ceremonial ocupó unos 32 km cuadrados) ofrece un arte propio y peculiar en lo que se refiere a arquitectura, escultura, pintura, cerámica y artesanía en general. Durante la época en que Teotihuacan alcanzó el mayor auge, su cultura y su arte influyeron en gran medida sobre los pueblos vecinos que a su vez lo expandieron hasta zonas, por lo que no es extraño encontrar en otros lugares representaciones del arte teotihuacano. El arte teotihuacano representa la cultura y el modo de vida de sus pobladores. Es un arte austero, hierático, un arte que demuestra en sus formas una gran sobriedad, todo muy apropiado para el lugar santo que lo recibía. Es de carácter simbólico, de un simbolismo muy amplio, que se diferencia bastante con otras artes mesoamericanas cuyos pueblos llegaron a representar muy gráficamente escenas de guerra (como en Cacaxtla) o retratos (como los mayas). Un tema muy recurrente en el arte teotihuacano es culto al agua, elemento indispensable para una sociedad asentada en un lugar con poca disponibilidad del líquido pero que dependía completamente de la agricultura.

Mascarón de Quetzalcóatl - 750 d.C.

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Arte Azteca: El pueblo azteca fue un pueblo muy buen escultor ya que podían realizar esculturas de todos los tamaños en las que plasmaban temas religiosos o de la naturaleza. Captaban la esencia de lo que querían representar y luego realizaban sus obras con todo detalle. En las esculturas más grandes solían representar dioses y reyes. Las más pequeñas las utilizaban para representaciones de animales y objetos comunes. Los aztecas utilizaron la piedra y la madera y a veces decoraban las esculturas con pintura de colores o incrustaciones de piedras preciosas. En cuanto a la orfebrería, debido a sus conocimientos de física, los aztecas emplearon varias técnicas como fundir el oro con la plata y demás. Normalmente el metal se combinaba con piedras preciosas como la turquesa, la amatista, el jade o el cristal de roca o con conchas. Además elaboraban todo tipo de figuras y adornos para sus cuerpos como pulseras, collares, pendientes, etc. La pintura en el pueblo azteca aparece ligada a la arquitectura. El color tiene un papel fundamental. Se trata de un color plano, sin matices ni sombras y, posiblemente con connotaciones simbólicas. Otro rasgo del arte azteca son los adornos hechos con plumas, que tuvieron gran importancia en América Central. Las plumas más apreciadas eran las del quetzal (verdes) las del tlauquecholli (rojas) y las del xiuhtototl (azul turquesa). Con estas plumas realizaban tapices y adornaban mantas, máscaras de rituales, escudos o trajes de guerreros.

La Piedra del Sol - S. XV d.C.

La Diosa Coatlicue - S. XV d.C.

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

EL REALISMO HISTÓRICO: EL RELIEVE HISTÓRICO ROMANO. Estilo romano realista de la época imperial (S. II d.C.)

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La Columna de Trajano

Relieves del Arco de Tito

 EL REALISMO SOCIAL DEL SIGLO XIX. Pintura Realista del siglo XIX (G. Courbet )

El vagón de tercera clase – Honore Daumier (1860) El Angelus - François Millet (1864)

La Insurrección. Honoré Daumier, (1860)

Pastora con su Rebaño. François Millet, (1864)

Entierro en Ornans - Gustave Courbet (1848)

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E.- EL NATURALISMO EN LA HISTORIA DEL ARTE El Naturalismo es la forma de representación que consiste en imitar (del griego mímesis) las formas de la naturaleza en su aspecto óptico o visual. Implica la representación de la organicidad de los seres vivos y - en las artes bidimensionales como la pintura y el dibujo - la ilusión del volumen (modelado) y el espacio (perspectiva). EJEMPLOS HISTÓRICOS DE NATURALISMO: 

EL ARTE DEL ALTO RENACIMIENTO EN ITALIA: Finales del s. XV, comienzos del s. XVI.

