EXCELENTE
Julio / July 2015
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EL INSTITUTO DE TENDENCIAS DEL LUJO ESPAÑOL UNA INSTITUCIÓN QUE SE CARACTERIZA POR SU CONSTANTE INNOVACIÓN CREA T H E C O O L U X U R Y C L U B
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Escritorio: Made in video; The Sartorialist: cortesía de Penguin Books; Venecia: Sara Sagui, cortesía de la Bienal de Venecia
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En el estudio de
Arte
Estilo
Moda
Relojes
Motor
Gastro
Bar
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Entramos en el taller de Carmina Shoemaker, para conocer a la firma de zapatos de lujo de Mallorca
En esta edición de la Bienal de Venecia, nos preguntamos si en el mundo aún hay esperanza
El espectáculo de los desfiles está a la entrada. Y la culpa la tiene Mr. Schuman de The Sartorialist
El grafiti está de moda gracias al artista Kidult, que pintarrajea las boutiques de lujo de Nueva York
Andrés Moreno analiza el significado de manufactura y cómo se aplica a la relojería
Recordamos el rodaje de Le Mans, una pesadilla para el actor Steve McQueen
José Carlos Capel escribe sobre los restaurantes y el pan que sirven, en una columna con mucha miga
Este mes, nuestro colaborador se sincera y, aunque cree que no sabe de sakes, nos da toda una lección
We’re in the studio of Carmina Shoemaker, who make luxury footwear on the island of Mallorca
At this year’s Venice Biennale, we wonder if there is any hope for the world
The real spectacle at fashion shows is found by the doorway: Mr Schuman of The Sartorialist
Graffiti is now in fashion thanks to the artist Kidult, who’s spraying the boutiques of NYC
Andrés Moreno considers the significance of manufacturing and how it’s applied to watches
We remember the filming of Le Mans and how much of a nightmare it was for Steve McQueen
José Carlos Capel opines on how restaurants often neglect the lowly but mighty breadbasket
This month, our columnist sincerely but gleefully knows nothing about his subject: sake
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Desayuno Los canarios del otro lado con
Los tres chefs novoandinos
Far from Their Native Shore
Mecenas del arte y hotelier, Francesca Bortolotto Possati presenta Venecia
Dos siglos tras la llegada de un grupo de isleños a Luisiana, esta región de Estados Unidos aún habla español, con acento canario
Con su fusión de ingredientes locales y técnicas innovadoras, tres célebres cocineros peruanos han revolucionado la gastronomía
Ha pasado casi un siglo desde que Ernest Hemingway descubriera San Fermín y aún se pueden leer líneas de su Fiesta en Pamplona
Gary Kleynhans abrió hace 25 años la primera escuela de surf de Sudáfrica en Muizenberg, al sur de la Ciudad del Cabo
Hotelier and arts patron Francesca Bortolotto Possati shows us Venice
More than two centuries after a group of Canary Islanders arrived in Louisiana, the Canarian dialect can still be heard there
Novoandina is now one of the trendiest cuisines on Earth. And its success is down to three chefs who took Peruvian food global
You can still feel the fire of Ernest Hemingway’s first novel, The Sun Also Rises, in the streets of the city that inspired it, Pamplona
Gary Kleynhans started his surf school 25 years ago in a village near Cape Town with the dream of bettering people’s lives
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Running Hard
Los vecinos del surf
Breakfast with
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Three Faces of Peruvian Cuisine
Genio de rojo y blanco
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Surf City
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Canarios: Aníbal Martel; plato: cortesía de Central, Lima; San Fermín: Mar Hernández; surf: Dougal Paterson
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COLABORADORES SARAH KHAN PERIODISTA Afincada en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, Sarah ha escrito para medios como The Independent, Condé Nast Traveller, Forbes, New York Magazine y Travel + Leisure. A través de su talento, hemos descubierto este mes la historia de la escuela de surf más antigua de Sudáfrica y de la comunidad que ha surgido en torno a ella. Based in Cape Town, South Africa, Sarah has written for media like The Independent, Condé Nast Traveller, Forbes, New York, Food & Wine and Travel+Leisure. Through her talent, this month we’ll explore the history of South Africa’s oldest surfing school and the community around it. “Los campamentos de Girl Scouts en el Mar Rojo, en Jeddah, Arabia Saudí, fueron mi primer contacto con el mar”. ‘I remember the Girl Scouts camp on a beach on the Red Sea in Jeddah, Saudi Arabia as my earliest contact with the sea.’
ANÍBAL MARTEL FOTOPERIODISTA Siempre en movimiento, este fotoperiodista independiente ha vivido en las Islas Canarias, Madrid, Santiago de Chile y, hoy, en Boston. Sus imágenes se han expuesto en galerías de arte como Corcoran Gallery of Art, en Washington, y See.Me Gallery y Angel Orensanz Foundation, en Nueva York. En esta edición, Aníbal ha retratado a Los canarios del otro lado. Always on the move, this independent photojournalist has lived in the Canary Islands, Madrid, Santiago de Chile and, currently, Boston. His images have been exhibited in art galleries like the Corcoran Gallery in Washington DC, the See.Me Gallery and the Angel Orensanz Foundation in New York. In this edition, Aníbal brings us Canary Islanders in the USA. “Mi playa favorita es la de Roque Faneque, en Gran Canaria, accesible sólo unos meses al año y con marea baja”. ‘I love Roque Faneque beach in Gran Canaria; you can get onto it just a few months of the year, and only at low tide.’
MAR HERNÁNDEZ ILUSTRADORA Ilustradora y profesora, Mar ha plasmado su talento en libros como Hacia ningún lugar, una colección de silencios, publicación galardonada con 3 Oros en Anuaria 2015, Premios Nacionales de Diseño Gráfico. Además, ha colaborado con The Wall Street Journal, Variety y, este mes, Excelente, resucitando a Hemingway por las calles de Pamplona. An illustrator and teacher, Mar has displayed her talent in books like Hacia ningún lugar, una colección de silencios, a publication that won three golds at the 2015 Anuaria, Spain’s national graphic design awards. She’s also worked with the Wall Street Journal, Variety and, this month, Excelente, bringing Hemingway back to life in Pamplona. “Mi mejor recuerdo en una playa es el de estar bañándome al atardecer en el Mediterráneo, mientras llovía sin parar”. ‘My fondest beach memory is swimming one evening while the sun was setting and the rain was pouring non-stop.’
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ENTUSIASMO Julio / July 2015
Portada/Cover FOTO: Liz McBurney Agradecimientos a Adams Surfboards adamssurfboards.co.uk
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EDITORIAL
ADVERTISING
INK
Director – Jesús Huarte
Advertising Director
CEOs
[email protected]
Edith Collins
Michael Keating y Simon Leslie
Subdirectores – Erin Florio
[email protected]
CFO
[email protected]
+44 (0)20 7625 0873
Jim Campbell
Santiago Suárez-Viñuela
Associate Publishers
[email protected]
Almudena García, Alfredo
Group Editorial Director Andrew Humphreys
Edición – Ana Valls
Ezquerra, Eduardo Requena
y Steve Handley
y Ernesto Santana
ARTE Director de Arte Antonio Gálvez
[email protected] Editora de Fotografía Regina Wolek IBERIA Director – Juan Cierco Coordinación – Carolina Moreno
PRODUCCIÓN Responsable – Ana López Reprografía – Rob Bidwell Responsable de Impresión Pete Murphy
Group Design Director Jamie Trendall Editado, publicado e impreso por Ink Blackburn House, Blackburn Road, London, NW6 1RZ, UK +44 (0)20 7625 0700
[email protected] ink-global.com
© Ink. Todo el material está sujeto a derechos de autor. Queda terminantemente prohibido distribuir el contenido de la revista o una parte de éste sin autorización expresa del autor. Se ha comprobado la información, precios y datos concretos para que sean correctos en el momento de la publicación. De no ser así, Iberia no es en ningún caso responsable de fallos editoriales. Las opiniones expresadas en Excelente no tienen por qué ser las de Iberia y la compañía aérea declina cualquier tipo de responsabilidad por todo el contenido editorial y publicitario. Depósito Legal: M-17735-2013
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En el estudio de
Carmina Shoemaker FOTO/PHOTO: Made
in video
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Carmina Shoemaker nació en 1997. Pero su fundador, José Albaladejo Pujadas, ha continuado con la compañía la tradición zapatera artesana que inició su bisabuelo, allá por 1866, en Inca, Mallorca. Hoy son sus hijos quienes siguen la trayectoria del creador, que ha colaborado con casas como Edward Green o Loewe, y ha hecho del sello un referente del lujo en zapatos de estilo inglés. Carmina – founded in 1997 – may be a relatively new brand, but its founder, José Albaladejo Pujadas, is carrying on the handcrafted shoe-making tradition that his great-grandfather began in 1866 in Inca, Mallorca. Today José’s four sons have joined him in the business. Working with companies such as Edward Green and Loewe, the label remains a benchmark of English-style luxury shoes.
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carminashoemaker.com
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Todas las piezas de piel que forman el exterior del zapato se cortan, rebajan y trapan, antes de ser cosidas y montadas.
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The leather pieces that form the upper are cut, designs punched out and the edges smoothed before being sewn together on the last.
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El shell cordovan (o anca de potro) y la piel de reptil son dos materiales estrella del calzado de alta gama de Carmina. Cordovan (equine leather) and reptile skin are two of the star materials in Carmina’s high-end footwear.
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VISITAMOS EL TALLER DE UN GRANDE DE LA TRADICIÓN ZAPATERA MALLORQUINA WE VISIT THE WORKSHOP OF ONE OF MALLORCA’S SHOE-MAKING GREATS 3
La piel de aligátor llega al taller certificada desde Luisiana. Un par de zapatos de este material puede alcanzar los 3.000 euros. Shoes made with alligator skin – this hide comes from Louisiana – can cost as much as 3,000 euros.
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Colin Firth utilizó zapatos de la casa en Magia a la luz de la luna, de Woody Allen, y el director envió a la familia éstos firmados. Colin Firth wore Carmina shoes in Woody Allen’s Magic in the Moonlight, and the director sent this one back signed.
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Algo tan sencillo como un tacón exige un sorprendente montaje de piezas en pro de la ergonomía. Even something as simple as a heel requires a bunch of different elements to work.
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Estas piezas refuerzan el corte y embellecen el interior del zapato. A wealth of overlapping leather parts makes the shoe strong and comfortable.
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En Carmina, el patronaje sigue siendo manual y la piel se corta directamente sobre los bocetos. At Carmina, the leather is placed on paper patterns for cutting that is still done by hand.
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La familia dibuja a lápiz los modelos en las hormas al milímetro. The firm draws the patterns on the wooden last in pencil with mathematical precision.
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Aunque algunos materiales se tiñen en el taller, la piel de serpiente pitón, como ésta en color camel, suelen llegar teñidas. Although some materials are dyed in the workshop, python skin usually comes pre-dyed, like this camel-coloured one.
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Los contornos y el relleno de corcho natural son detalles imprescindibles para fabricar un zapato con cosido Goodyear. The cork sole is attached to the upper with the classic Goodyear stitched welt, which allows the shoe to be resoled year after year.
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Al partir un zapato de Carmina longitudinalmente, se aprecia su sistema de construcción y los elementos que lo forman. Splitting a Carmina shoe lengthwise, you can see the elegance of construction and the number of elements that go into it.
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ÁNGELA MOLINA CRÍTICA DE ARTE DE EL PAÍS @AngelaMolina2
Venecia bien vale un Capital Vivimos en la era transestética. Hemos pasado de una cultura modernista, combativa, que estaba en guerra contra el mundo burgués, a otra global en la que las obras de arte se integran en el nuevo orden económico y son aceptadas, sostenidas y promovidas por las instituciones de todos los países. Después del arte para los dioses, el arte para los papas y el arte para todos, ahora triunfa el capitalismo artístico, el arte para el mercado y para un voraz consumidor de estética, el Homo aestheticus. Y el nuevo plató geográfico transnacional donde se pone en marcha este juego de seducción es el evento artístico más antiguo del mundo, la Bienal de Venecia, que el pasado mes de mayo inauguró su 56ª edición –abierta hasta noviembre– bajo el lema “Todos los Futuros del Mundo”. El comisario nigeriano Okwui Enwezor dirige esta edición que se presenta como la más diversa, plural y, podríamos decir, “marxista”, de todas las bienales hasta hoy. Hasta tal punto, que una de las obras “puestas a escena” en el Pabellón Central es la lectura de los cuatro tomos de El Capital (1867) de Karl Marx, una propuesta en forma de happening que propone el artista inglés Isaac Julien. Pero en esta exposición, como comprobará el visitante que se acerque a la Serenissima en los próximos meses, el hedonismo, el espectáculo y alguna que otra chuchería (el caso del pabellón español) conviven con la desdicha cotidiana. Nunca antes una bienal había reunido tantas obras –vídeo,
performance, escultura, instalación, fotografía–, que nos hablen de la degradación de nuestro entorno, la avaricia humana, las guerras y la falta de poesía en el mundo. En los jardines de la Bienal, las obras con más “seducción estética” están en los pabellones nacionales. El más celebrado, aunque no el mejor, ha sido el japonés, que firma la creadora Chiharu Shiota. Su instalación que lleva por título The Key in the Hand se refiere a la memoria que se traspasa de generación en generación, representada con un barco de madera con centenares de llaves que penden de hilos rojos. Alemania presenta uno de los mejores pabellones: Factory of the Sun se despliega en un impresionante cine, donde el visitante tiene la sensación de atravesar el mundo real para entrar en una fantasía mágica de videojuego. El pabellón estadounidense tiene como representante a la artista visual Joan Jonas, que ha llevado un onírico y conmovedor cuento de hadas a las pantallas de vídeo. Al final, nos guiaremos por las palabras del propio Enwezor, quien nos asegura que el mundo no está perdido del todo.
