PROGRAMA NACIONAL

P

o t i z atoru o d n a Busc o a Nem

Introducción

El cine y la educación Las películas hacen algo más que entretener. Ofrecen visiones del mundo, movilizan deseos, influyen sobre nuestras posiciones y percepciones de la realidad, y nos ayudan a construir un fresco de la cultura y la sociedad. Los filmes apelan y evocan la memoria pública. Ponen en relación nuestros deseos personales con las aspiraciones sociales. Las películas llevan ideas a nuestras conversaciones públicas y cotidianas. No sólo reflejan la cultura, sino que la conforman y construyen. Son un espacio que permite conocer la visión que una sociedad tiene de sí misma y son por ello, un punto de partida común desde el cual las personas pueden dialogar y repensar sus propias historias, como individuos y como sociedad. Las películas participan de la construcción de identidades individuales y colectivas. Los filmes nos permiten entender la cultura más amplia y descubrir cómo influyen en nosotros. Generan identificaciones y afectan el modo particular en que comprendemos el mundo y percibimos la realidad. Cumplen un papel activo en la conformación de nuestro sentido de vida cotidiana. Esto, que sucede con los adultos, se acentúa con los jóvenes. Las películas desempeñan un papel fundamental en la vida de los estudiantes. Precisamente porque la cultura popular es uno de los espacios en los que niños y jóvenes configuran sus identidades individuales y colectivas. Aprenden “lecciones” acerca de cómo verse y narrarse a sí mismos en relación con los demás. Descubren cómo es y funciona la sociedad en la que viven, y cómo se los define socialmente. Los niños y jóvenes aprenden a partir de la exposición a un filme. Y ello les proporciona un 2 Escuela y Medios

nuevo registro cultural de lo que significa estar alfabetizado. Las películas podrían llamarse “pedagogías públicas”, en la medida que subrayan la necesidad de nuevas formas de alfabetización, y que participan de la construcción del conocimiento. Los filmes que los chicos ven, descentralizan al aula como único espacio en la construcción de su identidad, a la vez que amplía las posibilidades de enseñar a los estudiantes múltiples maneras de leer y escribir el mundo. El cine –y la cultura popular en general– debe incorporarse a la escuela como objeto de estudio y análisis. Ello supone una reconsideración de lo que se entiende por conocimiento útil, una reconsideración del sentido, el rango y las posibilidades de lo que la escuela considera conocimiento en sí. Los dibujos animados, también representan formas de ver e interpretar la realidad. Más allá de ser un género que nos entretiene y seduce con su magia, los dibujos animados nos presentan modelos de identidades, de familias, de hombres, mujeres y niños. De valores, comunidades y culturas. Nos proponen una mirada del mundo entre las múltiples posibles. El cine –como las demás expresiones de la cultura– tiene un sentido pedagógico amplio y cumple una función educativa porque remite a memorias, historias, modos de vida, valores ... Por ello, decimos que el cine habla de la sociedad y construye la cultura pública. Y ésta es precisamente la propuesta y el valor de incorporar el cine en la escuela: pensar en “nosotros” y “los otros” a través de las historias, narraciones e imágenes que nos ofrece la pantalla grande.

Patoruzito Ficha Técnica: Producción ejecutiva Juan Pablo Buscarini Dirección de arte Edgar Simkin Montaje César Custodio Sonido Diego Arancibia Producción Pablo Bossi Dirección de producción María Laura Moure Dirección de animación Franco Bíttolo y Alberto Grisolía Animación Cristian Morales (Supervición en 3D) Jorge Marinucci y Mariano Sister (intercalado)

“(…) Hoy las películas de mayor éxito son las que están hechas en 3D, estas son las que rompieron el molde. El primer gran logro de taquilla, que obtuvo Pixar, fue Toy Story. Ellos la produjeron después de haber ganado un Oscar en el ¨90 como mejor corto animado. Casualmente, este trabajo estaba hecho en 3D. Ya desde entonces se veía venir una evolución. Creo que dieron e la tecla con una nueva forma de animación. Se toma una parte del cine tradicional que algunos llaman clásica o 2D –como Pinocho, Bambi, o El rey León– pero se desarrolla de otra manera porque al emplear animación en 3D,no sólo generás más impacto en el espectador sino que también conseguís una forma de narración mucho más cinematográfica. Eso, sumado a una nueva generación de guionistas un poco más jugados en el humor, da como resultado el fenómeno del que hoy estamos hablando”. Juan Pablo Buscarini, productor ejecutivo de Patoruzito - Cinemanía, Julio 2004

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Un poco de historia

La historieta: El inicio del dibujo animado La historieta –origen y antecedente del dibujo animado– adopta su forma actual, tal como la conocemos hoy, en 1895, el mismo año en que nace el cine y un año antes de la aparición de la radio. La historieta, también llamada “cómic”, se sitúa como uno de los medios de expresión más característicos de la cultura contemporánea. Su gran desarrollo y difusión tuvo que ver con la circulación que comenzó a tener el periódico en el mundo, a partir del abaratamiento de sus costos de producción y del aumento en la velocidad de las comunicaciones. La historieta supone la combinación de elementos visuales, gráficos y literarios. Traza la realidad en el papel, nos propone una serie de imágenes (fijas, a diferencia del cine o la televisión), y se orienta fuertemente a la acción. Estas características le han permitido desarrollar un lenguaje específico, el lenguaje de la historieta. Al igual que en los filmes, la historieta tiene un lenguaje propio y códigos que la definen, pero es necesario interpretar sus contenidos en el contexto en el que se producen, para analizar lo que quieren transmitir y las formas en que representan identidades, comunidades y lugares.

