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ANTROPOFAGIA Y MODERNIDAD ARTE BRASILEÑO EN LA COLECCIÓN FADEL. 1908-1979 La Secretaría de Cultura, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y el Museo Nacional de Arte, presenta siete décadas de arte moderno brasileño visto desde la Colección Fadel, de Río de Janeiro, en una exposición organizada por MALBA / Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, que incluye pintura, escultura, dibujo, gráfica, técnicas mixtas e instalaciones, de más de 70 artistas. La colección de Hecilda y Sérgio Fadel, es una de las más importantes de Brasil, con alrededor de 3000 obras desde el barroco colonial a nuestros días. Bajo la curaduría de Victoria Giraudo, Coordinadora Ejecutiva de Curaduría de Malba, se mostrará una selección de 164 piezas, conformada por tres grandes módulos temáticos: el primer modernismo en Brasil (hasta los años treinta), entre las raíces autóctonas y la modernización internacional (décadas del cuarenta y cincuenta) y la ruptura de lo moderno y las primeras expresiones sensibles hacia lo contemporáneo(década del sesenta en adelante). Esta exposición, Antropofagia y modernidad, se focaliza en la constante búsqueda de la identidad estética brasileña iniciada con los primeros artistas de pensamiento moderno a fines de siglo xix y enfatizado en 1922 a través de un grupo de escritores y artistas, quienes organizaron la Semana de Arte Moderna, evento que marcó un momento de debate artístico clave de la modernidad. Poco tiempo después, el escritor Oswald de Andrade publicó los manifiestos PauBrasil (1924) y el Manifiesto Antropófago (1928), que insertaron a Brasil en el lenguaje de las vanguardias internacionales a la vez que florecía un arte enraizado en lo autóctono y ancestral, que llevaría a varios artistas a explorar su propia historia colonial y el imaginario de la más espesa topografía y flora del Amazonas. La figuración se vería progresivamente diluida en una síntesis de abstracción geométrica que conduciría a un debate a mitad de siglo, entre un arte figurativo de cuño nacionalista y un arte abstracto internacional que consolidaría al arte concreto, como un triunfo de la llamada voluntad constructiva brasileña. Vendría poco después, una generación de artistas neo-concretos y neo-figurativos, quienes experimentaron con la interacción de las obras en el espacio circundante, con la música, las artes escénicas, el cine y el teatro en un contexto artístico liberador en medio de un momento político represivo. Esto abrió el paso a exploraciones sensibles, conceptuales que marcarían el inicio del arte contemporáneo. En 1994, el Museo Nacional de Arte recibió una importante donación de María Asúnsolo, entre la cual se encontraba un retrato de 1942 de la musa y patrona, a mano del pintor brasileño Emiliano Di Cavalcanti. Desde su ingreso al acervo, la pieza no había sido exhibida hasta la muestra Los modernos. En el continuo ejercicio por ampliar el estudio de su colección, en esta ocasión el museo ofrece una exposición dedicada a valorar la relevancia que el arte brasileño tuvo en la creación de los lenguajes modernos en la centuria pasada. Considerando que el arte moderno se dio en distintas geografías y de manera simultánea, resulta pertinente presentar no sólo el panorama de México y Europa, sino también el contexto de una parte de América del Sur. El Museo Nacional de Arte agradece a Hecilda y Sérgio Fadel por la generosidad en facilitar obras de su colección para presentarlas en México. A Eduardo F. Costantini, y al equipo del MALBA, por invitar al Museo Nacional de Arte a sumarse a la tarea de difundir el arte brasileño en otras latitudes. A la Embajada de Brasil en México, así como al Centro Cultural Brasil México, por su aportación al programa de actividades paralelas que acompañarán la muestra. Al Patronato del Museo Nacional de Arte A.C., al equipo del museo y a todos los que hicieron posible esta exposición.

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CEDULAS TEMÁTICAS A N T R O P O FA G I A Y M O D E R N I D A D A R T E B R A S I L E Ñ O E N L A C O L E C C I Ó N FA D E L . 1 9 0 8 - 1 9 7 9

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PRIMER MODERNISMO EN BRASIL En 1917, la exposición de Anita Malfatti en São Paulo –con obra realizada en su estadía en Berlín (1910-1914) y Nueva York (1915-1916)–, sería un hito inicial moderno, por lo audaz de su propuesta, influenciada por el expresionismo alemán, americano y un cierto fauvismo. Malfatti logró conmocionar a la sociedad provinciana paulista. En 1922, la Semana de Arte Moderna marcó el inicio del debate moderno en São Paulo al reunir a escritores como Mário y Oswald de Andrade, Graça Aranha, Menotti Del Picchia, Guillerme de Almeida, Ronald de Carvalho, Manuel Bandeira; a pintores como Anita Malfatti, Emiliano Di Cavalcanti, John Graz, Vicente do Rego Monteiro; el escultor Víctor Brecheret; y el músico Heitor Villa-Lobos, entre otros. Tarsila do Amaral no participó del evento, aunque sí formaba parte del llamado “Grupo dos Cinco”. En este periodo se dio, al igual que en otros países de la región, el fenómeno de los artistas latinoamericanos visitando Europa y la consecuente absorción de las vanguardias históricas por parte de ellos: la interacción con el cubismo y la producción en París, con el modernismo español, el futurismo italiano, etc. No se trató simplemente de autores de América Latina que viajaron a Europa y copiaron una manera o un modelo, sino que hubo una reelaboración de las vanguardias, propiciando la experimentación de diferentes lenguajes.

MANIFIESTOS PAU-BRASIL Y ANTROPÓFAGO Oswald de Andrade escribió el Manifiesto Pau-Brasil en 1924 al regresar –junto a la pintora Tarsila do Amaral, el escritor suizo Blaise Cendrars, Mário de Andrade y Olívia Guedes Penteado– de un viaje por Minas Gerais y tras haber presenciado aquel verano el Carnaval carioca. En este afán por descubrir Brasil, encontró la identidad no sólo en lo indígena, también en lo popular y en lo rural. Oswald propuso una poesía de exportación a raíz del nombre del árbol Pau, uno de los productos más exportados a Portugal durante el periodo colonial. Cabe recordar que, en 1920, Francis Picabia publicó el Manifiesto Caníbal Dadá y que ese mismo año circuló la revista Cannibale. En ambos casos, el término canibalismo se utilizaba con una connotación asociada al sacrificio, muy diferente del sentido que planteaba Oswald de Andrade. En el caso de Brasil, es a partir de la obra Abaporu de 1928 de Tarsila do Amaral, que se consolidó el movimiento antropófago. Se fundó así el Club de Antropofagia, que editaba la Revista de Antropofagia misma que publicó el Manifiesto Antropófago de Oswald de Andrade, el que reelaboró y subvirtió el concepto negativo del caníbal. En éste se concentraba el Brasil, el ‘infierno verde”. Desde entonces, la antropofagia se consolidó como modelo identitario cultural de Brasil, que se explica a partir de la asimilación y deglución caníbal de lo extranjero para transformarlo en algo completamente nuevo y original. Con ello, se puso fin al modelo de copia académico y se proclamó la independencia cultural de aquel país. Oswald propuso la “antropofagia” como punto de unión de la cultura brasileña: “…sólo la antropofagia nos une. Socialmente. Económicamente. Filosóficamente”.

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BRASIL POPULAR Y SOCIAL Después de la crisis del 1929, que incidió económicamente en la producción de toda la región (en particular, en la economía agro-exportadora cafetera de Brasil) y con la subida de Getúlio Vargas a la presidencia, surgió una preocupación mayor por lo social, por el ser humano y lo popular. Vargas impulsó un estado fuerte, bajo el lema “que haga la revolución antes de que el pueblo la haga”, que se tornó en un aparato dictatorial de democracia con autoridad, cuyo fin coincidió con el de la Segunda Guerra mundial en el año 1945. En esta época comenzó a incidir la figura del crítico de arte Mário Pedrosa, teórico marxista que impulsó una acusación dirigida a los artistas modernos en la que demandaba reducir las preocupaciones estéticas en pos de un realismo social. En este realismo se identifica una fuerte influencia del muralismo mexicano, por la adaptación de los grandes formatos, lo monumental de las figuras, lo épico de la narrativa, así como el uso de la fotografía y los encuadres del cine en la composición. Cândido Portinari, al regresar a Brasil en 1932, reflejó en sus pinturas una fuerte preocupación social y nacional, que identificamos en retratos de trabajadores mestizos (el nuevo modelo brasileño), en escenas rurales y festividades populares influenciadas por los metafísicos italianos. Por su parte, Alberto Da Veiga Guignard descubrió el Brasil por otros caminos. Al igual que el paisajista Roberto Burle Marx, tomó contacto con la naturaleza y sus verdes intensos en el Jardín Botánico de Río de Janeiro. En la década de los cuarenta, se mudó a la región de Minas Gerais, que sería el escenario de sus pinturas con paisajes montañosos repletos de iglesias barrocas que remiten a la historia sacra colonial.

AMAZONIA El surrealismo, como arte que expresa lo que sucede en el inconsciente, en los sueños y las pulsiones, ya existía en Latinoamérica antes que se desarrollara como movimiento artístico en Europa. Era parte de la vida misma, de las leyendas y las mitologías. Cuando llegó el surrealismo de André Breton como movimiento moderno, el arte en las urbes de Brasil estaba más interesado en lo nacional. Pero se dieron casos excepcionales en relación a lo onírico, al psicoanálisis y a la experiencia de lo alucinante y lo mágico. Obras literarias clave de escritores modernos como Cobra Norato (1931) de Raul Bopp y Macunaíma (1928); la novela fantástica y de realismo mágico de Mário de Andrade; o la pintura El Lago, de Tarsila do Amaral, mezclaron conceptos freudianos con el culto Candomblé y con lo oculto en el corazón del Amazonas. La obra de Cícero Días de este periodo es fundamental para entender el concepto de lo alucinante a partir de la cultura local, en las que se da el cruce de lo popular con las artes cultas (como el manifiesto de Breton), y con el tema del imaginario de Recife.

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María Martins, estuvo interesada en estudiar y revalorizar la antropología, la cultura local, los cultos religiosos como la Macumba y los rituales, y la etnicidad de su país. En sus obras escultóricas, incorporaba elementos surrealistas, exploraba la sensualidad y el erotismo del cuerpo femenino y, a la vez, desarrollando la metamorfosis de las formas sinuosas y monstruosas de la naturaleza, las leyendas y diosas de las mitologías de la Amazonia. Por su parte, Flávio de Carvalho fue uno de los artistas más radicales del modernismo. Estudió filosofía, ingeniería civil y pintura. Tuvo un especial interés por la antropología y el psicoanálisis freudiano, centrado fundamentalmente en lograr la liberación de los tabúes religiosos y sociales. Realizó un arte de provocación y transgresión de las normas sociales tradicionales.

ABSTRACCIONES GEOMÉTRICAS En la década de los cincuenta, el proyecto modernizador internacional tomó gran impulso en Brasil con la creación del Museo de Arte de São Paulo (MASP) Assis Chateaubriand en 1947; el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (MAM RJ) en 1948; y el Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM SP); y que sumados a la I Bienal Internacional de São Paulo en el MAM SP creada en 1951, tuvieron un fuerte impacto en el desarrollo de la abstracción geométrica. El escenario concreto tenía a sus artistas reunidos en grupos. Por una parte, se destacaba el grupo Atelier Abstracción, fundado por Samson Flexor en su casa-atelier en São Paulo. Por otra parte, el Grupo Ruptura, creado en 1952 en São Paulo, a partir de teorías marxistas y liderado por Waldemar Cordeiro. Por su parte, en Río de Janeiro varios alumnos del curso de Ivan Serpa en el MAM fundaron el Grupo Frente, el cual conglomeró a artistas de distintas tendencias que giraban en torno al ideal de libertad de creación y a partir de los teóricos Mário Pedrosa y Ferreira Gullar. La pluralidad de caminos de experimentación de los distintos grupos y artistas, por una parte, y por otro lado, la similitud en muchas de las realizaciones, llevó a que los artistas comenzaran a interactuar y a relacionarse. Esto dio lugar a la organización de la I Exposição Nacional de Arte Concreta, realizada en el MAM SP en 1956, que se presentaría un año más tarde en el Ministerio de Educación de Río de Janeiro.

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NEOCONCRETOS La década de los sesenta comenzó con la inauguración de la nueva capital del país, Brasilia, que significó la culminación de un proceso que inició veinte años antes, con la diagramación de la arquitectura moderna en Brasil por parte de Lúcio Costa y Oscar Niemeyer, junto al arquitecto francés, Le Corbusier. A partir de las exposiciones de arte concreto y con la mayor racionalización por parte del grupo Ruptura, empezaron las divergencias teóricas entre Waldemar Cordeiro y Ferreira Gullar. En 1959 se realizó la I Exposiçao Neoconcreta en MAM, Río de Janeiro, que se distanciaba de los concretos racionalistas paulistas. En su Manifiesto Neoconcreto, Ferreira Gullar aclaró que aquél no era un grupo ligado con principios dogmáticos, y explica que se trataba de tomar una “…posición enfrentada al arte no figurativo ‘geométrico’ (neoplasticismo, constructivismo, suprematismo, escuela de Ulm) y particularmente frente al arte concreto, llevado a una peligrosa exacerbación racionalista.” También enfatizó que ellos no concebían “…la obra de arte como una ‘máquina’ ni como un ‘objeto’, sino como un quasi-corpus” y que ésta “…no se limita a ocupar un lugar en el espacio objetivo, sino que trasciende para fundar en él una significación nueva; que las nociones objetivas de tiempo, espacio, forma, estructura, color, etc., no son suficientes para comprender la obra de arte, para dar cuenta de su “realidad.” Durante este periodo, Brasil comenzaba a vivir un contexto liberador, de interacción de objetos artísticos con espacios circundantes, de experiencias compartidas por todo tipo de artistas con la participación del público en diversos espacios, incluido el urbano. Hélio Oiticica llamó a su arte “ambiental”, donde nada está aislado, sino que domina el conjunto perceptivo sensorial.

NUEVAS FIGURACIONES Mientras que en Brasil se establecía la dictadura en 1964, en el mundo convivía el espíritu de la vuelta a las ideas duchampeanas dadaístas con diferentes versiones de una nueva figuración; el surgimiento del pop americano e inglés; el Nuevo Realismo y las mitologías cotidianas francesas; el cómic; la interacción con los medios de comunicación masiva; los novedosos happenings y performances; entre muchas otras expresiones. El pop neoyorkino apuntaba a un imaginario de elementos cotidianos y populares de las clases medias, como crítica a su sociedad consumista. En Brasil, en aquel momento, no existía tal sociedad consumista, por lo que si hubo una versión de pop brasileño fue en un sentido de crítica social, de denuncia, de caricatura cínica de la realidad desde un sentido antropofágico, es decir sin perder la autonomía, pero aprovechando las experiencias planteadas por otros. Por ejemplo, Décio Pignatari señaló la similitud entre la bandera Pau-Brasil y la americana de Jasper Johns. Los artistas tomaron del pop el tema de su propia realidad cotidiana, social y política, la cual era muy diferente a la de los Estados Unidos. En esto, había quizás más puntos de encuentro con los nuevos realismos cotidianos franceses, con la semántica, con el bricollage a la Lévi-Strauss y con el existencialismo.