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The Key in the Hand de/by Chiharu Shiota
Sara Sagui, cortesía de la Bienal de Venecia
Art meets Marx in Venice We live in changing times for art. We’ve gone from combative Modernist artists at war with the bourgeois world to a global culture in which works of art are integrated into the new economic order. After art for the gods, art for popes and art for all, we now have artistic capitalism and with it, a new species of voracious consumer of aesthetics, Homo aestheticus. While its role may have changed, the transnational showroom for art remains the Venice Biennale – the world’s oldest art event – which opened its 56th edition in May with the theme All the World’s Futures. The Nigerian curator Okwui Enwezor is directing this edition, the most diverse, pluralistic and ‘Marxist’ of any biennial to date. So much
so that one of the works staged in the Central Pavilion is the reading of the four volumes of Karl Marx’s Capital, a happening created by the English artist Isaac Julien. But in this exhibition – as any visitor to La Serenissima in upcoming months will confirm – hedonism, spectacle and the occasional bauble (such as Spain’s pavilion) live cheek-by-jowl with quotidian misery. Never before has a biennial brought together so many works – video, performance, sculpture, installation, photography – that speak of the degradation of our environment, human greed, war and the lack of poetry in a world that – as Enwezor tells us – is not entirely lost. In the gardens of the Biennale, the works with the most traditional
aesthetic allure lie in the national pavilions. The most celebrated – though not the best – is the Japanese offering, signed by the artist Chiharu Shiota. Her installation The Key in the Hand refers to the memory that is handed down from generation to generation, represented here by a wooden boat with hundreds of keys hanging from red threads. The US pavilion features Joan Jonas, who has brought a dreamy and moving fairy tale to video screens. Germany has one of the best pavilions, Factory of the Sun, a stunning video installation where visitors have the sensation of crossing from the real world into a magical fantasy game. Ángela Molina is an art critic for El País 15
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Ángela recomienda/Ángela recommends
Alejandro Jodorowsky HASTA/UNTIL 31/10 CAPC, MUSÉE D’ART CONTEMPORAIN DE BORDEAUX, BURDEOS capc-bordeaux.fr
El museo francés le dedica una exhaustiva retrospectiva a este artista multidisciplinar chileno, también poeta y director de cine, cuyo pensamiento explora la filosofía y el esoterismo. La muestra cuenta con dibujos, películas, obras de teatro y lecturas.
“Comenzó su carrera como ayudante de mimo de Marcel Marceau y hoy es conocido como sanador psicomágico”
‘He began his career as Marcel Marceau’s assistant mime and today is known as a psychomagic healer’
Carl Andre
Dieter Roth
Mathias Goeritz
HASTA/UNTIL 12/10
HASTA/UNTIL 16/8
COLECCIÓN PERMANENTE
MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA, MADRID museoreinasofia.es
MUSEO HAMBURGER BAHNHOF, BERLÍN smb.museum
MUSEO EXPERIMENTAL EL ECO, MÉXICO, D.F. eleco.unam.mx
La exposición Carl Andre: Escultura como lugar, 1958-2010 es la primera gran retrospectiva organizada en España del norteamericano, que redefinió los parámetros de la escultura y de la poesía concreta, marcando un antes y un después con nuevos y heterodoxos modos de creación.
“Con Andre, resulta curioso ver cómo bajo los glaciares del minimalismo puede hervir el magma Dadá”
Poco se sabe de los proyectos relacionados con la música del creador Dieter Roth. Este museo berlinés dedica un estudio exhaustivo a la obra del artista suizo que nació en Alemania en 1930, en interacción con trabajos de otros grandes del arte conceptual.
“En la obra de este polivalente y singular artista germano-suizo, la música era el equivalente a los pigmentos en el estudio de un pintor”
The exhibition entitled Carl Andre: Escultura como lugar [‘Sculpture as Place’], 1958–2010 is the first major retrospective in Spain of this US native who redefined the parameters of sculpture and concrete poetry, marking a turning point with new and unorthodox ways of creation.
Little is known of artist Dieter Roth’s musicrelated projects. This Berlin-based museum is dedicating a comprehensive study to the work of the Swiss artist, born in Germany in 1930, in interaction with other great works of conceptual art.
‘With Andre, it’s interesting to see how Dadaist magma can smoulder below the glacier of Minimalism’
‘In the work of this versatile and unique German-Swiss artist, music was the equivalent of pigments in a painter’s studio’
Uno de los proyectos más personales de Goeritz. Este museo fue un encargo de plena libertad, en el que el artista concibió la experiencia del espacio como un acto emocional. Siguiendo esta línea, el centro se dedica a las dimensiones experimentales del arte.
“Vale la pena visitar la capital mexicana sólo para ver esta escultura penetrable de Mathias Goeritz, que funciona a la vez como plataforma para todo tipo de intervenciones artísticas” One of Mathias Goeritz’s most personal projects, this museum was a completely unrestricted commission in which the artist conceived the experience of space as an emotional act. Following this line, the museum is dedicated to the experimental dimensions of art.
‘It’s worth visiting Mexico City just to see this penetrable sculpture by Mathias Goeritz, which is also a platform for all kinds of artistic works’
Jodorowsky: Arthur Péquin; Andre: Joaquín Cortés/Román Lores; Roth: Florian Holzherr© Dieter Roth Estate Courtesy Hauser & Wirth; Goeritz: cortesía del Museo Experimental El Eco
The Bordeaux museum dedicates a comprehensive retrospective to this Chilean multidisciplinary artist, also a poet and a filmmaker. The exhibition explores his approach to philosophy and esotericism through drawings, films, theatre plays and lectures.
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JAVIER FERNÁNDEZ ANGULO DIRECTOR DE GENTLEMAN MÉXICO
Vestidos para Mr. Schuman
Schuman ha elevado a los altares el street style, hoy casi tan importante como los propios desfiles. Y, en el intento de apuntarse a su gloria, los fashionistas han contradicho al mismísimo Yves Saint Laurent, cuando decía aquello de que “¿acaso no es la elegancia olvidar lo que uno lleva?”. Ahora se trata de todo lo contrario: que se vea, que se recuerde y que se expanda por toda la red. “Mamá, mamá, que me han sacado en el Sartorialist”, se les escucha hablando por teléfono a la salida de los desfiles a los más entusiastas, con un look de lo más inoportuno y por el que, al final, nunca salen en la foto. Han ido coloridos, cuando la moda desfilaba el blanco y negro; con grises, en la colección roja de Dolce; o subidos a
tacones imposibles, mientras Chanel proponía Merceditas, y, como un estilista que conozco, viajan con dos maletas: una para su vida social en Milán y otra para deslumbrar a Schuman. Aunque no es de extrañar, teniendo en cuenta que su blog tiene más de 14 millones de visitas y que él, que ha conseguido vender cientos de miles de ejemplares de sus libros recopilatorios de imágenes, recorre medio
mundo inmortalizando a la gente más cool de Nueva York, Londres, París, Milán o Madrid. A mi me retrató con mi accesorio más habitual, el móvil. Le gustaba, me dijo, la elegancia de los españoles, muy clásicos, pero fieles a un estilo. Sus palabras no encierran la respuesta a si, en la moda, fue antes la calle o la pasarela –el huevo o la gallina–, pero definitivamente las tendré en cuenta la próxima vez que me toque hacer la maleta.
Cortesía de Penguin Books
Recuerdo que en los primeros desfiles a los que asistí, veía cómo entraban de manera atolondrada periodistas, fotógrafos y compradores. Todos, menos uno, que se quedaba en la puerta –y que me recordaba a mi padre cuando íbamos a misa y él se detenía en el umbral del templo, para irse luego a tomar una cerveza mientras nosotros rezábamos por su alma. El que aguardaba como un cazador astuto a la puerta de los pases de Vuitton, Armani y Prada, no era otro que Scott Schuman, bloguero, fotógrafo y fundador de The Sartorialist. No sabía aún entonces, que su web estaba a punto de revolucionar el mundo de la moda retratando no a los modelos, sino al universo que los rodea.
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Estilo® the world of fashion by portraying not models but the real world, full as it is of colour and creativity. Schuman brought status to street style, and has helped make it nearly as important as the catwalk. But now every fashionista dresses in the hope of appearing on his website. ‘Hey, Mum, The Sartorialist took a photo of me; look on the website tomorrow!’ It’s all quite contrary to the spirit of Yves Saint Laurent, who once said, ‘Isn’t elegance forgetting what one is wearing?’ Today it’s all just the opposite: being seen, being remembered, having one’s fashion sense shared across the internet. Schuman’s biggest fans now dress in contravention of the season’s catwalk fashions in a bold assertion of their personal style: jackets in an unfortunate yellow when the models were in black and white, dressed in grey at Dolce’s red collection and staggering about on vertiginous heels when Chanel showed flats. Some – like a certain stylist I know – travel with two suitcases: one for their social life in Milan and another to dazzle Schuman. But no wonder they live in hope of catching his eye. He immortalises the coolest people to be found in New York, London, Paris, Milan or Madrid, whether climbing stairs, cycling, walking with a cane, wearing a hat, shopping in a market, with ponytails, bags, crazy glasses or shoes in extravagant colours. His blog has had more than 14 million visitors and his books have sold by the hundreds of thousands.
From catwalk to sidewalk: Entertaining Mr Schuman I remember how, when I first started going to fashion shows, I would see journalists, photographers and buyers rush in willy-nilly to find their places. All but one, that is, who would hang
back at the door. He reminded me of my father who, when we’d go to Mass, would stop right at the entrance and then go for a beer while we earnestly prayed for his soul. The man by the door at all those shows for Prada, Armani and Vuitton was none other than Scott Schuman, blogger, photographer and founder of The Sartorialist.
He snapped me with my usual accessory: my mobile. He liked, he said, the elegance of the Spaniards – very classic but faithful to a style. His words do not resolve the eternal question of which came first in fashion, the street or the catwalk, but I’ll keep them both in mind next time I pack my suitcase.
In those days, I was unaware of how his web page was about to transform
Javier Fernández de Angulo is editorin-chief of Gentleman México 19
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Colaboración/Collaboration
Complementos monumentales El proyecto Re-Inventing Shoes de United Nude y 3D Systems, presentado en el Salone del Mobile 2015, en Milán, es una exploración de la tecnología, pero también un reto a la libertad creativa. Cinco grandes arquitectos firman su propuesta, que estará disponible en una edición limitada de hasta 50 pares por cada modelo, impresos en 3D.
MONUMENTAL FASHION
The Re-Inventing Shoes project by United Nude and 3D Systems is now on show at the Salone del Mobile 2015 in Milan. Five great architects have contributed to the project, and the resulting designs, created using a 3D printer, will be available in a limited edition of 50 pairs.
UNX2, de Ben van Berkel / UNStudio para United Nude, sugiere la dinámica del movimiento, incluso estando parado, y recuerda a las pezuñas de animales. UNX2, by Ben van Berkel/UNStudio, suggest the dynamics of movement, and when motionless look quite a lot like hooves.
Flames, de Zaha Hadid para United Nude, es una exploración del lenguaje arquitectónico, en versión ergonómica. Flames, by Zaha Hadid are an exploration of architectural language, but for the feet.
Ilabo Ross, de Ross Lovegrove para United Nude, ensalza la sensualidad de la figura femenina de manera tecnológica. Ilabo Ross, by Ross Lovegrove, celebrate the sensuality of the female figure.
Ammonite, de Fernando Romero para United Nude, nace de la unión entre la geometría de la naturaleza, el cuerpo y el cosmos.
Young Shoe, de Michael Young para United Nude, muestra un trabajo de celosía único en materiales experimentales. The Young Shoe, by Michael Young, is made of lattices in experimental materials.
Hadid: Brigitte Lacombe
Ammonite, by Fernando Romero, are the product of ‘the union between the geometry of nature, the body and the cosmos’.
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KIM CÁCERES COLABORADORA DE ELLE MÉXICO Y HARPER’S BAZAAR EN ESPAÑOL @KimCaceresUSA
El grafiti está de moda Pasmada. Así se ha quedado la industria de la moda ante las actuaciones del grafitero enmascarado conocido como Kidult, autodefinido como el “dictador visual” de Nueva York. Artista o no, armado con aerosoles de pintura, ha vandalizado los escaparates de Céline, Louis Vuitton, A.P.C., Chanel y su marca “preferida”, Marc Jacobs, con la que entró en duelo, cuando el diseñador de la casa decidió vender camisetas con la imagen de la fachada que había atacado Kidult (éste sacó después una serie de prendas con la propia camiseta de Jacobs estampada en ellas). El grafiti ha sido siempre una reacción de protesta frente al orden establecido, manifestado de forma inesperada en cualquier espacio público y en ciudades de todo el mundo. Pero en los últimos años, las hostilidades entre este arte callejero gratuito y la lucrativa moda de lujo se han hecho más que evidentes. Kidult lo manifiesta sin tapujos, incluso haciendo uso de las redes sociales como herramienta para alardear de su trabajo como defensor purista del grafiti, al que, según él, muchas de estas marcas, paradójicamente, acuden con fines de lucro cuando lo imprimen en sus propias colecciones. Y es verdad que su rebelión coincide con un momento en el que grandes imperios de la moda salen a la defensa de sus derechos a “inspirarse” en el género. La cuestión es hasta qué
punto esa inspiración se desentiende del término “plagiar” y es en realidad una manera sutil de copiar todos o algunos elementos de un original. Roberto Cavalli, Coach, Urban Outfitters y American Eagle son algunas de las firmas enredadas con la justicia por demandas de grafiteros que presumen de ser los verdaderos autores de los estampados utilizados en sus diseños. Para quienes luchan por la libertad de expresión en el grafiti, la propiedad intelectual no representa una defensa. Nada se aleja más de su credo que asociarse al lujo y al glamour. Sin embargo, al margen de esta postura, existen otros reconocidos artistas urbanos como Retna, quien aceptó sin problema que Louis Vuitton le comisionara la realización de un gigantesco mural para cubrir la fachada de su tienda en el Miami Design District. O Maya Hayuk, quien legalmente licenció su trabajo a Billabong, Mara Hoffman y otras marcas. El grafiti es gratuito y, muchas veces, ilegal, pero con la moda comparte el carácter efímero y, ahora más que nunca, publicitario. Después de todo, y para que no le olviden, el propio Kidult documenta su protesta vía blog, Instagram y canal de You Tube. El vídeo Fashion Killa, del rapero A$AP Rocky, incluso le muestra en acción frente a una tienda de Marc Jacobs. Funciona, y aquí estamos hablando de ello. Bravo.
