THE BOOK OF BEAUTY

VOLUMEN 9

Design: Antonio Citterio

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EDITOR’S PAGE

E

T

Esta estación nos hace recordar los proyectos del pasado e imaginar los que vendrán en el futuro, pero sobre todo nos permite disfrutar del presente en compañía de los nuestros. Porque ese siempre ha sido y será mi gran proyecto: mi familia, mis hijos, mis seres queridos.

It is the time when we remember the projects we have worked on and imagine the ones around the corner, not forgetting the most important thing: that we are able to share these achievements with those closest to us. This has and will always be my biggest project: my family, my children, my loved ones.

s época de pausa y descanso. Mi momento para recobrar fuerzas y ref lexionar. Pienso en todo lo bueno vivido durante los últimos meses, en lo feliz que me siento por el buen funcionamiento de nuestro nuevo restaurante Wellies en Puerto Portals, pero sobre todo me emociono por encontrarme en la última parada antes de la ilusionante inauguración, en marzo del 2018, del primer Hotel Cappuccino en Palma de Mallorca.

his is the time to pause and to rest, to recover my strength and think about the things I have experienced these past few months. It’s the moment to consider my happiness at the success of our new restaurant, Wellies, in Puerto Portals. Above all things it’s the space to reflect on the overriding excitement which fills me as I consider all of the many finishing details with which we are preparing for the forthcoming opening of our first Hotel Cappuccino in Palma de Mallorca in March 2018.

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Ph o t o gr a p hy b y N a n d o E s t e v a “ Pu re S a l t C o l l e c t i o n”

THE PUREST LUXURY EXPERIENCE IN MALLORCA

www.puresaltluxuryhotels.com

CONTENTS

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JOHN STEFANIDIS

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AMAL CLOONEY Human Rights Heroine

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GEORGIA O’KEEFFE The Wild Beauty of her Home & Studio

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UN TESORO EN EL BOSQUE One of nature’s most beautiful homes

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RUSSELL PAGE Diseñador y paisajista

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LA SONRISA QUE NOS CAUTIVÓ The smile that enchanted us

Features Volumen 9

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CONTENTS 93

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WHAT MAKES YOU FEEL BEAUTIFUL

114 SOLEDAD BRAVI Sus ilustraciones para el Hotel Cappuccino

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ARMANO SCACCI’S Instagram

118 CAPPUCCINO GRAND CAFÉ VOLUMEN 10 ¡Por fin has llegado!

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DAVID HICKS Prince of pattern

122 MALLET - STEVENS Arquitecto. La construcción simplificada

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ANDREAS WEINÅS Rules of style

128 VANITY, MY MOST FAVOURITE SIN Tattoos 134 SECRET SAFARI

100 GET THE LOOK

140 OUR FAVOURITE BOOKS

110 GÉRALD GENTA El diseñador que detuvo el tiempo

142 DIEGO GIACOMETTI A magical world

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CAPPUCCINO GRAND PAPIER

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Designed by the great

JOHN STEFANIDIS Hotel Cappuccino Puerto Pollensa John Stefanidis es uno de los diseñadores de interiores más conocidos de nuestros tiempos. Sus obras son asombrosamente generosas y están presentes en algunos de los hoteles más lujosos del mundo, donde ha sabido sintetizar la naturaleza y la característica luz del Mediterráneo con el ambiente propio del hotel. Stefanidis es un diseñador que sabe cómo adaptarse a su alrededor, alguien que entiende el papel que debe desempeñar un interiorista para hacer resplandecer los encantos de un hogar, dejando su huella por donde pasa con detalles únicos solo atribuibles a su persona. Sin embargo, y a pesar de haberle conferido su toque mágico a algunos de los hoteles y espacios urbanos más famosos del mundo, lo que más ha dado que hablar sobre este diseñador, especialmente después de que se publicara el magnífico libro de gran formato An Island Sanctuary (Rizzoli International Publications, 2010), es la gran obra de Stefanidis, su proyecto personal: su casa, un lugar idílicamente diseñado en la isla griega de Patmos. Mientras trabajamos con John en los preparativos del proyecto del segundo Hotel Cappuccino que abrirá sus puertas en Puerto de Pollensa (Mallorca), le preguntamos por su obra y por sus inspiraciones, y por supuesto por su maravillosa casa de Patmos. John Stefanidis is one of the most renowned interior designers of our times. From stunningly lavish designs in some of the world’s most luxurious hotels to works altogether synthesized with nature and the light of the Mediterranean, Stefanidis is a designer perfectly attuned to his surroundings, who understands design’s role in enhancing a home’s environment, while providing unique and surprising touches which make the look entirely, iconically, his. However, despite having bestowed his magical touch on some of the world’s most famous hotels and urban spaces, it is Stefanidis’ most personal project, his home on the Greek island of Patmos, that has become one of the most talked about idyllic designs of his oeuvre, especially since the publication of the ravishing glossy coffee-table book, An Island Sanctuary (Rizzoli International Publications, 2010). In the course of working with the designer in preparation for our second Hotel Cappuccino in Puerto Pollensa, Mallorca, we asked John about his work and his inspirations, and of course that magical house on Patmos.

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CAPPUCCINO GRAND PAPIER

El interiorismo no es algo que entrara en los planes de futuro de John Stefanidis. De hecho, empezó en el mundo profesional como publicista. No obstante, la aventura publicitaria en los años 60 no dio para mucho y tras un permiso de trabajo algo turbulento se vio obligado a trasladarse a una agencia de publicidad en Milán. El contacto directo con las grandes obras del Renacimiento italiano, los palacios con columnas perfectamente alineadas de Andrea Palladio, hicieron que saliera el diseñador que llevaba dentro. Al fin y al cabo, es un talento inherente a él al haber crecido en una ciudad resplandeciente y estéticamente sorprendente como lo era la Alejandría de la preguerra, una ciudad totalmente distinta a la que conocemos hoy en día. Aún así, la auténtica vocación de Stefanidis por el diseño interior no floreció hasta un viaje que realizó junto con unos amigos a Grecia. Descubrir la tranquila y reconfortante isla de Patmos es algo que debe agradecer al azar, a la casualidad o incluso al boca a boca. Su casa, su obra más perenne, es la que finalmente le convenció que había nacido para esto. Al principio, el proyecto de la casa fue concebido para ser algo pequeño: «Cuando entré por primera vez junto con mi amigo, el pintor Teddy Millington-Drake, no había ni agua corriente, no había nada de nada. Me dijeron que la casa tenía jardín, aunque ahí no había nada. Poco a poco fuimos añadiendo terreno para hacer un jardín y le construimos una nueva ala a la casa. El campo que compramos casi siempre lo tuvimos alquilado para el cultivo y, a cambio, nos regalaban una cabra año tras año». Es así como Stefanidis, sin apenas pretensiones, fue diseñando la casa que hoy en día es tan admirada por los entendidos en la materia. Una construcción caracterizada por el color rojizo de la tierra y el intenso azul cerúleo sin dejar de respetar el blanco roto de las casas típicamente griegas.

John Stefanidis didn’t always know he wanted to be an interior designer. He started life, in fact, as an advertising executive, although this adventure into the world of 60s publicity was short-lived. After a work permit mix-up meant a compulsory move to an advertising office in Milan, the exposure which followed to masterpieces of the Italian Renaissance, such as the perfectly symmetrical colonnaded palaces of Andrea Palladio, started to give rise to the innate designer within him. It was, after all, a talent which must have been born of his early life, growing up as he did in the resplendent light and aesthetics of pre-war Alexandria in what was a very different city from the one we know today. However, it wasn’t really until Stefanidis took a trip with friends to Greece that his journey into interior decoration crystallised. Discovering, quite by chance and hearsay, the tranquil island of Patmos, and unearthing the house which today has become his most enduring work, something stirred within Stefanidis, and he knew that his future lay in design. The house started small: “When I first came with my friend, the painter Teddy Millington-Drake, there was no water, there was nothing. They said that there was a garden, but there was nothing. Little by little we built the garden, and we added a new wing to the house. The land we bought was mostly rented for agricultural purposes, and in exchange we got a goat each year.” From these humble beginnings, Stefanidis started to create the house so beloved of design-fans today, one rich in splashes of earthy reds and exquisite cerulean blues, all the while respecting the white-washed base which is typical of Greek houses.

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La casa es un pequeño oasis provisto de detalles orientales, una combinación de la frescura mediterránea y el sabor de Oriente Medio, el perfecto reflejo de la herencia griega-alejandrina del diseñador. Desde los amplios ventanales se pueden contemplar las laderas multiformes habitadas por pequeñas casitas blancas, los frondosos jardines poblados por fragantes cipreses, cítricos y granadas abriendo el paso a la hierba y el característico olor mediterráneo, mientras el aleteo de las palomas sobrevolando este maravilloso lugar deja entreoír el relajante sonido de las olas del mar. La casa está amueblada con un ecléctico surtido de objetos decorativos cuidadosamente seleccionados, como lo son, por ejemplo, una colección de ilustraciones que delata la admiración que siente el diseñador por Picasso y Kandinsky y que da origen a su marca distintiva: el uso de colores llamativos a la vez que exquisitos. Y es que el propio Stefanidis opina sobre el color que: «A pesar de tener o no buen gusto, no hay nada más deprimente que los tonos beige y marrón. Los colores apagados deben ser utilizados con moderación, para las zonas de descanso, pero no para todo. En las islas griegas, las paredes deben ser de color blanco roto por obligación, pero se puede jugar con las diferentes tonalidades según la habitación de

The house is a tranquil haven of East-meets-West character, a combination of Mediterranean freshness with an almost middle-Eastern flavour, which is testament to the designer´s Alexandrian Greek heritage. Its windows open onto cubist visions of hillsides filled with white washed houses, and in its shady gardens, there is a lushness of fragrant cypress, citrus and pomegranate trees, while herbs fill the air with their Mediterranean perfume and the fluttering of dove wings create harmony with the sound of the sea. The house is filled with an eclectic array of carefully selected decorative items, such as a collection of plates which betray the designer´s love for Picasso and Kandinsky, and which are characterised by his trademark use of bold, exquisite colour. As Stefanidis says of colour: “Nothing is more dreary than good taste in beige and brown. Muted colours must be used with discrimination for repose but not overall. Rooms in Greek islands have mandatory whitewashed walls but accents of the same colours can lead from one room to the rest. Indigo blue or pink or deep ochre are also to be found in the Mediterranean and a room with walls of colour – all blue, all pink make a contrast and gladden the eye.”

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la que se trate. El azul índigo, el rosa o el ocre oscuro son colores muy habituales en el Mediterráneo y una habitación con paredes de colores, ya sea todo azul o todo rosa, son un agradable contraste para la vista». Para Stefanidis, la casa de Patmos es mucho más que diseño, para él tiene un significado más profundo, más espiritual. «Llega un momento en la vida», comenta, «en el que aprendes a valorar las amistades que mayores placeres, más diversión y más cariño te han brindado. Esto mismo es aplicable a un lugar o a una casa, y si miro atrás hacia mi propia vida, son la casa y el jardín de la isla de Patmos los que más han colmado mi alma». Puede que sea la profundidad de estos sentimientos lo que atestigua el éxito del diseño y la razón por la que la casa haya supuesto el pistoletazo de salida de la fructífera carrera de Stefanidis por todo el mundo. Su proyecto personal le ha llevado, sin lugar a dudas, más allá de las soleadas orillas de Patmos y gracias a él ha podido dejar su huella en algunos de los lugares más sorprendentes del globo terráqueo. Para John, los encargos realizados fuera de Patmos han sido algo más que solo trabajo, le han permitido dejarse llevar por el diseño durante los duros meses de invierno. Cada encargo «debía llevarse a cabo con mimo, con belleza, sofisticación y confort» haciendo uso del bagaje cultural tan propio de Stefanidis y del que siempre ha alegado sacar su inspiración. Es así como diseñó el Gran Baile para

For Stefanidis, his house in Patmos is not just a work of design but something far deeper, more spiritual. “There comes a time in life”, he says, “when you assess the friendships that have given you the most pleasure, amusement and affection. The same can be said of a place or a house, and in my lifetime, it is the house and garden on the island of Patmos that have nurtured my soul”. Perhaps it is this depth of feeling which is testament to the success of the design, and the reason why the house struck such a cord and launched the career of Stefanidis across the world. For the designer’s career has taken him beyond the sunny shores of Patmos and onto some of the most lavish design projects across the world. For Stefanidis, these projects outside of Patmos were some of the most enjoyable, enabling him to indulge in designs fit for the winter months, works which would “need to be cushioned with beauty, sophistication and comfort” while underpinned by the cultural foundations which Stefanidis says have always been the inspiration for his work. So it was that amongst his projects, Stefanidis designed a Ball for Lord Lambton, rooms for the Claridges Hotel, the Governor’s Parlour in the Bank of England and three houses for the Westminster family, to name but a few.