Patoruzú1 Patoruzú se convirtió en un “héroe nacional”, ideado por Dante Quinterno, el 19 de octubre de 1928.

Patoruzú narró, a partir de 1936 y durante cuatro décadas, las aventuras de un generoso indio terrateniente, en los comienzos de la depresión económica. Este indio era feo, muy fuerte, muy bueno, y solía mantener enfrentamientos cómicos aunque no humorísticos, con ladrones y delincuentes comunes. Uno de los personajes que acompañó a Patoruzú fue su padrino, Isidoro Cañones, representante del “porteño vivo”, egoísta, buscador de dinero, fanfarrón, desconfiado y vividor. Aun cuando, en los momentos claves siempre está junto a Patoruzú (no es tan malo después de todo). El otro personaje que acompaña al protagonista es Upa, su hermano menor. Sus enemigos (también de minuciosa descripción) suelen responder a los

1. Fuente: Leyendo historietas. Oscar Steimberg. Nueva Visión. Buenos Aires, 1977. 4 Escuela y Medios

modelos que circulaban en la sociedad en aquel momento. Patoruzú es sinónimo de perfección moral. Aun sus demostraciones de fuerza están acompañadas de virtudes nacionales. Patoruzú también responde a un estereotipo social: es “gaucho” por su bondad, usa boleadoras (que lo acompañan a todos lados) toma mate, come empanadas, grita “¡Huija!” el 25 de mayo, es patriota, servicial y está siempre dispuesto a ayudar a los desamparados con dinero. Patoruzú representa la “mezcla” de identidades que de alguna manera vivía el país a principio del siglo veinte, cuando esta tira comenzó a aparecer. Patoruzú es un indio con ropa de indio, alma y boleadoras de gaucho, vive en una estancia, y comparte su cotidianeidad con un personaje casi porteño. La aparición de Patoruzú se produjo muy poco tiempo después de los últimos exterminios de indios realizados en el sur argentino en beneficio de los terratenientes. Quizás por ello, aunque es cacique, no parece cien por ciento indígena. La condición telúrica de

Patoruzú parece algo confusa. Tiene virtudes gauchas pero es un indio; y los indios y los gauchos no han sido, en la historia argentina, una unidad social. Es un terrateniente, y, a la vez, un cacique del sur; una dualidad presente en un tiempo de matanzas a los indios de las que fueron en gran medida responsables los terratenientes del sur. Un 11 de octubre de 1945 apareció "Patoruzito", que surgió como un personaje para un público más infantil que el ya popular "Patoruzú". Como era de esperar, Patoruzito era un chico noble, valiente, fuerte, dotado de un genuino ingenio criollo, más avispado que el personaje de Patoruzú y con un alma generosa. Su personalidad se oponía a la de su amigo Isidorito, quien llegaría a ser, con el paso del tiempo, el padrino Isidoro, símbolo de la viveza y la picardía porteña.

¿Sabías que...? Dante Quinterno fue un gran admirador de Walt Disney y esto lo llevó a “animar” a Patoruzú a principios de los años 40. El primer corto, de 12 minutos, contaba la travesía de Patoruzú para rescatar a su hermano Upa. "Upa en Apuros", verdadero clásico de la animación argentina, contó con una epopéyica producción debido a la alta calidad de su realización gráfica y la utilización del color, siendo el primer dibujo animado local en Technicolor. La Escuela al cine 5

¿Qué cuenta la película?

“Patoruzito” narra las aventuras del pequeño cacique y las pruebas que debe afrontar cuando llega el momento de convertirse en el líder de su tribu, los tehuelches. La historia comienza en el año 2200 AC, en las lejanas tierras de Egipto. El imperio está bajo el mando de Patoruzek 1°, líder noble que brega por el bienestar de los suyos. “Tierra de luz, son tus cimientos...” narra la canción, mientras el estilo de los dibujos y el particular color de las imágenes, nos transportan a un momento lejano en la historia. No pasa mucho tiempo antes de que se presente el conflicto. El personaje antagónico de Patoruzek es un malvado villano quien desea poseer el medallón mitológico para adueñarse de un poder absoluto. Patoruzek logra salvaguardar ese medallón y decide buscar un nuevo lugar donde su pueblo pueda vivir en paz. Esa tierra, ubicada en el fin del mundo, es la Patagonia argentina. Al descender de la embarcación, las huellas de sus pies quedan marcadas en la arena. El movimiento de una ola borra esas huellas para dejar escrito en su lugar, “Patoruzito”. La escena se ilumina, los dibujos adquieren mayor brillantez y un cartel nos indica que estamos en la Patagonia nuevamente, pero en el Siglo XXI. Se inicia de esta manera, el desarrollo del relato.

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¿De qué y de quién se habla?

Las películas de dibujos animados cuentan historias que nos permiten descubrir distintos grupos sociales. Construyen un “nosotros” y un “los otros” con el cual nos identificamos, acordamos, debatimos o disentimos. “Patoruzito” cuenta la historia de un joven que debe pasar una serie de tres pruebas para demostrar que es capaz de liderar a su pueblo. En cada etapa superada, refrendará que es dueño de la sabiduría, la bondad y el coraje necesarios para transformarse en un verdadero cacique. El filme se construye sobre las mismas bases que dieron origen a la historieta de Quinterno. Aparecen los mismos personajes que acompañan al pequeño cacique en sus andanzas y la lucha entre el bien y el mal continúa siendo el nudo temático. Además, se incorporan nuevas figuras que enriquecerán y actualizarán el relato. “Patoruzito”, de esta manera, retoma características de la historieta, para representar la identidad nacional y los valores que la sostienen.