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Moda
Cortesía de Kidult, kidultone.com
Graffiti is in fashion The fashion industry is under attack. Not this time from NGOs concerned with child labour, nor the press, horrified by exploitation of the same models it features in its pages. No, it’s far more serious than that. The masked graffiti artist known as Kidult, New York’s self-appointed ‘visual dictator’, has declared war on the city’s fashionable shopfronts, with a blitzkrieg of tagging on the walls of Céline, Louis Vuitton, A.P.C. and Chanel. Special attention is reserved for Marc Jacobs, however, since the company decided to sell T-shirts bearing the image of a storefront Kidult had painted. Graffiti has always been a way to protest against the Establishment, but hostilities have ratcheted up in recent years as luxury fashion brands thwart the graffitists by taking their
work and putting it on their clothes. Fashion empires loudly defend their right to ‘be inspired’ by the genre. They take the artists’ street cred and make money from it. The subverter is smartly subverted – no wonder Kidult and Co are miffed. The issue is how far ‘inspiration’ or ‘homage’ goes before it becomes ‘plagiarism’. Roberto Cavalli, Coach, Urban Outfitters and American Eagle are just some of the companies who have engaged legal counsel to debate this, having been sued by various taggers who claim their work has been appropriated. Not all graffitists are against working for the Man, however. The wellknown street artist Retna had no qualms about taking Louis Vuitton’s commission for a giant mural covering the façade of the company’s
temporary Miami Design District boutique. Art school-educated Maya Hayuk has legally licensed her work to Billabong, Mara Hoffman and other fashion brands. Even nowadays, when it has been appropriated by art-school kids, graffiti is pleasingly free and usually illegal. It shares with fashion a nature that is both ephemeral and, increasingly, advertising related. Kidult bigs himself up on social media, documenting his own protest via his blog, Instagram and YouTube channel. The video for Fashion Killa by A$AP Rocky even shows him in action in front of a Marc Jacobs shop. It works, because here we are talking about it. Bravo! Kim Cáceres writes for Elle México and Harper’s Bazaar en Español 23
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No te pierdas/Don’t miss
Archivos de Vogue HASTA/UNTIL 12/10 MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA, MADRID museothyssen.org
PAINTED FACES Fashion meets art in the Vogue: Like a Painting exhibition at the ThyssenBornemisza Museum in Madrid. The museum has dug up 70 photographs published in Vogue over the past three decades by the likes of Irving Penn, Cecil Beaton, Mario Testino and Annie Leibovitz, all of them inspired by artists such as Botticelli, Zurbarán, Degas, Dalí and Magritte.
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Desde la izquierda, en el sentido de las agujas del reloj: Paolo Roversi; Clifford Coffin; Clifford Coffin; Tim Walker; Camilla Akrans; Michael Thompson; Sheila Metzner
La moda y el arte vuelven a confluir, esta vez, en la muestra Vogue like a painting, del Thyssen Bornemisza. El centro recupera 60 imágenes que grandes genios de la fotografía como Irving Penn, Cecil Beaton, Mario Testino o Annie Leibovitz, entre otros muchos, han publicado en la revista Vogue a lo largo de las tres últimas décadas. Sus imágenes están inspiradas en obras de artistas como Botticelli, Zurbarán, Degas, Dalí y Magritte.
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Relojes
ANDRÉS MORENO COLABORADOR DE RELOJES EN DAPPER, ESQUIRE, FUERA DE SERIE Y ROBB REPORT @_Andres_Moreno
La prestigiosa firma IWC es la única gran casa relojera suiza que tiene su fábrica localizada en la zona este del país The prestigious IWC is the only major Swiss watchmaker with a factory in the east of the country
Yo me lo guiso, yo me lo como El universo relojero vive tiempos de indecisión, inmerso como está desde hace años en un intenso debate para establecer una descripción exacta de manufactura. Cada casa aporta su propia definición y la disparidad es tan grande, que al final acabamos preguntándonos si estaremos hablando de lo mismo. Sólo hay un rasgo común en las tesis planteadas: cada firma traza una línea para diferenciar las piezas que son manufactura de las que no, y, casualidades de la vida, todas ellas se quedan en el lado de las elaboradas en casa. La disputa no es trivial: las marcas que lucen esta condición gozan de un prestigio en el mercado que se ve a su vez reflejado en los precios. La definición más ortodoxa del término identifica a aquella firma que realiza sus relojes bajo un mismo techo. Pero, ¿significa esto que la firma tiene que elaborar sus propias cajas para serlo? Pues no. La definición sólo incluye las
piezas funcionales del movimiento. No tienen que fabricar, por ejemplo, los tornillos. Entonces, ¿quiere decir que fabrican los componentes de los mecanismos? Pues tampoco es necesario. La casa puede diseñar el movimiento y pedir a un suministrador que elabore los componentes para que los ensamble después la propia firma. ¿Lo de crear tu propio calibre es imprescindible? Tampoco hace falta. Se le puede pedir a un estudio externo que lo haga y llevarlo a otro taller a que lo monten. ¿Y el boceto del calibre tiene que ser original? Mucho me temo que no, desde el momento en que hay casas relojeras que fabrican sus propios movimientos a partir de diseños antiguos pertenecientes a otras firmas. Al final, la mejor forma de resolver el dilema es agrupando como manufactura a todos aquellos relojes que equipan mecanismos exclusivos, ya sean de fabricación
propia o por encargo. Queda fuera el grueso del mercado actual, que emplea calibres comprados a grandes suministradores como los suizos ETA, Sellita y Soprod, o la fabricante japonesa Miyota. ¿Y son estos mecanismos peores en comparación con los de manufactura? Para nada. Llevan fabricándose durante muchos años y su fiabilidad está más que probada. Pero la uniformidad es un rasgo que no casa bien con esta industria de lujo. Nos sentiríamos un poco defraudados al comprar un Mercedes y descubrir que lleva un motor de otra marca, por muy bueno y potente que éste sea. Lo mismo pasa con los relojes. Es un privilegio para una firma crear su propio movimiento, incorporar las funciones que crea necesarias, decorarlo a su gusto y meterlo en una caja que ha diseñado ex profeso. El esfuerzo, en definitiva, tiene un coste y queda para la razón (y la cartera) de cada uno decidir si éste merece la pena. 27
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Half the work, all the credit These are uncertain times. Just pick up today’s paper and you’ll find articles questioning our understanding of social democracy, liberalism and the welfare state. This vagueness extends to watchmaking, which for years has been debating an exact description of ‘manufacturer’. Each company provides its own definition, and the disparity is so great that we end up wondering whether we’re even talking about the same thing. All these approaches have one thing in common: each draws a line separating firms that manufacture watches from those that do not, and – surprise, surprise – they all fall into the former category, or at least their version of it. This is not a trivial dispute: those that are manufacturers enjoy a market prestige that is reflected in their prices. The most orthodox definition of the term applies to companies that make their watches under one roof. But does this mean that the company has to make its cases, too? Actually, no. The definition includes only the functional parts of the movement. The companies need not manufacture screws, for example. So does that mean that they manufacture the components of the mechanisms? Actually, that isn’t necessary either. The firm can design the movement and outsource the components for subsequent assembly in-house. What about the face, the strap, the look of the timepiece? Also unnecessary. An outside studio can be commissioned to create the design and then it can be taken to another shop for assembly. But surely the watch
design has to be original, even if it’s outsourced? ’Fraid not. There are companies that manufacture their own movements based on other firms’ old designs. So how do you define a watch manufacturer? The best way to solve this dilemma would be to classify all watches with exclusive mechanisms as manufactured, whether made by the company itself or outsourced. The bulk of the current market – which uses calibres sourced from large suppliers like ETA, Sellita, Soprod or the Japanese company Miyota – would fall outside this classification. So, are these mechanisms bad compared to those made in-house? Not at all. These companies have been making them for many years and their reliability has been proven time and again. But uniformity is a trait with few fans in this luxury industry. We’d feel disappointed if we bought a Mercedes only to discover that the motor had been made by another company, no matter how good it was. The same goes for watches. Firms such as IWC, Jaeger LeCoultre and Zenith make their own movements, incorporate the functions they deem necessary, decorate the piece to their taste and place it in a specially designed case. The effort has a cost and it is up to each person (and their wallet) to decide whether it’s worth the expense. Andrés Moreno writes about watches in Dapper, Esquire, Fuera de Serie and the Robb Report
Lanzamiento/Launch
Pasado y futuro Parece una joya de la tradición suiza, pero el reloj Horological Smartwatch de Frédérique Constant, esconde además la última innovación de Silicon Valley. Capaz de establecer una comunicación bidireccional con aplicaciones de iPhone y Android, es el primer analógico de los smartwatches y una revolución que le ha puesto al futuro su cara más clásica.
PAST AND FUTURE It may seem a bastion of Swiss traditionalism, but the Swiss Horological Smartwatch by Frédérique Constant conceals the latest Silicon Valley technology. Able to establish two-way communication with iPhone and Android applications, it’s the first analogue smartwatch and a revolution that brings watchmaking’s noble past face-to-face with the future.
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Motor
LUIS REYES COORDINADOR Y FUNDADOR DE AUTONOCIÓN @ReyesAutonocion
Michael Ochs Archives/Getty Images
Una carrera (con trama) de película
Los amantes del motor coincidirán conmigo en que Le Mans, protagonizada por Steve McQueen en 1971, es una cinta de culto, “un filme esencial para cualquiera que lleve gasolina en las venas”, como popularmente se refieren a ella los aficionados. Y, este mes, al recordar la película, apenas una par de semanas después de celebrarse la 83ª edición de las 24 Horas de Le Mans, a la apasionante carrera francesa se le ha añadido un extra de morbo. Lo acaban de servir dos cineastas, Gabriel Clarke y John McKenna, que dirigen el documental Steve McQueen: The Man & Le Mans. Su historia, una investigación extraordinaria cuya presentación en el Festival de Cannes se anticipaba casi un mes a la cita deportiva, retrata al actor como un visionario, pero describe el proyecto como una auténtica pesadilla, que cerca estuvo
de destruir al propio McQueen. Él mismo reconoció en su día su obsesión y, en la película –el tráiler es lo único que podemos ver por ahora, hasta que el documental llegue a las salas en noviembre–, se confiesa diciendo: “Llegué a pensar que quizás no debería ni hacerla”. Clarke y McKenna, peinando el mundo en busca de rollos de cinta perdidos hace décadas, encontraron documentos inéditos que apoyan la teoría de que, en una terrible fiebre perfeccionista por parte de McQueen, se rodaron para Le Mans más de 300.000 metros de película –demasiado gasto en material para el relativo fiasco que resultó en taquilla. Repetir tomas sería, sin embargo, el menor de los obstáculos que tuvo que sortear el actor en la carrera de Le Mans (y no precisamente la auto-
movilística). John Sturges, que dirigía el proyecto inicialmente, decidió abandonarle, igual que estuvo a punto de hacer su primera esposa, Neile Adams, por las constantes peleas del matrimonio durante el rodaje. Sus finanzas, igual que las de la productora, se vieron afectadas, y el actor pasó días atemorizado al descubrir que su nombre estaba en la lista de los famosos que el conocido asesino de Hollywood, Charles Manson, planeaba matar. McQueen se empeñó en hacer la peli por pasión y aun así, a pesar del sufrimiento, Le Mans pasó a la historia como el peor proyecto de su trayectoria, al menos, según los que entienden más de cine que de coches. Quizás el actor americano la recordase en vida con más cariño. Lo que con seguridad hubiese preferido es concentrar el año que duró el rodaje en “solamente” 24 horas. 31
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The 1971 flick Le Mans, starring Steve McQueen, is essential viewing for anyone with gasoline in their veins. So this month, just weeks after the 83rd edition of the Le Mans 24 Hours, I’m excited to learn there is to be a documentary about the making of the movie, which features live footage of the classic French motor race. Steve McQueen: The Man & Le Mans portrays the actor as both visionary and motorsport addict. It shows the project as his undoing, the disaster that nearly destroyed Hollywood’s coolest action hero. Even McQueen confesses in the trailer, which is all we’ll get to see until the film debuts at cinemas in November, ‘I sometimes thought that maybe I shouldn’t do it.’
turned out to be only a lukewarm hit – too many race sequences, too little plot. The picture ran into cost overruns with the stench of panic coming from the location, and the studio took over. McQueen and his Solar Productions went bankrupt after the star only managed to finish the film by giving up his fee and royalties. But money would be the least of his pain on Le Mans. Director John Sturges quit mid-shoot – he wanted to make a love story, not cars going round and round – and McQueen’s first wife, Neile Adams, was ready to walk out on him by the time it ended. As if this wasn’t enough, the actor discovered he was at the top of infamous Hollywood murderer Charles Manson’s hit list.
After the runaway success of 1968’s Bullitt, McQueen was in a position to make any picture he liked. But total control did not make for successful filming. The documentary makers, Gabriel Clarke and John McKenna, found documents that suggest McQueen, in a frenzy of perfectionism, shot more than a million feet of film – 12,000 hours’ worth. It was too great an indulgence for any production, let alone what
Le Mans went down in history as the worst project of his career. Nevertheless, McQueen got to indulge his love of cars, and of course, racing fans still love it. One thing’s for sure: if he’d squeezed the year-long shoot into the 24 hours of the race, everyone would have been a lot happier. Luis Reyes is the founder of motoring website Autonoción
Ullstein Bild/Getty Images
From fast track to car crash
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JOSÉ CARLOS CAPEL CRÍTICO GASTRONÓMICO DE EL PAÍS Y PRESIDENTE DE MADRID FUSIÓN @JCCapel
Se buscan menús con miga Llevo años enjuiciando el pan de los restaurantes, sus tipos, variedades, formas y sabores, y suspendiendo a no pocos locales por lo que considero un desafecto a un alimento básico de la cultura occidental. No tengo nada en contra de los panes precocinados y congelados, pero sí contra esos panecillos pequeños tan de moda en la actualidad. El gran panadero parisino, ya desaparecido, Lionel Poilâne, me dijo una vez que “igual que un arquitecto no puede realizarse diseñando una caseta para gatos, un panadero nunca consigue lucirse con panes de ración. Los panes necesitan unas dimensiones mínimas para fermentar”. Los panecillos, sin embargo, siguen inundando nuestra hostelería, igual que los aromatizados con pasas, semillas o especias como el curry, que se acomodan mal a la mayoría de las recetas saladas. La tendencia es tan irracional como la práctica de algunos locales donde se ofrecen bandejas repletas de piezas, antes de que los clientes hayan organizado su propio menú. ¿Qué pan voy a escoger si desconozco lo que voy a comer? Del mismo modo que se seleccionan vinos para sabores concretos, existen panes ideales para cada plato. El pan no es un comodín y una mesa bien presentada
debería disponer de pan de trigo para los asados y para aquellos platos que lleven huevo; alguno de trigo y centeno, ligeramente ácido, para potajes de legumbres y recetas de pescado; panes con nueces o de maíz, para el queso; y algunos picos o “regañás”, para los aperitivos. Me gustan los restaurantes en que los camareros se acercan a la mesa con dos o tres hogazas grandes, dispuestas en carritos, para cortar al momento, según las preferencias de cada comensal tras ordenar el menú. En la alta cocina, el pan se merece más respeto del que a menudo le otorgamos, e incluso, figuras que lo representen: panaderos prestigiosos capaces de firmar piezas tan buenas como para incluir sus nombres en las cartas. En pleno proceso de cambio, podría suceder que el pan desapareciera de las mesas de las cocinas más creativas. Si en los últimos años, elBulli retiró el pan de sus menús, ahora tampoco se sirve en el Tickets Bar de Albert Adrià, el famoso DiverXo de David Muñoz o en el restaurante Mugaritz de Andoni Luis Aduriz. ¿Coyuntura transitoria o una tendencia de marginación por parte de las grandes estrellas? Sólo el tiempo lo dirá.