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Lord Lambton, las habitaciones del Hotel Claridges, el Salón Presidencial del Banco de Inglaterra o tres de las casas de la familia de Westminster, entre otros. A pesar de que Stefanidis debe de sentir una gran tentación por pasar cuanto más tiempo posible en las soleadas terrazas de su casa de Patmos, no parece que vaya a reducir su ritmo de vida. Algo por lo que nosotros nos debemos sentir honrados y especialmente expectantes al ser el laureado interiorista el encargado de diseñar los interiores del segundo Hotel Cappuccino que abrirá en Puerto de Pollensa. Stefanidis ya tiene visualizado el proyecto y nos comenta que será: «Original, con mucho confort sin dejar de lado el lujo, comprenderá lo mejor del verano en el Mediterráneo y la ejecución y desarrollo del proyecto se llevarán a cabo de tal manera que sus colores, su alegría de vivir y su luz iluminarán la nórdica melancolía del invierno». Haga lo que haga, tenemos la certeza de que será algo grandioso, algo que casará a la perfección con la belleza de Puerto de Pollensa, dotándolo además, del toque mágico del Mediterráneo como solo un artista y genio del calibre de Stefanidis podría hacer. Estamos impacientes por ver el resultado.

While Stefanidis must be sorely tempted to spend all his time on the sun dappled terraces of his house on Patmos, he shows no signs of slowing down, and we are thrilled and honoured that the great designer will be providing the interior designs of the second Hotel Cappuccino in Pollensa. Talking of the designs, Stefanidis hinted at the kind of look he has in mind: “It will be original, very comfortable not to say luxurious, it will encapsulate the best of Summer in the Mediterranean and its planning and execution will brighten the Northern gloom of winter with its colours, joie-de-vivre and light.” Whatever he creates, we know it will be perfectly attuned to the beauty of Puerto Pollensa and characterised by the magical Mediterranean touch which only an artistically attudned genius like Stefanidis can bring. We simply cannot wait.

Hotel Cappuccino Puerto Pollensa

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Since 1866. Monk strap for Men & Women carminashoemaker.com Madrid:

Barcelona:

Serrano, 74 Claudio Coello, 73 Gran Vía, 58

Passeig de Gràcia, 110

Palma: Unio, 4

Paris Moscow Singapore New York (Next Opening)

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The best terrace in Puerto Portals

RESTAURANT PUERTO PORTALS (MALLORCA) Reservations 871 902 306 · [email protected]

Amal Alamuddin y George Clooney llegaban el viernes 26 de septiembre de 2014 a Venecia para darse el ‘sí quiero’. Los medios aguardaban en la ciudad italiana a la espera de que los festejos dieran comienzo. Según han afirmado fuentes cercanas a Clooney, la elección de la fecha y el motivo de casarse en la Ciudad del Agua no era casualidad, sino el lugar donde se conocieron un año atrás. Pero Amal es mucho más que la mujer del célebre actor. Amal Ramzi Alamuddin nació en Beirut, Líbano, el 3 de febrero de 1978. Su padre era profesor en la Universidad Americana de Beirut y el dueño de una agencia de viajes, su madre era periodista. En 1980, cuando Amal tan solo tenía dos años de edad, su familia huyó del Líbano para escapar de los estragos de la guerra civil que había comenzado a mediados de la década de los 70 y que envolvió al país en un entorno de constante violencia.

AMAL CLOONEY Heroína de los derechos humanos Human Rights Heroine Amal Alamuddin and George Clooney arrived in Venice on Friday 26th September 2014. They were there to say the ultimate “I do”. The world’s media were waiting in earnest in the Italian city, counting down the minutes for the great festivities to begin. According to sources close to Clooney, the time and the place of their marriage had been carefully planned to mark the one year anniversary of when and where they had originally met. But while Clooney’s fame is beyond doubt, Amal, now his wife, is much more than just the other half of a celebrated actor. Born Amal Ramzi Alamuddin in Beirut, Lebanon, on 3rd February 1978, Amal is daughter to an academic father who was both professor at the American University of Beirut and the owner of a travel agency, and to a journalist mother. In 1980, when Amal was only 2 years old, her family fled Lebanon to escape the ravages of the civil war that had begun in the mid-1970s and engulfed the country in an environment of constant violence.

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La familia se estableció en Londres en la década de los 80, donde Amal asistió a una pequeña escuela en las afueras de la ciudad. Excelente estudiante, en 1996 obtuvo una beca para asistir a la Universidad de Oxford, donde desarrolló un interés extraordinario por los derechos humanos y se graduó en derecho en el año 2000. En 2002 empezó a trabajar como abogada en el bufete Sullivan & Cromwell, uno de los más reconocidos del mundo. Más allá de sus casos de defensa criminal, Amal también ha desempeñado varios papeles importantes como asesora, trabajando con Kofi Annan para una comisión de las Naciones Unidas sobre Siria. También ha jugado un papel importante en la defensa de los derechos de las mujeres en las zonas de guerra participando en la Cumbre Mundial para poner fin a la violencia sexual en el conflicto sirio. Sin embargo, desde que contrajera matrimonio con George Clooney, la popularidad de Amal se ha disparado de una manera espectacular. Pero Amal es una mujer inteligente y ha sabido aprovechar su popularidad para dar visibilidad a su trabajo. Como ha dicho en alguna ocasión, hay tantas acciones buenas de su profesión que no se ven a las que ha podido dar visibilidad, que ha hecho que la gente tome consciencia de ellas. Por ejemplo, ahora hay más gente que entiende que está sucediendo con los yazidíes y el ISIS. Si el glamur de Hollywood puede aportar una luz positiva a las causas que ella defiende, entonces el extra de publicidad es bienvenido. Amal Ramzi Clooney tiene claro quién es y lo qué hace. Es esposa y futura madre, sí, pero nos recuerda día a día que está 100% volcada en la lucha por los derechos humanos.

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The family settled in London, where Amal attended the famous Dr Challoner’s High School on the outskirts of the city. An excellent student, in 1996 she obtained a scholarship to attend Oxford University, where she developed an extraordinary interest in human rights and graduated in law in the year 2000. From the outset, her career was illustrious, swiftly passing from a role in the respected firm, Sullivan & Cromwell before taking tenancy in Doughty Street Chambers, a set of barristers famous for defending civil rights. There Amal worked with Kofi Annan for a United Nations commission on Syria and contributed to the World Summit initiative to end sexual violence in the Syrian conf lict. Since marrying George Clooney, Amal’s popularity has skyrocketed. One mention of her name, and her association with the Holly-

wood star predominates. But Amal is a clever lady, and she has successfully transformed her new-founded popularity for the greater good, using her new fame as a platform to give visibility to her work. For as Amal has said herself, there is so much of the good work of this ancient legal profession which remains hidden behind closed doors, and in this way, Amal has increased awareness of some of the most significant civil rights issues of our times, for example, the Yazidis Kurdish community and the great threat of Isis. If her new Hollywood glamour means helping the causes she ordinarily defends, then as far as she’s con-cerned, the extra publicity can only be a good thing. Amal Ramzi Clooney is clear who she is and what she does. She is a wife and a future mother, yes. But as she reminds us every day, she is also a lawyer, 100% focused on the fight for human rights.

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THE WILD BEAUTY OF

GEORGIA O’KEEFFE’S HOME & STUDIO

a pintora americana Georgia O’Keeffe llegó a Nuevo México en 1929 y rápidamente quedó cautivada por la luz, los colores y las formas del desierto que fueron protagonistas de sus obras en los años posteriores. Pasado un tiempo, entre idas y venidas desde Nueva York y Maine, donde vivía con su marido el fotógrafo Alfred Stieglitz, decidió instalarse en Ghost Ranch, una impresionante zona de desierto rojizo situada a unas 20 millas del pueblo de Abiquiú. Allí Georgia encontró la quietud y soledad que ansiaba, además de la fuente de inspiración que daría sentido a sus obras en esta segunda etapa de su vida artística.

he American painter Georgia O’Keeffe arrived in New Mexico in 1929. The light, the captivating magical colours, the waves and the forms of the desert had very soon conquered her, proof of which was very much present in her work during the following years. For some time, she travelled back and forth to New York and Maine as she used to live there with her husband, photographer Alfred Stieglitz. But in the end she decided to settle in Ghost Ranch, an impressive area of reddish desert 20 miles away from a little colonial town called Abiquiu. It is here where Georgia found the solitude and tranquillity she so much longed for, an ideal spot to find her inspiration, the source that would steer her work during the second part of her artistic life.

L

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Encontró una casa de adobe, Rancho de los Burros, con una distribución alrededor de un patio central típica de la arquitectura colonial de Nuevo México, eliminó todo lo superf luo, cualquier tipo de decoración o detalles que pudieran confundir, quedándose únicamente con la esencia del lugar como hacía con sus pinturas, ya fueran sus famosas f lores o un paisaje. Escogió una habitación en la esquina noreste de la casa para su estudio, agrandó los ventanales y comenzó a pintar plasmando todo lo que veía: su casa, las fachadas, el patio, los paisajes desde su ventana, las colinas rojas y grises… y fue allí creando la serie The house I live in (1937) donde finalmente conquistó la ansiada libertad de pintar lo que sentía.

Close to the village was Rancho de los Burros, a typical New Mexican adobe house, which she fell in love with. It was a perfect location distributed around a central patio from which she eliminated all the superficial traits, every decoration and item that could confuse her. She wanted to feel the real essence of the house, those little things we can admire back in her paintings, whether it is her famous flowers or one of her mystical landscapes. A large room at the north-eastern corner of the house with huge window openings was chosen to be her studio. She wanted to capture and paint everything she could see: her house, the façades, the patio, the landscapes, the red-greyish hills… It was in her New-Mexican ranch where she finally conquered the freedom she wanted and could at last paint from her deepest self. In this scenario she painted her famous series, The House I live in (1937).

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La casa en Ghost Ranch era una casa en pleno desierto y de verano y Georgia, quien en 1940 y tras la muerte de su marido decidió mudarse definitivamente a Nuevo México, se empeñó hasta conseguir comprar una propiedad en Abiquiú que había visto nada más llegar a la zona 15 años antes. La casa, datada originalmente en 1734, era una serie de habitaciones en ruinas con un muro de adobe alrededor de un jardín. O’Keeffe cuenta que al subirse a uno de los árboles caídos vio un hermoso patio, perfecto para su ansiado jardín, y cerrando uno de sus lados un muro largo con una única puerta en un extremo: «Esa puerta era algo que debía tener». Desde 1946 a 1949 Georgia O’Keeffe trabajó en la rehabilitación de la casa junto a su amiga Maria Chabot.

Her house in Ghost Ranch was a summer house in a deserted environment. Georgia, who had decided to move and settle in New Mexico in 1940 after her husband had passed away, had set her sight on a little property in Abiquiu 15 years earlier when she first landed on the area. She spent everything she had to own place. The house, which is originally dated in 1734, was just some ruined rooms and an adobe wall surrounding a garden. O’Keeffe narrates it was from the top one of those imposing fallen trees she saw the amazing patio, the excellent place for her beloved garden, a large wall delimiting the sides with only one door at the end “that is the door I had to have”.

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El ejercicio de abstracción fue todavía mayor que en la casa de Ghost Ranch. Los espacios debían ser simples, enfatizando los gruesos muros de adobe con la eliminación de cualquier tipo de artificio, como los techos de vigas vistas, y abriendo generosos huecos al exterior. Aunque las técnicas utilizadas fueron las tradicionales, Georgia no se dejó llevar por los arquetipos de la arquitectura colonial española o la vernácula mexicana. Ella tenía claro el concepto y la visión de lo que quería que fuese su casa, como si se tratara de una de sus pinturas. El interior no sigue un estilo particular, fue amueblado con lo mínimo: desde mobiliario muy funcional y realizado por artesanos locales a piezas cuidadosamente escogidas de Saarinen, Bertoia y Eames. Apenas obras de arte en las paredes que pudieran romper el purismo de los espacios, con la excepción de algunas piezas de su propia obra y un móvil de Calder que cuelga en la sala de estar. «No quiero una casa española, india o mejicana. Yo quiero mi casa».

For three long years, from 1946 until 1949, Georgia O’Keeffe worked on the reconstruction of her house with her good friend Maria Chabot. Her sense of abstraction would be much greater compared to her house in Ghost Ranch. These were simple spaces, thick adobe walls, an absence of any inner architectural decorative items such as exposed beams and large window openings to glance at the outside world. Although the techniques she used were traditional, Georgia didn’t want to follow the Spanish colonial architecture or the Mexican vernacular. She knew exactly the concept and the vision of what her home should be like, as if it was one of her paintings. The inside had no particular style, very simple furniture, singular, functional and handmade by the local artisans: Saarinen, Bertoia and Eames. There were few pieces of art on the walls, just some of her own to keep the purism of the space, and a Calder mobile hanging in her living room. “I didn’t want a Spanish house; I didn’t want an Indian house, or a Mexican house; I wanted my house!”

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Convirtió los antiguos establos en su estudio con vistas panorámicas al verde valle del Río Chama. A diferencia del seco paisaje de Ghost Ranch, el frondoso entorno de la casa de Abiquiú le permitió a Georgia cultivar otra de sus pasiones: la jardinería. Y la influencia de la estética japonesa, constante en la obra de O’Keeffe, fue la guía perfecta para integrar el jardín del patio en el concepto estético minimalista de la casa.

She turned the old stables into a studio. Benefitting from panoramic views onto the deep green valley of the River Chama. It had nothing to do with the deserted dry landscape of Ghost Ranch. The dense environment of her home in Abiquiu allowed Georgia to do her gardening, one of her other huge passions. The influence of Japanese aesthetics, always present in O’Keeffe’s work, was the perfect guide to integrate the patio garden into the minimalist concept of the house.