LA ESCULTURA Y LA PINTURA DE MIGUEL ÁNGEL

La Piedad (1498 - 1499)

Moisés (1513-1515)

La Creación de Adán (1511)

El David (1507)

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LA PINTURA DE RAFAEL

La Bella Jardinera (1507)

La virgen del Jilguero (1507)

La Escuela de Atenas (1510 - 1511)

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LA PINTURA Y EL DIBUJO DE LEONARDO DAVINCI

El Hombre Vitrubio (1487) La Virgen de las Rocas (1483-1486) La Gioconda (1503 - 1506)

La Última Cena (1495 - 1497)

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F.- EL IDEALISMO EN LA HISTORIA DEL ARTE El Idealismo es una forma de representación que consiste en la expresión de conceptos abstractos de carácter universal (belleza perfecta, armonía, equilibrio, proporción). Se distingue del naturalismo (las cosas como se ven) y del realismo (las cosas como son) porque representa las “esencias” y los “universales”.

EJEMPLOS HISTÓRICOS DEL IDEALISMO: 

LA ESCULTURA GRIEGA DEL SIGLO IV a. C. EL ESTILO CLÁSICO TARDÍO:

El Apoxiomenos – Lisipo



Venus de Cnido – Praxíteles

Hermes de Olimpia - Praxíteles

ESCULTURA ROMANA DE LA ÉPOCA IMPERIAL. ESTILO IDEALISMO, NEO-ÁTICO (SIGLO I Y III D.C ):

Augusto de la Prima Porta

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

ESTILO NEOCLÁSICO: FINES DEL S. XVIII, COMIENZOS DEL S. XIX. LA ESCULTURA NEOCLÁSICA DE ANTONIO CANOVA

Eros y Psiqué (1787 - 1793)

Paulina Bonaparte como Venus Victrix (1807)

LA PINTURA NEOCLÁSICA DE JACQUES - LOUIS DAVID

El juramento de los Horacios (1783 - 1784)

La Muerte de Marat (1793)

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G.- LA ABSTRACCIÓN

EN LA HISTORIA DEL ARTE

La Abstracción es una forma de representación que consiste en simplificar, estilizar o no representar los objetos de la naturaleza. Mientras se reconozcan imágenes que evoquen a los objetos de la naturaleza hablamos de Abstracción Figurativa. Existe una Abstracción Geométrica o Estilización (que recurre a formas espontáneas, menos rígidas, más libres entre las que predominan las curvas). En su forma más extrema la abstracción puede llegar a no representar ningún objeto reconocible de la naturaleza, en este caso se denomina Abstracción no Figurativa.

EJEMPLOS HISTÓRICOS DE ABSTRACCIÓN 

LA ABSTRACCIÓN EN LA PREHISTORIA: EL ARTE MOBILIAR DEL ESTILO FRANCO – CANTÁBRICO: LA VENUS PALEOLÍTICAS La Venus de Willendorf - Paleolítico (30.000 a.C.), Abstracción Estilizada.



La abstracción en el Arte americano precolombino de Mesoamérica:

Dios Tláloc (abstracción geométrica)

Mascarones de la Serpiente Emplumada (abstracción estilizada)

Decoración escultórica del templo de Quetzalcóatl en Teotihuacán (750 d.C.) La escultura de la Diosa Chalchiuhtlicue

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

La abstracción en el Arte Islámico (Arte hispano musulmán de la Edad Media): Patio y fuente de los Leones, Palacio de La Alambra - España. S XIV d.C.



Abstracción geométrica, no figurativa y estilizada (arabesco) en la decoración de los pórticos.

Leones de la fuente. Abstracción estilizada y figurativa.

Abstracción geométrica pura, no figurativa, en la decoración de los zócalos de azulejos de los muros del patio (también denominada arabesco).

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LA ABSTRACCIÓN Y SUS VARIANTES EN EL SIGLO XX

FIGURATIVA

NO FIGURATIVA

GEOMÉTRICA

EXPRESIONISTA

GEOMÉTRICA

EXPRESIONISTA

(Cubismo) Piccaso (Constructivismo) Torres García

(Fauvismo) H. Matisse (Nueva figuración) Francis Bacon

(Neoplasticismo) Mondrian (Minimalismo) Judd, Sol Lewit (Op art) Vassarely Vasarely