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Gastro
Bread head
Sara Sagui, cortesía de la Bienal de Venecia
For years, I’ve been judge and jury of the bread that restaurants serve – its type, variety, form and flavour – summarily failing not a few for what I believe to be a callous disregard for one of Western culture’s most basic foodstuffs. I’ve nothing against that pre-baked frozen bread, but I just cannot tolerate those little bread rolls that are all the rage. The late, great Parisian baker Lionel Poilâne once told me, ‘Just as an architect cannot express himself designing a house for cats, a baker can never really show his mettle with single-serving rolls. Bread needs to be of a certain size in order to ferment.’ Bread rolls, however, continue to flood our eateries, along with loaves flavoured with raisins, seeds or spices like curry, which are a poor complement to most savoury recipes. This trend is as nonsensical as the habit of restaurants that bring out trays full of the stuff before the guests have even decided what they’re going to eat. How can I choose my bread if I haven’t chosen my meal? Just as there are wines that marry well with certain flavours, there are breads that go perfectly with certain recipes. Bread is not some random ingredient: a well-appointed table should offer wheat bread for roasted meat and egg dishes, a slightly sour wheat-and-rye loaf for pulsebased stews and fish recipes, cornbread or walnut bread to enjoy with cheese, and some breadsticks for appetisers. I like restaurants where the waiters roll carts holding several loaves right up to your table, offering freshly cut slices to suit whatever dishes the guests have ordered. In haute cuisine, bread deserves a lot more respect than we tend to give it, and that goes for the men and women behind the loaves: prestigious bakers who create breads so toothsome that their names deserve to be included on the menus. In this moment of flux, bread might even disappear from the tables of the most creative kitchens. ElBulli took bread off its menus, and now it’s no longer served in Albert Adrià’s Tickets bar, David Muñoz’s famous DiverXo or Andoni Luis Aduriz’s Mugaritz, either. Is this an haute cuisine fad, or will bread disappear from tables en masse? Only time will tell. José Carlos Capel is a food critic for El País 35
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ALBERTO FERNÁNDEZ-BOMBÍN GASTRÓFILO, SUMILLER Y PROFESOR DE CATA
Sólo sé que no sé nada Un viaje a Japón, 10 libros y unas 200 botellas después, he aprendido dos cosas sobre el sake: la primera, que me gusta. La segunda, que mi ignorancia al respecto es absoluta. Con los años que llevo catando vino, a veces puedo reconocer la grandeza de un caldo cuando está dentro de una copa, sin probarlo, por su aspecto y sus aromas. Pero con el sake es mucho más difícil, como pude comprobar en una cena con Josep “Pitu” Roca, uno de los tres hermanos que han convertido al Celler de Can Roca en el mejor restaurante del mundo. Pitu es también el mejor sumiller que conozco. Su nariz es un instrumento de precisión y, como si se tratara de un Sócrates a la española, su sabiduría sólo es comparable a su humildad. Juntos, nos disponíamos a degustar un sashimi de langosta de Menorca en el restaurante madrileño Kabuki, e Hiromi Okura, sake-sumiller del local, puso delante de nosotros una copa con un líquido dorado. Cuando no sé qué estoy catando, aplico el método de la pregunta que genera una respuesta que, a su vez, me lleva a otra pregunta –si no es un Jerez, ¿es un Borgoña? Así lo hice y, tras varios intentos fallidos, el misterio se desveló con que no era nada de lo anterior, sino un sake Junmai del 88. O sea, una auténtica rareza. Compartía con los vinos viejos de Jerez los tonos oxidativos y la complejidad aromática, pero también aparecían delicadas notas florales y, en la boca, era equilibrado, fresco y untuoso; algo inmenso, como la revelación que me ofreció: la teoría de que los sakes son un producto muy inferior al vino en matices y grandeza no tiene por qué ser cierta. Aficionado a ellos tras aquella epifanía, me he enterado de que llevo años pronunciando mal el término –la forma correcta es saké– y de que, para degustarlos, es mejor servirlos en una copa Riedel de tamaño medio y a la misma temperatura que un vino blanco, entre 12º y 14º. De esta forma, se respetan sus delicados y característicos toques florales, aunque en Japón se sirven a veces calientes y en pequeños cuencos de cerámica que pueden llegar a
Sake: I only know that I know nothing A trip to Japan, 10 books and about 200 bottles later, I’ve learned two things about sake: firstly, that I like it; secondly, that my ignorance on the subject is absolute. Because of the years that I’ve been tasting wine, I’m sometimes able to recognise a wine’s greatness in the glass without actually having to sip it, just by its appearance and aromas. But with sake, that’s a whole lot harder to do, as I discovered for myself at a dinner with Josep ‘Pitu’ Roca, one of the three brothers who’ve made El Cellar de Can Roca the best restaurant in the world. Pitu is also the finest sommelier I know; his nose is a precision instrument and – like some kind of Spanish Socrates – his wisdom is comparable only to his humility. Together, we sat down to taste lobster sashimi from Menorca in Madrid’s Kabuki restaurant, and Hiromi Okura – the eatery’s sake sommelier – placed a glass of liquid gold in front of us. When I don’t recognise the wine I’m tasting, I apply an algorithm: if it’s not a sherry, is it a Burgundy? If it’s not a Burgundy, then… and so on. That’s what I did but, after several failures, Okura put me out of my misery: it was a Junmai sake from 1988. In other words, an authentic rarity. It shared with the sherry wines their oxidative tones and aromatic complexity, but there were also delicate floral notes. In the mouth, it was balanced, fresh and buttery, as immense as the revelation it offered: the view that sakes are always inferior to wine in nuance and greatness is simple ignorance. As a convert, I’ve discovered that I’ve been pronouncing the word wrong – it’s sah-KEH – and that, for tasting, a medium-sized Riedel glass at the same temperature as you’d drink a white wine (between 12°C and 14°C) are ideal. This way, its characteristic and delicate floral touches are allowed to shine, though in Japan sakes are served – sometimes hot – in small ceramic bowls that can cost as much as a Swiss watch. The sakes I like most are the junmai daiginjos; during their production, the rice 37
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costar lo que un reloj suizo. Los que más me gustan son los Junmai Daiginjo, en cuya producción se pule el grano de arroz hasta desechar, como mínimo, un 50%, y no se añade alcohol. A quienes empiezan a descubrir este licor, les aconsejo leer el único libro sobre el tema escrito en español, Sake, la seda líquida, de Antonio Campins, y, a los angloparlantes, seguir al mayor experto occidental en el asunto, John Gauntner. El tema del idioma es el mayor obstáculo. En Japón, es casi imposible encontrar establecimientos de sake donde hablen, al menos, inglés. Y cuando se trata del idioma nipón, el que escribe, por no saber, no sabe ni que no sabe nada…
grains are polished until at least 50% is refined away, and no alcohol is added. Reading options for those who want to learn more about sake are limited in Spanish: there’s only one book, Sake, la seda líquida (‘Sake, Liquid Silk’), by Antonio Campins. English speakers, however, can look up the West’s greatest sake expert, John Gauntner. Language is also a hurdle in on-the-ground tasting. In Japan, it’s almost impossible to find sake spots where English, let alone Spanish, is spoken. And when it comes to Japanese, your humble writer knows less than nothing. Alberto Fernández-Bombín is a sommelier and gastrophile
DÓNDE TOMAR SAKE/WHERE TO ENJOY SAKE MADRID
LONDRES
KABUKI Presidente Carmona, 2 restaurantekabuki.com
SHORYU RAMEN 3 Denman St shoryuramen.com
NUEVA YORK
TOKIO
SAKAMAI 157 Ludlow St sakamai.com
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Lanzamiento/Launch Con su nueva Tónica Schweppes Hibiscus, a la legendaria marca, que está celebrado 230 años de vida, le salen bien todas las cuentas. Con la variedad recién estrenada, de toque floral y ligero tono rosé, rosé se consigue un gin tonic perfecto.
FLOWER POWER With Schweppes’ new hibiscus tonic, the legendary brand – which is celebrating 230 years in the business – is coming up smelling like… well, hibiscus. With this newly released variety, with a floral touch and light rosé tone, the result is the perfect gin and tonic.
Ha sido diseñada por la suma de los mixólogos Alberto Pizarro y Diego Cabrera
Mixoloxists Alberto Pizarro and Diego Cabrera teamed up to create it
Equilibra las fragancias de las ginebras más secas
It balances the aromas of the drier gins
Realza los aromas ácidos de la fresa y la lima
It enhances the tart aromas of strawberry and lime
Marca la diferencia entre gin tonics afrutados o Fresh
It distinguishes fruity from fresh gin and tonics
Sake: cortesía de Grupo Kabuki
Flower power
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Un placer Conocer gente nueva, me encanta la gente El mejor consejo Surfear la vida Un destino Sevilla Una palabra Mejor dos: vida y amor Un paisaje Mis jardines y la laguna de Venecia al atardecer Una locura El jumping. Me gusta poner a prueba mis miedos
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Desayuno con
Francesca Bortolotto Possati FOTOS: Mattia
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Dueña de la lujosa cadena de hoteles Bauer, en Venecia, filántropa, mecenas y una de las mujeres mejor conectadas de la ciudad de los canales, Francesca Bortolotto Possati forma parte de la reinvención que ha sufrido la metrópoli italiana en los últimos años ¿Cómo es Venecia, más allá de lo que se ve en las postales? Es un descubrimiento continuo, incluso si vives aquí cada día. El contacto entre la gente y esa sensación de bienestar que ha existido siempre en Venecia siguen ahí, aunque a su vez, la ciudad es innovadora, vibrante y creativa. Su escena artística ofrece una conjunción de visiones diferentes, que puedes disfrutar en primera persona.
El desayuno de Francesca “Llevo años con una dieta basada en alimentos crudos y para mí, el desayuno es la comida más importante del día. Tomo un yogur biológico, té blanco de China, fruta de temporada y cereales orgánicos”
¿Ese estilo de vida se extiende a las propiedades de la cadena hotelera, como en el caso del Bauer Hotel? Somos parte indispensable de la vida local. Bauer cuenta con edificios icónicos y es un ejemplo de historia, estilos y épocas. Desde su primer dueño, en los años 30, el Bauer ha sido un hotel independiente y, en cada renovación que ha sufrido a lo largo de los años, se ha promovido el arte y los métodos de trabajo artesanales. Es sin duda, un escaparate para cualquier creador. Cuando viajas, ¿qué buscas en un hotel? Me atraen los que tienen una identidad fuerte, lugares únicos que capturan la esencia e historia de un destino. En Londres, me decanto por Claridge’s; en Nueva York, por Carlyle; y en Los Angeles, por el increíble Beverly Hills Hotel. También me gustan las propiedades innovadoras, especialmente en relación con el medio ambiente, aquellas que ponen su granito de arena para contribuir a cuidar nuestro planeta. En tu filosofía hotelera, ¿tiene cabida la tendencia eco? Sí, y aunque en una ciudad tan histórica como Venecia uno encuentra más limitaciones, en nuestro Palladio Hotel & Spa, con 2,5 acres de jardín, hemos desarrollado varias iniciativas que van desde el uso de energías renovables al reciclaje de todo tipo de materiales, incluida el agua de lluvia.