Obsesionada por la riqueza de los matices y la austera belleza del desierto, dijo un adiós consciente a Nueva York y los grandes hormigueros humanos. Incluso dejó de pintar las flores que ocuparon la primera etapa de su vida. Ahora prefería la humilde fauna del desierto, la inmensidad del entorno y los matices del Nuevo México colorista.

Obsessed by the wealth of the tones and the bare beauty of the desert, she said a conscious goodbye to New York and its crowded streets. She even quit painting the flowers that characterised her work during her early years. It was the humble fauna of the desert, the immensity that surrounded her and colourful New Mexico which had now conquered her palette.

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Para ello, fue alternando su vida entre sus dos casas: el encanto del verano en Ghost Ranch, la rigidez del invierno en Abiquiú. Y así hasta su muerte. Consiguió que las casas fueron dos obras más de su extensa obra, en constante evolución y probablemente las que más le pudieron representar. Hasta el punto de mimetizarse ella misma en este entorno, al convertirlo en el escenario de sus entrevistas y de la mayor parte de las imágenes que se conservan de ella. Para ello tenía un lema: «No hay nada menos real que el realismo. Los detalles confunden. Solo seleccionando, eliminando, acentuando, llegamos al verdadero significado de las cosas». Con estas casas O’Keeffe alcanzó la plena libertad al cerrar el círculo de su obra, una obra global. La de una artista coherente que supo trasladar al concepto de estética, incluso en su atuendo personal, su particular universo vivo en el que ella estaba incrustada como una pieza más. Ella consiguió aquí el sueño de todo artista: meterse de lleno y vivir en cada uno de sus cuadros.

Until her last days she spent her life between her two houses, the charm of the summer in Ghost Ranch and the harshness of the winter in Abiquiu. Her houses were two more pieces of her already vast oeuvre. A permanent change, they are most probably the most representative works. She managed to camouflage herself in this landscape turning it into the backdrop of her interviews and presumably every single image we have of her. Her motto was: “Nothing is less real than realism. Details are confusing. It is only by selection, by elimination, by emphasis that we get at the real meaning of things”. Her houses gave O’Keeffe the chance to achieve full freedom closing the circle of her work, a master work. A harmonious artist who knew how to translate the aesthetic, even in her personal dressing, hers was an extraordinary living universe with herself being just a simple additional piece of it. She managed to make an artist’s dream come true: to get involved and live in every one of her paintings.

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Un tesoro en el bosque ONE OF NATURE’S MOST BEAUTIFUL HOMES Pasear por el bosque es uno de mis pasatiempos favoritos. Hay algo mágico en aquel entorno en el que las ramas y las hojas de los árboles forman una armoniosa cubierta. Es casi como caminar por las bulliciosas calles de Manhattan, así de vivos están los árboles, habitados por insectos, pájaros, reptiles y roedores, aunque a la vez te invade la tranquilidad y la calma de la naturaleza que hace que te sientas totalmente reconfortado. Cuando la luz pasa a través de las hojas y toca el suelo, la iluminación se fractura y se asemeja a la de una discoteca, pero sin sonido. A veces resplandece, otras veces desorienta, y en ocasiones incluso hipnotiza. No hay nada como perderse por los vastos túneles que forman los árboles. Siempre hay algo nuevo por descubrir, algo nuevo que pueda fascinar a la mente.

Walking in the woods is one of my favourite things to do. There is something truly magical about a tightly packed forest of trees. It’s almost like walking along a bustling street in Manhattan - so alive are the soaring trees with insects and birds, reptiles and rodents - and yet at the same time you feel utterly soothed by the tranquil sensation of calm which only nature can provide. When the light filters through the leaves and hits the forest f loor, the fractured illumination is like a disco without sound. It can be dazzling, disorientating, mesmerising. There is nothing quite like getting lost in a vast natural hallway of trees. There is always something new to discover, to enchant the mind.

Hay días en los que estas caminatas te llevan a lo totalmente inesperado, cuando durante un paseo energético entre las acículas de los pinos y las hojas caídas de otros árboles, te encuentras con un precioso tesoro sobre el suelo del bosque. Unas

Occasionally these walks take a turn for the unexpected, when on an energetic stroll across fallen pine needles and leaves you suddenly encounter something beautiful on the forest f loor. With its branches perfectly interwoven,

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ramitas asombrosamente entrelazadas, como si del trabajo de un verdadero artesano o el de un experto sombrerero se tratara. Desde luego, no es algo que haya podido hacer la mano del hombre. Es una obra intricadamente tejida por un pájaro. Conforme te vas aproximando al objeto que reposa sobre la alfombra de acículas, ves el nido de un pájaro, intacto y a muchos metros de donde debería estar.

it is like the work of a true craftsman, or an expert milliner. But this is not the work of a human hand. It is the intricately woven handiwork of a bird. For on approaching the object which has appeared amongst a carpet of needles, you find a bird’s nest – perfectly intact, but many metres from where it should be. There is something utterly breathtaking about finding a nest. It fills you with all sorts of wonder as you observe the mastery of its creation, and admiration at the fragility of its perfectly balanced construct. Usually you can never get so close to a bird’s nest – these things are the preserve of the treetops way up high. So this inspection feels privileged, an exclusive moment, as you take tentative steps towards the nest to discover what lies within.

Encontrar un nido es algo fascinante. Te maravilla poder observar la maestría de su creación y sientes una admiración única por la fragilidad de su construcción perfectamente equilibrada. Por lo general es difícil llegar a ver un nido de pájaro tan de cerca, normalmente son pequeños tesoros que quedan resguardados en lo alto, en las copas de los árboles. Así que, esta inspección al detalle es todo un privilegio, un momento exclusivo mientras das pequeños pasitos hacia el nido para descubrir qué alberga en su interior.

More often than not, the nest is empty. A feeling of pathos replaces the initial excitement of discovery. What has happened to the nest to make it fall so far? And what of the bird whose efforts are so visible in this craftsmanship? It feels like the discovery of a masterpiece abandoned in the middle of the effort of its creation, like a sculpture, painfully close to completion, yet forsaken by the artist when some natural disaster intervenes. For a moment you ponder, should I climb the tree, and take the nest back to the top? Is there anything I can do to put this wrong to right? But no, this is a narrative which must be left to nature’s will. This nest, now too heavy for a bird to carry, will be abandoned to the forest floor, becoming one more victim in the relentless circle of life. But perhaps it’s better that way: for it is with trepidation that we approach this perfect creation, scared to touch it, in case the fragility of the work crumbles beneath our fingers.

Lo más probable es que esté vacío. Y entonces te invade un sentimiento de compasión reemplazando a la excitación que sentías previamente. ¿Qué le habrá ocurrido al nido para que haya caído tan lejos? ¿Y qué le habrá sucedido al pájaro cuyos esfuerzos son tan notorios en esta pieza de artesanía? Es como descubrir una obra de arte abandonada en mitad de su creación, como una escultura, a punto de ser terminada, y dejada a su suerte por el artista a causa de un repentino desastre natural. Por un momento dudas, ¿debería subirme al árbol y volver a dejar el nido en lo alto? ¿Hay algo que pueda hacer para que este fatídico momento vuelva a ser algo esperanzador? Pero no, este es un hecho que debe dejarse en manos de la naturaleza. El nido, demasiado pesado para que un pájaro lo pueda volver a levantar, permanecerá aquí, sobre el suelo del bosque, pasando a ser una nueva víctima del implacable círculo de la vida. Quizás sea mejor así. Nos aproximamos con mucha cautela a esta perfecta creación, temerosos de tocarlo, pues puede que la fragilidad de su trabajo se haga añicos entre nuestros dedos.

But just as it did when creating this masterpiece, so the bird will commence the slow intricate process of fashioning another nest one day soon, artfully interweaving branches and forest fodder to create one of nature’s most beautiful and perfect homes.

Y, al igual que hiciera cuando realizó esta obra de arte, el pájaro pronto volverá a comenzar con el lento proceso del tejido de un nuevo nido, entrelazando meticulosamente las ramitas y abasteciéndolo para crear uno de los más hermosos y perfectos hogares de la naturaleza.

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UNIQUENESS AS STANDARD.

SL: 78 - 86 - 96 - 106 - 118

SD: 92 - 112 - 126

SY: 40Alloy - 460Exp - 52Steel - 62Steel

Each Sanlorenzo yacht is conceived by its owner. By his vision of what a yacht should be, and by his idea of the sea. He is totally involved from the planning phase onwards, and his contribution is visible. There are no limits to his wishes. This is why no two Sanlorenzos are the same and why each Sanlorenzo yacht is as unique as its owner.

MADE TO MEASURE YACHTS. SINCE 1958. Sanlorenzo Spain

Puerto Portals - Benito Feijoo 2, Local 7, Edf. Mar De Portals - Calvia - 07181 Mallorca - Spain - Tel: +34 971 67 69 30 - [email protected] Puerto Banus - Muelle Benabola, Casa D Portal 3 - Marbella 29660 Malaga - Spain - Tel. +34 952 815733 - [email protected]

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he gardens of

RUSSELL PAGE Russell Page (Inglaterra, 1906 – 1985) fue un jardinero británico, diseñador y paisajista. Se formó en artes plásticas en la Slade School de Londres, completando su formación en París en 1928 antes de que el amor por las plantas lo condujeran al paisajismo gracias a la amistad que forjó con André de Vilmorin, heredero de una importante familia dedicada a la horticultura y al comercio de semillas. Regresó a Inglaterra en 1932 y en 1935 se asoció con Geoffrey Jellicoe, quienes, a pesar de que su trabajo no prosperase por motivos económicos, se convirtieron con el paso del tiempo en grandes amigos y dos referentes en el mundo del paisajismo.

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Después de esa experiencia fallida, en 1945, decidió regresar a Francia donde desarrollaría su etapa más brillante con encargos para personajes de la alta sociedad y la nobleza europea, lo que le otorgó una gran proyección internacional.

Estuvo implicado en todo tipo de proyectos de paisajismo, desde pequeños cottage, a proyectos públicos en grandes ciudades, incluyendo jardines en centros de empresa, como el de la sede central de PepsiCo en Nueva York.

El suyo era un talento inusual, una innata combinación de instinto artístico y horticultor experto. Cuando trabajaba en un paisaje, un jardín, o el arreglo de una jardinera, primero abordaba el proyecto del mismo modo que un artista lo hace a la hora de componer un cuadro. Su primera preocupación pasaba por la relación entre los objetos allí dispuestos. No importaba si trabajaba con madera, con campos o agua, rocas o árboles, arbustos y plantas o grupos de plantas, la exigencia en el diseño era la misma. Cada trozo del jardín debía tener su propia personalidad.

Russell era único, no solo porque sus proyectos eran muy diversos, sino también por su comprensión y empatía con las tradiciones horticultoras. Poseía un extraordinario conocimiento y experiencia en disponer de una extensa gama de árboles y de plantas y sabía interpretar los espacios como nadie.

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De entre sus clientes destacan los Duques de Windsor, para quienes diseñó los jardines de Le Moulin de la Tuileríe, Leopoldo III de Bélgica, William Walton, Oscar de la Renta o el empresario francés Marcel Boussac.

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R

ussell Page (England, 1906 – 1985) was a British gardener, designer and landscaper. Having graduated in fine arts at the Slade School in London, he moved to Paris where he completed his training in Paris in 1928. It was there that the advent for his love of plants arose, stemming from his friendship with André de Vilmorin, heir to an important family dedicated to horticulture and seed trade. Deeply inspired by the possibilities of the outside world, he returned to England in earnest, and by 1935 had teamed up with the landscape architect Geoffrey Jellicoe. Their work together did not prosper (economic concerns, as ever, intervened), but the two became great friends, as well as two of the most important references in the world of landscaping.

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It was only when, after that failed experience, he decided to return to France in 1945 that his career really came alive. There, a ready-made audience of high society personalities and European nobility were easily seduced by the natural green-fingered talent of Page. Among his clients were the Dukes of Windsor, for whom he designed the gardens of Le Moulin de la Tuilerie, Leopold III of Belgium, William Walton, fashion designer Oscar de la Renta and the French businessman Marcel Boussac. Therein began a verdant garden career with an impressive international reach. His was an unusual talent; an innate combination of artistic instinctiveness and horticultural expertise. When working in an expansive landscape or a smaller garden, he first approached the project in the same way that an artist does when composing a painting: His first concern was the relationship between the objects and the overall composition. It did not matter if he worked with wood, with fields or water, rocks or trees, shrubs and plants or groups of plants, the design requirement was always the same. Every piece of the garden had to have its own personality.

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He was involved in all types of landscaping projects; from small, traditional cottage gardens, to public projects in large urban spaces, including the gardens of vast business centres, such as Pepsi’s headquarters in New York. Page was unique, not only because his projects were very diverse, but also for his understanding of and empathy with horticultural traditions. He had an extraordinary knowledge and experience of an extensive range of trees and plants and he knew how to interpret spaces like no one else. In Mallorca, we are fortunate enough to be able to enjoy the ravishing work undertaken by Russell Page at Sa Torre Cega, Cala Ratjada, one of the March family’s favourite residences. In the early 60s, Don Bartolomé March inherited the estate and under the direction of the English landscape artist, reformed the park. It was, for example, Page’s idea to combine modern and classical sculptures, placing them always in harmony with the surrounding Mediterranean vegetation.