De nosotros, identidades y valores “Patoruzito” apela a ciertos rasgos nacionales y habla de la sociedad argentina en la que se produjo y a la que se destina el filme. Por eso justamente podemos decir que la película crea un “nosotros” en relación a la identidad nacional. Definir las identidades a través de un filme es una tarea compleja. En “Patoruzito”, rastreamos ciertas huellas del ser nacional, objetos, prácticas y costumbres “típicamente” argentinas. Cada uno de los personajes reforzará estas ideas. La Chacha será la voz que transmite a Patoruzito la importancia de poseer un alma noble y de liderar un pueblo y enfatizará la necesidad per-

manente de “defender las tradiciones frente a los gringos curiosos”. En el salvataje de los caballos de la rueda de fuego, o cuando pone en riesgo su vida para salvar al viejo Egolia, Patoruzito reforzará los valores de “ser un buen argentino”. Y siempre con empanadas y un asado con amigos. El filme construye un “nosotros”. Patoruzito, La Chacha, sus amigos e incluso Isidorito (con características más ligadas a la pedantería porteña) integran ese “nosotros”. Cachicó y sus secuaces Tino y Moncho, son las figuras antagónicas a Patoruzito y aunque pertenecen a las mismas tierras, no conforman este “nosotros”; son “los otros”. El otro antagónico, es Mr. Ferguson, un misterioso arqueólogo extranjero, obsesionado por acceder al Valle Perdido, tierra sagrada y escondida entre montañas, donde el gran Patoruzek 1ro. fundó 5000 años atrás, la protegida ciudad de Los Antiguos para los Tehuelches. Estos personajes, conforman en el filme los contravalores, aquellos con los cuales los espectadores no nos identificamos. Sin embargo, al final de la película, la fuerza de la argentinidad triunfa y Cachicó se alía a Patoruzito para vencer al arqueólogo. Este finalmente se presenta bajo su verdadera identidad, la de Arotep XXXV y ha llegado hasta la Patagonia en nombre de sus perversos antepasados, con el fin de robar el mitológico medallón y acceder así a un poder absoluto.

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¿Cómo se dice lo que se cuenta?

Las películas, articulan imágenes y sonidos, que conforman lo que llamamos, el texto fílmico. Por ello, la fotografía, la música, los sonidos del ambiente, los encuadres, la luz, los planos y el montaje, son las herramientas que se utilizan para contar las historias. Los dibujos animados como género, se estructuran a partir de ciertas especificidades narrativas, con códigos y significados propios. Las nuevas tecnologías de animación dan origen a la animación digital, que es hoy la forma más habitual en la que se nos presentan los dibujos.

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La producción de la película se realizó íntegramente en Argentina, y ocupó durante casi un año de trabajo intensivo, a más de 120 artistas y técnicos (dibujantes, animadores, expertos en imagen digital, editores, músicos y sonidistas). Juan Pablo Buscarini es el productor ejecutivo, y Franco Bittolo ha estado a cargo de la dirección de animación. La banda musical del filme tiene gran relevancia sobre la acción y cuenta con temas interpretados por Los Nocheros, León Gieco y La Mosca.

La luz, el color, la música y el montaje

En “Patoruzito”, la música adquiere un rol relevante. Cada canción ambienta, acompaña y da sentido a las imágenes. “Aquí está tu mundo, aquí está, aquí está tu historia, cuídala, vuelan las gaviotas en el viento... aquí están los tuyos, aquí están, con toda su belleza natural...”, nos dice la canción mientras en la película el pequeño Patoruzito recorre sus tierras e interactúa en su casa con los miembros de su familia. De la misma manera, al inicio del filme, la música y la letra relatan el conflicto por el que pasa Patoruzek 1°, antes de partir en búsqueda de otras tierras: “Hombres ambiciosos, hombres desalmados, que eligen a la guerra antes que a la paz”:.. A su vez, a partir de los encuadres y el tipo de planos seleccionados, el director le asigna distintos significados a casa escena. En el filme, son muchas las escenas que muestran los diferentes ambientes y los cuadros se amplían dando lugar a objetos y personajes que componen la narración. Cuando se enfocan los rostros de los personajes más detalladamente, es el momento en que vemos más claramente los sentimientos que se transmiten en los diálogos y las acciones. Así, somos espectadores de la alegría, el enojo, la ambición o la preocupación de Patoruzito, de Mr. Ferguson, de la Chacha o de cualquier otro protagonista del filme. “Patoruzito”, como toda película, refleja el contexto social. en el que se produjo. En todo filme, aún en los históricos, siempre hay huellas del momento en que se realizó. Cuando comienza la búsqueda de la piedra azul, Isidorito dice que él podría encontrarla en un “shopping”. Los “shoppings” nos remiten a la época actual. El uso del color también es fundamental cuando queremos transmitir sensaciones. Las escenas

se iluminan de diferentes maneras, para trasladarnos en el tiempo y en el espacio, para demostrarnos los distintos sentimientos de los personajes y características, sus alegrías, preocupaciones o tristezas. El montaje es uno de los últimos pasos en la construcción de un filme. Su función es conseguir que las imágenes seleccionadas y organizadas en una determinada estructura narrativa, signifiquen los que el director quiere contar. En “Patoruzito”, somos espectadores de un relato cronológico y lineal, en el cual recorreremos la historia de los antepasados y las aventuras del pequeño cacique que quiere transformarse en el líder de su pueblo, sin interrupciones temporales durante el desarrollo del filme. La canción que cierra la película, sintetiza de alguna manera su mensaje. Rescatar el valor de los suyos, apoyarse en el regazo de la familia y bregar por una causa noble, fueron motivos suficientes para que Patoruzito recorriera su camino hacia el Valle... “Vamos, busca tu destino, busca tu camino, tienes que confiar... vamos hasta las estrellas, las primeras huellas son tu libertad”. La Escuela al cine 9

¿Qué dijo la prensa?