Fuera de Venecia, ¿dónde abrirías un hotel? El estilo veneciano resulta muy atractivo en países como China, y España también me fascina. Este año, he conocido Sevilla [como embajadora de la ciudad de Venecia en la Feria de Abril] y me ha encantado. Pero mi primera opción sería sin duda Ibiza. A mi hija le gusta especialmente la isla y ha sido ella quien me la ha propuesto. Producir vino es una tradición en tu familia. ¿Cómo la continúas? Para mí, es un hobby. Nuestra bodega es de estilo boutique; producimos unas 80.000 botellas al año, sobre todo Pinot Grigio y Sauvignon, que justamente acaba de ser galardonado. Paso muchos fines de semana allí. ¿Y cómo das salida a tu pasión por el arte local? Comencé a colaborar con Save Venice [asociación que trabaja por preservar y restaurar el arte veneciano] hace 10 años, aunque ellos llevan funcionando ya 45. Les resultó interesante el hecho de que había vivido muchos años en América y a mí me atrajo su labor: han invertido millones en restaurar edificios y obras de arte por toda la ciudad. ¿Eres coleccionista? Sí, sigo con la colección de mi abuelo y de mi padre. Se trata, sobre todo, de pintura de la escuela veneciana, con grandes maestros como Tintoretto. Es difícil añadir más al patrimonio ya existente, pero he logrado sumar algo de pintura flamenca en los últimos años. Lo último, un bodegón de Pieter Claesz (1644). ¿Queda tiempo libre? Sí, siempre queda algo. Yo lo aprovecho para salir a navegar por la laguna y visitar el Lido, que está a sólo 20 minutos del centro de Venecia. Cuando viajo, suele ser una mezcla de negocios y ocio, por lo que siempre intento extender mi visita un día más para conocer el lugar. Es una de mis grandes pasiones. 41
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Breakfast with…
Francesca Bortolotto Possati Owner of Venice’s luxurious Bauer Hotels, philanthropist, patron of the arts and one of the city’s best-connected women, Francesca Bortolotto Possati is a great champion of life in the city of canals
Francesca’s breakfast ‘I’ve been following a raw food diet for years, and breakfast is the most important meal of the day for me. I have organic yoghurt, white tea from China, seasonal fruits and organic cereal’
What is Venice, beyond the postcards? It’s a never-ending discovery. The traditional conviviality of its people and sense of wellbeing remain, but it’s also innovative, vibrant, and offers an air of creativity and the perfect lifestyle. Its art scene features a healthy mix of different perspectives you can enjoy at first hand. Is Hotel Bauer a part of that lifestyle? We’re an essential part of local life. Hotel Bauer’s iconic buildings are an illustrative example of history, styles and eras. From its very first owner, back in the 30s, it’s been an independent hotel, and each of its renovations has featured and promoted art and traditional crafts. It’s a showcase for artists. When you travel, what do you look for in a hotel? A strong identity, iconic places that capture the essence and history of a destination. In London, I like Claridge’s. In New York, the Carlyle. In Los Angeles, the Beverly Hills. I also like properties that are innovative, especially when it comes to the environment. Does the current eco trend fit in with your hotels’ approach? Yes, there are more limitations in a historic city like Venice, but we’ve implemented initiatives in our Palladio Hotel & Spa and its 2.5-acre garden that include renewable energy and recycling all materials, including rainwater. Where would you open a hotel outside Venice? The Venetian style is very attractive in China, and I love Spain as well. This year, as Venice’s ambassador at the April Fair, I was able to
explore Seville, and I loved it. But my first choice would be Ibiza. My daughter loves the island and she’s the one who suggested it to me. Wine making is a tradition in your family. How are you carrying it on? For me, it’s a hobby. Ours is a boutique operation producing 80,000 bottles a year, mostly Pinot Grigio and Sauvignon, which has just received an award. I spend a lot of weekends there. How do you indulge your passion for local art? I started working with Save Venice – an association that works to preserve and restore Venetian art – 10 years ago; they’ve been at it for 45. They thought my background of having lived in America was interesting, and I liked the work they did. They’ve invested millions in restoring buildings and artworks. Are you a collector? Yes, I’m expanding the collection made by my grandfather and my father. It’s mostly paintings from the Venetian school by great masters like Tintoretto. It’s rather difficult to add to it, but I’ve managed to bring in some Flemish paintings in recent years. Have you any free time left? There’s always some, and I take advantage of it to go sailing on the lagoon and visit the Lido, which is only 20 minutes from the centre of Venice. When I travel, it’s usually a mix of business and leisure, and I always try to stay on an extra day to learn about a new place. It’s what I love to do most. 43
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A pleasure Meeting new people – I love people Your best advice Surf through life A destination Seville A word How about two? Life and love A landscape My gardens and Venice’s lagoon at sunset Something crazy Bungee jumping – I like to challenge my fears
SUS FAVORITOS EN VENECIA/FRANCESCA’S VENICE PICKS
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Ristorante al Covo Castello, 3968 ristorantealcovo.com
Arnoldo e Battois Dei Fuseri, 4217 arnoldoebattois.com
B Bar Lounge Sestiere di San Marco, 1459 bauerhotels.com/b-bar
“Me encanta por la calidad de sus ingredientes regionales”
“Es la tienda perfecta de bolsos de diseño divertidos”
“Exclusivo, sobre todo durante el Festival de Cine de Venecia”
‘I love it for its quality and use of regional ingredients’
‘This shop has perfected the art of fun, quirky handbags’
‘Exclusive, especially during the Venice Film Festival’
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LOS CANARIOS DEL OTRO LADO
MÁS DE DOS SIGLOS DESPUÉS DE LA LLEGADA DE UN GRUPO DE ISLEÑOS A LA ZONA DE LUISIANA PARA REPOBLARLA, ESTA REGIÓN DE EE UU SIGUE HABLANDO ESPAÑOL, CON ACENTO CANARIO Dolores Molero, de 88 años, pasa de forma natural del inglés (“americano”, lo llama) al español materno, al recordar su infancia en Delacroix, a 50km de Nueva Orleans: “Mi papá tenía un bote, y nos llevaba a bañar, and it was good”. Los antepasados de Dolores y de otros muchos descendientes de Canarios que viven en la zona de Luisiana llegaron a este estado del sur de Norteamérica
en uno de los múltiples barcos que salieron de las islas entre 1778 y 1783 –el primero, con más de 250 pasajeros a bordo, partió el 10 de julio–. Un año antes, el 15 de agosto de 1777, una orden real de la Corona de España solicitaba el alistamiento de 700 hombres para ser enviados a la entonces Luisiana Española. La orden
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FAR FROM THEIR NATIVE SHORE TEXTO: Thenesoya
Vidina Martín De la Nuez FOTOS: Aníbal Martel
MORE THAN TWO CENTURIES AFTER A GROUP OF CANARY ISLANDERS ARRIVED TO REPOPULATE LOUISIANA, THE CANARIAN DIALECT CAN STILL BE HEARD IN THIS CORNER OF THE UNITED STATES Dolores Molero, 88, switches between English (she calls it ‘American’) and her mother tongue of Spanish as she recalls her childhood in Delacroix, 50km from New Orleans: ‘Mi papá tenía un bote, y él nos llevaba a bañar [My dad had a boat and he would take us to swim]; it was good.’ Her American has the rich tones of Louisiana, but her Spanish is accented with the cadences of a
far-flung source: her ancestors arrived in this part of America over 250 years ago from the Canary Islands. In 1777, the Spanish monarch requested that 700 men be sent to Louisiana, at that time ruled by Spain. The order was addressed to the governor and commander of the Canary Islands and aimed at not only recruiting 47
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Los descendientes de canarios que viven en Luisiana conviven con un clima adverso, en el que los huracanes amenazan con hacer desaparecer sus hogares Louisiana’s Isleño community lives among the bayous, exposed to the sea and the hurricanes that regularly wash away their homes
iba dirigida al gobernador y comandante de las Islas Canarias y su objetivo no era sólo el reclutamiento de soldados para defender los recién adquiridos territorios españoles, sino el repoblamiento del sur del estado, tierra de bayous –pantanos– y marismas. Hoy, dos siglos más tarde, esta región sigue siendo el hogar de los descendientes de la emigración canaria a Estados Unidos, una minoría que lucha por mantener vivo un legado único. PASADO CON APELLIDO ISLEÑO Si bien no existe ya un censo, los estudios genealógicos y lingüísticos demuestran la fuerte presencia de esta comunidad canaria en el sureste de Luisiana: muchos conservan los apellidos de sus ancestros –Alfonso, Perez, Morales, Gonzalez, Nuñez, aunque sin tilde, en la versión americana–, pero sólo unos pocos, los más ancianos, mantienen el
español de las islas. “Yo no sabía inglés cuando comencé la escuela, toíta la gente hablaba en español”, recuerda Virginia Steele, de 91 años, con un claro acento canario. Virginia perdió su apellido español al casarse, pero sus antepasados eran Morales y Gonzalez, y su lengua materna era la variante dialectal del español de Canarias, con “eses” melosas y palabras posibles sólo en las siete islas del Atlántico. Como ella, la mayoría de los descendientes de canarios de la zona, agrupados en pequeñas áreas de Baton Rouge, Bayou Lafourche y St. Bernard Parish, dejaron de hablar la lengua de sus padres a causa de las restrictivas políticas lingüísticas impuestas en Estados Unidos a partir de 1906, por las que el inglés se convertía en la única lengua permitida en las escuelas. Su consecuencia ha sido la paulatina pérdida del español, algo que lamenta Juan Melerine, que aprendió a
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El español con acento canario se ha ido perdiendo con el tiempo por las limitadas políticas norteamericanas que impusieron el inglés como idioma principal en las escuelas. Los descendientes de más edad son casi los únicos que lo hablan hoy Much Canarian Spanish in Louisiana was lost after English was ordained the principal language in schools in the early 20th century. These days the older descendants of Canary Islanders are almost the only ones who can still speak it
77-YEAR-OLD JUAN MELERINE LOST HIS SPANISH AFTER HE WENT TO SCHOOL. ‘I’M TOO OLD NOW TO GET THE WORDS BACK’
soldiers to defend the newly acquired Spanish territories, but also at repopulating the southern area of the state, a land of bayous and marshes. The first ship bound for Louisiana left the Canary Islands on 10 July, 1778 with 264 passengers on board; the last arrived there in 1783. And today, more than two centuries later, this southern state is still home to their descendants, known as ‘Isleños’, a minority struggling to keep their historical and cultural legacy alive. While there is no census of the exact number of Isleños, genealogical and linguistic studies have shown this community’s strong presence in south-eastern Louisiana, with many still bearing the surnames of their ancestors – Alfonso, Perez, Morales, Gonzalez, Nuñez. The oldest still speak the Spanish of the Islands. ‘I didn’t know any English when I started school; everybody spoke Spanish,’ recalls Virginia Steele, 91, with an obvious Canarian accent. Virginia lost her Spanish surname when she married, but her ancestors were called Morales and Gonzalez, and her 49
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Dolores Molero (1933)
Virginia Steele (1923)
Dolores Molero - 05571
Felice Lopez Melerine (1919)
Paul Serigne - 00212 / 00217
Las hermanas Carol Perez (1943) y Jeannette Alfonso (1948)
hablar inglés a los siete años; hoy tiene 77: “Ahora estoy demasiado viejo para ir a recoger las palabras”, reconoce. Hablar con los vástagos de mayor edad tiene algo de proustiano; su memoria infantil está inevitablemente ligada a un tiempo perdido en el pasado. TRADICIONES CANARIAS Además de la lengua, la historia de este grupo está ligada a otras manifestaciones culturales ya desaparecidas, como la “décima” –lírica tradicional hispánica de carácter oral–, o la medicina popular que solían practicar las mujeres. El trabajo asociado a las marismas del Delta del Misisipi, que ellos llaman “la vida”, es otro elemento de su cultura: largas temporadas de caza con sus familias, que los más ancianos, entonces niños, recuerdan con nostalgia. Adaptados a un espacio anfibio, a medio camino entre el mar y la tierra, los emigrantes canarios se dedicaron a
la pesca, al comercio de cangrejos y a la caza de ratas almizcleras, hoy apenas existentes a causa de los temporales. El paso de los años y el repetido azote de huracanes han ido sumergiendo no sólo las tierras de esta comunidad, sin duda la más afectada por sus consecuencias, sino también una parte de su historia. Tras el huracán Katrina en 2005, muchos decidieron emigrar hacia el interior, a lugares que no desaparecieran bajo sus pies. Otros como Paul Serigne, decidieron permanecer en esta zona pantanosa para preservar la esencia de su cultura. “Ésta es mi casa”, dice Paul contemplando el árbol que plantó al nacer su hijo y que se mantuvo milagrosamente en pie tras la tormenta. Así son también los canarios de Luisiana, un pueblo que resiste, algo que aprendieron de las familias que decidieron aventurarse al Atlántico sin conocer su destino hace ya varios siglos.
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Adele Fernandez (1926)
Paul Serigne (1943)
Joan Aleman (1945)
Thomas Gonzalez (1938)
first language was the Canarian dialect, with its mellifluous ‘eses’ and words that could only come from those seven-odd Atlantic islands. However, most Isleños – grouped in small areas of Baton Rouge, Bayou Lafourche and St Bernard Parish – stopped speaking the language of their parents due to 1906 policies establishing English as the only language allowed in schools. The consequence has been the gradual loss of Canarian Spanish, something that 77-year-old Juan Melerine – who learned to speak English at the age of seven – deplores, saying, ‘I’m too old now to get the words back.’ Talking to the older descendents is slightly sad; their childhood memories are inevitably linked to a lost culture. Besides their language, the history of this group is linked to other now-disappeared cultural manifestations, such as the décima – a traditional Hispanic oral
lyric poetry – or the folk medicine that women used to practise. The work associated with the marshes of the Mississippi Delta, which they call la vida (life) is another element of their culture: long hunting seasons with their families that the elders – who were children then – remember with nostalgia. When you enter Louisiana’s bayous, you’ll experience the breathtaking beauty of an amphibious space halfway between sea and land. The marshes cannot be developed or contained; they take possession and engulf all who live there. Once they adjusted to their new environment, the immigrants from the Canaries worked in fishing, crabbing and hunting muskrats. However, the repeated lashing of the hurricanes gradually submerged this community and also part of its history. After Hurricane Katrina in 2005, many decided to move inland to places that didn’t disappear beneath their feet. 51
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Jerry Alfonso (1932)
Henry Rodriguez Junior (1935), con su hija Rhonda Hannah (1973)
Dorothy Benge (1933)
Vera Marie Campo Snyder (1922 - 2014)
Jenny Jacoby (1973)
Doris Serigne (1937)
52 Floyd Acevedo (1940)
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Joseph (1927) y Selena (1929) Gonzalez Gonzalez
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Jerry Alfonso (1932)
Christina “Tini” Perez Landry (1924)
Jesse Alfonso (1939)
Janelle Hickey (1938)
Elena “Lena” Torres (1921)
Bertin Bernard Esteves Jr., 1933
53 Henry Martinez (1940)
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Lloyd Wimpy Serigne (1940)
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En busca de más canarios El fotoperiodista Aníbal Martel y la investigadora de la Universidad de Harvard Thenesoya Vidina Martín De la Nuez han creado Cislanderus, un proyecto cultural autofinanciado cuyo objetivo es mostrar el legado cultural de la comunidad de descendientes canarios de Luisiana y Texas, a través de una exhibición fotográfica itinerante y de un libro. Tras dos años de trabajo, más de 5.000 fotos y 50 entrevistas en Luisiana, Cislanderus se dispone a comenzar la segunda parte, dedicada a los descendientes de 16 familias canarias emigradas a San Antonio, Texas, en 1731. Para quien quiera saber más sobre el proyecto o apoyarlo con una donación, puede visitar la web cislanderus.com In search of more Isleños The photojournalist Aníbal Martel Peña and Harvard University researcher Thenesoya Vidina Martín De la Nuez have created Cislanderus, a self-funded cultural project aimed at showing the cultural heritage of the community of Canary Islander descendants in Louisiana and Texas through a travelling photo exhibit and a book. After two years of work, more than 5,000 photos and 50 interviews in Louisiana, Cislanderus is preparing to begin its second phase, looking at the descendants of 16 Canary Island families who emigrated to San Antonio, Texas, in 1731. If you are interested in the project, would like to learn more or support it with a donation, you can visit the website, cislanderus.com
La agrupación de vástagos de canarios en St. Bernard lucha por conservar las costumbres de sus ancestros Descendents of Canary Islanders in St Bernard preserve the customs of their ancestors
LUCHA CANARIA POR LA SUPERVIVENCIA Además de sobrevivir a los embistes del mar, los descendientes de canarios han tenido que superar el olvido institucional del los gobiernos español y estadounidense. Por eso, en St. Bernard, lugar en el que se concentra el mayor número de sucesores, se trabaja cada día para proteger la cultura canaria a través del Museo de los Isleños, creado gracias a la asociación Los Isleños Heritage and Cultural Society, fundada en 1975 por el historiador Frank Fernandez, quien dedicó parte de su vida a recuperar la historia de la emigración isleña. También en la zona de Baton Rouge, donde el español ya ha desaparecido, un grupo
de descendientes del asentamiento de Valenzuela decidió organizarse en 1996 y crear la Canary Islanders Heritage Society of Louisiana, para proteger sus tradiciones. El idioma se diluyó, pero el sentimiento asociado a la herencia cultural canaria permanece. Joan Aleman es la presidenta de la sociedad y una amante de sus raíces canarias. Desde hace años, las rastrea en archivos militares e iglesias. Al preguntarle, recuerda con emoción su primera visita a Gran Canaria, cuando se reconoció en las caras de los isleños. “Fue, en cierto modo, un viaje de regreso”, asegura mientras mira al horizonte ilusionada con que el esfuerzo de las asociaciones pueda acortar la distancia al archipiélago.