Como mallorquines tenemos la suerte de poder disfrutar del trabajo que realizó en Sa Torre Cega, Cala Ratjada, una de las residencias favoritas de la familia March. A principios de los años 60, Don Bartolomé March heredó la propiedad y bajo la dirección del paisajista inglés, reformó el parque, cuya idea fue compaginar esculturas modernas y clásicas, siempre en armonía con la vegetación mediterránea.

En 1962 regresó a Londres donde se centró en la redacción de su libro The Education of a Gardener en el que profundiza en la historia del diseño de jardines, desde los jardines islámicos hasta los contemporáneos. Esta obra supone uno de los análisis más contundentes y concienzudos de la historia del diseño de jardines, desde la época clásica hasta el islam, más de cincuenta años después de su publicación sigue siendo una de las guías de referéncia para los paisajistas actuales.

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In 1962 he returned to London where he focused on the writing of his book The Education of a Gardener in which he delves into the history of garden design, from Islamic traditions to contemporary practices. This work is one of the most convincing and methodical analyses of the history of garden design, from the classical era to Islam, which, more than fifty years after its publication, remains one of the foremost guides for today’s most prominent contemporary landscapers.

Albert Pinya Amparo Sard Guillem Nadal Guillermo Rubí Jannis Kounellis Jason Martin Javier Vallhonrat Jordi Alcaraz Mark Francis Nicholas Woods Rachel Howard Rafa Munárriz Rebecca Horn Roland Fischer Pelaires Alexander Calder exhibición, October 1972. Joan Miró, Josep Pinya and Alexander Calder.

C/ Can Verí, 3 · E07001 Palma de Mallorca · T. 34 971 72 03 75 · [email protected] · www.pelaires.com

PELAIRES CENTRE CULTURAL CONTEMPORANI

La sonrisa que nos cautivó The smile that enchanted us

Son las nueve de la mañana de un soleado día de Marzo y Samuel Silvester -a quien llamamos cariñosamente Sam- llega puntual a su cita. Tras unas gafas de sol de pasta se esconde la mirada que nos cautivó desde el primer día en que empezó a trabajar con nosotros. Sam fue camarero en Cappuccino Puerto Pollensa. It’s nine o’clock in the morning on a sunny day in March and, Samuel Silvester, whom we affectionately call Sam, arrives punctual as ever at our prearranged meeting place. His captivating gaze – the same arresting look which enchanted us from the first day he started working with us as a waiter in Cappuccino Puerto Pollensa – is hidden away behind a pair of conspicuous sunglasses.

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Su piel pálida es la prueba evidente de su cambio de residencia a Londres –donde se forma para ser sastre– pero su sonrisa es la misma que nos enamoró, la culpable de haberse convertido en nuestro chico Cappuccino.

His pale skin is clear proof of his change of residence to London, where he is in training to become a tailor. But his smile is the same one we fell in love with, and which was the reason why he very soon became the face of Cappuccino.

Un pintoresco bar del Pla de Mallorca es el punto de encuentro de lo que promete ser una jornada apasionante. Una antigua finca se convierte en el escenario ideal para una sesión en la que pretendíamos huir de convencionalismos y plasmar la verdadera esencia mediterránea. Ovejas, asnos y hasta un pino colosal salvaguardan la sonrisa de Sam. La atmósfera que allí se respira impregna cada una de las instantáneas capturadas. Una dosis de energía natural que nos da fuerza para dirigirnos a nuestro próximo escenario.

A picturesque bar in Pla de Mallorca was the meeting point of what promised to be an exciting day. We had chosen an old farm estate as an ideal location to escape from the conventional images which are generally associated with the essence of the Mediterranean. Sheep, donkeys and even a colossal pine tree replaced the beaches and palm trees of old, and created an intensely bucolic atmosphere which permeated each snapshot of Sam and his winning smile. One could not help but feel energised by the beauty of nature which instilled in us the enthusiasm to continue, onwards, to our next scene.

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Si pensamos en uno de los paisajes más característicos del Mediterráneo, el primero que nos viene a la mente es, sin duda, Formentor. La belleza de la gigantesca roca que emerge del mar como por arte de magia, conocida como Es Colomer, es una de las estampas más fotografiadas. Sin embargo, nuestra nueva campaña era merecedora de un entorno único, que transmitiera la verdadera belleza natural de las islas. Ese marco incomparable estaba más cerca de lo que imaginábamos.

When you think of the most iconic landscapes of the Mediterranean, few come close to the magnificence of Formentor, the awe-inspiring shaft of gigantic rock that emerges, majestically, from under the sea and soars many hundreds of metres into the sky. At its highest point is Es Colomer, one of the most photographed and cherished spots, although for our campaign, we wanted a unique environment deserving of the natural beauty of the Balearic Islands. The perfect spot was closer than we imagined, and with a freshly prepared Bloody Mary served before spectacular views, and the gentle breeze of the Northern coast licking the locks of Sam’s trademark hair, some amazing photographs were guaranteed.

Un Bloody Mary recién preparado, la sonrisa de Sam acompañada de una suave brisa que movía su pelo y unas vistas espectaculares garantizaban unas fotografías sorprendentes.

As afternoon fell, the deepening sky contrasted superbly with the lush greenery of a typical family-run vineyard which was to be the last scene of our shoot. Our islands are rich in wines, and their expansive vineyards make for a truly unique backdrop. It was, without a doubt, the best image with which to complete our session, to immortalise Sam amongst the vines, the very essence of our land.

Caída la tarde, el cielo totalmente despejado contrastaba con el verde de la vid de una bodega familiar. Nuestras islas son ricas en vinos y sus viñedos son una estampa peculiar. Sin duda aquella era la mejor imagen para finalizar la sesión: inmortalizar a Sam entre viñas, entre la esencia de nuestra tierra.

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What makes you feel beautiful. Prendas frescas, relajadas y ligeras son el must have para este verano. Los colores neutros aportarán naturalidad y comodidad a tus looks diarios, y los complementos darán a tu outfit el toque chic necesario. Unas sandalias con plataforma, una cesta de rafia y unas gafas de sol que cubran gran parte de tu rostro, harán todo lo demás. Con la bajada de la temperaturas subirá el tono de tus conjuntos. Este otoño/invierno se llevarán colores más llamativos, prendas divertidas y cospomolitas, sin olvidar la elegancia del negro. Unos stilettos de color verde oscuro con tachuelas o un bolso magenta darán el toque sofisticado al vestido negro de raso que no debe faltar en tu fondo de armario.

Fresh, relaxed and light clothing items are the must haves for this summer. Neutral colours will imbue your daily style with the natural but comfortable style integral to the season. Tonal-brown cork flatform sandals, a classic raffia tote and oversized sunglasses covering most of your face will do the rest. As the temperature drops your colour palette should rise. Striking tones will be the king of your outfit this autumn/winter, it will be all about whimsical and cosmopolitan items, but never forget the elegance of black. Deep-green suede pumps or a magenta-pink Heart pouch will lend a sophisticated touch to your black satin dress which you must include in your wishlist of desirable items.

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Vestido camisero de Altuzarra. Lightly crinkled blue and white gingham shirt dress by Altuzarra

Sandalias Jimmy Choo Norah con plataforma de corcho. Tonal brown cork flatform Norah sandals by Jimmy Choo.

Gafas de sol extragrandes de Gucci. Gucci oversized statement sunglasses.

Cesta de rafia clásica de Balenciaga. Balenciaga’s classic raffia tote.

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Monedero con forma de elefante de Loewe. Loewe Elephant coin purse.

Vestido de raso negro con espalda descubierta en forma de V de Rochas. Rochas black satin dress with a deep V-back.

Carcasa para iPhone de cuero saffiano de Gucci. Gucci’s postbox-red saffiano-leather iPhone case. Stilettos Christian Louboutin de ante de color verde oscuro. Deep-green suede pumps by Christian Louboutin.

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Camisón lencero de satén Golden Hour de Fleur of England. Fleur of England silk-blend satin Golden Hour.

Bolso de mano magenta con corazón de Anya Hindmarch. Anya Hindmarch striking magenta-pink Heart pouch.

Camisa de lino elaborada de forma artesanal de Jupe by Jackie. Jupe by Jackie shirt cut from red and ivory micro-check linen. Pantalones de Thierry Colson con estampados artesanales. It’s the outsized silhouettes and artisanal prints that make Thierry Colson trousers so appealing.

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STYLE ICONS

FIVE WOMEN WHOSE DRESS SENSE WE ADMIRE

MRS. FRANCA SOZZANI Durante los más de 28 años que estuvo al frente de la revista Vogue en Italia como editora, Franca Sozzani se encargó de poner a la moda italiana en lo más alto. En su día, le pidieron que definiera el concepto de estilo a lo que ella respondió: «Hoy en día no hay un único estilo. En mi opinión, en lugar de tanta ropa, la gente debería comprarse más espejos para poder mirarse antes de salir a la calle; y es que las prendas de vestir deben casar con la persona que las lleva. Eso es lo que verdaderamente define el estilo». Puede que sea su “no sé qué” italiano, pero Doña Sozzani sabe muy bien lo que es elegante, lo que es fresco y lo que es informal. Vogue Italia editor Franca Sozzani championed Italian fashion in the magazine she ran for 28 years. Once asked to define style, she replied, “Today there is not just one. I think people should buy more mirrors than clothes, to see themselves before going out... but I think that clothes need to correspond to one’s own personality. That is style.” Maybe it’s her Italian je ne sais quoi, but she knew what chic, cool and effortless really means.

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MRS. MIUCCIA PRADA No es una belleza ni tiene un cuerpazo, de hecho es bastante bajita y las arrugas que definen su rostro siguen su curso. Sin embargo, tiene un atractivo especial y es una mujer fantástica, una persona intelectual que trabaja hasta la saciedad para sacar adelante su propia empresa y aun así, siempre le queda energía para salir a divertirse. Todavía no hemos podido averiguar qué es lo que hace para que esta ecuación le funcione tan bien, es como si siempre estuviera alegre, con una sonrisa de oreja a oreja. Cuida su figura, aunque sin lucirla demasiado, y presume de sus pequeñas cualidades como lo son sus finos tobillos. Siempre lleva algún accesorio, ya sea una bandolera tipo tiara para el pelo, un sugerente bolso o sus llamativos conjuntos cargados de color o de estampados animales. Es, sencillamente, una fuente de inspiración en sí misma. She is neither model-beautiful nor skinny as a rake, she is quite short and has all her own wrinkles, yet she looks inspiring and gorgeous. She is intellectual, works her socks off running her own company and still looks like she’s going to be fun company. It’s hard to pinpoint what she does that works so well, she looks like she’s having a blast most of the time with a great smile, she watches her fit but still shapely figure and shows off her good bits, such as her shapely ankles. What’s more, there’s always a great accessory thrown into the mix- whether it’s a tiara headband, playful purse, or her colour and print combos which are ever so clever. An All Round Inspiration.

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M I S S L I LY- R O S E D E P P Las pasarelas son lo más parecido a un segundo hogar para Lily-Rose Depp, hija del actor americano Johnny Depp y de la cantante francesa Vanessa Paradis. Ha sabido desarrollar un estilo propio, con personalidad y sin temores, apartándose de los estereotipos en los que las grandes modelos son solo caras bonitas que saben lucir lo que llevan puesto. En el momento en el que esta chica se pone algo, lo hace suyo. Hay que ver cómo se enfunda en unos vaqueros, como si de alta costura se tratara. Lily-Rose Depp, daughter of American actor Johnny Depp and French singer Vanessa Paradis, is no stranger to catwalks. She developed the kind of fearless, self-assured approach to getting dressed that sets the fashion stars apart from pretty people simply by wearing nice clothes. When this girl puts something on, she totally owns it. Her effortless ability to wear jeans like couture is astonishing.

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MRS. VERUSCHKA VON LEHNDORFF Veruschka von Lehndorff es una modelo, actriz y artista alemana que saltó a la fama en los años 60. La descubrieron a la edad de 20 años y pronto empezó a formar parte de la prestigiosa agencia neoyorquina Ford Modeling Agency. Fue portada en numerosas ocasiones de las revista Life y de las publicaciones americana, italiana, francesa e inglesa de la revista Vogue. Es más, ¡a veces aún la podemos ver conquistando las pasarelas! Veruschka von Lehndorff is a German model, actress and artist who rose to fame during the 1960s. Discovered at the age of 20, and signed-up by the prestigious New York based Ford Modeling Agency, she appeared on the covers of Life magazine and at various times on all four major Vogue magazines’ - American, Italian, French and British - covers throughout the sixties. Occasionally she still appears on catwalks!

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MRS. CHARLIZE THERON Charlize Theron, elegante y sofisticada, fuente de inspiración por su capacidad de vestirse a la última manteniendo un aire desenfadado. Cada día nos enseña a ser estilosos sin que ello suponga el más mínimo esfuerzo. Es una actriz con talento, además de una modelo con una espléndida figura. Sabe muy bien qué diseños y qué colores debe llevar para resaltar sus cualidades. Nos encanta como luce sus accesorios. Charlize Theron: she’s chic and sophisticated with a fuss-free take on the latest trends that makes her a style inspiration. She schools us on how to look effortlessly stylish. The talented actress and model has an amazing figure and she knows what designs and colours that suit her best. You have to love the way she plays with her accessories.