"Patoruzito" puede unir generaciones, a partir de una narración nunca vista en la producción argentina.

"Patoruzito", filme con identidad argentina Por Adolfo C. Martínez - La Nación

Por Pablo Scholz Los mayores recuerdan a Patoruzito por la historieta, mientras son pocos los chicos que saben quién es ese indiecito con la plumita en la cabeza. Hasta hoy. (…) Patoruzito llega con una producción animada nunca vista en la producción argentina. Realizada en los estudios de Patagonik Animation Group, la apuesta es fuerte desde la técnica del 3D y el colorido, el abrevar en personajes y situaciones de tierra adentro, con empanadas, pastelitos y payada, que puede acercar a los niños a preguntarse qué es ese país que tan poco se ve en la pantalla grande y en la chica. La película logra mantener entretenidos a los más chicos, mérito de las imágenes en 3D. El director José Luis Massa (que venía de Chiquititas y Un hijo genial) impone el ritmo apropiado, y las canciones, de Los Nocheros, León Gieco y La Mosca, hacen más que acompañar las imágenes.

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El primer acierto de los responsables de esta producción (y no el único) fue el rescate de ese Patoruzito que, según la tradición tehuelche, deberá convertirse en cacique de su tribu. Su vida había transcurrido en la estancia de la Chacha y, rodeado del cariño de los suyos, vagaba por las tierras patagónicas sin preocupaciones, feliz, en contacto con la naturaleza. Pero la envidia es mala consejera, y Cachicó, un niño tan insoportable como dispuesto a romper con las ideas de hidalguía de los tehuelches, se enfrentará a ese Patoruzito asediado por tres pruebas de gran riesgo (que, tras vencerlas, lo elevarán a la categoría de cacique) y por un extraño expedicionario dispuesto a recuperar un medallón mágico. El equipo técnico del film, con el director José Luis Massa a la cabeza, logró plasmar en impecables dibujos animados las aventuras y desventuras de ese indestructible Patoruzito, y supo entretener con estas andanzas a los pequeños espectadores, muchos de los cuales, sin duda, se acercarán por primera vez a ese entrañable personaje.

Actividades

Para reflexionar en grupos... Acerca de los personajes • ¿Cuál es su vestimenta?

De Identidades • ¿Cómo aparece representada la identidad argentina?

• ¿Qué gestos son los que lo caracterizan?

• ¿Qué roles asumen hombres y mujeres?

• ¿Qué dice?

• ¿Qué se cuenta de ellos y ellas?¿Qué no se cuenta?

• ¿Cuál es su rol en la película? • ¿Qué diferencias encuentran entre las características de hombres y mujeres? • ¿Cómo son los roles? ¿Quiénes son protagonistas? • ¿Qué significados tienen sus gestos y vestimenta? • ¿Qué significados tienen los colores elegidos? • ¿Cuáles predominan? ¿Qué sensaciones nos transmiten? • ¿Y el ambiente? ¿Qué nos cuentan estos detalles?

• ¿Qué cosas aparecen? ¿Cuáles consideran que en el filme no están? • ¿Qué paisajes selecciona la película para mostrar el país? ¿Cuáles agregarían? • Escriban toda la información reunida, en una hoja. Pueden dividirla de la siguiente manera:

Personaje

Características

Patoruzito

Amigable, valiente...

Mr. Ferguson

deshonesto...

Ambiente

Características

Casa de Patoruzito

Cómoda, luminosa

• Hagan otro cuadro con todo lo que agregarían como representativo de los argentinos y las argentinas y los ambientes que sumarían. • Una vez elaborada esta actividad, circulen entre los distintos grupos sus respuestas. • ¿Qué pueden observar? ¿Todos eligieron los mismos ejemplos? ¿Por qué creen que es así? ¿Todos nos sentimos representados de igual manera? La Escuela al cine 11

Armemos nuestra propia historia Piensen que son los creadores de una historieta, cuyo contenido y personajes, luego serán los protagonistas de una animación digital. Teniendo en cuenta lo realizado en la actividad previa, armen un listado con los temas y características que incluiría una historieta que represente personajes argentinos en la actualidad. Piensen cuáles serían sus características, vestimentas, y actividades. Hagan una lista con todo lo que imaginen. Decidan qué temas incluirán en la historieta, y qué técnicas utilizarían para realizarla: qué colores predominarían, qué objetos se mostrarían, etc. Una vez realizada, pasen entre los grupos las producciones finales y revelen las similitudes y diferencias entre cada uno. Peguen las historietas en la cartelera escolar o publíquenlas en el periódico escolar. No se olviden de asignarles, un título atractivo y significativo en relación a lo que quieren decir con su historia.

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Buscando a Nemo

Ficha Técnica: Dirección Andrew Stanton y Lee Unkrich.

Producción Graham Walters.

País: USA. Año: 2003.

Productor ejecutivo John Lasseter y Jinko Gotoh

Duración: 100 min.

Música

Género: Animación.