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La región de Luisiana donde se asientan la mayor parte de descendientes de isleños se caracteriza por los pantanos The region of Louisiana where the majority of Canarian descendants are based is marsh country
The bayou town of Delacroix, which they call la isla (the island), is remembered wistfully. Some, however, like Paul Serigne, decided to remain in the bayous to preserve la vida. ‘This is my home,’ he says, looking at the tree – miraculously still upright after the terrible storm – he planted when his son was born. The Isleños of Louisiana are a people who have weathered many storms with a strength learned from the 519 families who ventured across the Atlantic without knowing their destination or their destiny. Besides surviving the assaults of the sea, the descendants of the Canary Islanders have had to overcome the institutional neglect of the governments of both Spain and the United States. And that’s why, in St Bernard Parish – home to the largest number of Isleños – Canarian culture is being protected through the Los Isleños Museum, created thanks to the Los Isleños Heritage and Cultural Society, founded in 1975
by historian Frank Fernandez, who dedicated much of his life to tracing the history of emigration from the Canary Islands. It’s not the only organisation interested in preserving Isleño culture. In Baton Rouge – where Canarian Spanish has disappeared – a group of descendants of the settlement of Valenzuela decided in 1996 to organise, creating the Canary Islanders Heritage Society of Louisiana to protect their traditions. The language faded away, but the feelings associated with their Canarian cultural heritage remain. Joan Aleman is the president of the society and a fervent lover of his Canarian roots, which he’s been tracing for years in military and church archives. He emotionally recalls his first visit to Gran Canaria, where he saw himself in the faces of the islanders. ‘It was, in a sense, a return trip,’ he says, looking at the horizon, excited about the possibility that the associations’ efforts can bring them closer to the islands of that distant archipelago. 55
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TRES CARAS DE LA COCINA NOVOANDINA CON SU FUSIÓN DE TRADICIÓN MILENARIA Y ÚLTIMAS VANGUARDIAS, TRES CHEFS HAN LOGRADO REVOLUCIONAR LA GASTRONOMÍA INTERNACIONAL Y RECUPERAR LA IDENTIDAD DE PERÚ
TEXTO:
Diego Cobo
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THREE FACES OF PERUVIAN CUISINE CONTEMPORARY PERUVIAN – OR NOVOANDINA – IS NOW ONE OF THE TRENDIEST CUISINES ON EARTH. ITS SUCCESS IS DOWN TO THREE LOCAL CHEFS WHO HONOUR LOCAL TRADITION WHILE ADAPTING IT FOR THE GLOBAL PALETTE
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“CUANDO UNIMOS CAMPO Y COCINA PUDIMOS COMPARTIR LA TRADICIÓN DE PERÚ CON EL MUNDO” GASTÓN ACURIO “EL ORIGEN”
Hace una década, mientras Perú despertaba de una larga pesadilla de conflictos sociales, un grupo de jóvenes miraba al exterior y pensaba, entre los diferentes retos que se les presentaban, cómo colocar una tradición gastronómica de siglos en lo más alto de la alta cocina de vanguardia. La Universidad del Pacífico en Lima fue la primera en creer en ellos e invitó a Gastón Acurio, hoy máximo exponente de la cocina novoandina, a inaugurar el año académico 2006 con un discurso. En un momento en el que los restaurantes extranjeros dominaban el panorama de Lima, el centro de estudios sirvió la polémica con un chef made in Perú, que todavía pocos conocían. Sin embargo, se trataba casi de una cuestión de patriotismo. “Todos tuvimos claro que la cocina tenía que ser una herramienta de promoción. Hasta entonces, no creíamos en una nación orgullosa de su cultura, pensábamos que nos teníamos que resignar con exportar las materias primas que producíamos”, recuerda Acurio sobre el comienzo de la tendencia.
Hoy, el triunfo gastronómico de Perú es incuestionable, pero por el camino, los chefs se han tenido que ganar la credibilidad, incluso dentro del propio país. “Tuvimos que convencer a los peruanos. Fuimos a buscar a los pequeños agricultores para persuadirles de que, como cocineros, éramos sus aliados, de que la cocina podía ser un escaparate para sus productos. Y, cuando logramos esa unión del agricultor, el campesino y el cocinero, pudimos superar el temor de compartir nuestra tradición con el mundo”, explica el chef y empresario, que abrió Astrid y Gastón en el barrio limeño de Miraflores, en 1997, y que, en los últimos años, ha protagonizado una meteórica expansión, con locales, bajo diferentes nombres, en ciudades como Bogotá, Caracas, Chicago, Guayaquil, Londres, Santiago de Chile o Madrid. El cocinero acaba de publicar además Peru: The Cookbook (Phaidon, 2015), una de las guías más exhaustivas de la cocina peruana, con hasta 500 recetas, como el lomo saltado, la parihuela (sopa de marisco) o la papa a la Huancaína.
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Cortesía de Phaidon y de Tanta Barcelona
En la otra pág.: el reconocido chef peruano, Gastón Acurio. En esta página, en el sentido de las agujas del reloj, desde arriba: ceviche clásico, chaufa, portada del libro Peru: The Cookbook y tiradito japonés Opposite: Gastón Acurio. Here, clockwise from top left: classic ceviche; rice chaufa; the cover of Peru: The Cookbook; and the Japaneseinfluenced Peruvian dish tiradito
Many say that Novoandina – the New Peruvian cuisine defined by its fusion of Andean ingredients and modern culinary techniques popular from New York to Tokyo – arrived when the movement’s godfather Gastón Acurio gave his address at Universidad del Pacífico, Lima’s 2006 graduation ceremony. At a time when foreign restaurants dominated the Peruvian capital’s food scene, his speech on how the country’s ingredients could be spun into a sort of ‘cultural ambassador’ for Peru around the world, resonated. To Gastón and the other chefs accredited with getting Novoandina off the ground, it was a matter of patriotism. ‘We were all very clear that our cuisine had to be a promotional tool. Until then, we really weren’t a nation that was proud of its culture,’ recalls Acurio. Today, as the only Latin American country claiming two spots on the World’s 50 Best Restaurant lists, the gastronomic might of Novoandina is unquestionable.
Success was not a smooth road, however. ‘First we had to convince the Peruvians,’ says Acurio. ‘We went looking for small-scale farmers, to convince them that, as chefs, we were their allies, that our cuisine could be a showcase for their products. And, when we able to bring together farmer, farm worker and chef, we were able to overcome the fear of sharing our tradition with the world.’ The chef and entrepreneur, who opened the celebrated Astrid & Gaston in Lima’s ritzy Miraflores district in 1997, has gone on to build a global empire with spots in Bogota, Caracas, Chicago, Guayaquil, London, Madrid and Santiago de Chile. He has also just published Peru: The Cookbook (Phaidon, 2015), one of the most comprehensive guides to Peruvian cuisine, with some 500 recipes for great national plates like lomo saltado (meat stew), parihuela (seafood soup) and papa a la huancaína (potatoes in a spicy sauce). 59
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‘MODERN CUISINE IS ALL ABOUT OFFERING WHAT NO ONE ELSE HAS EVEN THOUGHT OF’ PEDRO MIGUEL SCHIAFFINO “EL EXPLORADOR”
Tras Acurio, otros chefs como Pedro Miguel Schiaffino han conquistado el mundo con su receta de tradición e innovación. El aventurero del género novoandino, desde que inaugurara su primer establecimiento, Malabar, en 2004, ha afianzado su compromiso con los pobladores de la selva amazónica, con los que ha pasado temporadas aprendiendo técnicas y experimentado con ingredientes locales y recetas milenarias. “Me di cuenta de que en las comunidades indígenas no solamente se producían bienes, sino que también había cultura, historia, tradiciones y conocimiento”, explica Schiaffino, desde su restaurante en Lima. Actualmente, trabaja con varias comunidades remotas, que le proporcionan ingredientes y
otros productos como vajillas y tejidos para el local. “La cocina moderna es encontrar y proponer lo que el resto ni siquiera había pensado. Y a mí me apasiona descubrir Perú a través del trabajo, para después, comunicar lo que somos”, dice. Entre sus productos preferidos están el ají negro y la yuca venenosa, que describe como “un símbolo de riqueza y vida”. Estos alimentos son todos parte de la extraordinaria biodiversidad del territorio, en el que conviven más de 80 microclimas diferentes. Según Gastón Acurio, estas condiciones son las que han permitido una cultura gastronómica tan duradera, “con tradiciones que, aunque no ondeaban con orgullo en las altas esferas, nunca se apagaron en los hogares peruanos”.
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Cortesía del restaurante Malabar en Lima
A la izquierda, el cocinero Pedro Miguel Schiaffino. Sobre estas líneas: pescado escolar en adobo y manzana de agua, de su restaurante Malabar en Lima Left: Pedro Miguel Schiaffino. Above: escolar fish in apple sauce, at his Malabar restaurant in Lima
Pedro Miguel Schiaffino has conquered the culinary world by honouring local Peruvian ingredients but jazzing them up with global techniques. Since opening his first restaurant, Malabar, in Lima’s middle-class residential district of San Isidro, 11 years ago, this pioneer of Novoandina cuisine has made working with the natives of the Amazon rainforest a priority, spending several seasons learning their techniques and experimenting with their local ingredients and recipes. ‘I realised the indigenous communities could share with us not only raw materials, but also culture, history, traditions and knowledge,’ explains Schiaffino from his restaurant. He’s currently working with several remote communities that provide him with ingredients
and other products such as tableware and textiles for the restaurant. ‘Modern cuisine is all about finding and offering what no one else has even thought of. And I love discovering Peru through my work and, later, sharing what we are,’ he says. His favourite indigenous products include black chilli pepper, flour reductions and cassava, which he describes as ‘a symbol of wealth and life’. These are all part of the extraordinary biodiversity of Peru, home to more than 80 different microclimates. According to Gastón Acurio, these conditions are precisely what have led to such a strong gastronomic culture, ‘with traditions that – while practically ignored among the elite – never disappeared from the average Peruvian’s table’. 61
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“HAY QUE DAR GRACIAS A LA TIERRA POR LA ENORME DESPENSA DE PRODUCTOS QUE TENEMOS” VIRGILIO MARTÍNEZ “EL CIENTÍFICO”
Para completar el trío de ases de la cocina novoandina, es necesario hablar también de Virgilio Martínez. Su restaurante Central fue clasificado en 2014 como Mejor Restaurante de Latinoamérica, en la prestigiosa lista de la revista británica Restaurant. Pocos habrían imaginado que el joven, quien se formó como chef en Europa, EE UU y Asia, se convertiría en abanderado de la cultura peruana. “Me fui con muy poca esperanza de que el país me pudiera dar la bienvenida para un día trabajar aquí de nuevo. Faltaba entonces una identidad propia”, detalla Martínez en su restaurante, un laboratorio gastronómico compuesto por más de 60 personas. Su concepto no se aleja del compromiso con la biodiversidad. “Hay que agradecerle a la tierra la enorme despensa de productos, paisajes, gente, variedad geográfica...”, resume él que, a sus 37 años, ha escrito buena parte de la historia de la cocina peruana. En su éxito, a ninguno de los tres se le olvida su papel de actor social. Schiaffino promueve la riqueza cultural y gastronómica que rodea a las comunidades con las que trabaja y denuncia el
peligro que viven algunas de ellas, deprimidas. Martínez se empeña en llevar a la ciudad la diversidad rural. Y Gastón Acurio lucha por dar visibilidad a toda la cadena involucrada en sus especialidades, desde la recolección hasta el proceso de elaboración. En su esfuerzo común, hay sitio para el respeto al medio ambiente. Malabar ha eliminado de su carta los pescados que más cerca se encontraban de estar amenazados, “aunque hemos perdido clientela local acostumbrada a esas especies”, confiesa Schiaffino. Por su parte, Acurio, igualmente consciente de la importancia vital de las aguas para la cocina andina, se ha unido a la defensa de los océanos, junto a asociaciones conservacionistas como Oceana. También queriendo apostar por el futuro, ha abierto en los suburbios de Lima el Instituto de Cocina Pachacútec, en el que más de 400 jóvenes sin recursos se han formado ya como cocineros. El peruano afirma que “la cocina no transforma completamente a un país, pero pone su grano de arena”. Suena razonable, aunque, de momento, a casi medio millar de alumnos, les ha cambiado de forma radical el futuro.