(Pintura Abstracta) Kandinsky (Action Painting) J. Pollock

RACIONALISMO OBJETIVISMO VOLUNTAD DE ORDEN

ESPONTANEIDAD ESTILIZACIÓN SUBJETISMO DEFORMACIÓN EXPRESIONISTA

RACIONALISMO OBJETIVISMO VOLUNTAD DE ORDEN

IRRACIONALISMO MANCHA Y LINEA OBJETUALES IMPULSO SUBJETIVISMO

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II. - INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE 1. CONCEPTO DE HISTORIA DEL ARTE La Historia del Arte es una rama de la Historia; ciencia social que tiene por objetivo el estudio de las sociedades humanas en el pasado. Por lo tanto la Historia del Arte utiliza los mismos conceptos que la Historia para estudiar la evolución de las expresiones artísticas en el pasado. Estos conceptos son: - Los vinculados con el tiempo: diacronía (sucesión), sincronía (simultaneidad), período (época, siglos, milenios, décadas). - Los vinculados con la organización de las sociedades: organización política, organización económica, organización social y cultural (que comprende los usos, costumbres, creencias y expresiones artísticas). - Los vinculados con el trabajo del historiador: fuentes históricas (documentos escritos, tradición oral y los restos materiales), hechos históricos, causalidad, cambio y continuidad.

CUADRO SINÓPTICO SOBRE LA HISTORIA Y EL TRANBAJO DE LOS HISTORIADORES

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2 – ESCUELAS Y TENDENCIAS o MÉTODOS DE LA HISTORIA DEL ARTE.

1ra

Denominación Biografica

Tiempo Siglo XVI

Autores Giorgio Vasari ‘’La vida de los mas excelentes pintores’’ Hipólito Taine Jacob Burckhardt

2da Historicismo

Siglo XIX

3ra

Puro visualismo (escuelas formalistas)

Comienzos del siglo XX

Wolffin Riegl Focillón

4ta

Iconología

Siglo XX

Erwin Panofsky

5ta

Sociología del arte

Siglo XX

Arnold Hauser

6ta

La psicología del arte

Siglo XX

Rudolf Arnheim

Concepción del arte Arte= Producto del genio

Arte= Producto de la Historia (condicionado por factores sociales, culturales y económicos) Arte= Una expresión fundamentalmente formal Arte= Una integración de forma y contenido 3 niveles: *Pre iconográfico *Iconográfico *Iconológico Arte= Producto de las condiciones sociales Arte= Fenómeno de comunicación visual significativo condicionado por las leyes de la percepción humana.

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3 – EL ESTILO: CONCEPTO FUNDAMENTAL DE LA HISTORIA DEL ARTE A.- ¿QUÉ ES EL ESTILO? La historia del arte es fundamentalmente una historia de los estilos artísticos. El estilo es la forma característica del arte de una época, de una cultura o de un artista. En la apreciación de los estilos los historiadores del arte reconocen elementos formales y no formales. (Ver cuadro.) Elementos no Formales

El Estilo Griego: Columna Latín: Punzón

Elementos Formales

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B. ANÁLISIS BIOLÓGICO DE LOS ESTILOS: LAS CATEGORÍAS FORMALES DE FOCILLÓN - Henry Focillón resume su trabajo fundamentalmente en la obra “ La vida de las formas” que fué publicado en 1934. Focillón entiende el arte como la unión entre forma y contenido; sin embargo, a pesar de considerar ese dualismo, da protagonismo absoluto a la forma. - La forma sería por tanto, lo que define al estilo, pero los estilos evolucionan formalmente siguiendo un proceso similar al proceso vital.

Fase Clásica (Clasicismo) Madurez

Fase Académica y Manierista (Clasicismo y Manierismo) Crisis

Fase Arcaica (Arcaísmo) Juventud

Fase Barroca (Barroquismo) Vejez

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ARCAÍSMO

ESTILO SEVERO

CLASICISMO

EVOLUCIÓN DE LA FIGURA MASCULINA EVOLUCIÓN DEL ROSTRO ESTILO SEVERO:

AURIGA DE DELFOS

CABEZA DE KUROI ARCAICO

2º CLASICISMO: HERMES HELENISMO: LAOCOONTE 30

FASE

Características Formales Severidad

ARCAICA

CLÁSICA

sencillez expresividad simple y franca Esquematismo Realismo conceptual Convencionalismo Frontalidad Decorativismo Antinaturalismo Equilibrio entre percepción y creación Naturalismo (imitación de la percepción visual) Idealismo Racionalismo Serenidad Equilibrio entre emoción y racionalidad

Ejemplos Grecia

Edad Media

Estilo Arcaico

Estilo Románico

Siglo VIII-VI a.c.