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SEGUNDA GENERACIÓN CONSTRUCTIVA SUPERACIÓN DE SOPORTES TRADICIONALES La exposición Nova Objetividade Brasileira de 1967, en el MAM de Río de Janeiro, que mostraba múltiples tendencias, fue el inicio del proceso neofigurativo y el marco inaugural de la segunda generación constructiva al llevar a los artistas a una “desestructuración del objeto artístico con un consistente aparato teórico”. Contaba con dos textos clave: uno de Waldemar Cordeiro sobre la evolución del arte concreto a la nueva vanguardia y el manifiesto de Hélio Oiticica Esquema general de nueva objetividad, que describía la voluntad constructiva como un estado típico del arte brasileño que unía al arte con la arquitectura. En este contexto surgió el movimiento tropicalista, inspirado en el Penetrable de Hélio Oiticica, que retomaba a su vez, las construcciones y materiales precarios de las favelas. Tropicália se desarrolló principalmente en el ámbito de la música pero también en el teatro, en el cinema novo y en eventos performáticos que ponían en juego las nociones anti-arte. “El arte es un ejercicio experimental de la libertad” proclamó Mário Pedrosa sobre esta generación, quien fue pionero en utilizar la expresión “arte pós-moderna” para identificar la complejidad cultural que surgía a partir da década de 1960. Ya no se trataba de artistas agrupados con manifiestos sino de artistas independientes, que se encontraban en diálogo con el arte internacional. Abarcó nuevas reflexiones, cuestionamientos con diferentes posturas y libres aproximaciones al arte: desde resignificaciones semánticas realizadas a partir de la semiología; el lenguaje conceptual en la producción de libros de artista; la noción de ambiente arquitectónico; y la relación entre forma, instalación, arquitectura, urbanismo y ciencia. Algunos de ellos, realizaron citas al arte moderno retomando a Lucio Fontana, Constantin Brancusi, Jean Arp, a George Vantongerloo en lo constructivo y a Joaquín Torres-García en las geometrías y grafías simbólico-sensibles y semiológicas. Los artistas de esta segunda generación han sido una matriz proto-conceptual, en un país donde el conceptualismo va a ser clave. Hasta la fecha, Brasil se mantiene como una de las escenas artísticas con mayor tradición, peso e historia en el ámbito de lo conceptual.

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CEDULAS COMENTADAS A N T R O P O FA G I A Y M O D E R N I D A D A R T E B R A S I L E Ñ O E N L A C O L E C C I Ó N FA D E L . 1 9 0 8 - 1 9 7 9

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LOS MODERNOS ANTES DEL MODERNISMO La idea romántica de América Latina estuvo moldeada por la obra de pintores y dibujantes viajeros que trascendieron los límites geográfico-políticos del continente, cuya enorme riqueza estaban por descubrir y explorar. A fines del siglo xix y comienzos del xx, numerosos viajes de intelectuales europeos con largas estadías en Sudamérica, reforzaron esta idea de la América exótica. Con el cambio del siglo xix al xx, surgió la necesidad de una renovación estilística y un cambio rotundo en las artes. En este sentido, el ambiente cultural de São Paulo compitió con el de Río de Janeiro por la punta reformista. Río “aspiraba a ser un París tropical” y sus artistas tomaron a la nueva ciudad moderna como temática en pinturas más sueltas y expresivas. Estos artistas considerados como los “primeros modernos”, representaron el traspaso y la primera discusión con respecto a la aparición de la noción de lo nuevo, que si bien no se inscribía todavía en términos de vanguardia, fungieron como bisagra.

VICENTE DO REGO MONTEIRO Mezcló las tradiciones culturales marajoara, barroca y pernambucana, con el cubismo de la Escuela de París; consolidándose como un artista preocupado por la reconstrucción de una memoria histórica desde un lenguaje moderno. A través de una simplificación formal y una paleta reducida, realizó obras de carácter monumental en las que se puede identificar una influencia del art decó, que fue latente no sólo en éste artista, sino también en la arquitectura de Río de Janeiro; en la escultura como Danzarina de Brecheret; así como en las pinturas de Antonio Gomide, Ismael Nery (el primer surrealista) y John Graz entre otros. En 1921 Brecheret recibió el encargo del colosal Monumento as Bandeiras del Parque do Ibirapuera en São Paulo, que fue inaugurado en 1954.

TARSILA DO AMARAL Pintó la obra Morro da favela (Colina de favela) con “negros, negrinhos, animales, ropas secando al sol, entre colores tropicales”, la cual es un claro ejemplo de pintura Pau-Brasil. Por su parte y a su regreso de París en 1925, Emiliano Di Cavalcanti instauró el tema de lo femenino en su obra, pero con un sentido nuevo: la mulata como resultado de la herencia colonial y la esclavitud, convertida en símbolo de lo brasileño. En esta etapa, el pintor exaltó las tonalidades cálidas del color local, en busca de una identidad cromática, como se observa en obras como Menina de Guaratinguetá (Muchacha de Guaratinguetá), y también la sensualidad melancólica de lo típico festivo –de lo cotidiano, los estilos de vida, el carnaval, la música, los ritmos autóctonos y sus bailes–, como se aprecia en Roda do Samba (Rueda de samba). Si bien el tema de los músicos pertenecía al cubismo picassiano, la propuesta de Di Cavalcanti se distanció totalmente de él. En el conjunto de obras podemos identificar una noción de lo local en términos de cultura regional, que es clave en este momento del arte brasileño.

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SÍNTESIS CONSTRUCTIVA LIBRE En los años cuarenta, el ambiente moderno y nacionalista del momento frenó las búsquedas sintéticas. El cine, la música y la arquitectura fueron innovadores en la transición entre el modernismo figurativo a la abstracción de base matemática. En este contexto, fue clave la decisión del entonces presidente municipal de Belo Horizonte, Juscelino Kubitschek –quien posteriormente fue presidente de la República de 1956 a 1961–, en impulsar el gran proyecto de urbanización de la nueva capital, Brasilia, mismo que estuvo a cargo de los arquitectos Lúcio Costa, Óscar Niemeyer y Roberto Burle Marx. En este contexto comenzó el movimiento constructivista, cuyo pionero es considerado Cícero Dias, quien para el año de 1946 comenzó a pintar a partir de la geometría. En el trabajo de este periodo, condensó los planteamientos de la antropofagia en tanto a la disolución de los preceptos académicos a favor de una propuesta local y genuina, de acuerdo con el propio Oswald de Andrade. Por su parte, otros artistas como Alfredo Volpi comienzan a depurar la figuración, desvinculando entre sí los elementos que pudieran construir una narrativa, hasta llegar a una abstracción libre, en algunos casos, geométrica.

INFORMALISMOS Y ARTE DESTRUCTIVO En 1951 se creó la Bienal Internacional de São Paulo, tomando como modelo la Bienal de Venecia, convirtiéndose inmediatamente en centro de atracción de artistas de distintas regiones de Brasil. En la edición de 1957, se mostró una exposición de las grandes cuadros de Dripping y Action Painting de Jackson Pollock, a la vez que se premió dentro de la Bienal a los brasileños de dicha tendencia. La v Bienal de 1959 contaba ya con una gran representación de abstracción sensible, de artistas solitarios que enfrentaron en la tela el drama existencial. En el contexto del arte informal regional de la década de los cincuenta, se diferenciaron de los concretos algunos artistas de origen japonés como Manabu Mabe, Flávio Shiró y Tomie Ohtake, y otros como Iberê Camargo o Antônio Bandeira. La materia, la pincelada gestual, el grafismo estilo tachista, la escritura en las caligrafías influenciadas por el grupo japonés Gutai y el horror de las bombas nucleares, o el pensamiento zen en el espacio pictórico “toman cuerpo a través de la experiencia de la pincelada como pulsión significante.”

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LOS GRUPOS El grupo Atelier Abstracción fundado por Samson Flexor, artista de origen judío nacido en Soroca, hoy Moldavia, defendió la abstracción de lo que el propio Flexor llamaba “copia de la naturaleza”. Promoviendo con ello, ejercicios con regla y escuadra, según las leyes naturales de la armonía y la proporción áurea. Por otro lado, el Grupo Ruptura, creado en 1952 en São Paulo y liderado por Waldemar Cordeiro, quien promovía reuniones para el estudio de la abstracción y en pos de asegurar las condiciones para el desarrollo de un arte nuevo en el que participaron artistas como Lothar Charoux, Geraldo de Barros, Luiz Sacilotto, Kazmer Féjer, Anatol Wladyslaw, Leopold Haar y sus posteriores adherentes como Maurício Nogueira Lima, Hemenegildo Flaminghi y Judith Lauand. El grupo Frente, por su parte, promovía el eclecticismo y tenía una altísima misión social. Lo integraban, además de Serpa, Aluísio Carvão, Décio Vieira, João José da Silva Costa, Lygia Clark y Lygia Pape, entre otros. Poco después se sumaron Hélio Oiticica, Franz Waissmann, Abraham Palatnik y Ruben Ludolf.

POESÍA CONCRETA En 1952, Augusto de Campos, Haroldo de Campos y Décio Pignatari, poetas del grupo Ruptura, fundaron en São Paulo el grupo de poesía visual concreta y la revista titulada Noigandres, que pretendía romper los límites de la poesía, la enunciación y la palabra, para fusionarlos con el arte concreto. La palabra Noigandres, tomada de un poema del escritor y crítico de origen estadounidense, Ezra Pound, no significa nada, pero partía de la intención de experimentar innovaciones en el lenguaje poético. En el arte concreto también estuvo presente la musicalidad en muchas obras, como en los ritmos coplanares de Willy de Castro o en los Metaesquemas del propio Oiticica.

LA EXPOSICIÓN OPINIÃO 65 En el MAM Río de Janeiro en 1965, reunió a treinta artistas de diferentes países, ideada por Jean Boghici y organizada por Cérès Franco, la cual mostraba a partir de obras figurativas un compromiso social y político durante la dictadura militar. No se trataba sólo de un rechazo a la abstracción, sino también de una relectura del realismo social local. En la apertura de la exposición, Hélio Oiticica –acompañado de miembros de la scola de samba Mangueira– presentó su serie Parangolés, la cual marcó un hito en la historia del arte latinoamericano. Oiticica tomaba a la samba como herramienta de demanda. De esta forma, la samba pasó a ser un instrumento de protesta.

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HÉLIO OITICICA Realizó 20 diseños para la escenografía y vestuario del filme A Cangaceira Eletrónica [Western electrónico], de Antonio Fontoura, que sería un filme futurista sobre la historia revisada del western María Bonita, con Gal Costa como actriz principal. El guión proponía mezclar “cowboys jugando ping pong en sus momentos libres en un auditorio de TV donde María Bonita –mezcla de cantora pop y bandida– se lanzaba desde un escenario en estado de delirio, y regalaba premios como electrodomésticos y viajes”.

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BIOGRAFÍAS NÚCLEO 1 A N T R O P O FA G I A Y M O D E R N I D A D A R T E B R A S I L E Ñ O E N L A C O L E C C I Ó N FA D E L . 1 9 0 8 - 1 9 7 9

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ALBERTO DA VEIGA GUIGNARD (RÍO DE JANEIRO 1896-1962) Nació en Nova Friburgo se mudó con su familia a Europa en 1907. Con 20 años de edad, ingresó a la Akademie der Bildenden Künste de Munchen, donde estudió con Herman Groeber y Adolf Hengeler. En 1918 se mudó a París y entre 1920 y 1923 continuó su formación en Florencia. Sus principales influencias fueron los artistas renacentistas, los pintores pos impresionistas Paul Cézanne y Vincent van Gogh, y el fauvismo francés. Participó en los Salons d’Automme de París en 1923, 1927, 1928 y 1929, y en la Biennale di Venezia de 1928. Durante estos años fue cercano a Raoul Dufy y Henri Matisse. Volvió a Brasil en 1929, cuya escena artística estaba dominada por el academicismo. Desde entonces y hasta 1943, expuso en el Salão Nacional de Belas-Artes, en Rio de Janeiro, e impartió clases en la Fundación Osorio, en la Universidade do Distrito Federal y en la Universidad Nacional de Estudiantes. Tras las renovaciones educativas de 1930 y 1934, las cuales impulsaron el desarrollo del arte moderno brasileño, obras suyas y de sus alumnos fueron destruidas por los profesores y alumnos de la Escola Nacional de Belas-Artes, acto iconoclasta contra el arte de vanguardia. En 1930 participó en la Brazilian Exhibition, del Roerich Museum International Art Center, de New York, y en 1943 formó el grupo Guignard, donde destacó Iberê Camargo. En años 40, Juscelino Kubitscheck, alcalde de Belo Horizonte, quiso convertir dicha región en un centro cultural activo y sentó los precedentes para la creación de la Escola de Belas-Artes do Belo Horizonte. Da Veiga Guignard impartió clases de dibujo y pintura en esta localidad entre 1943 y 1962, y en 1945 fundó un colegio municipal de artes. En estos años produjo arte religioso influido por los artistas del “barroco mineiro”, como O Aleijadinho; también realizó paisajes de Minas Gerais y retratos de los pobladores vecinos. En 1951 expuso en la Bienal del Museu de Arte Moderna de São Paulo y recibió la medalla de bronce en el recién creado Salão Nacional de Arte Moderna. Murió en Belo Horizonte el 26 de junio de 1962. En su memoria se han realizado las exposiciones retrospectivas en el Museu de Arte da Prefeitura (1974) y en la Grande Galeria do Palácio das Artes (1982) de Belo Horizonte.

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MARIA DA CUNHA VASCO VASCO (RÍO DE JANEIRO, 1879 – LAUSANNE,1965) Fue hija Anna da Cunha y José Maria Vasco. Su padre formó parte de la sociedad industrial de Rio: poseía una fábrica de textiles y llegó a ser presidente de la Companhia Confiança Industrial; también fue un hombre interesado en las humanidades y las artes; en el ámbito cultural era conocido sólo como “Vasco” y era amigo de artistas y poetas brasileños y extranjeros. Esta proximidad a las artes favoreció que “Vasco” procurara la educación artística de sus hijas María y Ana, quienes estudiaron pintura con el alemán Benno Treidler. Este artista recién llegado a Brasil se formó en la Academia de Artes de Berlín y había trabajado como escenógrafo en el Teatro Imperial de la misma ciudad; en Rio ganó reconocimiento por las obras que hizo para el Banco do Brasil y la Fabrica de São Paulo. Maria, su hermana Ana y la pintora França Júnior fueron destacadas alumnas de Treidler. Entre 1898 y 1908, Maria participó anualmente en la Exposição Geral de Belas Artes, de la Escola Nacional de Belas Artes de Rio, donde fue premiada en 1898, 1904 y 1905. Se inclinó por el paisaje, uno de los géneros que más frecuentemente plasmaron las señoritas pintoras a finales del siglo XIX; pintó escenas de los barrios y puentes más emblemáticos de Rio, como Copacabana, Ipanema, Praia do Leme o Lagoa Rodrigo de Fretitas; también plasmó apropiaciones pictóricas de la ciudad de Petrópolis. En su acuarela Cantinho do Leme, realizado en 1898, se aprecia cómo aprendió e interpretó las técnicas del impresionismo, como las pinceladas ágiles, cortas, sueltas y yuxtapuestas, así como el uso de manchas. El formato reducido, las cualidades plásticas de esta obra, así como el episodio de una mujer pintora que desempeña su arte, guarecida por una sombrilla y ubicada en la parte inferior izquierda de la composición, sugieren que pudo ser una acuarela realizada à plein air, procedimiento también común entre los herederos del impresionismo. La mujer representada bien puede ser un autorretrato integrado a su propia obra, o bien un bosquejo de su hermana Ana. En 1911, se trasladó a la ciudad de Lausanne, Suiza, donde se casó con Joseph Mamie, el médico que asistía a su hermana Adélia; en esa ciudad vivió el resto de su vida salvo por un intermedio en que volvió a Brasil huyendo de la Primera Guerra Mundial. El único hijo suyo que nació en Rio de Janiero, Paul Mamie, también inició una trayectoria como pintor y grabador, fue miembro de la Escuela de París, estudió con Fernand Léger y André Lhote, y en 1978 expuso individualmente su trabajo en Tel Aviv, por invitación de su primo Vasco Mariz, quien se desempeñaba como embajador de Brasil en Israel. Sus obras formaron parte de la exposición Mulheres Pintoras que organizó la Pinacoteca do Estado de São Paulo en 2004.