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Cortesía del restaurante Lima en Londres
A la izquierda, el chef Virgilio Martínez. Sobre estas líneas: paiche, pulpo al olivo y paletilla de cordero “seco”, de su restaurante Lima, con los hermanos González, en Londres Left: Virgilio Martinez. Above: paiche; octopus with olive; and ‘dry’ lamb shoulder, all from Lima, his London restaurant run in partnership with the González brothers
Virgilio Martínez is the third of the three stars of Novoandina cuisine. In 2015, his restaurant Central, in Miraflores, Lima, was acclaimed as the best in Latin America by the British magazine Restaurant. At just 36, he’s already secured his spot in the history of Peruvian cuisine. Yet when he left to train as a chef in Europe, the United States and Asia, he never imagined he’d come back as a tastemaker for new Peruvian cuisine. ‘I left Peru with very little hope that my country would some day welcome me back with the chance to work. Back then, it lacked its own culinary identity,’ he says, standing in the facilities of his restaurant, a gastronomic lab that employs a 60-strong squad of cooks and waiters. Like fellow chefs Gaston Acurio and Pedro Miguel Schiaffino, his cuisine embraces Peru’s biodiversity. ‘We must be grateful to the Earth; it’s our giant pantry of products, landscapes, peoples, geographic variety…’ Despite their success, none of the three has forgotten the social importance of their role. Schiaffino has raised the alarm about the depressed social and economic
situations some communities in the Amazon are experiencing. Martínez has made a commitment to work with as many rural producers and products as possible. And Acurio is fighting to bring visibility to the entire production chain behind his cuisine, from the harvesting to the preparation. A cornerstone of all three efforts is respect for the environment. At Malabar, fish on the verge of endangerment were removed from the menu, ‘even though we lost local clientele who are used to eating them,’ says Schiaffino. Acurio has become an avid defender of the seas, backing associations such as international ocean advocate Oceana. With his eyes on the future, the chef has opened the Pachacútec Cooking School in one of Lima’s more deprived suburbs, where more than 400 economically disadvantaged young people have already been trained as cooks since 2011. ‘Our cuisine,’ he says, ‘cannot completely transform this country, but it can play an important role’. It sounds reasonable, especially considering that Novoandina has already brightened the future for so many of Peru’s next generation. 63
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GENIO DE ROJO Y BLANCO CASI UN SIGLO DESPUÉS DE QUE ERNEST HEMINGWAY DESCUBRIERA LOS SANFERMINES, AÚN SE PUEDEN LEER LAS LÍNEAS DE SU FIESTA, ENTRE LAS ARTERIAS DEL CASCO ANTIGUO PAMPLONÉS
TEXTO: Alejandro González Luna ILUSTRACIONES: Mar Hernández
RUNNING HARD PAMPLONA AND THE BULLS WERE ERNEST HEMINGWAY’S GREAT PASSION. YOU CAN STILL FEEL THE FIRE OF HIS FIRST NOVEL, THE SUN ALSO RISES, IN THE STREETS OF THE CITY THAT INSPIRED IT 64
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“PAMPLONA LE DEBE MUCHO A HEMINGWAY, PERO HEMINGWAY TAMBIÉN LE DEBE MUCHO A PAMPLONA”
Hay varias versiones en torno a los motivos que llevaron a Ernest Hemingway a recorrer los más de 800 kilómetros que separan París de Pamplona en 1923 para conocer los Sanfermines, fiesta poco conocida fuera de España en aquella época. Algunos biógrafos afirman que fue Gertrude Stein, madrina del mundo artístico del París de aquellos años, quien recomendó al escritor visitar la capital navarra, asegurándole que allí encontraría material para inspirarse. Otros señalan que fue el Toronto Star, diario canadiense para el que trabajaba como corresponsal en Europa, el que le encargó confirmar las sorprendentes noticias que llegaban sobre aquella pequeña ciudad al sur de los Pirineos, donde la gente corría por las calles, supuestamente, delante de los toros. Sea cual sea la razón, lo cierto es que, el 6 de julio de ese año, el joven periodista y escritor norteamericano llegó a Pamplona por primera vez, sin saber lo que se iba a encontrar. Le acompañaba su primera esposa, Hadley Richardson, embarazada en ese momento. En un artículo publicado unos meses más tarde y titulado Pamplona en julio, Hemingway describía el momento: “Llegamos de noche. Las calles estaban llenas de gente bailando. La música palpitaba y latía. Se lanzaban fuegos artificiales desde la plaza. Todos los carnavales que había visto hasta ese momento palidecían en comparación”. Durante los días siguientes, Hemingway y Richardson se sumergieron en el vértigo de las fiestas, presenciaron los encierros, las corridas, las dianas y la procesión. Comieron y bebieron. Conocieron a las peñas, se codearon con los toreros, y, al final, el escritor quedó tan fascinado con lo que había visto que decidió volver al año siguiente. Y al siguiente. Regresaría nueve veces a lo largo de su vida.
Accounts differ as to what prompted Ernest Hemingway to make the 800-plus-kilometre trek from Paris to Pamplona in 1923 to report on the festival of San Fermín, little known outside Spain at the time. Some biographers say it was Gertrude Stein, patron of the Parisian art scene, who recommended that he visit Pamplona as a source of inspiration. Others claim it was the Toronto Star, a Canadian daily he was working for as a European correspondent, that commissioned him to confirm the news about a small town south of the Pyrenees where people ran through the streets, supposedly with the bulls chasing closely behind. Whatever the reason, the fact is that on 6 July of that year, the young American journalist and writer arrived in Pamplona for the first time, completely unaware of what he was about to find. With him was his first wife, the pregnant Hadley Richardson. In his article Pamplona in July, published months later, Hemingway described the moment: ‘We landed at Pamplona at night. The streets were solid with people dancing. Music was pounding and throbbing. Fireworks were being set off from the big public square. All the carnivals I had ever seen paled down in comparison.’ In the following days, Hemingway and Hadley immersed themselves in the frenzy of the festival, witnessing the running of the bulls, the bullfight, the brass band as it played along its route, and the procession. They ate and drank. They rubbed shoulders with bullfighters and met their fans. In the end, the writer became so fascinated by what he saw that he decided to come back the next year, and the next, returning nine times in the course of his life.
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‘THE STREETS WERE SOLID. MUSIC WAS POUNDING. ALL THE CARNIVALS I HAD EVER SEEN PALED DOWN IN COMPARISON’
Hemingway contribuyó, tanto para bien como para mal, a la internacionalización de los Sanfermines. Pero Pamplona también fue igualmente crucial para la carrera literaria del autor, que hasta 1923 apenas había escrito algunos relatos y poemas, y que ya esperaba con ansia ser reconocido como escritor. La ciudad, fundada por Pompeyo en el año 75 antes de Cristo, le proporcionó lo que andaba buscando: un escenario y un espectáculo dignos de narrar. Y eso fue precisamente lo que hizo. Tras su tercer viaje a Pamplona, en 1925, escribió Fiesta, su primera novela. La obra, que cuenta la visita de una cuadrilla de amigos a los Sanfermines, le convirtió en un referente de la literatura norteamericana y en un emblema de la llamada Generación Perdida. Fue, sin duda, el punto de inflexión en su carrera. Poco después de su publicación, el libro empezó a ser usado como guía por incontables lectores-peregrinos que intentaron, y siguen intentando, seguir los pasos de Hemingway en Pamplona. Explorar el centro de la capital Navarra con un viejo ejemplar de Fiesta de la mano, supone embarcarse en un viaje literario.
Hemingway contributed – for better and for worse – to making the festival of San Fermín an internationally famous event. But Pamplona was also crucial for his career. Prior to 1923, he had written just a few short stories and poems but was already fervently desirous of recognition as a writer. The ancient city, founded in 75BC by Gnaeus Pompeius Magnus, gave him what he was looking for: a stage and a spectacle worthy of telling. And that’s just what he did, writing his first novel – originally called Fiesta, but later titled The Sun Also Rises – after his third trip to Pamplona, in 1925. The work, which tells of a group of friends’ trip to the San Fermín festival, made him a benchmark of American literature and an icon of the so-called Lost Generation. It was, undeniably, the turning point in his career. Shortly after its publication, countless readers began to use it as a guide, attempting – as they still do today – to follow in his footsteps in Pamplona. Exploring the centre of the city, the capital of Navarra, a well-thumbed copy of The Sun Also Rises in hand, is a literary journey.
Al llegar a la Plaza del Castillo, en el corazón del casco antiguo, parecen resonar las palabras de Jake Barnes, el protagonista de la novela: “La plaza ardía, los árboles estaban verdes y las banderas y gallardetes ondeaban en sus astas”. Hoy, la plaza vuelve a arder. Arriba, el sol brilla sin tregua, los niños juegan en torno al quiosco y la gente abarrota las terrazas. En el Gran Hotel La Perla, en un extremo, se puede aún dormir allí donde descansó
When you reach the Plaza del Castillo, in the heart of the old town, it seems to echo with the words of the novel’s protagonist Jake Barnes: ‘The square was hot, and the trees were green, and the flags hung on their staffs…’ The square is once again burning hot. Above, the sun beats down mercilessly, children play in the shadows of the kiosks and people throng the sidewalk cafes. At the Gran Hotel La Perla, at one end of the square, 69
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Hemingway las últimas veces que visitó Pamplona. El establecimiento conserva todavía, con su decoración original, su habitación preferida. En la misma plaza, muy cerca, la terraza del bar Txoko sigue igual que cuando el autor se sentaba a esperar que empezaran las corridas con sus amigos. Sin embargo, el Café Iruña es probablemente el lugar más emblemático de la ruta Hemingway: “Tomamos café en el Iruña [dice el protagonista de la novela] sentados en cómodos sillones de mimbre, mientras desde la fresca sombra de las arcadas contemplábamos la gran plaza”. El Iruña, un local del s.XIX, decorado al estilo belle époque, cuenta con un anexo dedicado al novelista llamado El Rincón de Hemingway, con una estatua del escritor junto a la que a menudo beben los turistas. Hay otra, al lado de la plaza de toros, en el Paseo Hemingway, donde se alza una escultura de bronce y granito del autor con la inscripción: “Amigo de este pueblo y admirador de sus fiestas, que supo describir y propagar la ciudad de Pamplona”. “Pamplona le debe mucho a Hemingway, pero Hemingway también le debe mucho a Pamplona”, afirma el escritor e investigador navarro Fernando Hualde. Los lugareños atesoran, como parte de la memoria local, abundantes historias sobre sus juergas en los cafés, sus devaneos con las mujeres,
sobre la afición que sentía por los toros... Sin embargo, Hemingway nunca corrió un encierro. “Le tenía pánico –afirma Hualde–. Un día, estaba en la puerta de la cocina de un hotel que daba a la calle Estafeta esperando a que pasaran los toros cuando, de repente, en medio del tumulto, alguien lo reconoció y le cogió del brazo para que saliera a correr, pero Hemingway se dio tal susto que se agarró a lo primero que pudo: el asa de una enorme cacerola donde estaban calentado leche lanzando el líquido por el aire y mojando a todos”. Son sólo anécdotas, pero Pamplona ocupa sin duda un lugar especial en la biografía del premio Nobel de Literatura. La última vez que el escritor disfrutó de la ciudad y de sus festejos fue en el año 1959. Se dice que en 1961 le había prometido a su querido amigo, el torero Antonio Ordoñez, que volvería para las fiestas de ese año. No pudo ser, ese verano se quito la vida en su casa de Idaho. El destino quiso que el entierro se celebrara el 7 de julio, día de San Fermín. Esa tarde, en Pamplona, durante la corrida, Antonio Ordoñez se puso un lazo negro en la manga del traje y pidió, antes de enfrentarse al primer toro, un minuto de silencio por aquel amigo que se había ido, convertido en el más grande de los aficionados.