Thomas Newman.

Personajes Nemo, Marlin, Dory, Gill, Bloat, Peach, Gurgle, Bubbles, Nigel, Crush, Coral, Chum, Pearl, Bruce.

Fotografía Sharon Calahan y Jeremy Lasky.

Guión Andrew Stanton, Bob Peterson y David Reynolds; basado en un argumento de Andrew Stanton.

Montaje David Ian Salter. Diseño de producción Ralph Eggleston. Dirección artística Randy Berrett, Anthony B. Christoy, Robin Cooper y Ricky Vega Nierva. La Escuela al cine 13

¿Qué cuenta la película?

“Buscando a Nemo” cuenta la increíble travesía de Marlín, un pez payaso, que atraviesa el océano en compañía de Dory, su inseparable amiga azul, para recuperar a su hijo Nemo, capturado por un buzo cuando nadaba fuera del arrecife. La película se inicia con Marlín jugando en el arrecife con su esposa Coral, recién mudados a una anémona a la espera del nacimiento de sus casi cuatrocientos hijos. Mientras conversan sobre posibles nombres y recuerdos de pareja, Coral le dice a Marlín que quiere que uno de sus pequeños peces se llame Nemo. Color, alegría y ruidos forman parte de la escenografía de la escena, cuando bruscamente todo se vuelve silencio. Una barracuda se asoma desafiante. Marlín llama a Coral pero ella acude desesperada a proteger a sus crías. Marlín intentará pelear contra el gran pez pero desmayado por un coletazo, al despertar descubre lo peor. En vano, llama a Coral, y cuando todo parece perdido, en la arena divisa a uno de sus huevos naranjas, un poco dañado, pero latiendo con vida. Con el susurro del “Ya, ya, ya... tranquilo, yo estoy aquí, papi te cuida, no dejaré que nada te pase… Nemo”, se abre el relato del filme. Vuelve a iluminarse el arrecife y aparecen Nemo y Marlìn, unos años más tarde, despertando en su anémona. Es el primer día de escuela y Nemo salta impaciente. Su “aleta feliz” –como llaman con su papá a una de sus aletas más pequeñas producto del ataque de la barracuda– se mueve entusiasmada. Marlín es un padre temeroso y sobreprotector y no hay acciones que reparen la culpa o aplaquen el miedo de que algo terrible pueda volver a pasar. Cepillarse muchas veces las aletas, observar detenidamente hacia los lados antes de salir, dar la aleta para cruzar, agobiar de 14 Escuela y Medios

recomendaciones al profesor. Nada tranquiliza a Marlìn. Cuando todos los pequeños peces se van con el maestro raya, Marlín se entera que el destino de la clase es el arrecife. Desesperado va en búsqueda de Nemo, quien harto de su sobreprotección, lo desafía dirigiéndose hacia un bote en mar abierto. En ese momento, Nemo es capturado por un buzo, quién traslada al pequeño pez a la pecera de su consultorio odontológico, en Sydney. Comienza así la búsqueda frenética de Marlín por el océano, pero inmediatamente un nuevo personaje se inserta en la historia. “Dory” una amigable pez azul que sufre la pérdida de memoria de corto plazo, será su fiel compañera en la admirable travesía que estructura el filme. El precavido padre terminará convirtiéndose en el héroe de una verdadera epopeya cuyo fin es rescatar a su hijo, quién por su parte ha tramado un descabellado plan junto a sus compañeros de pecera, para volver sano y salvo al encuentro de su papá.

¿De qué y de quién se habla?

“Esta película es de una belleza sobrecogedora. Además, incluye elementos de un dramatismo, una emoción y una profundidad muy realista, así como un divertidísimo toque cómico. Tengo cinco hijos, así que me siento muy identificado con la historia. A los realizadores nos encanta que los sentimientos sean sinceros y auténticos. Aunque 'Nemo' es una historia inventada, se inspira en situaciones que al público le resultarán familiares. Por ejemplo, la relación padrehijo, el primer día de colegio de un niño... son cosas que todo el mundo entiende, a pesar de que la historia trate sobre un pez que vive en un arrecife de coral". John Lasseter. Productor ejecutivo de “Buscando a Nemo”.

De nosotros y valores “Buscando a Nemo”, nos sumerge en un mundo submarino caricaturizado, pero en el cual todo goza de un realismo extremo, relatando vivencias y situaciones humanas. El filme construye el relato, interpelándonos como espectadores, para que nos sintamos reflejados en situaciones cotidianas. De esta manera, la película crea un “nosotros” que se identifica con los personajes. Cada uno de los protagonistas del filme animado, se vuelve más complejo a medida que transcurre la película. Y los frecuentes estereotipos de “buenos y malos” no aparecen: los tiburones hacen terapia de grupo para contener su desenfrenado deseo de “comer peces”, el odontólogo no representa “al villano” que captura a Nemo. Por el contrario, piensa que salvó al pequeño pez de la soledad del arrecife.