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ANA DA CUNHA VASCO (RÍO DE JANEIRO, 1881-1938) Fue la segunda de cuatro hijos que tuvieron Anna da Cunha y José Maria Vasco. Al igual que su hermana mayor Maria, Ana creció en una atmósfera frecuentada por artistas y poetas, quienes eran amigos de su padre. Los intereses de José María Vasco, tanto como coleccionista así como mecenas de las artes, además de su bibliofilia y erudición, fueron determinantes para que Ana comenzara su formación artística. Junto a su hermana Maria, perteneció al grupo de señoritas pintoras que estudiaron con Benno Treidler. Ambas hermanas desarrollaron el género del paisaje y practicaron la pintura al aire libre. La producción pictórica más prolífica de Ana se dio entre los años de 1897 a 1908; durante este periodo ejecutó principalmente obras en formatos medianos y pequeños, y empleó la acuarela como principal recurso técnico. Expuso consecutivamente de 1898 a 1904 en la Exposição Geral de la Escola Nacional de Belas Artes, donde fue premiada en 1905, 1907 y 1908. Los escenarios que gustó representar fueron los barrios y las vistas de Rio de Janeiro: Palneiras, Silvestre, Ladeira dos Guararapes, Corcovado, Pão de Açucar, Ipanema, Lagoa Rodrigo de Freitas y Leme, este último fue el más recurrente en sus acuarelas. Su formación artística no se limitó a la plástica, también fue aplaudida como una prometedora pianista. Su trayectoria de pintora quedo interrumpida en 1909 cuando asistió a su hermana menor Adélia, quien cayó gravemente enferma. Dos años más tarde, junto con Maria, se mudó a Suiza para acompañar a Adélia en su ingreso a un sanatorio en Leysin, provincia de Lausanne. Todavía durante estos años pintó los paisajes nevados suizos. En 1914 Adélia murió y Maria desposó al Dr. Joseph Mamie, antiguo médico de su hermana difunta. Con el inicio de la Primera Guerra Mundial, Maria, su esposo y Ana volvieron a Brasil. El 21 de junio de 1918 murió José María Vasco y en 1920 Ana contrajo matrimonio con Joaquim José Domingues Mariz, portugués amigo de su padre con quien concibieron un hijo único, Vasco Mariz, quien también se interesó en las artes, fue cantante de cámara y autor de numerosos y aclamados libros sobre música brasileña, pero quien también hizo una destacada carrera diplomática y llegó a ser nombrado embajador de Brasil en Ecuador, Chipre, Israel y Alemania Oriental. Una nieta de Ana llamada Anna Thereza Mariz Gudiño se desempeñó como restauradora de arte en el Museu Histórico Nacional. En 1982 la Galeria de Arte de Banerj dedicó a Ana una exposición retrospectiva. Su obra puede ser vista en el Museu Nacional de Belas-Artes y en la Biblioteca Nacional de Brasil, ambos en Rio de Janeiro.

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GIOVANNI BATTISTA FELICE CASTAGNETO (GÉNOVA, ITALIA, 1851 - RÍO DE JANEIRO, 1900) Desde edad temprana mostró fascinación por los navíos que llegaban a Génova y pronto comenzó a ejercer la profesión de marinero, actividad que desarrolló durante la mayor parte de su juventud. En 1874 con 23 años de edad decidió trasladarse con su padre a Río de Janeiro, en 1878 ingresa a la Academia Imperial de Bellas Artes donde estudió, dibujo figurado, dibujo geométrico, matemáticas y paisaje, conoce al pintor George Grimm quien lo invitó a formar parte del taller al aire libre en la playa de Boa Viagem, en Niterói, más tarde denominado como Grupo Grimm. Desde sus primeras obras se interesó por la representación de la naturaleza, sobre todo por la pintura de marinas. Sus primeros trabajos revelan las características esenciales de su producción, con pinceladas libres y la tendencia a la pintura monocromática, sus obras reflejan un completo dominio técnico, con composiciones perfectamente equilibradas por medio del color.

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ELISEU D’ANGELO VISCONTI (ITALIA, 1866 - RÍO DE JANEIRO, BRASIL,1844) El pintor y diseñador Eliseu D’Angelo Visconti nació en Giffoni Valle Piana, provincia de Salerno, Italia. Siendo aún niño emigró junto con su familia a Brasil. Para la edad de 18 años se integró como estudiante al Liceo Imperial de Artes y Oficios de Río de Janeiro. Sin embargo, unos cuantos años después se trasladó a París, donde tiene la posibilidad de seguir estudiando y experimentar las tendencias pictóricas de la época, teniendo como predilección el impresionismo. A su regreso a Brasil su obra seguió estando inscrita dentro del impresionismo, sin embargo al ser una estética ajena al estilo imperante en Río de Janeiro durante esa época, sus piezas comienzan a ser tan incomprendidas que pasan desapercibidas por el mercado y la crítica. Las piezas realizadas por Visconti se apegan a las temáticas típicas esbozadas por los impresionistas, paisajes al aire libre y retratos, echando mano de los efectos de la luz, sus retratos crean una notoria resistencia a las técnicas pictóricas clásicas, la influencia que ostenta tanto su obra como su incursión docente en la Escuela Nacional de Bellas Artes, determinó la raíz pictórica de gran parte de las generaciones que le siguieron.

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OSWALDO TEIXEIRA DO AMARAL (RÍO DE JANEIRO 1905-1974) Estudió en el Liceo de Artes y oficios de Río de Janeiro y en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Fue profesor, crítico e historiador del arte. En 1924 recibió un premio por su obra Pescador Brasileño y viajó a Europa donde conoció Portugal, Francia y España. A su regreso se dedicó a la docencia en Brasil y fue nombrado en 1937, director del Museo Nacional de Bellas Artes en Río de Janeiro, cargo que ocupó hasta 1961. Entre sus publicaciones más destacadas se encuentran Getúlio Vargas e a Arte no Brasil de 1940. Teixeira mantuvo una postura en pro de la academia y en contra del modernismo, ésta lo condujo a debates con otros artistas y fue severamente criticado por sus posiciones políticas y su postura frente a la academia. Consideraba que el modernismo sólo era un refugio para artistas que no sabía dibujar, unicamente aceptó las propuestas de pintores como Cézanne, Picasso y Cândido Portinari. El arte renacentista fue su periodo favorito, en término de propuestas artísticas. Su trabajo pictórico abarca desde naturalezas muertas, paisaje, temas religiosos, retratos y desnudos femeninos. Durante el final de su vida se dedicó a la docencia.

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BELMIRO BARBOSA DE ALMEIDA (MINAS GERAIS, BRASIL 1858 - PARÍS, FRANCIA, 1935) Estudió en el Liceo de Artes y Oficios y en la Academia Imperial de Bellas Artes, debido a su talento muy pronto comenzó a impartir clases en el Liceo en 1879 así como en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Sin embargo, a partir de 1894 comenzó a vivir entre París y Río. Debido a su contacto con artistas y literatos como Èdouard Manet , Edgar Dègas y Emile Zola en París, consolidó otros intereses estéticos que lo llevaron a reformular sus postulados plásticos, se acercó también al movimiento futurista. Paralelamente a su carrera de pintor se involucró en el campo de la caricatura, pues trabajó para distintos periódicos en Río de Janeiro y de esta manera fundó el Salón de lo Humoristas al lado de otros colegas, en 1914. Con la caricatura logró expresar algunas de sus postura políticas y manifestó su interés por temas sociales. Actualmente se reconoce sus propuestas estéticas como innovadoras para las artes brasileñas.

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ANITA MALFATTI (SÃO PAULO 1889-1964) Estudió pintura y grabado en Alemania con los artistas Fritz Burger-Mühlfeld, Lovis Corinth y Ernst Bischoff-Culm entre 1910 y 1914. En 1915, se trasladó a Nueva York para estudiar en la Arts Students League of New York y en la Independent School of Art. Después de que su primera muestra individual tuvo una fría recepción, en 1917 expone por segunda vez en São Paulo y su trabajo recibe críticas negativas por parte de los académicos de la época. Esto desata una polémica entre los defensores del canon artístico vigente y los intelectuales y artistas solidarios con Malfatti. Con éstos últimos se consolidó el grupo que organizó la Semana de Arte Moderna en 1922. El año siguiente se muda a París; allí tiene contacto con figuras como Léger, Matisse y Tsugouharu Foujita. Regresa a Brasil en 1928. A partir de entonces, forma parte de la Sociedad Pro-Arte Moderna, la cual organizó exposiciones que incluyeron obras de artistas extranjeros y eventos culturales diversos, así como de la Familia Artística Paulista, una organización que buscaba reintegrar a sus integrantes en la tradición artística brasileña, aunque sin dejar de lado la influencia del modernismo y la experimentación técnica característica de sus obras. El trabajo de Malfatti se considera marcadamente expresionista, cercano al fauvismo y a la simplicidad de la pintura primitiva en su primera etapa, pero hacia el final de su carrera abarcaría sobre todo temas regionalistas y formas más tradicionales. Un gran homenaje y una retrospectiva de su obra se realizaron en la 7ª Bienal Internacional de São Paulo, un año antes de su muerte.

MFMG ANONIO GOMIDE (ITAPETININGA SP 1895 - UBATUBA SP 1967) Fue pintor, escultor y escenográfo. A la edad de 18 años se mudó con su familia a Suiza y frecuentó la Academia de Bellas Artes en Universidad de Ginebra. Entre 1913 y 1928 realizó viajes al interior de Europa y conoció a algunos artistas reconocidos. En París trabajó con artistas de la vanguardia y se relacionó con otros artistas de nacionalidad brasileña que también realizaban estudios de arte, como Victor Brecheret y Vicente Do Rego Monteiro. A su vuelta a Brasil en 1929 se unió a la Sociedad Pro Arte Moderna y al Club de Artistas Modernos. Entre sus actividades, también fue profesor de diseño en la escuela del Museo de Arte Moderno. Su producción de la década de 1930 se enfocó en resaltar temas de carácter nacionalista. Sin embargo, las piezas que realizó posteriormente son de temática diversa y algunos especialistas mencionan que el abordaje que presenta es más espontáneo. En su obra paisajísta se puede apreciar una inspiración en el arte cubista y otros movimientos de vanguardia con los que convivió. Gomide es considerado como el introductor del estilo art decó en Brasil.

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ALBERTO DA VEIGA GUIGNARD (RÍO DE JANEIRO 1896- BELO HORIZONTE 1962) Se mudó con su familia a Europa en 1907. Con 20 años de edad, ingresó a la Akademie der Bildenden Künste de Munchen, donde estudió con Herman Groeber y Adolf Hengeler. En 1918 se mudó a París y entre 1920 y 1923 continuó su formación en Florencia. Sus principales influencias fueron los artistas renacentistas, los pintores pos impresionistas Paul Cézanne y Vincent van Gogh, y el fauvismo francés. Participó en los Salons d’Automme de París en 1923, 1927, 1928 y 1929, y en la Biennale di Venezia de 1928. Durante estos años fue cercano a Raoul Dufy y Henri Matisse. Volvió a Brasil en 1929, cuya escena artística estaba dominada por el academicismo. Desde entonces y hasta 1943, expuso en el Salão Nacional de Belas-Artes, en Rio de Janeiro, e impartió clases en la Fundación Osorio, en la Universidade do Distrito Federal y en la Universidad Nacional de Estudiantes. Tras las renovaciones educativas de 1930 y 1934, las cuales impulsaron el desarrollo del arte moderno brasileño, obras suyas y de sus alumnos fueron destruidas por los profesores y alumnos de la Escola Nacional de Belas-Artes, acto iconoclasta contra el arte de vanguardia. En 1930 participó en la Brazilian Exhibition, del Roerich Museum International Art Center, de New York, y en 1943 formó el grupo Guignard, donde destacó Iberê Camargo. En años 40, Juscelino Kubitscheck, alcalde de Belo Horizonte, quiso convertir dicha región en un centro cultural activo y sentó los precedentes para la creación de la Escola de Belas-Artes do Belo Horizonte. Da Veiga Guignard impartió clases de dibujo y pintura en esta localidad entre 1943 y 1962, y en 1945 fundó un colegio municipal de artes. En estos años produjo arte religioso influido por los artistas del “barroco mineiro”, como O Aleijadinho; también realizó paisajes de Minas Gerais y retratos de los pobladores vecinos. En 1951 expuso en la Bienal del Museu de Arte Moderna de São Paulo y recibió la medalla de bronce en el recién creado Salão Nacional de Arte Moderna. En su memoria se han realizado las exposiciones retrospectivas en el Museu de Arte da Prefeitura (1974) y en la Grande Galeria do Palácio das Artes (1982) de Belo Horizonte.

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TARSILA DO AMARAL (SÃO PAULO,1886-1973) Inició sus estudios de escultura a los veinte años con el sueco William Zadig; poco después, entre 1917 y 1919, fue alumna de los renombrados artistas y profesores Pedro Alexandrino y Georg F. Elpons. Viajó a París en 1920 para continuar su formación en la Academia de Emile Rénard. De vuelta en su país natal, en 1922, empezó a relacionarse con el grupo de artistas que organizó la Semana de Arte Moderna. Regresó a la capital francesa el siguiente año y ahí tuvo contacto tanto con el círculo intelectual de la vanguardia europea (André Lhote, Albert Gleizes, Fernand Léger, entre otros), como con los artistas brasileños que se establecieron en esa ciudad. De regreso en Brasil, en 1924, la visita Blaise Cendars, a quien conoció en Francia, y éste publica algunos trabajos de Tarsila en revistas parisinas. En 1926 la artista consigue presentar su exposición individual Pau-Brasil en París, que fue bien recibida y ampliamente comentada. Años después, en 1930, organizaría una muestra con obras de Picasso, Léger, Gris y algunos otros pintores en São Paulo, titulada Arte moderna da Escola de París. También expondría en el Museo de Arte Occidental de Moscú el año siguiente. A partir de 1950, participó en las bienales de São Paulo y Venecia, ganó múltiples premios y museos de varias ciudades brasileñas ofrecieron retrospectivas de su obra. Como consecuencia de sus relaciones con artistas europeos, la pintora provocó una serie de intercambios culturales entre ambos continentes en la primera mitad del siglo XX. A lo largo de su carrera, mostró interés en la estética vanguardista, pero su trabajo adquirió un marcado carácter social y político después de su viaje a Rusia. La idea de canibalismo cultural es uno de los temas recurrentes y característicos de su obra; éste fue ampliamente difundido, sobre todo en la Revista de Antropofagia, y llegaría a definir el modernismo brasileño en general.