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ARMANO SCACCI´S INSTAGRAM

In the world of social media, which is so much about the ego, self-concentration and selfaggrandisation, Armano Scacci’s outlook is very different. His Instagram page has many more followers than the average - 85,000 and counting, and his posts number almost 5000, and yet not a single photo is of him. No one really knows who he is. Only that he is one of the world’s most prolific curators of beauty. Where he finds his material, and how extensive is his search are two questions which many of us loyal followers ask ourselves as we open up our Instagram feed each day and are treated to the most ravishing images selected by Scacci. Any why is their source important when what he curates for us is a continuously growing exhibition of some of the most beautiful images being made in the world today?

En el mundo de las redes sociales en el que básicamente todo se reduce al ego, la concentración y el engrandecimiento personal, la visión que tiene de él Armano Scacci es muy diferente. A pesar de que su página de Instagram tiene muchos más seguidores que la media, 85.000 y sumando, y de que su número de posts casi llega a los 5.000, no hay ninguna fotografía suya. En realidad, nadie sabe quién es. Solo se sabe que es uno de los más prolíficos conservadores de belleza del mundo. Cuando todos, leales seguidores de Instagram, abrimos nuestra página, siempre nos preguntamos dónde encontrará el material, hasta dónde llegará su búsqueda para hacer esta selección y publicar tan maravillosas imágenes. Y, ¿de verdad es tan importante conocer su fuente cuando a diario nos deleita con una continua exhibición de algunas de las fotografías más bonitas que se han tomado en el mundo hoy en día?

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La página de Scacci se basa en lo que podría considerarse fotografía artística. Hay una clara inclinación por la moda, aunque las imágenes tienden a desafiar la lógica, incluso a la razón de una forma en la que el trabajo que los surrealistas soñaban con hacer antes de la era de la fotografía como medio digital, les abrió un abanico de nuevas posibilidades. Scacci nos ofrece un mundo de belleza pura y simple más allá de la senda de ensueño surrealista. Es sin duda un amante de la estética, en cada una de sus selecciones nos sorprende con un mundo que magnifica las posibilidades de belleza, exponiéndola de la misma manera en la que los victorianos y prerrafaelitas lo hicieran hace más de 200 años. Los lugares, la gente, los gestos humamos, todo aparece enmarcado por la perfección. No hay un ápice de superficialidad. Su selección de imágenes a menudo lleva implícita una connotación social, ya sean los derechos de los homosexuales, el poder de la feminidad o simplemente la belleza y la fuerza del amor duradero.

Scacci’s page is focused on what could be termed artistic photography. There is a clear fashion bent, although the images tend to defy logic, even reason in the way that the work of the surrealists aimed to do before them, before the age when photography, as a digital medium, opened up a wealth of new possibilities. Beyond the tone of dreamlike surrealism, Scacci offers us a world of beauty pure and simple. He is evidently an aesthete of the most devoted kind, and in each of his selections, he proffers a world which magnifies aesthetic possibilities, celebrating beauty in the way that the Victorians and the Pre-Raphaelites did almost 200 years ago. People, places, human gestures are framed by perfection. But superficial this is not. Often the undertone of the images is one of social commentary, whether it be gay rights, feminine strength or the simple beauty and enduring strength of love.

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Quien quiera que sea y donde quiera que esté Armano Scacci, esperamos que siga cautivándonos con fascinantes imágenes artísticas y fotográficas de esta era. Él se considera una especie de ladrón cultural de la modernidad, de hecho en su cuenta de Instagram se describe como «Robando belleza», en cambio, nosotros le vemos como un sabio de nuestros tiempos quien nos recuerda a diario que siempre que hay algo malo, hay algo igual de bonito en el mundo que podemos admirar y que nos reconforta el alma.

Whoever and wherever Armano Scacci is, we hope that he continues to root out the most ravishingly stunning photographic and artistic images of the age. While he sees himself as something of a modern day cultural thief – his Instagram summary describes himself as “Stealing Beauty” – we see him as a saviour of our times, reminding us on a daily basis that for every bad moment, there is something equally beautiful in this world to admire and to soothe the soul.

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HICKS Prince of pattern

David Hicks, cuyos proyectos de decoración y explosiones de color fueron el punto culminante de la elegancia jet set en las décadas de los 60 y 70, nació en Essex, Inglaterra, un 25 de marzo de 1929. Conocido por su amor hacia las combinaciones de color, así como por un temperamento que oscilaba entre el encanto y la rabia más furiosa, Hicks fue el decorador más famoso de su época. También fue un personaje insólito, un decorador inglés que aborrecía la reputada escuela Masterpiece Theater School of English Decoration. David Hicks, whose decorative projects and what can only be termed colour explosions were the highlight of the jet set age of the 60s and 70s, was born in Essex, England, on 29th March 1929. Known for his love of bold colour combinations, as well as for a temperament that ranged from charming to ferocious in quick succession, Hicks was the most famous decorator of his day. He was also an unusual character, and a contradiction in terms: Here was an English decorator who abhorred the renowned Masterpiece Theatre school of English Decoration.

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En los años 60 y 70, con sus paredes lacadas de colores brillantes, su embriagadora combinación de antigüedades y muebles modernos y su iluminación escenográfica, Hicks fue pionero en proponer una ecléctica mezcla de historia y modernismo. Tras graduarse en la londinense Central College of Art, se incorporó a la agencia de publicidad J. Walter Thompson. Saltó a la fama en 1954 publicando su propia casa en South Eaton Place en un brillante artículo para la revista House & Garden. El David Hicks decorador había nacido. Sus sillas Luis XVI con retapizados geométricos, mesas de plexiglás sobre moquetas estridentes pero elegantes, esculturas grecorromanas con sillas Tulip fueron la referencia entre los creadores de tendencias de la época. Entre sus proyectos se encontraban las habitaciones de los jóvenes príncipes Charles y Anne, un yate para el rey Fahd de Arabia Saudí y el apartamento de la diva de los cosméticos Helena Rubinstein, decorado con paredes de tweed púrpura y muebles victorianos tapizados en piel magenta.

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In the 60s and 70s, Hicks pioneered a new verve in the world of decoration, with bright lacquered walls, and an intoxicating combination of antiques and modern furniture, history and modernity, all highlighted with fantastically staged lighting. After graduating from London’s Central College of Art, he joined the advertising agency J. Walter Thompson. However, it wasn’t until 1954 that he truly rose to fame when, in a brilliant article for House & Garden magazine, he published a feature on his own house at South Eaton Place. The decorator David Hicks was born. His Louis XVI chairs recovered in startling geometric fabric, plexiglass tables on shabby but elegant carpets, and an eclectic mix of Greco-Roman sculptures with the famous Tulip chair, soon became design references for the trend-setters of the time. Among the projects which followed were a series of rooms for the young Princes Charles and Anne of England, a yacht for King Fahd of Saudi Arabia and the apartment of the diva of cosmetics Helena Rubinstein, decorated with purple tweed walls and Victorian furniture upholstered in magenta leather.

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Tan emblemáticos de la época eran sus interiorismos que se le pidió que diseñara algunos de los escenarios de una de las películas por excelencia del momento, Petulia (1968), protagonizada por Julie Christie. Su mayor contribución como decorador fue mostrar cómo combinar colores atrevidos, cómo utilizar alfombras estampadas, cómo iluminar habitaciones y cómo mezclar lo viejo con lo nuevo. Porque Hicks, más que un diseñador de interiores, fue un decorador a la antigua usanza. Si el trabajo de los interioristas está más orientado a sacar el máximo provecho del espacio, un decorador impone su propia visión a una casa, como si de un dictador se tratase, abusando de sus obsesiones y obviando las necesidades de sus clientes. La obsesión de Hicks era el color, y sabía manejarlo como ninguno. En sus interiores, el rosa, el naranja, el verde o el morado son elegantes, atractivos, nunca pomposos ni vulgares; «los colores no chocan, sino vibran. Tu mujer lo encontrará excitante», le dijo a un cliente preocupado por el resultado del dormitorio conyugal.

So emblematic of the time were his interior masterpieces that he was asked to design some of the scenes of one of the films par excellence of the moment, Petulia, the 1968 masterpiece featuring Julie Christie as its star. Among his greatest contributions to the world of interiors was his undoubted knack at combining daring colours, his bold use of highly patterned carpets, his brilliant understanding of illumination and his talent for perfectly blending the old and new. Hicks’s obsession was colour, and he knew how to handle it like no other. In his interiors, the concurrent presence of pink, orange, green and purple was elegant, attractive, never pompous nor vulgar. As Hicks said himself to a client worried about the result of the marital bedroom: “The colours do not collide, but vibrate. Your wife will find it exciting”. As Hicks ended his career, he did so with a final hurrah, expanding into the world of landscaping, where his extraordinary gardens included the ravishing grounds of his Oxfordshire country house.

Pasó los últimos años de su vida realizando trabajos de paisajismo, como el extraordinario jardín que creó en su casa de campo de Oxfordshire. Se inspiró en los jardines anglofranceses de principios del siglo XVIII y trazó avenidas y grandes panorámicas, formando una laberíntica secuencia de pequeñas habitaciones verdes.

Inspired by the Anglo-French gardens of the early eighteenth century, Hicks used avenues and panoramas to form a labyrinthine sequence of small green rooms. In a way it was ironic, since in this final project, Hicks proved himself to be as ever the decorator of bold shapes and colours, even outside.

Cuando se trataba de desafiar convencionalismos con espectaculares estampados geométricos, no tenía rival. Potente, excéntrico y lujoso. Así era David Hicks.

When it came to defying conventions with spectacular geometric prints, he had no rival. Powerful, eccentric and luxurious. This was David Hicks.

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Japanese haute cuisine

Marbella · Hotel Gran Meliá Don Pepe · T. 952 902 936 Mallorca · Puerto Portals, 2 · T. 971 676 025 95

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Andreas Weinås Rules of style

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ndreas Weinås nació en Suecia en 1986 y es muy conocido en su país por ser el editor ejecutivo del blog sueco manolo.se, siendo este el medio especializado en moda masculina más importante del país escandinavo. En 2016 saltó a la palestra internacional al ser elegido como uno de los diez hombres más rakish del mundo por la revista japonesa Rake, lo que sería su manera de decir que es uno de los hombres mejor vestidos en el mundo. Este año ha sido escogido como uno de los 50 hombres mejor vestidos de Suecia por la revista sueca Café. Una de sus pasiones es el balonmano, deporte del que ha sido jugador profesional durante más de diez años. Para Andreas el balonmano supone un enorme contraste con su otra pasión, la moda masculina. Estudió tres años en la Swedish University of Textiles donde se licenció en empresariales especializado en el sector textil.

ndreas Weinås was born in Sweden in 1986. He is very well-known in his country as the executive editor of the Swedish blog manolo.se, a reference for male fashion in the Scandinavian country. He achieved international recognition in 2016, when, according to the Japanese magazine Rake, he was chosen as one of the 10 most rakish men in the world. In other words, he is one of the most perfectly well dressed men from across the globe. This year, he has been elected as one of the 50 best dressed men of Sweden by the Swedish magazine Café. Handball is one of his passions, having been a professional player for more than ten years. This sportive facet is in huge contrast to Andreas’ other passion, male fashion. He studied for three years at the Swedish University of Textiles where he got his degree in business administration specialising in the fashion sector.

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Su interés por la forma de vestir de los hombres despertó cuando empezó a seguir los desfiles de las principales marcas de moda. A pesar de despertar un gran interés por la pasarela, sintió que la moda siempre era una apuesta a corto plazo, no se sentía identificado en como dictaba los cambios drásticos de un año para otro. No obstante Weinås, siempre ha afirmado que es importante tener una mente abierta a las nuevas tendencias, ya que nada es realmente atemporal. Todo evoluciona y puede ser muy inspirador ver como un estilo se convierte en algo clásico. Esta pasión por la moda le llevó durante sus años universitarios a interesarse más sobre cómo se hace un traje perfecto o un par de zapatos, que sobre planificación financiera o contabilidad, convirtiendo este interés en una verdadera pasión. His interest about how men should dress began when he started to watch the most important brands’ fashion-shows. Although the catwalks were interesting, he felt that fashion would always be a short term thing and he did not feel that he could identify with the sudden changes in style from one year to another. However, Weinås has always affirmed that it is important to be open-minded when talking about new tendencies as nothing is really timeless. There is always an evolution and it is very interesting to see how a certain trend turns into something classical. During his student years, his enthusiasm for fashion manifested itself more in an interest in how the perfect suit or pair of shoes were made than in the financial aspects or accountancy of the fashion business. Fashion itself was certainly his real passion.

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Weinås takes most of his ideas from specialised blogs like the one he runs, but it is his direct contact with designers and tailors which has given him the edge. Being able to see them work in person, to have them explain why it is better when a shoe’s welting is handmade or how a suit can become a masterpiece, watching the whole process of its production, this is what actually gives him the most particular and personal vision of fashion. He describes his own style as the modern interpretation of classical pieces, a melange between Scandinavian, Italian and British styles. He loves to combine a classical figure with modern and contemporary details. He prefers dull colours and his favourite fabrics are flannel, tweed and cashmere. He admires the real specialists of his sector. Andreas Weinås is an example of the authentic Scandinavian balance between English elegance and Italian spontaneity.