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you can even sleep where Hemingway did on his last visit to Pamplona; the hotel has preserved his favourite room with its original decor. Nearby, Txoko’s sidewalk cafe has remained as it was when Hemingway would sit with his friends to await the running of the bulls. However, Café Iruña is probably the most iconic site along Hemingway’s route. ‘We had coffee at the Iruña,’ the protagonist of the novel says, ‘sitting in comfortable wicker chairs looking out from the cool of the arcade at the big square.’ Iruña, which dates back to the 19th century and is decorated in the belle époque style, has an annex dedicated to the novelist, called El Rincón de Hemingway (‘Hemingway’s Corner’), with a statue of the writer that tourists like to enjoy a drink next to. There’s another at the end of calle Estafeta, along which the bulls run wildly until they reach the bull ring; at its entrance stands a bronze and granite statue of Hemingway inscribed with the following: ‘Friend of this town, admirer of its festivals, who knew well how to describe and promulgate the city of Pamplona.’ ‘Pamplona owes much to Hemingway, but Hemingway also owes much to Pamplona,’ says the Navarra-born writer and researcher Fernando Hualde. Its citizens treasure, as part of their local
history, the many stories about his carousing in the cafes, his dalliances with women and the love that he felt for the bulls. However, Hemingway never ran with them. ‘He was terrified of them,’ says Hualde. ‘One day, he was standing in the door of the kitchen of a hotel waiting for the bulls to run by when, in the midst of the commotion, somebody recognised him and grabbed his arm to pull him out to run, but he was so frightened that he grabbed the first thing he could: the handle of a pot being used to heat up milk, flinging the liquid through the air and splashing everybody.’ Pamplona, its fiesta and the bullfight remained Hemingway’s grand passions till the end of his life, his final visit being in 1959. It’s said that in 1961 he promised his friend, the bullfighter Antonio Ordoñez, that he would be back for the festival, but it was not meant to be; that summer he took his own life at his home in Idaho. By a quirk of fate, his funeral took place on 7 July, San Fermín Day. That afternoon, in Pamplona, during the bullfight, Antonio Ordoñez wore a black ribbon on the sleeve of his suit of lights, requesting a moment of silence before he faced the first bull, for his departed friend, one of the ring’s greatest fans. 71
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SURF CITY
GARY KLEYNHANS STARTED HIS SURF SCHOOL 25 YEARS AGO IN A VILLAGE NEAR CAPE TOWN WITH THE BELIEF THAT SURFING COULD BETTER PEOPLE’S LIVES. TODAY, MUIZENBERG IS KNOWN AS MUCH FOR ITS WAVES AS ITS SMALL-TOWN CHARMS
TEXTO: Sarah Khan FOTOS: Dougal Paterson
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LOS VECINOS DEL SURF
GARY KLEYNHANS ABRIÓ HACE 25 AÑOS LA PRIMERA ESCUELA DE SURF DE SUDÁFRICA EN MUIZENBERG, AL SUR DE CIUDAD DEL CABO. LA COMUNIDAD QUE HA SURGIDO EN TORNO A ELLA ES HOY TAN PROTAGONISTA DE LA PLAYA COMO LAS PROPIAS OLAS
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Gary Kleynhans lleva toda una vida cabalgando olas, una pasión que le llevó a abrir la escuela de surf más conocida de toda Sudáfrica, en Muizenberg Gary Kleynhans’ lifelong passion for riding the waves led him to open his surf school in Muizenberg
Era sólo un niño, allá por los 70, cuando Gary Kleynhans se subió a una ola por primera vez. Se acababa de mudar con su familia de Johannesburgo a Muizenberg, una pequeña población costera a unos 40 minutos de Ciudad del Cabo y, aunque aquel día el viento soplaba con fuerza, el mal tiempo no le impidió lanzarse al pasatiempo preferido de los lugareños: el surf. “El movimiento del agua parecía el de una centrifugadora y había miles de carabelas portuguesas [organismo con apariencia de medusa] flotando”, recuerda el surfista, sobre unas condiciones nada ideales para este deporte, o para un novato. “Lo que me empujó a seguir es esa primera sensación que experimentas encima de una tabla y que es tan difícil de describir”, reconoce. Y eso es justamente lo que Kleynhans lleva haciendo durante décadas, forjándose una exitosa carrera a partir de su gran pasión. Muizenberg es uno de los principales núcleos de surf de Sudáfrica, y su escuela, Gary’s Surf School, constituye la más antigua del país y una auténtica institución local desde que se inaugurara en 1989. Muchos de los que han aprendido
a surfear en las playas de la localidad lo han hecho bajo la tutela del propio surfista o de uno de sus aprendices –siete de los dueños de las ocho escuelas que hay en el pueblo han sido alumnos suyos. Su centro, un local en un lugar privilegiado de Surfer’s Corner, frente a los famosos vestuarios de colores de la playa de Muizenberg, es una escuela de vida. Muchos jóvenes desfavorecidos de la zona han encontrado una salida gracias al surf y a la ayuda del propio Kleynhans. “Creemos que es importante dar una oportunidad a niños que, de otra forma, no se lo podrían permitir”, explica. “Hemos creado programas de ayuda, y también les hemos enseñado a ser emprendedores. Incluso hemos mandado a algunos de ellos a cursos de formación”, cuenta. De los más de 10.000 jóvenes a los que han instruido en las últimas décadas, varios se han convertido en campeones de surf a nivel nacional e internacional. Otros han vuelto para trabajar con él en su plantilla de entrenadores. Uno de aquellos niños es Nobel De Castro. Después de 11 años surfeando con Kleynhans, ahora son compañeros en
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Jóvenes desfavorecidos de Muizenberg, al sur de Ciudad del Cabo, han encontrado en el surf su tabla de salvación y un proyecto de futuro Gary’s Surf School offers people from every corner of the community the chance to surf, whether they can afford it or not
It was howling onshore the first time Gary Kleynhans tried his hand at surfing, as a child in the 1970s. He’d recently moved with his family from Johannesburg to Muizenberg, a quiet seaside community about 40 minutes from Cape Town, and no measure of feisty weather would stop him from experiencing the local pastime. ‘The water was like a washing machine, and there were thousands of bluebottles,’ he recalls – hardly ideal surfing conditions, let alone for a wave-riding rookie. ‘But that first feeling you get when you stand on a board on an unbroken wave, it’s hard to describe,’ he says. ‘Once you get on, you have to do it again.’ And that’s exactly what Kleynhans has done, over and over again for decades, fashioning a career out of his passion in the process. Muizenberg is one of South Africa’s premier surfing hubs, and Gary’s Surf School, a local institution since 1989, is the oldest of its kind in the country. If you’ve ever dabbled in surf lessons in the mild waters off the coast here, chances are it’s been under the tutelage of Kleynhans himself or one of his former disciples: of the eight surf schools
that now dot the town, Kleynhans counts seven of their owners as protégés. But it’s not just surfing that he’s been teaching in this close-knit coastal town. Gary’s Surf School, a subterranean den tucked away beneath a coffee shop on a prime swath of Surfer’s Corner, directly opposite Muizenberg Beach’s multicoloured changing shacks, is also revered as a school of life. In surfing, under Kleynhans’ watchful eye, many disadvantaged youths have found a new purpose and direction to their lives. ‘We give kids who can’t afford it the opportunity,’ he says. For many, surfing began as a way to keep out of trouble, and evolved into a passion; out of the 10,000-plus students Kleynhans has taught over the past few decades, several are local kids who have gone on to defy the odds to become champions, both nationally and internationally. And many have returned to work with him as staff and coaches. ‘I started programmes to help kids in the townships, to try to teach entrepreneurship and send some on courses to create skills,’ he says. 75
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“ES INCREÍBLE VER CÓMO
HAS CONSEGUIDO INFUNDIR FUERZA A ALGUIEN A TRAVÉS DEL SURF”
la escuela. “El deporte me ha mantenido alejado de los problemas”, dice el joven que, cuando era adolescente, sacaba malas notas en el colegio y se sentía perdido. Junto a varios amigos, solía andar por la playa en la que trabajaba Kleynhans, hasta que un día se atrevió a hablar con él. “Les ofrecí enseñarles a surfear e intenté infundir en ellos la creencia de que, con el surf, podrían lograr cualquier cosa en la vida. Vinieron todos, pero el único que se quedó fue Nobel. Y míralo ahora”, comenta satisfecho el fundador del centro. “El surf es nuestra pasión”, añade el sudafricano, que ha visto cómo muchas personas superaban grandes retos a través del deporte, enseñando incluso a personas ciegas y paralíticas: “Es increíble ver cómo has conseguido infundir fuerza a alguien a través del surf ”. Al margen de la labor social, la escuela le ha dado además un importante empuje a la economía de Muizenberg y, en este aspecto, Peter Wright, propietario de la
tienda The Corner Surf Shop, ha sido el primer aliado de Kleynhans. Este empresario, que se define a sí mismo como un “hippy surfero”, recuerda a sus 66 años cuando patrocinaba al surfista en sus competiciones. “Gary tenía 18 y a veces hasta ganaba”, bromea. Wright fue también pionero en esta misma playa cuando inauguró su tienda –la más antigua de todo Cape Town– en 1971. El apoyo de aquellos años ha sido recompensado y su establecimiento, que vendía entonces una tabla al día, despacha hoy más de 100 –y eso que ahora comparte el mercado local con otra decena de tiendas. Durante gran parte del año, los habitantes procedentes de Ciudad del Cabo cambian las populares playas de Clifton y de la Bahía de Camps, en la costa oeste, por las de Muizenberg, al sur, para disfrutar también del encanto bohemio de su comunidad. “El movimiento que hay es como un gran crisol de culturas”, añade Kleynhans. Su amigo y compañero
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Muchos de los que fuesen alumnos del propio Gary Kleynhans se han convertido hoy en monitores de surf de su escuela, por donde han pasado más de 10.000 personas desde 1989 More than 10,000 students have passed through the doors of Gary’s Surf School since 1989 and many have gone on to become surfing teachers in their own right
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‘I’VE SEEN PEOPLE’S LIVES CHANGE FOR THE BETTER BECAUSE OF SURFING’
One of those kids is Nobel De Castro. He’s been surfing with Kleynhans for 11 years, graduating to instructing alongside him for much of that time. ‘Surfing keeps me out of trouble,’ De Castro says. As a teenager he struggled with school and felt directionless. He and some friends used to hang out at the beach where Kleynhans taught, and eventually one day, they approached him. ‘I offered them a free lesson,’ says Kleynhans, ‘and tried to instil in them the belief that with surf, they could so anything with their life. They all came. But only Nobel kept it up. Look at him today.’ ‘We’re passionate about surfing,’ Kleynhans adds. ‘I’ve seen people’s lives change for the better because of surfing.’ Over the years he has coached and taught all types of people to get up on the board, including the paralysed and blind. ‘It’s a great feeling when you see how you’ve empowered someone through surf,’ he says. The school has also been a driver of the town’s economy. Peter Wright, owner of the Corner Surf Shop, was Kleynhans first ally. The businessman, who describes himself as a ‘hippy surfer dropout’ when he first arrived in Muizenberg back when he was 22, used to sponsor Kleynhans in his surf competitions as a teen (‘He even won a few times!’). Wright was one of the pioneers of the surf scene here, opening his shop – the oldest of its kind in the Cape Town area – in 1971. At the time, it sold just one board a week. Now, it’s more than 100. ‘Gary’s school developed a new generation of surfers here, which meant people wanting to buy boards. I used to be the only shop here. Now, there are at least 10. And we’re busy!’ 79
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La localidad costera de Muizenberg es elegida por muchos deportistas, además de por su cultura del surf, por el estilo de vida bohemio y multicultural The seaside town of Muizenberg draws visitors not only for its surf culture but for its Bohemian lifestyle
de surf David Jones, chef y propietario del Empire Cafe –situado cerca de la escuela–, también creció en Muizenberg, donde decidió quedarse seducido por su multiculturalidad. “Hay gente de todo tipo, religión y color –dice. Además, la combinación de playa y montaña es perfecta, y el ritmo de vida es tranquilo”. Si se quiere explorar la zona más a fondo, una de las mejores formas de hacerlo es usando la aplicación VoiceMap, una audioguía creada por el lugareño Iain Manley. “El pueblo es como esa tía excéntrica que tenemos todos. Es peculiar, sofisticada y, si le das tiempo, te contará historias increíbles”, asegura, hablando también de contrastes tan llamativos como la imponente Casa Labia, un lujoso palacio construido en los años 30 por un conde italiano, como réplica de su residencia familiar de Venecia y que ahora se usa como centro cultural. Según Manley, Sobeit Studio es también parada
obligada en la ruta, un estudio de diseño, conocido por sus extravagantes velas, espejos e incluso cabezas de unicornio y candelabros con esqueletos y pájaros. Sus fundadores, Bartel van Vuuren y Liezle Fourie, son también emprendedores. “Esta ciudad tiene una energía increíble, sin mucho de lo que conlleva un centro del diseño. Es más real”, dice van Vuuren, también artista, que se inspira en el movimiento de las olas. “Cada día, cierro la tienda a la hora de comer y me lanzo al agua a surfear”. La aventura diaria la comparte con la mayoría de los dueños de tiendas, incluido Peter Wright, el más veterano. Es habitual ver a la entrada de los establecimientos tablas y trajes de neopreno esperando al sol. En una suerte de ritual diario, la comunidad, junto a Kleynhans y sus alumnos, se abre paso al mar para celebrar la vida en Muizenberg, dejándose llevar por su corriente.
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Tablas con frases de dos de los surfistas sudafricanos más reconocidos de la historia, “Twiggy” Baker y Shaun Tomson Quotes from renowned SA surfers Twiggy Baker and Shaun Tomson adorn these boards in Muizenberg’s surf shops
Though the crowds may come to Muizenberg for the waves, they stay for its bohemian charms. For much of the year, its golden sands are frequented by local Capetonians seeking a low-key respite from the scene-y strands of Camps Bay and Clifton, on the Cape’s west coast (Muizenberg lies on the east). ‘It’s like a melting pot,’ says Kleynhans. His friend and fellow surfer David Jones, a chef who owns the popular Empire Cafe nearby, also grew up in Muizenberg and decided to stick around. ‘It’s a good mix of people, all shapes and sizes, religions and colours,’ he says. ‘The mountainocean combo is beautiful, and the pace is not too hurried.’ One of the best ways to explore is by downloading a walking tour from the VoiceMap app. ‘The village is like an eccentric old aunt,’ says VoiceMap’s founder, Iain Manley. ‘She’s sophisticated in her way and if you give her time, she’ll tell you some great stories.’ A tour highlight is Sobeit Studio, a design collective known for its whimsical candles, mirrors, and home decor – think unicorn heads
and chandeliers fashioned out of skeletons and birds. Pop by for a peek at their colourful gallery and watch the artists at work. Founders Bartel van Vuuren and Liezle Fourie came from a background in prop design, and started the studio when they ‘got tired of making things that got broken down – we wanted to make things that last,’ says van Vuuren, a Muizenberg native. This avant-garde collective is right at home in this artsy town. ‘Muizenberg’s got this incredible energy, but without the other things that come with a design hub: it’s not crowded, saturated or overpriced,’ says van Vuuren. ‘We love Muizenberg because it’s real, without all that pomp.’ But surfing is the backbone here, and it always will be. On his lunch break, van Vuuren will lock up the shop and hit the waves, joining many of his fellow shop owners, also wet-suited and bobbing on boards, in the water. It’s a beautiful ritual, and one that says a lot about the type of town Muizenberg is. And among the shop owners breaking for their midday surf, it’s likely Kleynhans and many of his students, both past and present, will be out there on the waves. 81
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Desmontando la portada
Emoción en equilibrio TEXTO: Jesús Huarte IMAGEN: Liz McBurney
Hemos soñado con cabalgar las olas de Muizenberg, en Sudáfrica, junto a Gary Kleynhans y sus vecinos. Nos ha conquistado su costumbre de cerrar a mediodía para lanzarse en grupo al mar. Y esa misma pasión, la hemos encontrado también extendida a lo largo de toda la cultura surfera hasta Newquay (al suroeste de Inglaterra). Allí, Matt Adams se afana en dar forma a sus tablas en Adams Surfboards, siete días a la semana. Sin ese espíritu de dedicación y una sonrisa, sería imposible deconstruir el surf. CATCHING THE WAVE We loved surfing with Gary Kleynhans and the townsfolk of Muizenberg, South Africa – especially their daily ritual of stopping work and hitting the waves at lunchtime. Closer to home, we found that same passion in Newquay, south-west England. There, Matt Adams has been shaping bespoke boards at his Adams Surfboards for over 20 years. Without his artistry and enthusiasm, we’d never have been able to deconstruct the spirit of the surfer.
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