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VICENTE DO REGO MONTEIRO (RECIFE 1899 – 1970) Inició sus estudios artísticos en la Escola Nacional de Belas-Artes de Rio de Janeiro, en 1908. Entre 1911 y 1914 vivió en París, donde estudió en la Académie Colarossi, la Académie Julien y la Académie de la Grande Chaumière. Durante esa estancia, expuso en el Salon des Indépendants (1913 y 1914), conoció a Amadeo Modigliani, Fernand Léger, Georges Braque y Albert Gleizes, y presenció los Bailes Rusos de Sergei Diaghilev. Volvió a Brasil en 1914, con interés en la música y los bailes tradicionales. Entre 1919 y 1921, celebró una exposición de acuarelas y dibujos sobre temas indígenas en Recife, São Paulo y Rio de Janeiro. Fue cercano a los artistas Anita Malfatti, Victor Brecheret y Emilio Di Cavalcanti. Viajó a la ciudad de Ouro Preto, en Minas Gerais, hacia 1920, con la intención de rastrear las raíces brasileñas. Hacia 1922 expuso ocho obras nacionalistas en la Semana de Arte Moderna de São Paulo e ilustró el libro Légendes, croyances et talismans des Indians de L’Amazonie, de Pierre-Louis Duchartre. El año siguiente realizó máscaras y vestuarios para el baile Legendes indiennes de L’Amazonie. Durante los años 20 expuso obras religiosas en la Galerie L’Effort Moderne de Léonce Rosenberg, asimismo volvió a exponer en los Salons des Indépendents y Salons des Tuileries. Entre 1924 y 1925 adaptó Légendes para convertirla en obra de teatro. En 1930 fue incluido en la Prémiere exhibition des artistas latin-américans organizada por Joaquín Torres-García, en la Galerie Zack de Paris. Colaboró en la revista literaria Montparnasse con el poeta y crítico de arte Géo Charles; con él llevó a São Paulo, Rio de Janeiro y Recife la primera exposición internacional de arte moderno en Brasil intitulada L’Ecole de Paris en 1930; esta muestra incluía obras de Braque, Léger, Pablo Picasso, Joan Miró, Gino Severini y Tarsila do Amaral, entre otros. Volvió a Recife en 1932 e inició una etapa de cercanía a las letras: dirigió la Prensa Oficial del Estado de Pernambuco, fundó la revista Rerenovação en 1939, planeó el I Congresso de Poesia do Recife, publicó sus Poemas de bolso en 1941 y fundó la editorial La Press a Bras en 1945. A la par continuó con su producción plástica: decoró la Capilla Brasileña del Pabellón Vaticano, en la Exposición Internacional de París de 1937, asimismo expuso y fue premiado en el Salão do Estado de Recife de 1942. Cuatro años después volvió a París, donde mantuvo su carrera como poeta y colaboró en exposiciones; en 1960 fue condecorado con el Prêmio Guillaume Apollinaire por su libro de sonetos Broussais - La Charité. En 1957 regresó a Brasil y fue nombrado profesor en la Escola de Belas-Artes da Universidade Federal de Pernambuco; además entre 1965 y 1968 fue docente en el Instituto Central de Artes de Brasilia. En 1971 se le organizó una exposición retrospectiva en el Museu de Arte Contemporânea de la Universidad de São Paulo.

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VICTOR BRECHERET (ITALIA, 1894-1 SÂO PAULO 955) A los diez años de edad se mudó a São Paulo con sus tíos maternos. Ahí estudió en el Liceo de Artes y Oficios. En 1913, viajó a Roma, donde se volvió discípulo del escultor Arturo Dazzi y entra en contacto con las vanguardias artísticas. Se interesa particularmente en el trabajo del artista croata Ivan Meštrović y del francés Auguste Rodin. Cuando vuelve a Brasil, instala un taller en el Palacio de las Industrias; el grupo modernista admira su trabajo y se dedica a promoverlo. Piezas como Ídolo y Eva son representativas de esta etapa. En 1921, Brecheret obtiene una beca para estudiar en París. Permanece ahí quince años: expone en el Salón de Otoño, en el Salón de la Sociedad de Artistas Franceses y en el Salón de los Independientes; convive con el círculo vanguardista, particularmente con Brancusi, Léger, Picasso y Archipenko, y con los artistas brasileños instalados en Francia. De este periodo son sus obras Tocadora de Guitarra, Dançarina y Mise au Tombeau. Participa con varias esculturas en la Semana de Arte Moderna de São Paulo, aunque no acude al evento; también forma parte de la Sociedad Pro Arte Moderna y expone en el Salón Revolucionario y el Salón de Mayo. A finales de la década de los treinta, se instala en São Paulo. Se dedica principalmente a realizar esculturas públicas y trabajos con temas religiosos; inicia, por ejemplo, la construcción del Monumento às Bandeiras y el Monumento al Duque de Caxias. En su último periodo, su trabajo adquiere una influencia notable de la cultura indígena, así como del primitivismo. Se consagra como el mejor escultor nacional en la I Bienal de Sâo Paulo en 1951; para la cuarta edición, se dedicaría una sala especial a su obra.

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ISMAEL NERY (BELÉM, BRASIL, 1900 – RÍO DE JANEIRO, BRASIL, 1934) Ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes. En 1920 viajó con destino hacía Europa en donde realizó estudios relacionados con el arte. En Francia, mantuvo contacto con Picasso entre otros renombrados artistas del momento. De vuelta a su país realizó proyectos arquitectónicos en el Ministerio de Hacienda de Brasil. Su obra fue reconocida como parte del expresionismo. Regresó a Europa en 1927, se relacionó con los surrealistas, inspirado por la obra del pintor francés Marc Chagall. Un año después se llevó a cabo su primera exposición individual en la ciudad que lo vio nacer, en Belém. Al año siguiente se efectuó una importante exposición en Río de Janeiro. Cuando su salud se vio deteriorada, producto de una tuberculosis, su obra se tornó metafísica. Participó en el Salón Revolucionario en 1931. Su inquietud filosófica allanó el camino a un sistema de índole tomista que él denominó como Esencialismo

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CÍCERO DIAS (PERNAMBUCO, BRASIL 1907- PARÍS 2003) Se trasladó a Río de Janeiro en 1926 y comienzó la carrera de arquitectura, pero la abandona poco después. Se involucó con el grupo de modernistas que se formó en torno a la Revista de Antropofagia en los años siguientes. En 1931, participó en el Salón Revolucionario con su obra Eu vi o mundo... ele començava no Recife, un panel de doce metros que fue ampliamente comentado en la muestra. Por causa de la dictadura de Getulio Vargas Dias se exilia voluntariamente en París en 1937. Ahí frecuenta, sobre todo, a los artistas surrealistas, así como a Pablo Picasso y a Paul Éluard, con quienes establece una relación más cercana. Debido a los conflictos ocasionados por la Segunda Guerra Mundial, en 1942 el ejército alemán lo toma prisionero; sin embargo, el gobierno brasileño negocia su liberación en Portugal. Él vuelve a París en secreto, pero meses después regresa a Lisboa y se dedica a completar sus estudios artísticos; se interesa particularmente en las relaciones culturales entre su país natal y el que lo acoge en ese momento. Acabada la guerra, Dias se instala definitivamente en París, donde forma parte del grupo abstraccionista Espace. Sin embargo, hace frecuentes viajes a Brasil. Participa, por ejemplo, en la exposición inaugural del Museo de Arte Moderna de São Paulo en 1949; además, pinta los murales abstractos de la actual Secretaría de Hacienda del estado de Pernambuco y logra que El Guernica de Picasso se exponga en Brasil en 1953. En la segunda mitad de la década de los cincuenta expone su obra en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, el American Art Museum de San Francisco, el MoMA de Nueva York, entre otros. En los años sesenta, su pintura se caracteriza por un retorno a la figuración. Sigue produciendo y exponiendo su obra en las siguientes décadas, hasta su muerte.

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EMILIANO DI CAVALCANTI ( RÍO DE JANEIRO 1897-1976) Comenzó su carrera a los diecisiete años publicando caricaturas en revistas cariocas. Poco después, se trasladó a São Paulo y en 1917 realizó su primera muestra individual, en un momento en que otros jóvenes pintores exponían nuevas formas e intereses artísticos alejados de las concepciones del canon paulista. Todos ellos pasaron inadvertidos o no tuvieron una recepción positiva en el medio cultural de la época. Sin embargo, formaron el grupo que en 1922 llevaría a cabo la Semana de Arte Moderna, que consistió en una serie de exposiciones de arte plástico, conferencias, lecturas de poemas y recitales de música de carácter marcadamente vanguardista. Di Cavalcanti participó activamente en este evento, que marca el surgimiento de la corriente conocida como modernismo brasileño; posteriormente viajó a París en 1923 y ahí conoció al círculo intelectual de la vanguardia europea (Picasso, Braque y muchos otros). A su regreso a Brasil en 1925, participó en el Club de los Artistas Modernos, del Salón Revolucionario y del Salón de Mayo, que marcó la incursión de los modernistas en las exposiciones oficiales y académicas, y definirían su marcada postura política, cercana al comunismo. En este periodo el artista, además de ser pintor y caricaturista, haría ilustración de libros, diseño de joyería y escenografías para teatro; también realizaría murales y decoraría espacios públicos. En 1935, Di Cavalcanti deja su país por problemas con el régimen de Getulio Vargas y esto lo llevó a exponer en múltiples ciudades europeas, participar en bienales y obtener premios y reconocimientos. En 1960, viajó a México para participar en la II Bienal Interamericana, presentada en el Palacio de Bellas Artes, y recibe una Mención Honorífica especial por su participación en dicho evento.

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JOHN GRAZ (GINEBRA, SUIZA 1891- SÃO PAULO, BRASIL 1980) Comenzó sus estudios en arquitectura, decoración y diseño en la Escuela de Bellas Artes en su país natal a los diecisiete años. Entre 1911 y 1913, estudió diseño gráfico en Munich y se especializó en publicidad. También obtuvo becas para viajar a España en dos ocasiones; de estas estancias, resultaría una serie de paisajes y pinturas con escenas toledanas de influencia postimpresionista. A su regreso de Suiza, convivió con los artistas brasileños Regina Gomide y Antonio Gomide. En 1920, decidió mudarse a São Paulo. Ese mismo año llevaría a cabo su primera exposición individual en la ciudad. A partir del evento, establecería contacto con el grupo de artistas que organizó la Semana de Arte Moderna, en la que participó en 1922; además, formó parte de la Sociedad Pro Arte Moderna, el Salón del Sindicato de Artistas Plásticos y el Salón Revolucionario. Durante la década de los veinte, al igual que muchos otros exponentes del modernismo brasileño, viajó a París en varias ocasiones y mostró particular interés en el estilo Art Déco, que luego introdujo en Brasil. En 1923, colaboró con el arquitecto ruso Gregori Warchavchik en la decoración de las casas paulistas que éste diseñaba. La arquitectura de interiores fue su principal actividad desde entonces. Graz incursionó en el diseño de mobiliario, tapicería y otros objetos de uso cotidiano; se involucró, sobre todo, en los procesos de producción y en la introducción de nuevos materiales. En esta etapa también pintó algunos frescos con motivos históricos pero, al final de su carrera, exploró la abstracción geométrica. En 1976, expuso su vasta obra plástica en la IX Bienal de Sâo Paulo.

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BIOGRAFÍAS NÚCLEO 2 A N T R O P O FA G I A Y M O D E R N I D A D A R T E B R A S I L E Ñ O E N L A C O L E C C I Ó N FA D E L . 1 9 0 8 - 1 9 7 9

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CÂNDIDO PORTINARI (BRODOWSKI SP, 1903- RÍO DE JANEIRO, 1962) Fue hijo de inmigrantes italianos y desde muy joven se relacionó con pintores que le despertaron su interés por las artes. Fue hasta 1918 cuando se trasladó a Río de Janeiro que ingresó como alumno libre a la Escuela Nacional de Bellas Artes de esta región. Años más tarde participó en el Salón Nacional donde recibió una mención que posteriormente le permitió conseguir un premio para continuar sus estudios en Europa. A su vuelta a Brasil logró presentar una muestra individual y se vinculó con el gobierno encabezado, por Gétulio Vargas. Debido a lo anterior, fue comisionado para impartir clases de pintura mural en Río de Janeiro y para realizar murales en el Ministerio de Educación. Para 1944 ya era un artista consolidado y comenzó a trabajar con el arquitecto Oscar Niemeyer, en la decoración de la Iglesia de San Francisco Pampulha en Belo Horizonte. Su talento como muralista lo lleva a realizar obras en edificios públicos de Brasil e incluso en Nueva York donde ejecutó el fresco La Guerra y la Paz en 1953 para el edificio de las Naciones Unidas. Sus intereses políticos lo llevan a afliliarse al partido comunista en la década de los años cuartenta y se postula como diputado. La temática de Portinari radica en lo social. Desarrolló principalmente escenas vinculadas al trabajo y la producción del café.

APG

LASAR SEGALL (VILNA, LITUANIA, 1891 – SÃO PAULO, BRASIL, 1957) Estudió en Berlín entre 1906 y 1909 en la Akademie der Bildenden Künste. Se mudó a Dresde en el año de 1910. Ganó el premio Libermann, junto con el grupo “Freie Sezession”, en su primera exposición individual en Gurlitt Galerie. Al ser parte del movimiento expresionista conoció a Otto Dix y George Grosz. En 1912 viajó por primera vez a Brasil, donde realizó diferente exposiciones que tuvieron gran trascendencia. En 1913 regresó a Dresde y fue confinado durante la Primera Guerra Mundial debido a su condición de ciudadano ruso. Durante 1919, fue cofundador de la “Sezession Grupe” en Dresde. Su obra expresionista también fue expuesta en lugares como el Folkwang Museum, Hagen y en la Kunsthalle Leipzig. Se mudó a Brasil en 1923 y realizó algunas exposiciones, una de las cuales reunió gran parte de su obra. En Alemania presentó obras con temática de la vida cotidiana en Brasil y sobre las diferentes clases sociales. También en Brasil, fundó la Sociedade Pró – Arte Moderna (SPAM). Durante la décadas de los treinta y cuarenta se enfocó en temas del sufrimiento. Una décaca posterior su temática se basó en la realidad social brasileña y en el paisaje abstracto. Su obra tuvo mucho auge tanto en París como en Nueva York. El Museo Lasar Segall en São Paulo se fundó en 1970.

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FLAVIO DE CARVALHO (RÍO DE JANEIRO 1899- SÃO PAULO, 1973) Estudió ingeniería civil y bellas artes en Newcastle, Inglaterra. Se mudó a São Paulo en 1922, donde trabajó en instituciones públicas y empresas, hasta que en 1926 abrió su propio despacho de arquitectura. Durante este periodo mantuvo una estrecha relación con el grupo de la Revista Antropofagia y en 1930 asistió como su representante al IV Congreso Panamericano de Arquitectura. Un año después, por su interés en el psicoanálisis y la antropología, realizó el polémico evento Experiencia Nº2, para el cual atravesó una procesión religiosa en sentido contrario con la finalidad de estudiar la reacción popular, que fue sumamente violenta. Para documentar su experimento, escribió un ensayo homónimo con algunas ilustraciones. En 1932, De Carvalho fundó el Club de los Artistas Modernos, que proponía la colaboración entre sus miembros por la defensa de los intereses de clase, haciendo énfasis en los aspectos sociales y políticos del arte. Dentro de ese proyecto, también creo el Teatro de la Experiencia, donde presentó espectáculos experimentales (en ellos combinaba teatro, danza y música) que se consideran manifestaciones precursoras del performance. Además de su actividad intelectual, De Carvalho se dedicó a la pintura, al dibujo (destacan sus retratos de artistas con los cuales colaboró), al grabado y la acuarela. Incursionó también en el diseño de modas con el objetivo de hacer nuevos experimentos estéticos en lugares públicos (su propia vestimenta fue muy controvertida). Durante su carrera participó en las exhibiciones de los diversos salones de arte, en bienales y múltiples muestras internacionales; incluso, fue nominado al premio Nobel de literatura en 1939. La obra de De Carvahlo abarcó las más diversas disciplinas y se caracteriza por la inclusión de nuevos materiales, así como por la creación de espectáculos o actuaciones irreverentes.