Todos los personajes tienen una historia, un contexto que también les permite cambiar: Marlín no es el mismo padre en el inicio que al final del filme. Haber realizado una búsqueda incansable, toparse en su viaje con un tortugo que a pesar de sus años “sigue joven” y contar a su lado con su inseparable amiga desmemoriada, hacen que Marlín se replantee sus miedos. Por su parte, Nemo puede demostrarle a su papá y a sí mismo, que puede y que es fuerte cuando tiene un objetivo. Y Dory, logra “recordar”, cuando está en compañía. La película forma así, este “nosotros”. Juega con nuestras vivencias y recurre a “gags” para conquistar el humor de los adultos. “Los hombres odian pedir indicaciones”, le reprocha Dory a Marlín mientras buscan el camino a Nemo en el enorme mar azul. “Seguro eran banqueros” – asevera el tiburón al escuchar el relato desesperado de MarLa Escuela al cine 15

lín por la pérdida de su hijo en mano de los buzos. Y la música de “Psicosis” que acompaña la entrada de Darla al consultorio del odontólogo, es un recurso que remite a una película de Hitchcock para adultos, sin dejar de lado la diversión de los más pequeños. “Buscando a Nemo”, como todo filme, refleja el contexto social. Todas las películas, aún las históricas, hablan del momento en que se realizan. “Buscando a Nemo” dibuja una representación de la familia. Hoy no existe un único modelo familiar y esto es lo que expresa el filme. La familia aparece como sinónimo de refugio, contención, afecto y respeto, pero también y fundamentalmente se conforma en la diversidad. Marlín tiene a cargo la crianza de Nemo. El primer día de escuela, son papás los que aparecen conversando antes que llegue el maestro y finalmente Dory será parte de la familia cuando regresen al arrecife. De esta manera el relato también se acerca a las audiencias representando realidades múltiples, tales como las que todos vivimos en nuestra cotidianeidad. Otro eje importante en “Buscando a Nemo”, es el valor que los protagonistas de la historia le asignan a la amistad. Una vez que Nemo es capturado, el relato se abre en dos. Por un lado narra la búsqueda de Marlín junto a Dory atravesando los peligros del océano para llegar a Sydney. En paralelo, somos espectadores de la experiencia de Nemo: conocerá otros peces y tramará la huída heroica con el fin de reencontrarse con su padre y no quedar en manos de “Darla” la odiosa sobrina del odontólogo, para quien está destinado el pequeño pez payaso. En ambos casos, el valor de la amistad estructura todo el relato: Ni Marlín ni Nemo hubieran 16 Escuela y Medios

podido lograr sus objetivos en soledad. Dory, es desde su inocencia muchas veces exasperante, el permanente respaldo de Marlín. Por otro lado, los nuevos amigos de Nemo serán el soporte del niño pez para apaciguar su angustia y el apoyo en el armado de su huída, hecho que se acelera cuando Nemo se entera de que su papá ha cruzado todo el océano para dar con él. De aquí se desprende otro valor: el trabajo en equipo. Un ejemplo de ello es cuando al son del “nadaremos” Dory y un gran cardumen son liberados de las redes de los pescadores, gracias a una estrategia esgrimida por Nemo, previamente ejecutada en la pecera junto a sus amigos, para liberarse de la red del odontólogo cuando éste quería limpiar el tanque. “Buscando a Nemo” es un filme de animación para todas las edades. Representa las relaciones de los padres con los hijos, de los amigos, y de las circunstancias que vivimos, de manera compleja, ahondando en las vivencias humanas y rescatando valores fundamentales a la hora de pensar en términos de transmisión. Con dramatismo y humor y un espectacular desarrollo tecnológico, nos invita a zambullirnos en una historia plena de experiencias comunes y significativas.

"Me emocionaba la idea de contar una historia en la que el protagonista es el padre. Creo que nunca he considerado una película de animación desde esa perspectiva. De repente, sentí muchas ganas de ponerme a escribir porque sabía que podía contar esa historia. También me di cuenta de que el océano es una metáfora magnífica de la vida. Es el lugar más aterrador e intrigante que existe en el mundo porque puedes encontrar cualquier cosa. Cosas buenas y cosas malas. Me encantaba jugar con ese tema y hablar de un padre al que el miedo impide comportarse como un buen padre. Tiene que superarlo y convertirse en un padre mejor. Además, está en medio del océano y tiene que afrontar todos los peligros a los que nunca ha querido enfrentarse. Por eso, me pareció que sería una oportunidad única para divertirnos y al mismo tiempo tratar temas importantes". Andrew Stanton. Dirección-guión John Lasseter. Productor ejecutivo de “Buscando a Nemo”.

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¿Cómo se dice lo que se cuenta?

“Blancanieves” fue el primer largometraje de animación realizada por Walt Disney en 1937. “Blancanieves”, además también fue la primer película de la historia de disponer de merchandising a la venta el día del estreno y la primera en editar en disco la banda de sonido original. Luego vendrían tres largometrajes nuevos que buscaron superar los estándares de “Blancanieves” más allá de los resultados posteriores: “Pinocho” creó un mundo de animación más detallado, “Fantasía” un uso de la animación combinado con música clásica y “Bambi”, llevaría a los dibujos animados a un exigente nivel de realismo.

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En 1997, Disney firma contrato con Pixar una empresa dedicada a la animación por computadora. Pixar tendría total libertad de creación aunque los personajes pertenecerían a Disney. El contrato de esta unión establecía la creación de cinco películas además de Toy Story: Bichos, Monster Inc., Buscando a Nemo y Cars. El final del del Siglo XX daba lugar a un nuevo cine: la era digital del cine de animación. Dreamworks, por otro lado, veía con entusiasmo a su competencia y en el 2001 estrenaría Shrek, el ogro verde del pantano, que encantará al público infantil y adulto.