Siglo X al XII

Otros

Civilizaciones pre-colombinas

Estilo Clásico (S. V a.c.) Mirón Fidias Policleto

Estilo Gótico (S. XIII d.c)

Arte Romano ( I a.c.) idealismo neo-ático)

Catedrales de Arte del alto Renacimiento Chartres, Neoclásico (XIX) Amiens, Reims

Arte Italiano del S XVI llamado: Manierismo Académico

Ruptura de la comunicación del artista con el mundo exterior. Inspiración e imitación de obras clásicas. ACADEMICA Reglas rígidas, preestablecidas, determinan el trabajo artístico. Naturalista e idealista Frialdad, refinamiento, artificiosidad.

Ruptura de la comunicación del artista con el mundo exterior. Búsqueda de alternativas a las "soluciones clásicas" Naturalista e idealista MANIERISTA Artificiosidad Amaneramiento

Clásico Tardío (IV a.c.) Praxíteles Lisipo Scopas

Gótico Flamígero (XIV) Gótico internacional (XIV)

Arte egipcio del Tell el Amama

Arte Europeo(XVI) Parmigianino, B.Cellini, Gianbolonia(It.) El Greco(España) Escuela de Fortaine bleu

Gusto por "lo grotesco". Mezcla extraña de cosas reales, desagradables y extravagantes. Composiciones basadas en la "línea serpentina"

Rococó (XVIII)

(Franc.)Fragonard; Broucher;Watte

BARROCA

Restablecimiento de la comunicación del artista con el mundo exterior. Naturalista y realismo Complejidad compositiva Exceso de elementos decorativos. Dinamismo Fantasía Efectismo Fuertes contrastes Riqueza formal

Arte Helenístico (III y I a.c.)

Gótico Tardío (XV- XVI)

Relieve histórico Roma Imperial Arte europeo del siglo XVII

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B 1 – Fase Arcaica: En esta fase o categoría las formas artísticas se caracterizan por su: * Severidad. * Sencillez. * Expresividad simple y franca. * Esquematismo. * Realismo conceptual. * Frontalidad. * Decorativismo. * Antinaturalismo. Ejemplos de Arcaísmo en la Historia del Arte: 

Escultura Griega Arcaica (S. VIII al VII a.C.):

Kouros

Koré del Peplos – Atenas S. V a.C. La Dama de Auxerre

El Moscóforo

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

Escultura y pintura de la Edad Media de Occidente: El Estilo Románico (S. X al XII): El Cristo Pantocrátor de San Clemente de Tahul

Tímpano de la Portada de la Iglesia San Pedro de Moissac

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

El Arte Egipcio

La Máscara funeraria de Tutankamón

Anubis Abriendo la Boca del Faraón

Escenas de Caza en los Pantanos – Tumba de Nakht

Escriba Sentado

Estatua Sedente del Faraón Kefrén

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

Arte Mesopotámico (III al I milenio a.C.)