MFGM

MARIA MARTINS (MINAS GERAIS, 1900 – RIO DE JANEIRO, 1973) Maria de Lourdes Alves Barbosa, mejor conocida como Maria Martins fue escultora, grabadora, diseñadora, pero también incursionó con gran talento en la música y la literatura. Estuvo casada con Carlos Martins, que se desempeñó como embajador de Brasil, previo a la segunda guerra mundial en Japón. Maria estudió escultura en Europa a lado de artistas reconocidos como Catherine Barjanski y Oscar Jespers. Su primera exposición individual se realizó en Washington en 1941. Tuvo otras importantes muestras en Río de Janeiro y en Paris. Utilizó diferentes técnicas para producir su trabajo en escultura, como madera, terracota, cerámica y mármol con cada una de ellas representó formas “orgánicas y sensuales”. Para crear su obra se inspiró en la naturaleza y en la magia de la cultura de su tierra natal. Se relacionó con Marcel Duchamp y con otros artistas de la corriente surrealistas. Fue reconocida con el premio de escultura en la IV Bienal Internacional de São Paulo.

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AGNALDO MANUEL DOS SANTOS (ISLA DE ITAPARICA, BA, BRASIL 1926 - SALVADOR BAHÍA 1962) Es uno de los más importantes escultores de Brasil. Durante su juventud trabajó como leñador y fabricante de cal. Muy pronto conoció al escultor Mario Cravo Jr. y lo asistió en su taller, ahí se relacionó por primera vez con materiales para trabajar la escultura, igualmente aprendió diferentes técnicas relativas a esta labor. Decide, a partir de esta experiencia, dedicarse a la escultura y se inspira en el arte africano. Sus piezas están realizadas con madera y otros materiales orgánicos. Las temáticas que utiliza para desarrollar su obra van desde temas populares afrobrasileños y temas religiosos, aunque siempre inspirado en las culturas africanas. En 1957 participó en la IV Bienal de São Paulo, ese mismo año presentó su primera exposición individual en una pequeña galería en Río de Janeiro, otras muestras más fueron realizadas en en el Museo de Bellas Artes de Rio de Janeiro, el Grand Palais en Francia, la Galerie Petit en Rio de Janeiro, entre otros.

DLPC

ALFREDO VOLPI (LUCCA, ITALIA, 1896 – SÃO PAULO, BRASIL, 1988) Fue un pintor autodidacta que emigró con su familia de Italia a São Paulo cuando tenía alrededor de dos años. A partir de 1910 comenzó a trabajar en espacios públicos como pintor y diseñador. En 1914 pintó su primer paisaje con un estilo postimpresionista. En 1935 se vinculó con otros artistas inmigrantes que, como él, no poseían un ideario estético ni pretendían crear un movimiento, simplemente buscaban explorar con la técnica para concretar propuestas estéticas. Por esta razón decidieron alquilar un local en el Edificio Santa Helena que rápidamente se convirtió en un punto de encuentro y de trabajo colectivo. El Grupo Santa Helena, fue el primer núcleo de artistas en São Paulo. Por esos años, Volpi se encontraba pintando paisajes de los alrededores de Sao Paulo, retratos y naturalezas muertas. A partir de 1940 comenzó a alejarse del impresionismo y del expresionismo y acercarse a la abstracción formal. A mediados de los cincuenta expuso en la I Exposición Nacional de Arte Concreto. En la siguiente década, y hasta mediados de los setenta, su obra se insertó en el constructivismo brasileño. Una de sus etapas más conocidas es la abstracta, que utilizó fachadas de edificios y populares elementos ornamentales para crear composiciones geométricas en las que resaltó la forma y el color. El Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro celebró exposiciones retrospectivas de su obra en 1957 y 1972.

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RUBEM VALENTIM (SAN SALVADOR BAHÍA, 1922 - 1991 SÃO PAULO) Se graduó en odontología e incursionó en la pintura, la escultura y el grabado de manera autodidacta en los años cuarenta. Entre 1946 y 1947, participó, junto con artistas como Mario Cravo Júnior y Carlos Basto, en un movimiento de renovación de las artes en Bahía. El año siguiente, ingresa a la universidad de su ciudad natal para estudiar periodismo y se graduó en 1953. A partir de entonces, se dedicó a escribir sobre arte. Se muda a Río de Janeiro en 1957, donde se desempeñó como profesor asistente de cursos de Historia del Arte en el Instituto de Bellas Artes. En esta etapa, abandonó completamente la figuración de sus primeros trabajos y adquierió un carácter geométrico próximo a la estética concretista. Como premio por su participación en el Salón Nacional de Arte Moderna de 1962, obtiene una estancia de tres años en Roma. En 1966 participó en el Festival Mundial de las Artes Negras, en Senegal. Su producción artística de la década de los sesenta exploró la iconografía de las religiones afrobrasileñas. De regreso en Brasil, se instaló en Brasilia e impartió clases en el Ateliê Livre del Instituto de las Artes de la ciudad. Realizó su primera obra pública en 1972, un mural de mármol para la sede de Novacap, una empresa estatal brasileña; también realizó una serie de monedas conmemorativas con motivos afrobrasileños para la Casa de Moneda unos años después. En 1976 publica su Manifesto Ainda que Tardio. En la década posterior, continuó participando en las bienales de São Paulo y organiza exposiciones individuales en los principales museos de arte moderno de su país.

MFMG FRANS KRAJCBERG (KOZIENICE, POLONIA, 1921) Pintor, escultor, grabador y fotógrafo de origen polaco. Nació dentro de una humilde familia de comerciantes judíos, en los tiempos convulsos previos a la Segunda Guerra Mundial. Krajcberg perdió a su madre cuando era adolescente y tuvo que enfrentarse pronto a la guerra. De aquellos años, el pintor no guarda recuerdos. Al huir de los invasores alemanes, se refugió en territorio controlado por los soviéticos uniéndose al Ejército Rojo. Resultó herido en batalla y, mientras se encontraba convaleciente, se refugió en la pintura. Posteriormente vivió en Leningrado –actual San Petersburgo–, estudiando ingeniería hidráulica, al mismo tiempo que asistía a clases de arte. Al terminar la guerra se refugió en Alemania (1946-1947), donde retomó sus estudios artísticos, y vivió por poco tiempo en París. Krajcberg se trasladó a Brasil en 1948, país que le ha permitido liberar sus capacidades artísticas y, sobre todo, encontrar su verdadera vocación: la defensa del medio ambiente. Actualmente, Krajcberg trabaja activamente en escultura y fotografía, al mismo tiempo que denuncia los crímenes de la civilización contra la naturaleza –sobresaliente es su defensa del Amazonas–. Sus creaciones artísticas son el medio a través del cual el artista ha encontrado fuerzas para resistir y reconciliarse con su pasado. Sus esculturas, realizadas a partir de troncos, ramas, raíces y otros materiales orgánicos, nos muestran el daño que causamos a la naturaleza y nos recuerdan que somos parte constituyente de ella.

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TOMOSHIGE KUSUNO (YUBARI, JAPÃO, 1935) Pintor, grabador y dibujante de origen japonés. Inició su carrera artística en Tokio antes de establecerse en Brasil en el año de 1960. Ha participado en numerosas exposiciones que dan cuenta de su creatividad y talento. Creador de un lenguaje y un mundo pictórico propio, sus composiciones despliegan múltiples significados a partir de la experimentación con diversos medios y técnicas. A su llegada a Brasil, en la década de los 60’, Kusuno se aproximó a las corrientes neofigurativas que se desarrollaban en el país sudamericano y en otras partes del mundo. Estas tendencias pictóricas representaron un regreso a la figuración –negada por el abstraccionismo–, evitando caer en los modelos descriptivos tradicionales y privilegiando un tratamiento libre de la figura. En esta época, los pintores brasileños utilizaron nuevamente la pintura figurativa para realizar una crítica que denunciaba las circunstancias sociales de Brasil. En consonancia con su tiempo, Kusuno experimentó con el collage, el dibujo y el lenguaje de los medios de comunicación de masas. Participó en las exhibiciones Opinião 65 y Propostas 65 que tuvieron lugar en las ciudades de Rio de Janeiro y São Paulo, respectivamente; y que fueron de vital importancia para el desarrollo del arte brasileño. Se dedicó también con pasión a la docencia, difundiendo la importancia del arte en la vida. No obstante sus propuestas próximas a la nueva figuración donde los temas urbanos son centrales, Kusuno ha desarrollado también composiciones donde el trazo grueso sobre el lienzo es protagonista. Estas obras, posibles remembranzas del arte oriental, nos muestran cómo todo trazo con sentido lleva consigo múltiples significados.

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FLÁVIO-SHIRÓ TANAKA (SAPPORO, JAPÓN, 1928) Pintor, grabador, diseñador, escenógrafo y fotógrafo brasileño de origen japonés. Hijo menor de descendientes de samuráis que emigraron a Brasil en 1932. Shiró Tanaka creció en Tomé-Açu, en la Amazonia, y se trasladó a São Paulo, en 1939, buscando mejores condiciones laborales y de estudio. Con 14 años, realizó sus primeras composiciones pictóricas. Naturalezas muertas y escenas cotidianas de la ciudad son el tema recurrente de su primera producción. Al cumplir 15 años comenzó a trabajar en una fábrica de cerámica y, posteriormente, diseñó carteles para salas de cine. En aquella época, Shiró Tanaka conoce al grupo de artistas proletarios Santa Helena, entrando en contacto con Alfredo Volpi, Francisco Rebolo, Mário Zanini y Manoel Martins, entre otros. También participa en varias exhibiciones colectivas que le permitieron ganar reconocimiento, teniendo su primera exposición individual en 1950. Tres años después obtiene una beca para estudiar en París, ciudad que se convertiría en su segundo hogar. Este viaje representó una oportunidad de crecimiento artístico, al permitirle profundizar en el grabado, la litografía y el mosaico. Regresó a Rio de Janeiro años después, en 1983, pasando constantes temporadas en Francia. Actualmente Shiró Tanaka continua pintando. Su producción pictórica ha transitado por diversas temáticas y movimientos artísticos: desde obras figurativas y composiciones abstractas, hasta llegar a una pintura que tiende hacia una figuración apenas insinuada desde la que surgen seres y paisajes fantásticos, así como escenas oníricas.

JMC MANABU MABE (KUMAMOTO, JAPÓN 1924 - SÃO PAULO, BRASIL 1997) Pintor, grabador e ilustrador brasileño de origen japonés. Fue un importante representante del movimiento abstraccionista. Llegó a Brasil a la edad de diez años a bordo del navío “La Plata Maru”. Se instaló con su familia en el interior del estado de São Paulo, donde trabajó en una plantación de café al mismo tiempo que continuaba con su educación, estudiando los caracteres del idioma japonés por las noches. En 1941 se traslada a Lins, donde realiza sus primeros dibujos. En aquella época, se dedicaba a esta actividad sólo durante los días de lluvia, cuando no podía trabajar en las plantaciones. Su interés por la pintura lo llevó a relacionarse con importantes artistas como Teisuke Kumasaka, Tomoo Handa y Yoshiya Takaoka; con quienes profundizó en la teoría y técnicas pictóricas. En el año de 1951 expuso una obra en el Salón Nacional de Río de Janeiro, hecho que lo motivó a dedicarse definitivamente a la pintura. Pronto sus trabajos fueron reconocidos e inició un periodo de frecuentes exposiciones, lo que acrecentó su fama tanto nacional como internacional. Sus primeras composiciones son naturalezas muertas, paisajes y desnudos. También experimentó con formas geometrizadas. Sin embargo, Mabe sería reconocido posteriormente como uno de los precursores de la abstracción en Brasil, movimiento en el que destacó por su creatividad y complejo imaginario. Después de una vida dedicada a la pintura, Manabu Mabe falleció a los 73 años debido a complicaciones derivadas de la diabetes.

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IBERÉ CAMARGO (RESTINGA SECA, BR, 1914 - PORTO ALEGRE 1994) Inició sus estudios con los Padres Maristas. Desde muy joven se interesó por la pintura y la escultura. Camargo estudió en la Escola de Artes e Oficios, aunque poco tiempo después abandona la institución sin dejar de practicar dibujo y de estudiar geometría, arquitectura. Retomó los estudios formales en la Academia de Bellas Artes de Porto Alegre. Se destacó en el dibujo al trazar escenas citadinas. Durante su viaje a Europa, la atmósfera de este continente, las nuevas corrientes artísticas, incluso las pasadas le resultan de enorme interés y lo refleja en sus temas y técnicas. En la obra de Camargo destaca el grosor y fuerza de su pincelada, aunque persiste la ligereza de la línea en el dibujo y los toques rudos en la pintura. Estos trazos rústicos son acompañados por colores secos, oscuros, claros. Su temática abarca desde escenas cotidianas, naturaleza muerta, figuras y arte abstracto. Impartió clases en la Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Pasado el tiempo, su salud declinó, enfermo de cáncer y se resguardó en su hogar donde todavía dedicó empeño en su última pintura, Soledad. Después de su muerte se construyó un edificio que actualmente es ocupado por la Fundación Camargo, misma que ha tenido la intención de dar a conocer la obra completa del pintor e impulsar el arte y la cultura.

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SAMSON FLEXOR (MOLDAVIA, 1907- SÃO PAULO. 1971) Pintor de origen europeo considerado uno de los pioneros del arte abstracto en Brasil. Estudió química y arte en la Académie Royale des Beaux-Arts en Bruselas, en París en la École Nationale des BeauxArts y la Academie Ranson, bajo la tutela de Lucien Simon y Roger Bissiere. Fue influenciado por las vanguardias europeas y exploró nuevas figuraciones. Su primera exposición individual fue en 1927 en la Galerie Campagne Première de París. En 1929 fundó el Salon des Surindépendants. Después de 1930 comenzó a estudiar la plástica y simbolismo del arte bizantino religioso y realizó murales y frescos en iglesias. Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, huyó con su familia a Brasil por ser miembro de la Resistencia francesa. Al final de la guerra en 1945 regresó a París y su pintura se transformó hacia lo geométrico, el uso del color y la luz con elementos brasileños. Desde 1948 radicó en São Paulo, en 1951 fundó el primer grupo de arte abstracto del país Atelier Abstração, exploró las cualidades de la proporción áurea y la armonía matemática junto a Ciccilo Matarazzo, Flávio de Carvalho y Volpi, entre otros. En la década de los 50’s participó en las Bienales de São Paulo y la 27° Bienal de Venecia, además expuso en Alemania, Nueva York y varios países de Latinoamérica. Regresó al arte figurativo mezclado con la abstracción, el cual denominó antropomorfismo durante los 60’s, donde trabajó con tonos sombríos y contrastes de colores la temática del mundo destructivo humano.