La mayoría de sus ideas las obtiene de blogs especializados como el que dirige, pero sin duda las mejores lecciones las ha experimentado estando en contacto directo con diseñadores y sastres. El poder verlos en persona, que te expliquen porque un zapato es mejor cuando el welting está hecho a mano, o porque un traje puede ser una obra de arte, vivir el proceso de confección, aporta una visión de la moda más particular y personal. Describe su estilo propio como una interpretación moderna de piezas clásicas, una mezcla de estilo escandinavo, italiano y british. Sus preferencias pasan por combinar la silueta clásica con detalles modernos y contemporáneos. Prefiere colores apagados y su lista de tejidos pasa la franela, el tweed y el cashemere. Admira a los que son verdaderos especialistas en su segmento. Andreas Weinås encarna el auténtico equilibrio escandinavo entre la elegancia inglesa y la frescura italiana.

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“I am what I am: an individual, unique and different” Charlie Chaplin My Autobiography (p. 271 Simon and Schuster 1964 edition)

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Palma de Mallorca

Get the look These plush red suede Gommino driving shoes from Tod’s are ideal for smartcasual styling. Gucci cream cotton T-shirt with blue-green squawking peacock print.

Dita Spacecraft sunglasses will imbue your summer looks with a futuristic tone.

Made from a navy seersucker-silk, the Gucci Monaco suit is lightweight and luxurious.

The artisanal intrecciato weave method has been Bottega Veneta’s signature since the 1960s. This black leather bracelet has been handcrafted with the same technique.

Le Sirenuse Positano vivid fuchsia-pink swim shorts are characterised by true Italian flair.

“The fox in the forest square” by Olof 1982 a handmade pocket square, printed by one of the oldest factories in the business located in Macclesfield UK.

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Thomas Mennell hand crafted Sailor’s bag made out of the softest linen and leather found in Florence. Made in Italy.

The Walker in Tropical Camo, an updated classic made by Grenfell in London, England.

Refine off-duty looks with the Saint Laurent Monogram belt, crafted in Italy from chocolate-brown suede.

Guy Field’s vintage white linen shirt is perfect for summer and can be worn from day to night throughout the warmer months

Faherty’s Baja poncho is the perfect beach-ready style.

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Colt Skyracer The new-generation Breitling. The Colt by Breitling expresses its youthful, dynamic and winning spirit in a brandnew model dedicated to thrill-seekers, with an avant-garde case in Breitlight® and an ultra-technical black look. Code name: Skyracer, like that of the plane flying under Breitling colors in the fabulous Red Bull Air Race. Avenger Hurricane Military The new strike force. With its black avant-garde case in Breitlight®, its dial with aeronautical-type numerals and its selfwinding Manufacture Breitling caliber powering an exclusive 24-hour display, the new Avenger Hurricane Military limited series proudly displays the assets of an instrument for which prowess is the norm.

Navitimer Rattrapante The ultimate mechanical chronograph. Developed in the spirit of instruments for professionals, this Manufacture Breitling Caliber B03 (protected by two patents) is distinguished by its innovative construction ensuring a maximum of precision, sturdiness and reliability.

Superocean Héritage II The new spirit of face as original Breitling has redesigned its Superocean Héritage line, dedicated to modern-day explorers. The result is a new face as original, pure and dynamic as ever, for this highly successful collection that is celebrating its 60th anniversary in 2017.

Nicolás Joyeros Passeig del Born, 18, Palma. Tel: 971 722 889 www.nicolasjoyeros.com

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FIVE MEN WHOSE DRESS SENSE WE ADMIRE

MR. THOMAS MENNELL Nacido en Roma e hijo de un marchante de arte inglés y de una condesa italiana, Thomas Mennell ha tenido el privilegio de heredar el gusto por el detalle y la belleza en su sentido más amplio. Cuando en 2013 se licenció en bellas artes, inició su aventura en el mundo de la moda. Un mundo en el que es imprescindible saber identificar y apreciar la esencia de los tejidos. Su marca es una mezcla entre el clasicismo de la moda inglesa y la excelencia de la moda italiana. Sus prendas han sido producidas en talleres y curtidurías de toda la vida creando y asegurando así la manufactura de piezas imperecederas en el tiempo, dispuestas a ser lucidas por las generaciones venideras y caracterizadas por un estilismo y una calidad únicos. Born and raised in Rome from an English Fine Art dealer and an Italian countess, Thomas Mennell had the luck to inherit a keen eye for detail and beauty in all its forms. In 2013, after completing his degree in Fine Arts, he ventured into fashion where an eye for detail is a must. His brand is a fusion of the British Gentleman’s taste and the Italian excellence from long established mills and tanneries creating and ensuring the craftsmanship of timeless pieces for generations to come. In quality and in style.

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MR. ROBERT REDFORD Robert Redford puede vestir cualquier prenda que se proponga, sin embargo, es su característico estilo americano de influencia casual-cool western el que hace que Sundance Kid sea un icono de estilo. Tras adquirir, a finales de los 60, una estación de esquí al norte de Provo, en el estado de Utah, Redford forjó un imperio en torno al clásico pero elegante estilo vaquero. Y es que, el mítico actor sabe lucir desde una indumentaria típicamente mediterránea de los años 70, hasta el más fino de los esmóquines. Pero, es con sus vaqueros azules, su chaqueta americana, su camiseta de manga corta y sus gafas con montura de pasta oscura con lo que realmente se siente cómodo. While Robert Redford can pull off just about anything he puts on, it is his uniquely American and Western-inspired style of casual-cool that elevates the original Sundance Kid to style icon status. After buying an entire ski resort north of Provo, Utah, in the late ‘60s, Redford built a whole empire around cowboy chic. You’ll see Redford in garb ranging from ‘70s Mediterranean nautical wear to the finest of tuxedos, but the hallmarks of vintage Redford are blue jeans, a tweed blazer over a blue oxford shirt and plastic dark-rimmed glasses.

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fotos: photographer Ted Olsson.

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MR. OLOF NITHENIUS Olof Nithenius es un banquero sueco de 35 años con una inagotable pasión por el estilo y la moda masculina. Es un hombre que ha reflexionado largo y tendido sobre estos dos conceptos tan unidos y tan distantes a la vez, decantándose más por tratar asuntos de estilo que de moda, puesto que, a su parecer, la moda es algo pasajero, algo que cambia temporada tras temporada, mientras que el estilo es algo que perdura en el tiempo, es lo que define la personalidad de cada individuo. El estilo debe ser algo que te caracteriza, algo que no cambie con el paso de los años. Hace poco, diseñó una pequeña colección de accesorios que lleva su nombre por marca: OLOF1982. Olof Nithenius is a 35 year old banker from Sweden with a never-ending passion for style and menswear. Having spent a lot of time reflecting over style and fashion, he prefers to talk about style because fashion is something fast that changes every season, but style is something longer lasting. It’s an expression of someone’s personality. Style should reflect who you are. It shouldn’t change much over time. Recently he created a small capsule collection of accessories under his own name OLOF1982.

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MR. DENIS FRISON Conozcamos un poco más a Denis Frison: nació en un pueblecito cercando a Milán y trabajó en diferentes empresas del sector de la moda, incluida la conocida tienda de moda milanesa Erral 55. Gracias a estas experiencias ha ido desarrollando un estilo personal y cuenta hoy en día con su propia marca. Su primera experiencia con la elegancia la tuvo en la sombrerería de su abuela. Tenía 13 años y ya coleccionaba prendas de Ralph Lauren. Es más, fue el propio Ralph Lauren quien definió a Denis como un «coleccionista de sueños». Afirma enfrentarse a la vida con pasión y con el único objetivo de cumplir sus retos personales. Meet Denis Frison, born in a small village close to Milan in Italy. Having worked for several fashion companies, including the famous Erral 55, he developed his own innate style over the years, and even went on to create his own label. His first embrace of elegance was at his grandmother’s local millinery shop. He was 13 and already collecting Ralph Lauren garments, reflecting often upon the sentiments of Lauren who declared that Denis Frison was a “collector of dreams”. Deeply ambitious and driven by passion, his approach to life is a self-declared desire to fulfil his personal goals.

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MONSIEUR YVES SAINT LAURENT Es el diseñador más laureado e inf luyente de los últimos cincuenta años. A él se le atribuyen tanto el resurgir de la alta costura después de su decaída en los años 60, como el lanzamiento de la moda prêt-à-porter. Su idea de moda consiste en hacer que la mujer se sienta cómoda y elegante al mismo tiempo. La ya arraigada inf luencia y el personal y codiciado estilo de Don Saint Laurent perdurarán para siempre. The most celebrated and inf luential designer of the past fifty years, he can be credited with both spurring the couture’s rise from its 60s ashes and with making ready-to-wear reputable. He approached fashion from a different perspective, focusing on a woman’s need to feel comfortable and yet look elegant at the same time. The enduring inf luence of Monsieur Saint Laurent and his enviable personal style will live on forever.

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Disfruta de un consumo responsable 11º

#LoveEveryDay

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Gérald Genta El diseñador que detuvo el tiempo Los relojes de lujo no son un fenómeno novedoso. Desde siempre, llevar en la muñeca un Rolex, un Patek Philippe o un Omega ha sido un símbolo de estatus. Los amantes de los relojes se gastan importantes sumas de dinero con el fin de adquirir el modelo más exclusivo. A diferencia de los grandes diseñadores de moda que a menudo han sido comentados en críticas y tertulias, los fabricantes de relojes han pasado bastante desapercibidos así como el precio de sus piezas. Sin embargo, la historia nos ha dejado a un diseñador en la persona de Charles Gérald Genta (Suiza 1931 – 2011) cuyos relojes son tan complejos y tan icónicos que la palabra lujo no sería la más indicada para describirlos.

Luxury watches are not a new phenomenon. Having a Rolex, a Patek Philippe or an Omega around your wrist has long been a status symbol, and watch aficionados have always been willing to part with large sums in order to acquire the very best model. But while the big manufacturers have often been bandied about in conversation and in fashion lexicon, it is rare that a watch designer in person will attract much attention, nor large prices. But in Charles Gérald Genta (1931-2011, Switzerland), history gave us a designer whose works were so complicated and so iconic that luxury is not an adequate word to describe them.

Estas maquinarias del tiempo son auténticas obras maestras del diseño y maravillosas piezas de artesanía meticulosamente estudiadas. Algunas de ellas tan complejas que ha necesitado cinco años para crearlas. El precio que lleva su etiqueta, de seis o siete cifras, parece mucho menos extravagante si tenemos en cuenta el tiempo que se ha necesitado para su fabricación. No es de extrañar que Genta haya atraído la admiración de clientes mundialmente reconocidos como Walt Disney, el Príncipe Rainiero, el Rey Hassan II de Marruecos, el Rey Juan Carlos de España, la Reina Isabel y la Reina Madre de Inglaterra y un sinfín de estrellas de cine y de teatro.

These time-keepers are masterpieces of design and brilliant pieces of intricately studied workmanship. Some are so complicated that they would take five years to make. After such an amount of time, the six or even seven figure price tag suddenly felt less extravagant. No wonder then that across his career, Genta attracted the admiration and custom of some of the world’s most glittering personalities, from Walt Disney, Prince Rainier, Kind Hassan II of Morocco, Juan Carlos of Spain, Queen Elizabeth the Queen Mother of England and a panoply of stars of stage and screen.

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¿Y qué hace que estos relojes, descritos por Christie como el Fabergé de los relojes sean tan deseados en el mundo entero? En primer lugar, fue el icónico y a la vez novedoso diseño de Genta lo que ganó la admiración de la gente. Producto de un diseñador de gran fluidez y estilo quien encontraba su inspiración en lo que veía por el mundo. Por ejemplo, fue a Genta el primero al que se le ocurrió la reveladora idea de colocar un engaste rotatorio en la parte exterior de la esfera del reloj, una ocurrencia que le vino de los trajes de bucear que llevaban los soldadores submarinos y que enseguida formó parte del lenguaje de los relojes deportivos de lujo del mundo entero. Además, el diseñador se detenía en cada detalle. Sus diseños eran sorprendentemente complejos y cada elemento de movimiento, las agujas o las cajas las remataba el propio maestro. Uno de los elementos más complicados de todos probablemente fueran sus alarmas, una respetada y gran complicación que hizo que los relojes de Genta

fueran considerados obras de arte; uno de sus relojes de muñeca emite la melodía de las campanadas de la Abadía de Westminster o del Big Ben de Londres. La trayectoria de Genta fue larga y variada. No solo diseñó una línea epónima de alardeadas piezas del tiempo, sino que también colaboró con algunos de los mejores diseñadores de relojes del universo Ginebra como Patek Philippe, Audemars Piguet y Bvlgari. Pero su influencia se ha visto reflejada mucho más allá de los modelos que fabricó, sirviendo de inspiración en los elementos de prácticamente todos los diseñadores de relojes que han seguido a su obra. Genta entendía mejor que nadie en el mundo el estilo y la mecánica del tiempo. Incluso cuando el tiempo le alcanzó y murió a la edad de 80 años, dejó un legado de fabricación de relojes que perdurará en el tiempo sin importar lo implacables que puedan ser las manecillas de sus piezas.