Cabeza de Bronce del Rey Sargón el Antiguo



La Estela del rey Hammurabi

Relieves de guerra y caza Asirios: Relieve del Rey Asurbanipal

Relieve Asirio de Caza

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EL ARCAISMO EN EL ARTE PREHISPÁNICO DE LOS ANDES ENTRALES (PERÚ ANTIGUO) • ARTE CHAVIN: - Chavín es una civilización preincaica que se desarrolló durante el Horizonte Temprano y tuvo su centro de desarrollo en Chavín de Huántar que está ubicado entre los ríos Mosna y Huachecsa, en el actual departamento de Ancash en el Perú. - El desarrollo histórico de Chavín esta considerado como un “Horizonte Cultural” debido a sus influencias artísticas y religiosas presentes en otras culturas contemporáneas a ella. - Chavín tiene un origen amazónico debido a las múltiples representaciones de la iconografía selvática en sus manifestaciones artísticas especialmente en la cerámica. En su máximo apogeo Chavín de Huántar, centro principal chavín, actual Patrimonio Cultural de la Humanidad, fue un importante centro ceremonial y centro de irradiación cultural cuya influencia se extendió por gran parte de la costa y sierra de los andes peruanos. - La cultura chavín tiene como expresión artística propia el desarrollo de una serie de manifestaciones arquitectura, escultura y cerámica, de otro lado, los pobladores de Chavín también trabajaron algunos metales como el oro la plata y el cobre, la piedra, la madera, el hueso y las piedras preciosas. La piedra fue empleada en la construcción de viviendas, esculturas y la fabricación de utensilios como vasijas, batanes y morteros. Usaban la madera y el hueso en la fabricación de lanzas, espátulas, puñales y armas arrojadizas. Y con las piedras preciosas como el cuarzo, el lapislázuli y el azabache, hacían espejos y multitud de objetos de adorno. La Estela Raimondi (Dios de los Báculos)

Recipiente de estribo-pico con el ornamento de desplazamiento La cerámica chavín tiene una forma globular con asa estribo y base plana.

El oro de Chongoyape Los chavines practicaron la orfebrería, trabajando en diversos metales como el oro y la plata.

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ARTE DE TIAHUANACO: - La cultura Tiahuanaco es la que corresponde a una nación preincaica que durante su período de mayor expansión se distribuía en parte de lo que ahora son Bolivia, Chile y Perú. Comprendía casi todo el altiplano denominado meseta del Collao hasta la costa del océano Pacífico por el oeste y el chapare por el este. Su capital y principal centro religioso fue la ciudad de Tiahuanaco, ubicada en las riberas del río homónimo en el actual departamento de La Paz en Bolivia. - Sus artes variaron en perfección y estilos de acuerdo a las eras cronológicas y su cercanía con la capital. La arquitectura monumental tiahuanaquense engloba características megalíticas. En el año 2006, fueron descubriertas más de una centena de piezas cerámicas escultóricas de gran perfección y colorido, por lo que todavía se discuten algunos aspectos sobre la periodización del arte cerámico de la cultura Tiahuanaco. También destacaron en el arte textil con predominio del uso de fibras de los camélidos andinos. Monolito Ponce en Tiwanaku

Puerta del Sol

Templo semisubterraneo de Kalasasaya (dentro del complejo arqueológico de Tiwanaku)

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ARTE MOCHICA: - La cultura Moche, también llamada cultura mochica, es una cultura arqueológica del antiguo Perú que se desarrolló entre el 200 y el 700 d. C. en el valle del río Moche (actual provincia de Trujillo, La Libertad). Esta cultura se extendió hacia los valles de la costa norte del actual Perú. - La cerámica fue el medio de expresión más común del arte mochica. Los artesanos fabricaron objetos de uso doméstico y ceremonial. Las vasijas ceremoniales se ofrecían a los muertos y a los dioses para rendirles culto, por eso se elaboraban con la arcilla más fina y tenían un acabado más delicado. Las formas más utilizadas fueron las botellas con asa estribo, mientras que los colores predominantes fueron el ocre y el crema. La iconografía mochica se caracteriza por la recurrencia de escenas complejas y se destacan las de la vida cotidiana, las agrícolas, las religiosas (ritos de iniciación), las militares (captura y sacrificio de prisioneros), las de pesca (matanza de lobos marinos), las de ganadería (cacería de venados) y otras de danzas, de talleres de arte textil y de homenaje a jefes. Paralelamente, la sociedad Moche creó un arte naturalista en el que destacan los huacos-retrato. - Las pinturas murales: en muchas de las paredes de los grandes centros ceremoniales se han encontrado pinturas murales de sentido eminentemente religioso, pues representan a personajes divinos. Especialmente importantes son los murales de la Huaca de la Luna y del complejo El Brujo. El mural más famoso de la Huaca de la Luna representa a un personaje antropomorfo conocido como el «Demonio de las Cejas Prominentes». En El Brujo hay un gran mural que representa una procesión de prisioneros desnudos y unidos por una soga que caminan hacia su destino final: la muerte que les dará el «Decapitador». - La orfebrería y la metalurgia: Los mochicas fueron espléndidos orfebres. Utilizaron el oro, la plata, el cobre y sus distintas aleaciones; la aleación más empleada fue la tumbaga (mezcla de oro y cobre). Para fundir el metal usaban hornos; luego, esperaban que el metal estuviese frío y lo golpeaban hasta convertirlo en una lámina. Después, lo cortaban o doblaban. Por último, lo decoraban con punzones usando la técnica del repujado. Los orfebres Moche fabricaron objetos utilitarios como agujas y anzuelos, así como objetos suntuarios destinados a los miembros de la elite, como narigueras, pectorales, orejeras y sonajas. Huaco erótico Huaco retrato: Varón con tocado