Los filmes, combinan imágenes, sonidos, y silencios. Por ello, la fotografía, la música, los sonidos del ambiente, los encuadres, la luz, los planos y el montaje, son las herramientas que los cineastas utilizan para realizar sus historias. Los dibujos animados son un género en sí mismo, poseen cualidades narrativas específicas. Analizar el lenguaje de los dibujos animados nos permite entender la forma en que producen significados con códigos y estructuras narrativas que les son propios. El uso de las nuevas tecnologías de animación y dibujo añaden hoy un plus a estas producciones que se presentan para un público de todas las edades. El cine de animación digitalizado es la forma contemporánea del género. La música, los colores, los planos, los ambientes, constituyen y conforman lo que llamamos lenguaje, y estas decisiones no son azarosas. En cada una de ellas se busca una forma y no otra de representar y producir un mensaje y un significado. La producción de “Buscando a Nemo” comenzó en enero de 2000, cuando el equipo quedó constituido por un máximo de 180 personas. Toda la animación se realizó en los estudios de Animación de Pixar.

“En cuanto a la técnica, hemos llegado a unos límites que jamás se habían alcanzado en Pixar. El simple hecho de animar peces ya resultaba bastante complicado, pero nuestro equipo técnico ha logrado crear un entorno submarino de un encanto y una belleza impresionantes. El mundo submarino real es tan espectacular que ya es un mundo fantástico en sí mismo. El reto al que nos enfrentábamos era que el público entendiera que nuestro océano es una caricatura. Nuestro objetivo era que fueran conscientes de que ese mundo no existe. Sin embargo, aprovechamos todas las fabulosas herramientas que ofrece el campo de la animación generada por ordenador para dotarlo de un aspecto totalmente creíble. Siempre nos marcamos como meta que las cosas sean creíbles, realistas”. John Lasseter. Productor ejecutivo. La Escuela al cine 19

La luz, el color, la música y el montaje

"La música, el color y la iluminación son un factor clave en todas las escenas. En 'Nemo', la iluminación y el color están siempre al servicio de la historia.” John Lasseter “Buscando a Nemo” conjuga escenas dramáticas y cómicas que le dan cuerpo al relato. Para lograr emocionarnos y/o divertirnos, se potencian los usos del lenguaje audiovisual. Tal como señalamos, al comienzo del filme todo es resplandor, brillo y bullicio. El vecindario explota en su multiplicidad de formas y luces, Marlín y Coral nadan alegres. Las caras de los peces protagonistas en cada toma poseen una luminosidad que transmite felicidad. Sin embargo, la aparición de la mortal barracuda, está acompañada de silencio. Y la luz se transforma: Cuando Marlín despierta y da cuenta de los devastadores resultados del ataque, el entorno adopta una apariencia grisácea y el sonido angustiante de su voz, retumba en el silencio del inmenso arrecife. En pocos minutos, las distintas combinaciones de luz, color y sonidos, nos trasladan de la felicidad a la angustia, de la vida a la muerte. Para finalmente, resaltar la esperanza a partir del brillo naranja de un huevo dañado que aún cubre a una de sus crías. Aquí la música suave e instrumental, refuerza el sentido emotivo con el que comienza el relato de esta historia de búsqueda, amor, amistad y compañerismo. Estos mecanismos se profundizan en cada escena, en cada diálogo y en la creación de cada uno de los personajes: la música, la gravedad de los sonidos, las luces y el color se combinan reforzando los significados.

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“…Una de las cosas que tuvimos que hacer fue crear una pista de movimientos para todos los peces que fuera creíble y dotar a cada uno de ellos de una personalidad propia. Uno de mis sonidos preferidos es el que emite la aleta deformada de Nemo. Es como el sonido de una vibración, casi como un aleteo. Lo conseguí con una toalla de papel. Es casi como el sonido que emite un colibrí. Marlin se impulsa con las aletas que tiene en la cola, así que el sonido que genera es bastante frenético. Para él, utilizamos el sonido del personaje del pez del cortometraje de Pixar “Knick Knack”. El sonido que produce Dory al desplazarse por el agua se parece más al de un corte suave. Ella ha venido al mundo para disfrutar. Recurrimos a todos los trucos que conocíamos para diferenciar a los personajes por su sonido". Gary Rydstrom, diseñador de sonido

A partir de los acercamientos a los rostros de los personajes, logramos captar más profundamente los sentimientos que se transmiten en los diálogos y las acciones. Estos primeros planos refuerzan la narración de cada hecho, y lo podemos apreciar en las conversaciones entre los personajes. Cuando los planos se abren, entran en el cuadro visual otras acciones, objetos y personajes y todos van construyendo el relato. En la elección de los encuadres, el director decide de qué manera mostrará a los personajes y a su entorno. El montaje es el mecanismo a partir del cual se articula el espacio y el tiempo en una película. Su función es conseguir que las imágenes seleccionadas y organizadas en una determinada estructura narrativa, signifiquen los que se quiere expresar.

En “Buscando a Nemo”, las escenas están montadas en un orden cronológico, de manera tal de construir un relato lineal a lo largo del tiempo. En paralelo, aparecen la historia de esta búsqueda a partir de las experiencias de Nemo al llegar a la pecera y el viaje de Marlín para reencontrarse con su pequeño.

"Una de nuestras prioridades principales era que los peces resultaran atractivos. Nuestro objetivo era que el público se enamorara de los personajes, a pesar de que los peces son unos seres pequeños y cubiertos de escamas. Una de las maneras de hacerlos más interesantes era dándoles luminosidad. Al final, creamos tres tipos de peces: gelatinosos, aterciopelados y metálicos. Los gelatinosos, entre los que se cuentan Marlin y Nemo, son compactos y cálidos. Empleamos luces de fondo y de contorno para aumentar su atractivo y realzar las escamas de la superficie. Los aterciopelados, como Dory, presentan una textura suave. Los metálicos son los típicos peces con escamas. Este fue el tipo de pez que utilizamos para la escuela de peces". Ralph Eggleston, supervisor del diseño de producción. La Escuela al cine 21

¿Qué dijo la prensa?