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So what was it that made these watches, described by Christie’s as “the Fabergé of watches”, so desired throughout the world? First it was Genta’s iconic and at times novel design which won him the admiration of plenty. He was a designer of great fluidity and style, who took inspiration from around the world. It was Genta for example who first conceived the idea of revealing a rotating bezel on the outer egde of the watch-face, a feature which took inspiration from the deep-sea diving suits worn by undersea welders, and which immediately entered the language of luxury sports watches across the world. He was also a watchmaker who paid attention to every detail. His designs were stunningly complicated, and every element of movement, the dials, and the cases were completed by the man himself. And perhaps the most complicated element of all would be his sonneries (rings), a respected and difficult complication with Genta

mastered to an art – one of his wrist watches even ringed to the melody of the Westminster Bells of Big Ben in London. Genta’s career was long and varied. Not only did he conceive an eponymous line of celebrated time pieces, he also worked in collaboration with some of the watch-world’s best from Universal Genève, Patek Philippe, Audemars Piguet and Bvlgari. But his influence stretched far beyond the models he actually constructed, inspiring elements of practically every watch design which has followed in his wake. He was a man who understood both the style and mechanics of time better than any other person alive. But when eventually time caught up with him, and he died at the age of 80 years old, he left a legacy of watchmaking which will outlive time, no matter how relentlessly the hands of his watches dial onwards.

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soledad bravi y sus ilustraciones para el Hotel Cappuccino Soledad Bravi and her illustrations for the Hotel Cappuccino No. No puede ser una simple casualidad que Soledad Bravi iniciara su carrera de ilustradora profesional a raíz del nacimiento de su primera hija. Demasiada coincidencia. Dos acontecimientos vitales de semejante envergadura no pueden ser casuales, y aunque muchas veces no seamos capaces de identificar el patrón invisible que los atrae, el motivo está escrito en alguna parte. La causalidad –que no casualidadparece innegable: el hecho de alumbrar una vida como principio de una revolución creativa.

No, it cannot just be coincidence that Soledad Bravi started her professional career as an artist after having given birth to her first daughter. It’s just too much of a coincidence! These two magnificent events, so unique in a lifetime, cannot be random. Nonetheless, although we will never be able to identify the invisible attraction they are related to, the reason for every occurrence is written somewhere. Thus, one and another have very much to do with each other: giving birth to a new life being the beginning of a creative revolution.

Soledad entra en Cappuccino y se siente automáticamente transportada al bar de su calle en la capital francesa. Nuestro café le evoca sus tardes de trabajo rodeada de amables desconocidos que disfrutan de su velada. Piensa en las risas con sus amigas, en la vida que tiene lugar a su alrededor y que se encarga de capturar como material para sus obras. Así lo hace también a la hora de dibujar las ilustraciones para la campaña de publicidad del futuro Hotel Cappuccino. Pasea por los pasillos, se deleita con unos azulejos que capturan en su geometría y colores la historia de la ciudad, se asoma a la Plaza de Cort desde uno de los balcones y observa durante minutos el imponente olivo que la preside. Ese árbol le explica otra parte del pasado de Palma, la de la naturaleza que nos rodea y con la que convivimos en armonía. Le gusta ese equilibrio, también plasmado en unas palmeras que aún no han sido plantadas en el patio pero que ella es capaz de admirar con la única ayuda de su imaginación. Soledad puede ver el hotel acabado frente a ella, observar a clientes caminando hacia sus estancias, hablando sobre sus vidas, sobre los buenos ratos que están pasando en la isla. Momentos que pretende capturar con su lápiz negro, traduciendo en ágiles trazos la atmósfera que evoca cada espacio en su mente.

When Soledad came to Cappuccino, she felt immediately transported as though to a Parisian bistro. Our coffee reminds her of working evenings surrounded by perfect strangers enjoying their soiree. The laughter with her friends, the happenings around her from which she takes the essence she needs for her work. Such was the inspiration for the perfectly tailored illustrations which will form the centrepiece of the publicity campaign for the Hotel Cappuccino. She takes a walk through the long corridors, stops round every corner and marvels at the geometry of the tiles and the colourful history of the city. From one of the balconies she stares out at the magnificent ancient olive tree that gives life to the Plaza de Cort. The imposing tree tells her the other side of the history of Palma, our nature, the one we respect and live alongside in harmony. She loves this balance, including the palm trees that have not been given their final place in the patio, but which she can already admire by simply using her imagination. Soledad is capable of seeing the hotel finished, clients making their way up to their rooms, talking about their lives, about the lovely time they are spending on the island. Single moments she captures with her black pencil, translating in agile lines the atmosphere each space produces in her mind.

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Soledad trabajó como directora artística en publicidad hasta que la vida decidió darle un vuelco a su carrera profesional en 1993. Fue entonces cuando empezó con sus colaboraciones en la revista Elle, ilustrando artículos y dibujando una página de cómic propia que cada semana pone el punto y final a la publicación. De estilo minimalista, línea suelta y mirada sincera en sus obras, no concibe la creación como un proceso acotado a un solo medio. Esta artista francesa necesita el cambio para seguir adelante. Un cambio de público, un cambio de soporte, un cambio también en sus fuentes de inspiración. La vida es un constante cambio, y como sucede en la mayoría de los artistas dotados, son sus vivencias las que dan lugar a sus dibujos. Soledad necesita moverse por la ciudad, sacar ideas de la luz de los días soleados y también de los lluviosos. De las personas que se cruza en su camino y de las conversaciones que atrapa con descaro en los bares de su querida París en los que disfruta de un buen café. ¿Café? De nuevo, esto no puede ser casualidad.

Soledad worked as an art director in advertisement until in 1993 her life turned her professional career upside down. She then decided to collaborate with fashion magazine Elle illustrating articles and drawing her own comic which week after week put an end to the publication. Her work is based on minimalism, lose lines and has a sincere approach not conceiving creation as a process linked to only one meaning. According to the French artist, change is the principle to keep moving forward. No matter if it is politics, changes of format or changes in the sources of her inspiration. Life is always changing and as a true artist it is her daily experiences that give expression to her drawings. Soledad needs to move around crowded cities to take her ideas on lovely sunny days or even when it’s raining cats and dogs. The people she meets or the conversations she secretly listens to in the bistros of her well-loved Paris where she savours a cup of delicious coffee. Did I mention coffee? Again, this cannot be a coincidence.

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No pudo ser una simple casualidad que en la visita al estudio parisino de Jacques Grange descubriéramos el trabajo de Soledad y que ese mismo día, frente al hotel de la Rue de Seine, la artista se encontrara firmando cuadernos de notas. No pudo ser casualidad. O tal vez sí. En ese caso, bendita casualidad la de descubrir a Soledad Bravi.

Discovering the work of Soledad while visiting the Parisian studio of Jacques Grange cannot just be a coincidence. The fact that the artist was signing notebooks on that same day in front of the hotel on la Rue de Seine cannot just be a coincidence. It cannot be coincidence or maybe it can. If so, let’s bless the coincidence of having discovered Soledad Bravi.

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CAPPUCCINO MUSIC

Por in has llegado! I t’s inally arrived!

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Vol.

Pepe Link Selection

«El proceso es realmente minucioso», comenta el DJ. Primero, debe escuchar miles de temas cada mes hasta encontrar aquel que cree que encaja con la entidad de Cappuccino. Las canciones que han pasado la criba llegan a las exigentes manos y oídos de Picornell, que vuelve a someterlas a su escrutinio. Las supervivientes engrosan una lista en continua revisión de la que finalmente saldrán las escogidas para el siguiente recopilatorio. «A partir de allí viene el trabajo de conseguir las licencias. No siempre es fácil, aunque con los años y después de más de 100.000 discos vendidos, cada vez nos dan más facilidades». De allí que por los anteriores volúmenes hayan pasado artistas de la talla de Norah Jones, Henri Salvador, Carla Bruni, Nick Cave, Rufus Wainwright, The Cure, Chet Baker o Angus & Julia Stone. Pero más allá de aquellos nombres que más puedan llamar la atención, los discos de Cappuccino se han ganado la fama de ser un terreno fértil para los descubrimientos y las sorpresas, y además, en cierta manera, sirven para trazar el recorrido inverso hacia el alma misma de todo esto; gracias a unos CD que han basculado entre la elegancia de la chanson, la sensualidad de la bossa, la clase del jazz, la lujuria de la música disco y el deep house o el intimismo del folk. De alguna forma, este décimo volumen es un resumen de todo esto y de la promesa de lo que vendrá, un reflejo de cómo escoger de lo bueno lo mejor, y de lo mejor lo excepcional, y de lo excepcional aquello único, termina por dar sus resultados y es lo que acaba marcando la diferencia y dando sentido a todo. Es lo que explica esas 100.000 copias vendidas. Y las 100.00 que vendrán.

Algo así como que quien no cojea de una pierna lo hace de la otra. Y en el caso de los dos máximos responsables de la identidad musical de Cappuccino, la pierna de la que cojean es la misma: la obsesión por hacer del hilo musical algo más que un rumor de fondo y por convertirlo en parte integral de la identidad de todos nuestros establecimientos. Hablamos de Juan Picornell, fundador de Cappuccino, y Pepe Link, el hombre detrás de la música que suena en cada cafetería a todas horas, de día y de noche, y el artífice final de los recopilatorios Cappuccino Grand Café, cuyo décimo volumen aparece este verano.

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CAPPUCCINO MUSIC

Talking about a musical identity for Cappuccino is like talking about a person’s need of both legs to move forward. Over the years, our sound has turned into one of our biggest obsessions: we cannot afford to just play some background noise while clients savour their meals and drinks, spend their time with friends or simply relax at our cafés. Music is an essential element, a part of the true identity of each and every one of our Cafés. Then it should not be surprising that it is Juan Picornell (founder of Cappuccino), himself and Pepe Link, the man in charge of providing Cappuccino Grand Café with its own daily soundtrack, who work together to compile the best songs and make our CD’s see the light of day. This summer it will be volume number 10! “It’s a very detailed process” the DJ says. He must listen to thousands of songs each month to find the ones that really match the spirit of Cappuccino. Once the tracks have been chosen, he sends them to the exigent ears of Mr. Picornell who makes a selection of his own. The surviving numbers will then be part of a playlist that will be continuously listened to until there is no doubt that they must be included in Cappuccino’s next musical compilation. This is only the beginning though. “Tough work is about to commence, we need to obtain the

licenses. It has not always been easy, yet through the years and after having sold more than 100,000 CDs, authors have learned about us and are more than willing to provide us with the required authorisations”. This is how we have been able to include well-known artists like Norah Jones, Henri Salvador, Carla Bruni, Nick Cave, Rufus Wainwright, The Cure, Chet Baker and Angus & Julia Stone in our previous volumes. Although the famous names may have drawn our listener’s attention, the music of Cappuccino has always been considered a source of unexpected discoveries and amazing surprises, just as if it were tracing a pathway directly to the soul of all this; the result of the delightful balance between the elegance of the chanson, the sensuality of bossa, the status of jazz, the luxury of disco music and deep house or the intimacy of folk. Volume number 10 is about to be launched and it is somehow the summary of all these feelings, a promise of what is still to come. It is the pursuit of having chosen the best from the better, the exceptional from the best, and finally, the uniqueness from the exceptional. This is what leads us to achieve these results and this is what really makes the difference. 100,000 copies sold is a clear indication that we are doing something right, but we feel comfortable that another 100,000 will sell soon enough!

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MALLET-STEVENS Arquitecto. La construcción simpliicada i Pablo Picasso y Georges Braque fueron los maestros del movimiento pictórico cubista, Robert Mallet-Stevens (Francia, 1886 – 1945) fue, sin duda, el pionero de dicho movimiento en el campo de la arquitectura. Resulta difícil poder imaginar un edificio en términos cubistas, en los que la base del movimiento artístico era poder plasmar sobre un lienzo común una imagen tridimensional. Sin embargo, Mallet-Stevens, un arquitecto sin precedentes y uno de los grandes visionarios de la arquitectura de principios de los años 20, entendía el gusto por la estética y el poder pragmático de la construcción simplificada. La belleza de su obra reside en la yuxtaposición de la geometría de la misma forma en la que las representaciones lineales y cubistas remplazaron los carnosos desnudos por los que los artistas del siglo XX sentían una especial predilección. De hecho, basta tan solo una mirada a la esplendorosa Villa Cavrois que Mallet-Stevens diseñó en 1932 para hacerte sentir como si estuvieras contemplando un retrato cubista de Picasso. Las paredes color miel y los grandes y resplandecientes ventanales se asemejan a una mujer desnuda ligeramente tumbada, y los balcones a rayas simbolizando el contorno de sus largos cabellos cayendo sobre el hombro.

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f Pablo Picasso and Georges Braque were the masters of cubist expression on canvas, then Robert Mallet-Stevens (France, 1886-1945) was the movement’s architectural pioneer. It seems strange to think of a building in cubist terms, when the rationale behind the artistic movement was to enable a mode of expression which applied a three-dimensional way of seeing onto a two-dimensional canvas. But in Mallet-Stevens, one of the true visionaries of early 1920s architecture, you have a master architect who understood the aesthetic appeal and pragmatic power of the simplified building; of works whose beauty is founded in the juxtaposition of geometry, in the same way that linear and cubist representation replaced the rotund nude as a 20th Century artist’s ultimate muse. Indeed, one glance at the resplendent Villa Cavrois, conceived by Mallet-Stevens in 1932, is akin to gazing at a cubist portrait by Picasso, its honey-coloured walls and great blinking black windows taking the place of a reclining nude, her striped balconies echoing the contours of the model’s long meandering hair hanging over one shoulder.