Dios moche Ai Apaec (representado en un muro de la huaca de la luna)

Cuchillo de oro

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ARTE CHIMÚ: - Chimú o Chimor es una cultura del antiguo Perú surgida en la costa norte tras el decaimiento del imperio Wari entre los años 1000 y 1200 dC. Ocuparon los territorios que antes habitaron los mochicas, llegando a expandir sus dominios, en su etapa de mayor desarrollo, por toda una extensa franja del norte del Perú, desde Tumbes hasta el valle de Huarmey. - Los chimúes se destacaron en el plano urbanístico gracias a sus formidables construcciones. Muestra de ello son edificaciones como la ciudadela de Chan Chan, la muralla chimú, la fortaleza de Paramonga, entre otras. Así también se destacaron por sus adornos y objetos fabricados, en los que utilizaron una diversidad de técnicas y metales para su elaboración. - Cerámicas: Los cerámicos chimúes cumplieron dos funciones, como recipientes para uso diario o doméstico y los cerámicos de uso ceremonial o para ofrendas de los entierros; los primeros fueron elaborados sin mayor acabado mientras los funerarios muestran bastante dedicación. Las principales características de las vasijas chimúes son una pequeña escultura en la unión del gollete con el arco, su fabricación moldeada para la cerámica ceremonial y modelada para uso diario, su coloración generalmente negro metálico con algunas variantes, su brillo característico se obtenía humeando la vasija que previamente había sido pulida. - Artesanías: Los artesanos chimúes trabajaron los metales en talleres divididos en secciones para cada caso del tratamiento especializado de los metales; trabajaron el enchapado, el dorado, el estampado, el vaciado a la cera perdida, el perlado, la filigrana, el repujado sobre moldes de madera, etc. Con todas estas técnicas elaboraron gran cantidad de objetos como vasos, cuchillos, recipientes, figuras de animales sólidas o vacías, brazaletes, alfileres, coronas, etc. Para realizar las aleaciones recurrieron a combinaciones de ácidos que se encontraban naturalmente. -- Arquitectura: La arquitectura ha permitido definir que los gobernantes vivieron en los palacios y recintos monumentales, mientras el pueblo residió en viviendas de quincha con habitaciones pequeñas y fuera de la arquitectura monumental. La decoración de las paredes es en base a frisos modelados en relieve, y en algunos casos, pintada. Los diseños son de figuras zoomorfas, como peces y aves, así como de figuras geométricas. Era de forma policroma. Muros de la ciudadela de Chan Chan Vaso Ceremonial Chimu de Oro con Incrustaciones de Esmeraldas

Tumi Chimu

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B2 – Fase Clásica: En esta fase o categoría las formas artísticas se caracterizan por su: * Equilibrio entre percepción y creación. * Naturalismo. * Idealismo. * Racionalismo. * Serenidad. * Equilibrio entre lo racional y la emoción. Ejemplos: 

Estilo Griego Clásico Decoración escultórica del Partenón

El friso de las panateneas (Jónico)

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El friso dórico (centauromaquía, amazonomaquía, gigantomaquia, escenas de la Guerra de Troya) – Obra del taller Fidias.

El Discóbolo – Mirón

La Colección Elgin – Fidias

El Doríforo - Policleto

41



Estilo Gótico Clásico (S. XIII d.C.)