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LUIZ SACILOTTO (SANTO ANDRÉ SP, 1924 – SAO BERNARDO DO CAMPO SP, 2003) Fue uno de los artistas del grupo de arte concreto de Sao Paulo más identificados con el movimiento. Estudió en la Escola Proffisional Masculina do Brás, de donde se graduó en 1943. Sus primeras obras demuestran una proximidad a la estética del Grupo Santa Helena en el que participó junto con Alfredo Volpi. Su formación le permitió trabajar como diseñador en la Holleith do Brasil entre 1944 y 1946. Durante estos años que comenzó a desarrollar trabajos asociados a la vertiente expresionista, con un vigor marcado fuertemente por los colores y las formas intensas. Esto le posibilitó su participación en las exposiciones 4 Novíssimos (1946) y 19 Pintores (1947), en la que conoció a los artistas Waldemar Cordeiro y Lothar Charoux. Con este último fundó posteriormente el Grupo Ruptura. En los años cuarenta realizó muchos diseños y generalmente retratos. Comenzó a pintar paisajes y naturaleza muerta. En el transcurso de esa década se acentuó su tendencia expresionista, y con el acercamiento a los trabajos de Jacob Ruchti y Cordeiro se vio inmerso en el abstraccionismo. Puede observarse en sus obras la tensión entre lo figurativo y lo abstracto, evidenciada con el uso de líneas rectas y colores y un aumento en la síntesis de los elementos. Sacilotto es considerado uno de los artistas más importantes del arte concreto en Brasil, con una pintura que explora los fenómenos ópticos. Además, también se dedicó a la escultura, recurriendo a las formas tridimensionales con una serie de obras públicas en las que se valió de los mismos procedimientos de corte y doblado para crear volúmenes. El artista crea un juego ambiguo con formas, trabajando con temas que serán desarrollados más tarde por el Op Art. En sus diversas series producidas a partir de la década de 1970, entra en vigor la expansión y retracción, rotaciones y pliegues, dándole así mayor dinamismo a sus obras, basado en formas primarias. En el año 2000, como un homenaje de la ciudad de Santo André, lugar de nacimiento del artista, la principal arteria comercial de la ciudad, la calle Coronel Oliveira Lima, reprodujo sus obras en las aceras.

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JUDITH LAUAND (SÃO PAULO 1922) Pintora abstracta brasileña. Se graduó como profesora de alfabetización para niños, después estudió pintura en la Escola de Belas-Artes de Araquara bajo el mando del artista Mario Ybarra de Almeida. Comenzó a experimentar con el abstraccionismo en la década de los 50’s. Se mudó a la ciudad de São Paulo en 1952 y frecuentó a los artistas Geraldo de Barros, Alexandre Wollner y Waldemar Cordeiro, quien la invitó a formar parte del Grupo Ruptura. Fue la primera mujer que participó en el movimiento y se ganó el apodo “dama del concretismo” por sus obras al estilo concreto que actualmente sigue representando mediante sistemas geométricos. Asimismo experimentó con diversas técnicas el arte pop, la geometría abstracta y el arte político. Formó parte de la Exposición Nacional de Arte Concreto de 1956 presentada en Brasil y Alemania. Recibió numerosos premios y exhibió en varias ediciones de la Bienal de São Paulo y el Salão Nacional de Arte Moderna. En 2011 el Museu de Arte Moderna de São Paulo le dedicó una retrospectiva por 60 años de producción. Su obra ha sido expuesta en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Vive y continúa pintando en São Paulo, Brasil.

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MAURÍCIO NOGUEIRA LIMA (RECIFE, 1930- SÃO PAULO, 1999) Artista plástico, arquitecto y diseñador de origen brasileño. Estudió artes plásticas en el Instituto de Belas Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul en Porto Alegre, comunicación visual, diseño industrial y publicidad en el Instituto de Arte Contemporânea do Museu de Arte de São Paulo y arquitectura en la Universidade Presbiteriana Mackenzie de São Paulo. Conoció a los artistas Alexandre Wollner, Antonio Maluf y Leopold Haar quienes lo introdujeron al arte concreto y juntos fueron pioneros del diseño gráfico moderno brasileño. En 1955 formó parte del Grupo Ruptura invitado Waldemar Cordeiro. Experimentó con el cromatismo, los sistemas geométricos, el arte cinético, las instalaciones urbanas y el diseño de grandes ferias industriales de Brasil. Exhibió su obra en la Primera Exposición Nacional de Arte Concreto en Brasil y Alemania y participó en ocho ocasiones en la Bienal Internacional de São Paulo, así como en diversas exposiciones en Brasil, Europa y América Latina. Encaró la crisis política de los 60’s mediante una nueva figuración plasmada en carteles utilizando íconos populares y fotografía de alto contraste. Fue uno de los organizadores de la exposición Nueva Objetividad Brasileña en 1967. Se dedicó a dar clases en diversas universidades de São Paulo y en los 70’s volvió a la experimentación geométrica del color y el movimiento. Durante las décadas de los 80’s y 90’s creó instalaciones urbanas geométricas cromáticas en plazas y estaciones del metro en la ciudad de São Paulo.

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GERALDO DE BARROS (SÃO PAULO, 1923 - 1998) Entre 1945 y 1947 estudió dibujo y pintura con los artistas Clóvis Graciano, Colette Pujol y Yoshiya Takaoka. Participó en el Grupo 15 junto con otros artistas, principalmente de origen japonés, en 1947. A partir de 1948, De Barros frecuenta el Foto Cine Club Bandeirante y realizó proyectos fotográficos; de entre ellos, destaca la creación del laboratorio de fotografía del Museo de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand. En 1951 expuso su serie Fotoformas, que introduce el abstraccionismo en esta disciplina en Brasil. Con ella, gana una beca para estudiar en París; toma clases en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de la ciudad, además de frecuentar los cursos de artes gráficas de la Escuela Superior de Diseño en Ulm, Alemania. De regreso en su país natal, obtiene el Premio Adquisición de la Bienal de São Paulo. También funda el Grupo Ruptura, el primero que se interesa en el arte concreto; organiza la primera muestra de la asociación en el Museo de Arte Moderno de São Paulo en 1952 y firma el Manifiesto Ruptura. Dos años después, crea Unilabor, una cooperativa de diseño y producción de muebles y algunos otros objetos cotidianos. Cuando se cierra la empresa en 1964, forma parte de la firma Hobjeto Móveis. En 1957, al lado de los artistas y diseñadores Alexandre Wollner y Rubem Martins, funda una empresa dedicada a la creación de marcas y logotipos, Form-Inform. En la década de los sesenta, colabora con el Grupo Rex, con tendencias al arte pop y a la nueva figuración. Con esta agrupación establece un espacio alternativo para llevar a cabo conferencias, exposiciones, proyecciones y happenings. En su última etapa de producción, de 1980 en adelante, se dedica exclusivamente a la fotografía.

MFMG WALDEMAR CORDEIRO (ROMA 1925- SÃO PAULO - 1973) Comenzó su formación artística en la Escuela de Bellas Artes de esa ciudad. Vinculado al comunismo a lo largo de toda su vida, desde 1943 incursiona en la caricatura de sátira política en periódicos como el Petirosso en Italia y más tarde en 1946 en el Diario Latino de São Paulo, ciudad en la que se instala definitivamente en 1949 después de varios viajes entre su ciudad natal y Brasil. En ese año el diario Folha da Manha lo contrata como ilustrador y reinicia su actividad periodística como columnista y crítico de arte. Ese mismo año, alejado ya del expresionismo, participa en la muestra inaugural del Museo de Arte Moderno de São Paulo “Del Arte Figurativo al Arte Abstracto”. En 1952, Cordeiro junto con Anatol Wladyslaw, Lothar Charoux, Geraldo de Barros, Luiz Sacilotto y Kazmer Féjer –artistas la mayoría de origen extranjero residentes en São Paulo–, organizan un grupo y una exposición titulada “Ruptura” que marcó el inicio oficial del Arte Concreto en Brasil. Cordeiro –teórico y líder del grupo–, lanza el “Manifiesto” de la agrupación que estipulaba “romper con lo viejo”, en referencia al arte figurativo de corte nacionalista que había caracterizado el arte de su país la primera mitad del siglo. A finales de la década de los sesenta, incursionó en el arte pop y posteriormente abandonó la pintura de caballete para convertirse en pionero del arte hecho en computadora. Artista multifacético y figura central del arte brasileño de la segunda mitad del siglo XX.

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KAZMER FÉJER (PÉCS, HUNGRIA 1923 - SESIMBRA, PORTUGAL 1989) Se graduó en química industrial, su formación como artista plástico la recibe en la Academia de Bellas Artes de Budapest. En 1949 se traslada a Brasil para exponer su obra, invitado por el pintor, crítico y teórico de arte, el italo-brasileño Waldemar Cordeiro, a quién conoció en el Club de Arte de Budapest –agrupación que fundara Féjer años atrás–. En 1951 participó en la primera edición de la Bienal de São Paulo. Ya establecido en esta ciudad, convive además con otros artistas, también de origen extranjero, como Leopoldo Haar, Anatol Wladyslaw, Lothar Charoux, Luiz Sacilotto y otros, con quienes, en 1952 funda el “Grupo Ruptura”, cuya filosofía fue fundamental y marcó el inicio de una nueva etapa del arte en Brasil: el desarrolllo del “arte concreto” que significó el abandono absoluto del arte figurativo, la representación de la naturaleza y la expresión de sentimientos. Dentro de esta corriente artística Féjer destacó principalmente como escultor y echó mano de materiales como el vidrio y el acrílico para la realización de sus obras. Fue asímismo fundador de de la Asociación de Artes Visuales y las Nuevas Tendencias (1963). Los últimos años de su vida los dedicó a la industria de coloración de plásticos y a la extracción de productos marinos. Murió en Sesimbra, Portugal.

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LYGIA CLARK (BELO HORIZONTE 1920 - RÍO DE JANEIRO1988) En 1947 que se mudó a Río de Janeiro e inició sus estudios artísticos con el arquitecto Burle Marx y la pintora Zélia Salgado. En 1950 viajó a París y tomó clases con los artistas Isaac Dobrinsky, Arpad Szènes y Fernand Léger. De vuelta en Brasil, en 1954, formó parte del Grupo Frente, interesado en el concretismo. Las series Superficie modulada y Planos en superficie modulada son representativas de este periodo de creación. En 1957 Clark fundó, junto con otros artistas brasileños, el Grupo Neoconcreto, expone en su primera muestra oficial y firma el primer manifiesto. Esta etapa de la artista se caracterizó por el interés en las figuras tridimensionales, así como en la interacción del espectador en su obra. La serie Bichos surge en este periodo. En 1960, recibe el Premio Internacional Guggenheim. A finales de esta década, participa en la muestra de la Nueva Objetividad Brasileña en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro. Clark experimenta con las instalaciones y con objetos de uso diario en estos años. En 1968, se establece en París para dar clases en la Sorbona. Regresa a Brasil en 1976. Su actividad se enfoca en las experiencias corporales y en las posibilidades terapéuticas del arte sensorial y de los objetos relacionales. Por ello, esta fase de producción se relaciona con el psicoanálisis. En 1986 se realiza la más grande retrospectiva de su obra en vida en el IX Salón de Artes Plásticas del Palacio Imperial de Río de Janeiro.

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DÉCIO VIEIRA (RÍO DE JANEIRO. 1922 - 1988) Comenzó sus estudios en 1946 de pintura y diseño en la Fundación Getúlio Vargas con Axl Leskoschek y Fayga Ostrower. Más tarde asiste al taller del pintor Ivan Serpa en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, artista que fuera el principal portavoz y líder en la decáda siguiente del “Grupo Frente”; una asociación de artistas –Décio Vieira entre ellos–, unidos por el rechazo a la pintura fugurativa moderna y nacionalista, considerado un hito del arte constructivista en Brasil. Vieira participa en las muestras que el grupo realiza entre 1954 y 1956. Hacia finales de la década la producción artística de Vieira se vuelve al arte concreto y neo-concreto cuando el grupo se desintegra. Posteriormente aprende la técinca del temple con Alfredo Volpi y juntos trabajan la pintura al fresco “Don Bosco” en el Palacio de los Arcos de Brasilia (1966). Durante los años setenta retorna al figurativismo, principalmente al paisaje; regresa como docente a los cursos del Museo de Arte Moderno de Río y crea una escuela de arte para los niños de bajos recursos en la favela Rocinha.

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HÉLIO OITICICA (RÍO DE JANEIRO 1937 - 1980) Inició sus estudios en 1954 con el artista Ivan Serpa en el Museo de Arte Moderno de esta ciudad. Poco después, entró en contacto con el Grupo Frente, principalmente con Lygia Clark, y participa en su segunda exposición colectiva; siguió colaborando con ellos los años siguientes. Entre 1956 y 1957 realiza una serie de gouaches sobre papel que se denominó Metaesquemas. Estas pinturas geométricas introducen el conflicto entre el espacio pictórico y el espacio extra-pictórico. En 1959 fundó, junto con otros artistas, el Grupo Neoconcreto, que organizó varias muestras y publica un manifiesto. En esta etapa, Oiticica realizó obras monocromáticas, así como algunas tridimensionales. Además, hace exploraciones con espacios ambientales y se interesa en el arte constructivo; expone las maquetas de sus proyectos en esta temporada. Durante la década de los sesenta, colabora con la Escuela de Samba Estação Primeira de Mangueira. Ahí surgen los Parangolés, obras que entremezclan instalación, body art, happening y perforamance. En ellas se combina baile, música y poesía con diversos elementos visuales, como vestimenta, estandartes y banderas. Participa en la exposición Nueva Objetividad Brasileña en el MAM de Río de Janeiro. En 1969, presentó una muestra individual en la Whitechapel Gallery de Londres. Se estableció en Nueva York el año siguiente tras haber obtenido una beca de la fundación Guggenheim; expone en el MoMA durante esta estancia. Ahí continúa produciendo otras obras del mismo tipo, pero se interesa también en las figuras pop de los setenta, así como en el cine, en el que incursionó en varias ocasiones. Vuelve a su ciudad natal en 1978 donde fallece

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ALUÍSIO CARVÃO (BELÉM PA 1920 - POÇOS DE CALDAS MG 2001) Fue un pintor, ilustrador, escultor, actor, escenógrafo y maestro brasileño. Comenzó a dedicarse al arte a mediados de los años 40, exponiendo individualmente en Amapá, ciudad en la que vivía en ese momento; sus obras de esta época tienen más bien resonancia con el movimiento impresionista y se centraban mayormente en el paisaje. Durante la siguiente década se mudó a Río de Janeiro, a raíz de lo cual formó parte del Grupo Frente (1954-1957), liderado por Ivan Serpa (19231973), movimiento en contra del figurativismo-hedonista, defendiendo al arte como un medio de conocimiento y ejercicio imaginario; a pesar de que el grupo aceptaba cualquier forma que se opusiera al academicismo, éste estuvo consolidado mayormente por artistas concretos. En 1956, participó en la I Exposición Nacional de Arte Concreto en São Paulo y Río de Janeiro que reunió a todos los grupos que apuntaban hacia los propósitos enunciados por el concretismo. En 1959 firmó, junto con otros artistas como Amilcar de Castro, Franz Weissman, Lygia Clark, entre otros, el Manifiesto Neoconcreto, redactado por el escritor Ferreira Gullar (1930), ciñéndose a partir de entonces a construcciones logradas por medio del color, eliminando los límites entre figura y fondo ocupando el color como una cosa en sí. Participó asimismo en la exposición del suizo Max Bill (1908-1994) en Zurich titulada “Konkrete Kunst” en el año de 1960. Después de su participación en el Salón Nacional de Arte Moderno, recibió una beca para estudiar en el extranjero, residiendo en Europa hasta 1963. Tras su regreso exploró la incorporación de distintos materiales en sus composiciones como tapas de botella. A partir de los años 70 vuelve al tradicional óleo sobre tela explorando igualmente las cualidades líricas del color. También expuso en la muestra de Nueva Objetividad de Brasil en 1967; durante los años 80 mostró obras en distintas exposiciones de revisión de arte concreto y neoconcreto en Brasil. Las últimas obras de su vida, durante la década de los 90, exploraron una vuelta al figurativismo alternando con algunos elementos reminiscentes del arte concreto.