Por Pablo Scholz. Clarín, 3 de Julio de 2003 El cine de animación renació bajo el agua. Fue en 1989, con “La Sirenita”. Veamos: en “Buscando a Nemo” la historia transcurre casi toda bajo el agua. Pixar lo ha hecho de nuevo: mientras los más chicos quedan atrapados por la acción, los más grandes se enganchan —además— con la sátira, convirtiendo a su quinto largometraje en un festín para los estímulos. Porque para los grandes el humor viene en tamaño ídem. Los tiburones que hacen reuniones como si se tratara de Alcohólicos anónimos ("los peces son amigos, no comida", se repiten) o los acordes de “Psicosis” cuando aparece Darla, la sobrina del dentista con aparatos, no son gags que los más pequeños puedan agarrar al vuelo.

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Por Diego Batlle. Diario La Nación, 3 de julio de 2003 La impecable interacción entre ese festival de luces, formas y colores que ofrecen los animadores (ya no hay limitaciones a la hora de imitar el ondular del agua o las muecas más imperceptibles de un animal) y el aporte histriónico de los actores que aportaron sus voces (en la versión original) como Albert Brooks (Marlin), Ellen DeGeneres (Dory), Alexander Gould (Nemo), Willem Dafoe (Gill, el líder de aquellos que sueñan con escaparse de la pecera), Geoffrey Rush (el divertido y heroico pelícano Nigel), Elizabeth Perkins (Coral) o Eric "Hulk" Bana (uno de los tiburones llamado Anchor) terminan por redondear otra gran victoria de Pixar, que –paradoja mediante– encuentra en las profundidades del mar una nueva cima para su imparable evolución artística y técnica.

Actividades

Para reflexionar en grupos... • ¿Qué les pareció la película? ¿Qué escenas fueron las más divertidas? ¿Con cuáles se emocionaron más? ¿Por qué? ¿Todos tuvieron las mismas sensaciones? • Elijan una de esas escenas en las cuales se hayan sentido contentos o tristes. ¿Qué les sucedía en ese momento a los personajes? ¿Cuáles fueron los diálogos? ¿Cómo estaba iluminada la escena? ¿Había música? ¿Qué sonidos se escuchaban? ¿Son sonidos del ambiente? ¿Cómo se ve a los personajes? Imaginen que quieren transformar esta escena para que transmita el sentimiento opuesto al que ustedes sintieron. ¿Qué cambios le harían? ¿Cómo utilizarían la luz y los colores? ¿Qué música utilizarían? ¿Cómo serían los diálogos? • En “Buscando a Nemo” se presentan historias de familia, amistad y compañerismo. ¿Cómo es la

familia de Nemo? ¿Se parece a las familias que conocen ustedes? ¿Qué valores son los más importantes? ¿Son valores que ustedes comparten? ¿Todas las familias que conocen están compuestas de la misma manera? ¿Y las del filme? • Elijan otras tiras de dibujos, u otras películas de dibujos animados en las que se representen familias o que narren historias de grupos de amigos.¿Cómo aparecen en esos dibujos las familias y/o los amigos? ¿En qué se parecen y en qué se diferencian de las que aparecen en el filme? ¿Cómo utilizan las películas la música, el sonido y los colores para contar las historias? • Lean el siguiente párrafo en el que el Director de “Buscando a Nemo”, cuenta cómo a partir de un hecho significativo en su vida, pudo terminar de pensar el filme.

"Recuerdo un día que llevé al parque a mi hijo cuando tenía cinco años. Había estado trabajando muchas horas y me sentía culpable por no haber pasado más tiempo con él. Sin embargo, reprimí ese sentimiento aunque no podía dejar de pensar en cuánto lo había echado de menos. Pero seguí caminando y diciendo: 'No toques eso. No hagas eso. Te vas a caer'. Pero dentro de mi cabeza oía una vocecita que me decía: 'Estás desaprovechando el tiempo que estás pasando con tu hijo'. Me obsesioné con la idea de que el miedo te puede impedir ser un buen padre. Cuando hice ese descubrimiento, todas las piezas encajaron y pude completar la historia de Buscando a Nemo". Andrew Stanton

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Armemos nuestra propia historia • ¿Sobre qué temas les gustaría contar una historia? Armen un listado de temas entre todos. Luego seleccionen el que más les gustó a todos y escriban una escena para un filme de animación que ustedes inventen. ¿Qué nombre tendría ese filme? ¿Qué contaría el dibujo? ¿Cuál sería el argumento? ¿De qué hablaría? ¿Qué valores transmitiría? ¿Cuáles serían los personajes? ¿Qué características tendrían? ¿Qué narrarían en esa escena? • Escriban el guión de la historia. Dividan la hoja en dos columnas, una para los textos y otra para las imágenes y sonidos. • Armen una historieta (“story board”) cuadro por cuadro. Tengan en cuenta el uso de los colores, y los planos de los personajes que dibujen (si aparecerán en primer plano, o se mostrarán objetos del entorno) en función de lo que quieren transmitir en esa escena. • Para finalizar, reflexionen sobre los temas que eligieron en cada grupo y los recursos que utilizaron para darle forma (colores, formas, etc.). Peguen la historieta en un afiche y cuélguenla en la cartelera del colegio.