Catedral de Amiens

Le Beau Dieu

Catedral de Chartres

Catedral de Reims

El Ángel Sonriente

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La Anunciación



La Visitación

Arte Romano de la época Imperial (S. I a.C. al III d.C.)

El Idealismo Neo-ático: Augusto de Prima Porta

Friso del Altar de la Paz

43



Arte del Alto Renacimiento (comienzos del S. XVI)

- Miguel Ángel: La Creación de Adán

David

La Piedad

Moisés

El tondo Doni (La Sagrada Familia)

- Leonardo Da Vinci: Santa Ana, la Virgen y el Niño

La Gioconda

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La Última Cena

- Rafael: La Fornarina

La Donna Velatta

La Virgen del Jilguero

La Escuela de Atenas

45



Estilo Neoclásico (fines del S. XVIII):

-

J. D. Ingres: La apoteosis de Homero

- Jaques Louis David Juramento de los Horacios

El Asesinato de Marat

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B3 – Fase Académica: En esta fase o categoría las formas artísticas se caracterizan por su: * Inspiración e imitación de obras clásicas. * Reglas rígidas, pre-establecidas, determinan el trabajo artístico. * Naturalista e idealista. * Frialdad, refinamiento, artificiosidad. * La creación artística manifiesta una ruptura de la comunicación del artista con el mundo exterior. Ejemplos: 

Arte Italiano del S. XVI llamado Manierismo Académico. El Martirio de San Lorenzo – Agnolo Bronzino

 La pintura académica francesa del S. XIX El academicismo es una corriente artística que se desarrolla principalmente en Francia a lo largo del siglo XIX y que responde a las instrucciones de la academia. Algunos de pintores académicos fueron Borgerau, Chaplin, Grosz, Gerome.

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B4 – Fase Manierista: En esta fase o categoría las formas artísticas se caracterizan por su: * Ruptura de la comunicación del artista con el mundo exterior. * Búsqueda de alternativas a la “solución clásica”. * Naturalismo e idealismo. * Artificiosidad. * Composiciones en la línea serpentina, * Gusto por “lo grotesco”. * Mezcla extraña de cosas desagradables y extravagantes. Ejemplos: 

Arte Griego Clásico Tardío (S. IV a.C.)

El Apoxiomenos – Lisipo

- Praxíteles:

Apolo Sauróctono

Praxíteles

Hermes y Dionisos Niño

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El Manierismo en la Edad Media:  Arte Gótico Internacional (S. XIV) Las Muy Ricas Horas del Duque de Berry – Limbourg



Arte Gótico Flamígero (S. XIV) Saint Maclou

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

Arte Egipcio de Tall El Amarna (S. XIV a.C.)

Cabeza de Princesa Real

Relieve hundido de Akenatón y su familia

Reina Nefertiti, Esposa de Amenofis IV (S. XIV a.C.)

El trono de oro del Faraón Tutankamón (respaldo)

 Arte Europeo S. XVI llamado Manierismo Libre. - Italia La Virgen del Cuello Largo – Parmigianino

Rapto de las Sabinas - Gianbologna

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- Bembenuto Cellini: Perseo Sosteniendo la Cabeza de Medusa

Salero de Francisco I de Francia

Entierro del Conde de Orgaz – El Greco

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

Estilo Rococó. Francia (S. XVIII)

El Columpio – Fragonard

El Indiferente - Watteau

Retrato de Mademoiselle Louise O’Murphy – Boucher

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B5 – Fase Barroca: En esta fase o categoría las formas artísticas se caracterizan por su: * Naturalismo y realismo. * Complejidad compositiva. * Dinamismo. * Efectismo. Teatralidad. * Fuertes contrastes. * Riqueza formal. * Es el resultado del restablecimiento de la comunicación del artista con el mundo exterior. Ejemplos: 

Arte Griego Helenístico (S. III – I a.C.) El Laocoonte – Escuela de Rodas

Niké de Samotracia

Galo Moribundo

Venus de Milo

Galo Suicida

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l Arte Europeo del S. XVII. El estilo Barroco. La Vocación de San Mateo – Caravaggio (Barroco Italiano)

Las Meninas - Diego Velázquez (Barroco Español)

La Ronda Nocturna de Rembrandt (Barroco Holandés)

FIN DE LA UNIDAD I 54