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CARLOS PRADO (SÃO PAULO, 1908-1992) Estudió arquitectura en la Escuela Politécnica de São Paulo durante la década de1920, fue diseñador, pintor, grabador, ceramista y arquitecto. Realizó estudios en Europa que contribuyeron en perfeccionar sus conocimientos sobre urbanismo. A su regreso a Brasil estudió con reconocidos artistas como Flávio de Carvalho y Antonio Gomide con quienes fundó el Club de Artistas Modernos al que también se sumó Emiliano Di Cavalcanti. Realizó diversas exposiciones individuales y colectivas y participó en la Bienal de Sao Paolo en 1951 y 1953. Aunque su temática fue diversa, abundan, en su obra, los temas de carácter social.

MILTON RODRIGUES DACOSTA (RÍO DE JANEIRO 1915- 1988) Estudió en la Escuela Naconal de Bellas Artes de Río de Janeiro en 1930. Fue pintor, diseñador, grabador e ilustrador. Participó en la formación del Núcleo Bernardelli. En 1944 ganó un premio que otorga la Sala Nacional de Bellas Artes para viajar a Estados Unidos. Una vez instalado en Nueva York estudia Artes estudió en la Arts Students League of New York . Dos años más tarde viajó a Europa y se encuentró con Cícero Dias y conoció a Pablo Picasso. Durante ese periodo comenzó a frecuentar los estudios de George Braque y George Rouault. Fue hasta 1947 que regresó a Brasil y se instaló en São Paulo. Durante esta década se acercó a la obra de Giorgio De Chirico, pintor italiano vinculado con la corriente metafísica, gran parte de esta experiencia y relación con este pintor se vio reflejada en sus obras que las nombró composiciones. Aunque su obra está inserta en el constructivismo, estilo que desarrolló de manera más constante a partir de la década de los años cincuenta, al final de su producción retoma nuevamente el figurativismo.

IVAN FERREIRA SERPA (RÍO DE JANEIRO 1923 -1973) Estudio pintura, grabado y dibujo fue uno de los creadores del Grupo Frente y es reconocido por sus propuestas pedagógicas relacionadas a la enseñanza de las artes plásticas. Durante muchos años fue líder del grupo Frente. En 1957 recibió un premio del Salón Nacional de Arte Moderno para viajar al extranjero. En 1965 participó en la exposición Opinião 1965, con este evento se marcó un nuevo momento para el rumbo de las artes plásticas una propuesta con tendencia figurativa. En 1970 fundó el Centro de investigación de arte de Río de Janeiro.

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ANTÔNIO MALUF (SÃO PAULO, 1926 —2005) Realizó estudios en ingeniería civil antes de ingresar a la Escuela Libre de Artes Plásticas en São Paulo. Entre las técnicas que utilizó se encuentra la gráfica y el dibujo. Fue uno de los primeros artistas en realizar el primer curso de diseño gráfico en América Latina en el Museo de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, entre los alumnos también se encontraba Maurício Nogeira Lima. A pesar de que su obra se vincula con la generación de artistas concretos, él no se relaciona profesionalmente con ningún grupo. Fue a partir de la década de los años cincuenta cuando su obra toma una identidad y cuando realizó sus primeras obras vinculadas al movimiento de artistas concretos. En 1951 participó en la primera Bienal Internacional de São Paulo y recibe el primer premio por su participación, a partir de entonces su trabajo se considera como hito para el diseño industrial en Brasil. Su trabajo como diseñador le permitió realizar carteles, logotipos, proyectos para publicidad, que de acuerdo con algunos autores, le dieron identidad a la ciudad de São Paulo.

LOTHAR CHAROUX (VIENA, AUSTRIA 1912 - SÃO PAULO, BRASIL, 1987) Realizó estudios con el escultor Siegfried Charoux, en 1928 se traslada a São Paulo y se inscribió en el Liceo de Artes y Oficios de esa ciudad donde conoce a Waldemar da Costa con quien realizó estudios de pintura. Una década después comenzó a frecuentar cursos de diseño en la Escuela de Artes y Oficios. En 1941 presentó su primera exposición individual, como muchos artistas de esta generación a partir de los años cincuenta, se vinculó con el movimiento de artistas concretos. Aunque en 1952 fundó, junto con otros artistas, el Grupo Ruptura y crea la Asociación de Artes Visuales y Nuevas Tendencias. En la obra de Charoux se identifican diferentes etapas, algunos autores consideran que su primer momento está vinculado con el Grupo Santa Helena y con el expresionismo. Un segundo momento es el relacionado con los constructivistas y en el tercero, a partir de 1950, desarrolló una serie de pinturas con superficie negra donde experimentó con los efectos de la luz y a través de figuras geométricas plantea los diferentes efectos ópticos del negro. En 1974 el Museo de Arte Moderno de São Paulo.

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WILLYS DE CASTRO (MINAS GERAIS, 1926 - SÃO PAULO, 1988) Fue un artista multidisciplinario, fue pintor, escenográfo, químico y experimentó con distintas técnicas. Sus primeros trabajos fueron de carácter abstracto. Se vinculó en la década de los años cincuenta con los artistas concretos. Durante 1954 participó en el movimiento Ars Nova y presentó sus proyectos en el Teatro de la Comedia Brasileña y un año después contribuye en la fundación de la revista Teatro Brasileño. Su trabajo en las artes escénicas lo hace merecedor de un premio por parte de la Asociación de críticos de Teatro de São Paulo. Entre 1959 y 1962 realizó su famosa Serie de Objetos Activos, una propuesta plástica donde el artista se revela contra el lienzo a través de la generación de volúmenes que dan la sensación de tridimensionalidad. Durante los años sesenta comenzó a experimentar con distintas técnicas y su constante impulso por renovar la academia y el rumbo de las artes brasileñas lo condujo a crear diversas asociaciones artísticas y de diseño industrial. De Castro es reconocido, también, por su activa participación en el movimiento neoconcreto y por sus aportes a éste.

LYGIA PAPE (RÍO DE JANEIRO, 1927-2004) Es una artista ampliamente reconocida en la renovación de las artes brasileñas. Fue escultora y cineasta, aunque también realizó trabajos de gráfica. Se le reconoce como parte del Grupo Frente y fue una de las creadoras del Manifiesto Neoconcreto, mismo que lleva a las artes escénicas donde concibe el Ballet Neoconcreto I. Participó en distintas exposiciones vinculadas con este movimiento. Durante la década de los sesentas se incorporó al cine y realizó algunas propuestas para impulsar el nuevo cine en Brasil. Uno de sus proyectos en cine más reconocidos, lo realiza en 1971 que título el paraguas rojo. Pape es reconocida junto con Clark y Hélico Oiticia por sus exploraciones en el género cinematográfico. En su obra se reconoce la ironía y una crítica a la situación política de ese momento. Pape también realizó obra donde expuso la situación de la mujer durante los años setenta en su obra de esta década, donde señala a la mujer como objeto de consumo. En 2004 se funda la Asociación Cultural Proyecto Lygia Pape para difundir su obra y que actualmente dirige su hija Paula.

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JOÃO JOSÉ COSTA (PARAÍBA, 1931-RÍO DE JANEIRO, 2014) Con estudios de arquitectura y pintura, Costa fue uno de los fundadores del Grupo Frente durante la década de los años cincuenta y fue de los artistas más activos dentro del movimiento de los neoconcretos. Fue alumno de Iván Serpa En 1953 participó en la exposición de Arte Abstracto Brasileño que se llevó a cabo en Río de Janeiro. Durante la década de los años cincuenta participó activamente en diversas exposiciones realizadas por el Grupo Frente y los concretos. En 2011 se realizó una exposición retrospectiva de su obra.

UBI BAVA (SÃO PAULO, BRASIL 1915 -1988) Reconocido como pintor y diseñador, ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes de Río de Janeiro y realizó algunos estudios sobre arquitectura y pintura. En 1947 fue profesor de diseño en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo en esa misma ciudad. En 1947 recibe la medalla de plata del Salón Nacional de Bellas Artes y posteriormente viaja a Italia. Participó también en la Bienal Internacional de São Paulo en sus distintas ediciones. Su obra se vincula con la abstracción geométrica, es considerado, por algunos autores como el pionero en la exploración y experimentación óptica, en su obra utilizó distintos materiales como espejos, donde el espectador es invitado a observar la obra y a sí mismo desde diferentes perspectivas.

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RAUL PORTO (SÃO PAULO 1936 -1999) Pintor y grabador, se interesó particularmente por el arte abstracto geométrico, vivió en la ciudad de Campinas desde 1938 y comenzó a dibujar e ilustrar poemas en el periódico Messidor en 1952. En 1957 formó parte de la primera muestra colectiva de Arte Contemporáneo de Campinas junto con artistas que posteriormente formaron el grupo de la vanguardia. Participó en 1957 ilustrando el periódico Correio Popular Campinas dirigida por Francis Smith. Para 1960 se encargó de la página literaria con el nombre “Minarete” experiencia que compartió junto con Heinzl, Thomaz Perina, José Armando Pereira da Silva, de este periódico se publicaron sólo ocho ediciones. Fundó junto con otros artistas el grupo Vanguardia en 1958, cuyo manifiesto se publicó en la revista Science Center, Letras y Artes de Campinas (CCLA), el grupo se reunió tres veces en la galería para exposiciones de la CCLA, en 1960, 1963 y 1964. A partir de 1958 y hasta 1966 participó en 26 exposiciones promovidas por Vanguardia y en otras muestras como la V Bienal de São Paulo y la muestra individual en la galería de arte Folha en 1960. En diciembre de 2009 el Museo de Arte Contemporáneo de Campinas, como parte del aniversario de las artes visuales en esa región, contó con una pantalla dedicada a Raúl Porto.

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RUBEM LUDOLF (MACEIÓ AL 1932 - RIO DE JANEIRO 2010) Rubem Mauro Cardoso Ludolf fue un pintor, arquitecto y paisajista. Arquitecto por profesión, graduado de la Universidad de Brasil en 1955; asistió a las clases impartidas por Ivan Serpa (19231973) en el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, formando parte de su Grupo Frente, y posteriormente del movimiento concretista. El Grupo Frente expuso por primera vez en el Instituto Brasil-Estados Unidos en Río de Janeiro el año 1954. Profesionalmente fungió como arquitecto la mayoría del tiempo, enfocándose en paisajismo; trabajó en el Departamento Nacional de Carreteras. Como artista, participó en cinco ediciones de la Bienal Internacional de Sao Paulo entre 1955 y 1967, recibiendo el premio de adquisición el último año. Durante los años 60 exploró más bien el abstraccionismo informal, regresando sin embargo, al geometrismo un tiempo después. Presentó obra en la Bienal de París en 1961, y formó parte del salón “Arte Construida: homenagem a Waldemar Cordeiro” en 1973. Su estilo estuvo enfocado en construcciones abstractas partiendo de efectos rítmicos a través del color, así sus composiciones totalmente ordenadas estimulan la percepción visual por parte del espectador, creando vibraciones por medio de la interacción entre línea y color. Para Ludolf la superficie de un cuadro funciona como un campo de fuerza en donde los elementos se atraen metódicamente para estimular la percepción del espectador, tal como lo apunta Ligia Canongia. Otro de los puntos interesantes en su pintura es la manera de lograr volúmenes a partir del uso del color y de series matemáticas.

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HÉRCULES BARSOTTI (SÃO PAULO 1914-2010) Fue un pintor, diseñador y grabador brasileño. Comenzó su carrera bajo la instrucción del pintor figurativo italo-brasileño Enrique Vio (1874-1960), en el año de 1926; sin embargo, termina la carrera de químico en el Instituto Mackenzie en los años 30 y no es sino hasta 1940 que se dedica a pintar seriamente. Comenzó su carrera con un lenguaje figurativo influenciado por el movimiento surrealista, siguiendo principalmente al pintor Dario Mecatti (1909-1976). Realizó sus primeras composiciones geométricas hasta mediados de los años 50s explorando la técnica de dibujo con tinta china. Fundó en 1954 el Estudio de Proyectos Gráficos con Willys de Castro (1926-1998), renovando el lenguaje gráfico del país a través de su trabajo como ilustrador en distintas revistas y diseños textiles. Viajó a Europa donde conoció a Max Bill (1908-1994) uno de los principales teóricos de arte concreto, quien sostuvo que se debe prescindir de cualquier referencia al mundo tangible y sus asociaciones simbólicas ya que los colores y líneas son concretos por sí mismos; los pintores concretistas exacerban así el uso de colores planos y de líneas rectas desprovistos de cualquier sentimentalismo. En 1960 participó en la exposición curada por Max Bill en Zurich, Suiza titulada “Konkrete Kunst”, aunque no se adhirió formalmente al manifiesto concretista. También formó parte de las exposiciones del movimiento Neoconcreto, fundado por el escritor Ferreira Gullar (1930) en el Ministerio de Educación y Cultura en Brasil; este movimiento fue un precedente del op-art en donde se exaltó la simplicidad, la racionalidad y el orden y se rechazó de cierta manera lo orgánico. Barsotti exploró a lo largo de su carrera el uso del color y de las líneas en formatos poco convencionales como telas romboidales, hexagonales y circulares que crean la ilusión de tridimensionalidad. También participó en el Grupo Nuevas Tendencias fundado en 1963 por artistas concretos en Brasil.

SJD ARNALDO FERRARI (SÃO PAULO 1906-1974) Estudió artes decorativas en el Liceo de Artes y Oficios de São Paulo entre 1925 y 1935. Poco después, se adhirió al Grupo Santa Helena. Su obra pictórica de esta etapa muestra algunos temas en común con sus integrantes, como paisajes de la ciudad, casas paulistas, naturalezas muertas y desnudos. También con ellos compartió un taller y participó en los Salones del Sindicato de Artistas Plásticos y en los Salones Paulistas de Arte Moderna, en los que recibió varios premios. Al mismo tiempo, trabajó como pintor y decorador; de esta faceta destacan sus frisos decorativos en residencias. De 1936 a 1937, tomó clases del curso de pintura y diseño de la Escuela Nacional de Bellas Artes. En la década de los cincuenta, se adhirió al Grupo Guanabara, formado en su mayoría por pintores de origen japonés como Tikashi Fukushima, y desde entonces tanto el abstraccionismo como el constructivismo geométrico marcarían su obra. Asimismo, mostraría gran interés en la producción del artista uruguayo Joaquín Torres-García. Durante este periodo participó en la Bienal de São Paulo en varias ocasiones. Un año después de su muerte, una exposición retrospectiva del artista se presentó en el Palacio de las Artes de São Paulo.

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MARÍLIA GIANNETI TORRES (RIO ACIMA, 1925- RÍO DE JANEIRO, 2010) Pintora, diseñadora y maestra de arte. Estudió pintura entre 1945 y 1948 en la ciudad de Belo Horizonte con el artista Alberto da Veiga Guignard, en la recién fundada Escola Guignard. En 1958 se trasladó a Río de Janeiro donde estudió grabado en el Museo de Arte Moderno y pintura con los artistas Burle Marx y Emiliano Di Cavalcanti. Perteneció a la vanguardia brasileña de mediados de siglo XX y se convirtió en una de las principales representantes de la abstracción informalista del país por sus llamadas “superficies vivas”. En 1966 fundó y dirigió la Galería Giro; en 1975 comenzó a impartir clases de arte en su estudio de Río de Janeiro. Empezó a exponer su obra en 1947, participó en cuatro ocasiones en la Bienal Internacional de São Paulo y en exhibiciones colectivas en Estados Unidos, Chile, Argentina, Alemania, Francia e Italia; continuó realizando exposiciones hasta el final de su vida. Su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas de Brasil, entre las que se encuentran la Colección Fadel, el Centro Cultural UFMG de Belo Horizonte, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro y el Museu de Arte da Pampulha.

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ANTONIO DIAS (PARAIBA, BR 1944) Vivió en Río de Janeiro desde que cumplió quince años donde estudió en el Taller Libre de Grabado de la Escuela Nacional de Bellas Artes. Trabajó un tiempo como diseñador gráfico hasta que en 1962, expuso por primera vez en el Salón Nacional de Arte Moderna. En 1965, recibió una beca del gobierno francés y se mudó a París para continuar su carrera. Tres años después, durante las manifestaciones estudiantiles de 1968, decidió mudarse a Milán y fundó su propio taller. Ahí vivirá por casi dos décadas, pero realizó viajes constantes a Nepal y a la India para aprender nuevas técnicas artesanales de producción de papel. Su pintura se caracteriza por la mezcla de diversas técnicas y materiales, así como por la búsqueda de la tridimensionalidad. Además, tiene obra multimedia: participa en películas, graba discos y elabora instalaciones. Algunos ejemplos representativos y diversos son: The Illustration of Art, The Invented Country y Record: The Space Between. En 1972, recibe la Beca Guggenheim, por lo que reside en Nueva York. Durante la década de los ochenta, se establece en Berlín para impartir clases como parte de un intercambio académico. Actualmente gran parte de su obra está en el MoMA de Nueva York.

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RUBENS GERCHMAN (RIO DE JANEIRO 1942 — SÃO PAULO 2008) Pintor, dibujante, grabador y escultor, Gerchman estudió en 1957 en la Escuela de Artes y Oficios de Río de Janeiro, también atendió clases impartidas por Plinio Cipriano en la Escuela de Bellas Artes, donde mostró interés por el paisajismo; asimismo estudió grabado bajo la dirección de Adir Botelho (1932). En sus composiciones a partir de 1962, Gerchman refirió a escenas urbanas y bucólicas, donde reprodujo también referencias a la cultura masiva. Dos años más tarde expuso por primera vez en la Galería Vila Rica, gouaches en blanco y negro, con masas anónimas y referencias a la cultura pop como partidos de fútbol y caricaturas. Realizó algunos happenings como “Pare” en 1966 en la Galería G4; ese mismo año participó en la exposición “Opinião 66”, en la que mostró obra crítica de la situación en Brasil, y ejecutó asimismo sus primeras obras tridimensionales afines a las discusiones en torno a la Nueva Objetividad en Brasil. En 1967 le fue otorgada una beca en el Salón Nacional de Arte Moderno para estudiar en el extranjero, razón por la cual parte a Estados Unidos, residiendo allí hasta 1972; conoce a distintos artistas como Felipe Ehrenberg. En 1974 colaboró en grabados con Claudio Tozzi (1944) y Hélio Oiticica (1937-1980), momento en el cual incorporó la palabra escrita en sus obras acercándose al arte conceptual. En 1975 fungió como coeditor de la revista Malasartes, y de 1975 a 1979 fue director de la Escuela de Artes Visuales en Parque Lage en Río de Janeiro. Tras obtener la beca de John S. Guggenheim en 1978 realizó un viaje por Centroamérica, y de paso a Nueva York visitó a sus amigos mexicanos Arnold Belkin y Ehrenberg. Dos años más tarde de regreso en Brasil, Lina Bo Bardi (1914-1992), arquitecta renombrada, lo invitó a realizar un mural de mosaico para la SESC Pompéia en Sao Paulo. En 1982, pasó un año como artista invitado en el Deutscher Akademischer Austauch Dienst, en Berlín y participó en la exposición colectiva “Künstler aus Latinamerika”. En 1989 publicó su primer libro titulado Gerchman con textos de Wilson Coutinho (1950-1992); cuatro años más tarde publicó en Colombia una serie de litografías titulada Doble identidad con poemas de Armando Freitas Filho (1940). A partir de los años 80 regresó a la figuración y trató temas relativos al crimen y a las masas.

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CARLOS VERGARA (RÍO GRANDE DEL SUR 1941) Durante la década de los cincuenta y ya con residencia fija en Río de Janeiro se gradúa en Química y ejerce como analista de laboratorio en la empresa Petrobras hasta 1966. Paralelamente se dedica a la artesanía y diseño de joyas en cobre y en plata. En 1963 expone con gran éxito trece piezas de joyería en la VII Bienal Internacional de São Paulo, acontecimiento que lo lleva a considerar el arte como actividad permanente, por lo que decide ingresar al Instituto de Bellas Artes de Río de Janeiro, donde se convierte en alumno y asistente de pintura y dibujo de Iberê Camargo. En 1965, aún vinculado a la pintura figurativa de corte expresionista participa en la exposición “Opinión 65”. Más tarde, en 1967 figuraría ya como uno de uno de los organizadores de la muestra “Nueva Objetividad Brasileña” que aglutinó la producción de los pintores nacionales vanguardistas vinculados al arte concreto y neo-concreto. Característica de la obra de Vergara es su postura crítica frente a la realidad social y política de su país, por lo que la censura a la que fue sometido el arte en la década de 1970 en Brasil, provoca un cambio de enfoque en su obra por lo que abandona la pintura e incursiona en la fotografía, el cine documental, le escenografía, el diseño de vestuario para piezas teatrales, e intensifica su colaboración con arquitectos destacados en la intervención de edificios públicos. Después de 1980 retorna a la pintura abstracta. Artista multifacético, acreedor a múltiples premios en su país y en el mundo desde practicamente su incursión en el arte, ha formado parte en los movimientos artísticos y momentos claves del arte desarrollado a partir de la segunda mitad del siglo XX en Brasil, ininterrumpidamente.

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FRANZ WEISSMANN (KNITTELFELD, AUSTRIA, 1911 – RIO DE JANEIRO RJ, 2005) Fue escultor, diseñador, pintor y profesor que se mudó a Brasil cuando tenía 11 años. Entre 1939 y 1941 realizó cursos de arquitectura, escultura, pintura y dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes (ENBA), y posteriormente estudió dibujo, escultura, modelado y fundición con el escultor polaco August Zamoyski. La obra de Weissmann originalmente estuvo orientada al arte figurativo, pero en los años cincuenta elaboró gradualmente un trabajo con tendencia constructivista, valorizando las formas geométricas, sometiéndolas a recortes y plegados, y utilizando hierro, acero y aluminio. En 1946 llevó a cabo su primera exposición individual en Rio de Janeiro. Formó parte del Grupo Frente, liderado por el artista brasileño Ivan Serpa, en 1955. Cuatro años más tarde cofundó su propio proyecto, el Grupo Neoconcreto. A finales de la década viajó por Europa y el Extremo Oriente, en los años sesenta expuso su serie Amassados, la cual había elaborado durante su estancia en el extranjero, particularmente en España donde se estableció la mayor parte del tiempo, con chapas de zinc trabajadas con martillo e instrumentos cortantes. Estas producciones abandonaron hasta cierto punto la construcción geométrica, pues la preocupación del artista por la materialidad ocupó el primer plano. También realizó algunos experimentos con hilos de acero en la serie de esculturas lineales. Participó en eventos internacionales como las Bienales de Amberes y Venecia, y realizó también esculturas monumentales para espacios públicos en ciudades como São Paulo, Rio de Janeiro y Belo Horizonte. En 1970 recibió el premio al mejor escultor por la Associação Paulista de Críticos de Arte.

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ASCÂNIO MMM (FÃO, PORTUGAL 1941) Se estableció a partir de 1959 en Río de Janeiro. Inicia su estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes de la ciudad entre 1963 y 1965. En esos años inicia su actividad artística: elabora principalmente esculturas geométricas de madera y mantiene un taller con algunos compañeros de la Escuela Nacional de Bellas Artes. Exhibe por primera vez su trabajo en el I Salón de Abril del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro en 1966. De 1965 a 1969 estudia en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Federal de Río de Janeiro. A partir de entonces también se desempeña como arquitecto. Su producción de la década de los setenta se caracteriza por la creación de módulos con ripias de madera pintadas de blanco y un eje, que producen progresiones horizontales y verticales para explorar los fenómenos de la luz y la sombra. En los años ochenta, crea su serie Piramidal, con madera de colores naturales. Su producción contemporánea se centra en el espacio público (o la creación de espacios) y las obras de grandes dimensiones; los materiales predilectos son aluminio y acero inoxidable; se interesa también en la deconstrucción de estructuras materiales para trabajar.

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WALTÉRCIO CALDAS RÍO DE JANEIRO, BRASIL, 1946) Comenzó a hacer sus primeros dibujos, acuarelas y pequeños objetos en 1960, y posteriormente estudió en la Escola do Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro con el también artista brasileño Ivan Serpa entre 1964 y 1965. Entre 1969 y 1975 realizó diseños, objetos y fotografías de carácter conceptual. Caldas comenzó a ser reconocido durante el opresivo régimen militar con sus obras de arte conceptual que redefinían la percepción. Sus obras se esfuerzan en revelar los problemas inherentes en la creación y el significado del arte, y si bien no hay suficiente coherencia entre las piezas para que sea posible la identificación de este artista con cualquier tendencia estilística particular, se debe a que son el resultado de un razonamiento en acción, basado en la metafísica de los objetos, por lo que adquieren mucha autonomía. Celebró su primera exposición individual en el Museu de Arte Moderna (MAM) de Río de Janeiro en 1973, seguida de otras exposiciones en el Museu de Arte de Sao Paulo en 1975 y nuevamente en el MAM en 1976. Sus primeras obras estuvieron influenciadas por el Pop-Art y el Arte Conceptual, en las cuales cuestionó el carácter y la forma tanto del arte como del lenguaje. En 1975 fundó la revista de arte vanguardista Malasartes, y coeditó A parte do fogo en 1980. Entre 1985 y 1989 se concentró en objetos pequeños de carácter mecánico. Ha participado en exposiciones internacionales en Sao Paulo, Nueva York y París y fundó junto con otros artistas la Brazilian Association of Professional Visual Artists. Actualmente vive y trabaja en Rio de Janeiro.

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RAYMUNDO COLARES (MINAS GERAIS 1944-1986) Su formación artística fue, en primera instancia autodidacta, cuando comienza a pintar en 1959. Luego de abandonar sus estudios en la Facultad de Ingeniería de Sudene, en 1965 fija su residencia en Río de Janeiro donde se dedica al diseño de joyas y a la publicidad hasta 1966, cuando ingresa a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal, institución que abandona al año siguiente para acudir al taller libre que impartía entonces Ivan Serpa en el Museo de Arte Moderno de esa ciudad. Ese mismo año, 1967, debuta en la exposición colectiva de “Nueva objetividad brasileña” que aglutinó la obra de los artistas nacionales de vanguardia vinculados al arte abstracto, arte concreto y neo-concreto. Su primera exposición individual la realiza en 1969 en la Galería del Palacio Copacabana de Río de Janeiro y recibe el premio de “Viaje al Exterior” otorgado por el Salón Nacional de Arte Moderno. Luego de vivir entre Nueva York y Europa, en 1973 de vuelta en Brasil, se alejó del arte por problemas financieros y psicológicos y no retomaría su carrera sino hasta 1980. Vinculado al constructivismo, al arte concreto y al pop, su obra comprende lo mismo pintura de caballete, arte objeto y figuras tridimensionales. Murió el 28 de marzo inexplicablemente quemado en la cama de un hospital de Montes Claros, mientras se recuperaba de un accidente.

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A N T R O P O FA G I A Y M O D E R N I D A D A R T E B R A S I L E Ñ O E N L A C O L E C C I Ó N FA D E L . 1 9 0 8 - 1 9 7 9

MIRA SCHENDEL (ZURICH, SUIZA, 1919 – SÃO PAULO, BRASIL, 1988) Realizó estudios de filosofía en Milán. En 1939 durante la Italia fascista se vio forzada al exilio, y tuvo que abandonar la Universidad. Durante este tiempo transitó por países como Suiza y Austria, donde se reunió con un grupo de refugiados en Sarajevo. Al terminar la invasión alemana, regresó nuevamente a Italia donde contrajó matrimonio con Josep Hargesheimer. Para 1949 se estableció en Brasil junto con su familia. En 1952 llegó a la ciudad de São Paulo y realizó una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de esa ciudad. Su obra se enmarca con el modernismo brasileño en contraste con su tendencia central constructivista. Estuvo presente en la II de Arte Americano en 1964. Sus exposiciones más importantes fueron la Concrete Poetry Show, que se llevó a cabo en la Lisson Gallery de Londres en 1968 y The Image of Thinking in Visual Poetry, celebrada an The Solomon Gughenheim Museum de Nueva York.

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ANNA MARÍA MAIOLINO (SCALEA, ITALIA, 1942 ) Nació entre los conflictos y carencias de la Segunda Guerra Mundial, en 1954 siendo una niña se trasladó con su familia a Venezuela y es hasta los 18 años que se instaló en Brasil. El trabajo de la artista brasileña, se caracteriza por utilizar diversos medios tales como el dibujo, la poesía, xilografía, fotografía, película, instalación y escultura. En 1960 participó en diversas manifestaciones del movimiento neoconcreto, aunque no forma parte de éste, el principal objetivo fue renovar el arte brasileño, abandonando la abstracción geométrica dominante por una arte subjetivo. En 1967 desarrolló trabajos de xilografía y relieve como Glu Glu Glu, montó su primera exposición de grabados en madera en la galería Goeldi y apenas hablando su nuevo idioma portugués firmó el manifiesto “Declaración de principios básicos de la nueva vanguardia”, del cual se desprende la exposición Nueva objetividad brasileña en el Museo de Arte Moderna de Rio de Janeiro que propugnó por un arte revolucionario en contra de lo institucionalizado y la conciencia del hombre. En 1968 se trasladó a Nueva York donde se concentró en el minimalismo y conceptualismo. En la década de 1970 se dedicó a elaborar cortometrajes, participando en el festival internacional de cine de Super-8 en París y es en el siguiente año con la cinta IN-OUT Antropofagia que obtuvo el primer premio y logró colocarse en la vanguardia del medio artístico. Sus cortometrajes participaron en diversos eventos tales como en el MOMA de Nueva York, y en el 2do festival Nacional de Brasil de cortometrajes. En la década de 1990 recibió diferentes premios en Brasil. En 2010 la Fundació Antoni Tápies realizó la primera muestra retrospectiva de la artista en el ámbito europeo.

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