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Mallet-Stevens’ true artistry is aptly reflected by the creators who were always close to him. Forming a natural confederation with some of the greatest minds of the time, his villa conceived for the Vicomte de Noailles at Hyères was used by surrealist photographer and filmmaker Man Ray as the set for his film Les Mystères du Château du Dé. The following year, Mallet-Stevens collaborated with artist Fernand Léger in creating Marcel Lherbier’s film L’Inhumaine, and with both Léger and Robert Delaunay, he worked on the design of the French Pavilion at the 1925 Paris fair, the Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes. His interaction with these great artists is perhaps at least part of the reason why Mallet-Stevens himself was such prolific creator, famed not just for his architecture but for his simple yet enduring interior design which he forged with a team of sculptors, master glazers and iron smiths, as well as his stunning window designs for fashion house Bally.

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La verdadera maestría de Mallet-Stevens queda claramente reflejada en los creadores que siempre trabajaron junto a él. No es de extrañar que se formara una confederación de grandes pensadores de la época. Su villa de Hyères fue diseñada para el Vizconde de Noailles y sirvió de escenario para el fotógrafo y director de cine surrealista Man Ray en su película Los Misterios del Castillo de Dados. Al año siguiente, Mallet-Stevens colaboró con el artista Fernand Léger en la realización de la película de Marcel L’herbier, El Inhumano, y junto con Léger y Robert Delauney, trabajó en la concepción del pabellón de Francia de la feria de París de 1925, La Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas. Probablemente sea su interacción con estos artistas la razón por la que Mallet-Stevens sea tan prolífico. No solo es famoso por su arquitectura sino también por la simpleza y la atemporalidad de su diseño de interiores. Un reconocimiento que se forjó con un equipo de escultores, de maestros vidrieros y de herreros; sin olvidar el espectacular diseño de los ventanales de la casa de moda Bally.

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No cabe duda de que Mallet-Stevens fue uno de los más refinados arquitectos franceses de la época de entreguerras. Sus amplios edificios residenciales son considerados como uno de los mejores ejemplos del modernismo francés en un contexto urbano. Sin embargo, y a pesar de haber realizado algunas de las construcciones más asombrosas, modernas, preciosas y elegantes de principios del siglo XX, incluyendo una serie de bloques de apartamentos de referencia del distrito 16 de París en una de las calles que llevan su nombre, el arquitecto y diseñador sigue sin tener el reconocimiento que se merece, especialmente si se le compara con algunos de sus contemporáneos franceses. Uno de los motivos puede ser su temprano fallecimiento en 1945, lo que le impidió, a diferencia de otros como Le Corbusier, poder desempeñar el mismo papel arquitectónico en la época de la posguerra, o su ferviente deseo de que sus archivos fueran quemados tras su muerte. Un hecho que también ha dificultado el estudio de su obra.

There can be no doubt that Mallet-Stevens was one of the finest French architects of the inter-war era, whose largely residential buildings are regarded as some of the best examples of French modernism in an urban context. Yet despite creating some of the most startlingly modern, beautifully elegant buildings of the 1900s, including a series of iconic apartment blocks in the 16th arrondissement of Paris in the road which now bears his name, the architect and designer remains relatively overlooked, especially when compared to some of his French peers. The reason is most probably his early death in 1945, which prevented him from playing the same part in post-war architecture as others, such as Le Corbusier, together with his wish that that his archive be burnt when he died, subsequently making sustained study of his work more difficult. Nonetheless, Mallet Stevens’ graceful buildings remain, and a recent exhibition of his work at the Centre Pompidou in Paris has renewed interest in his oeuvre. Thus, people are once again starting to appreciate this master of metal and concrete, of cube and of curve, whose heavy volumes are truncated by elegant lines and minimalist but perfectly aligned accompanying decoration. It is a subtlety which is quickly gaining strength as Robert Mallet-Stevens is once again recognised as one of the most pioneering architects of the 20th Century.

A pesar de todo, los preciosos edificios de Mallet-Stevens siguen en pie y una reciente exposición de su obra en el Centro Pompidou de París ha hecho que renazca el interés por el artista. El público vuelve a apreciar al maestro del metal y del hormigón, de los cubos y las curvas, cuyas pesadas moles han sido truncadas por elegantes y minimalistas líneas que a su vez están perfectamente compasadas con la decoración que las acompaña. Su sutileza está recobrando fuerza y es que Robert Mallet-Stevens vuelve a ser reconocido como uno de los arquitectos más pioneros del siglo XX.

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Tattoos

VANITY, DEFINITELY MY MOST FAVOURITE SIN El título lo dice todo. Los tatuajes, tanto en hombre como en mujeres, nunca han estado tan de moda como en las últimas décadas. Originarios de la Polinesia, llegaron a Europa a principios del siglo XIX siendo una marca distintiva de los marineros y únicamente destinada a los hombres. En el siglo XX, el uso de tatuajes se fue popularizando pudiendo hacérselos también las mujeres. En la actualidad, es la tinta perenne, aquella que no desaparece nunca ya cumplas 50, 60 u 80 años, la que está en auge. Sin embargo, antes de que tatuarse se convirtiera en una tenencia era imprescindible que ocurrieran dos cosas. En primer lugar, tenía que ser aceptado por la gran mayoría de la población, tenía que despertar el interés por adornar el cuerpo. En segundo lugar, tatuarse debía perder el estatus marginal que poseía y adquirir un toque de glamur.

The title says it all. Tattoos have never been more fashionable for both men and women as in the past decades. Brought to Europe from Polynesia in the early 19th century when it was mainly restricted to sailors, and not to forget a male-only domain. By the 20th century it became more widespread and even extended to female users. Today, serious ink, the kind that doesn’t go away, the kind that stays on even when you’ll be 50, 60 or 80 years old, is the ultimate fashion statement. Before tattooing became mainstream, two things had to happen. First, it had to become more acceptable for large segments of the population to become interested in body-adornment. Second, tattooing had to lose its marginal status and acquire a dose of glamour.

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El cuerpo debía soltar ese estigma que poseía para dar paso a ser considerado como un gran lienzo a “pintar”. Era imprescindible que se inculcara la idea de que la piel podría servir como algo para decorar o inscribir. Para que el concepto del tatuaje pudiera crecer y perder, su hasta entonces consideración de algo bohemio o hippie, debía convertirse en algo convencional y propio de la cultura de masas. De hecho, es la gente joven la que más uso hace de la cultura popular y, dado que le gusta diferenciarse de las generaciones pasadas, no debe sorprendernos que una vez que los tatuajes fueron considerados como algo glamuroso, fuera la gente joven la que primero adoptó esta moda y la que empezó a utilizar símbolos propios de otras comunidades. Hoy en día, a pesar de no haber nacido en la cultura del tatuaje, elegimos unirnos a los grupos de los tatuados. Aun así, tatuarse se ha convertido en un acto de consumo individual similar al de cualquier otro artículo decorativo o sesión de estilismo. No cabe duda de que hacerse un tatuaje es algo mucho más complejo que salir de compras y adquirir un nuevo accesorio o cambiarse el corte de pelo, pero a pesar de ello, y aunque los consumidores y las culturas más jóvenes distan mucho de las sociedades polinesias con las que se encontró el Capitán Cook, hacerse un tatuaje sigue siendo, en la actualidad, una decisión estética que implica un profundo ritual y matices existenciales. The body as the site of aesthetic presentation had to loose its stigma. It had to become permissible to use the skin as a surface for adornment and inscription. The growth in tattooing required that things which were considered bohemian or countercultural became mainstream or part of mass culture. Because young people are key consumers of popular culture, and because they like to differentiate themselves from older generations, it is no surprise that young people were the major adopters of tattoos and other symbols of outsider status, once they became glamorous. Today, we are not born into a tattooed culture; we choose to join the ranks of the tattooed. Tattooing has become an individual act of consumption akin to other styling or decorative choices. Of course, getting a tattoo possesses a seriousness that shopping for a new garment or changing one’s hairstyle do not. Thus, while our consumer and youth-driven cultures are a long way from the Polynesian societies that Captain Cook came across, getting a tattoo is still an aesthetic decision with strong ritual and existential overtones.

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Además, siempre seguirá habiendo aficionados al tatuaje a los que les gusta diferenciarse de las masas eligiendo diseños más rebuscados, cubriéndose más partes del cuerpo o los que le dan un valor estético añadido al tatuaje diciendo que se trata de “body art”. La decisión de hacerse un tatuaje es mucho más seria que cualquier otra que tomamos durante nuestra rutina diaria, ya que, a diferencia de broncearse o de utilizar productos cosméticos de cualquier índole, la tinta del tatuaje implica una marca definitiva en nuestro cuerpo. Puede que sea justamente eso lo que haga que el arte del tatuaje sea tan místico. Incluso en una cultura que se deja llevar por la moda, algunas elecciones tienen una longevidad y un significado de las que otras elecciones mundanas carecen.

There will always be tattooing aficionados who like to differentiate themselves from the mainstream by choosing patterns that are more obscure, having more of their body covered, or who indicate the aesthetic value they attach to tattooing by referring to it as “body art”. Tattooing is a more serious aesthetic decision than many others we routinely make because, unlike tanning or cosmetics, tattoo ink is inscribed upon our bodies. Perhaps that’s part of tattooing’s ongoing mystique. Even in a culture driven by fashion, some choices we make have a longevity and significance that other mundane choices do not.

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© sujanluxury.com

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Secret Safari Mira, ahí están. Nuestro guía nos explica que cada día, justo antes del amanecer, ese sacerdote de aspecto frágil inicia su ascenso al viejo templo construido en una cueva entre las colinas del territorio de Jawai. Camina en paz por la escalera construida sobre la ladera, envuelto en un sencillo manto que le protege del frío de primera hora de la mañana. Nuestra mirada se dirige entonces hacia la mitad del camino que le queda por recorrer, y donde otra figura le observa imponente. Un leopardo adulto parece estar esperando al anciano. Lo vigila desde la altura, atento a cada paso del hombre. Sin embargo, y ante nuestra sorpresa, no sucede nada entre ellos. El leopardo se adentra entre las rocas junto a su familia. El hombre continúa adelante. Aún le queda la mitad del camino. No parece haberse sorprendido por la presencia del felino. Según nos cuentan, es un encuentro que sucede a menudo. Look, there they are. Every day, our guide explains, just before sunrise, this priest of fragile appearance begins his ascent of the old temple built in a cave between the hills of the region of Jawai. He peacefully climbs the hillside sculpted ladder, covered by an ordinary cape protecting him from the early morning’s dew. We then look up, another amazing creature is observing him from above while he calmly follows his path. An adult leopard waiting for the old man. He is watching over him, from the heights, analysing each single step he takes upwards. However, surprisingly nothing happens between them. The leopard goes back to his family hidden behind the rocks. The old man continues. He still has a half way to go. It seems the feline has not surprised him. We were told they meet quite often.

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This is what makes Jawai so unique: the perfect balance between the coexistence of the human being and savage nature. This is nothing like other destinations where conservation and sustainability are sadly substituted by masses of tourists and a complete absence of their real inhabitants - animals and natives. Fortunately, there are still places on Earth like this region where people can appreciate these extraordinary moments of communion like the ones experienced by our two heroes. And in this moment of rhetorical observation, we too were becoming a part of the ecosystem we were exploring, converted into part of its incredible landscape.

tional essence of India, opened its “doors” pursuing this same idea of integration. Its owners, Anjali and Jaisal Singh, knew for sure that the definition of five stars should not necessarily be linked to the usual abundance of other times. They had to renovate the concept, transforming a comfortable stay in a luxurious tent into something more encompassing, a complete and unique getaway. Thus, the rooms are distributed in tents camouflaged in the natural landscape of granite formations, caves, yellowish-flowered bushes and sandbanks. The owners have dedicated themselves completely to this project, taking care of the designs and little details exclusively using hand-manufactured local elements. The singularity of the pieces can only be achieved following this principle, providing a desired uniqueness to each room.

Glamping Sujan Jawai, a lodging created with the aim of offering a complete experience marvelling at the tradi-

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Este es el verdadero lujo de Jawai: su equilibrada convivencia entre el ser humano y la naturaleza salvaje. A diferencia de muchos otros destinos donde la experiencia de conservación y sostenibilidad se ve sustituida por la saturación de turistas y la ausencia de sus verdaderos protagonistas –los animales, los lugareños-, en esta región es aún posible disfrutar de momentos de comunión como el de nuestros dos protagonistas. Desafiar, por así decirlo, ese principio universal por el que el simple acto de observación afecta la condiciones de un entorno, convirtiéndonos, de esa forma, en parte del ecosistema que visitamos. Ser uno más. De ese espíritu de plena inmersión nació el Suján Jawai, un alojamiento creado para ofrecer una experiencia completa de la India más tradicional. Sus propietarios, Anjali y Jaisal Singh, tenían claro que la definición de un cinco estrellas no podía seguir asociada a la exuberancia propia de otras épocas y que debían renovarse si pretendían convertir la estancia en sus tiendas de lujo en un acontecimiento único. Así, las habitaciones se distribuyen en tiendas integradas en un entorno natural de formaciones de granito, cuevas, arbustos de flor amarilla y arenales. El mimo de esta pareja va desde el diseño de cada detalle hasta la decisión de emplear elementos exclusivamente fabricados por artesanos locales. Solo así era posible conseguir la singularidad propia de cada pieza que acaba expresándose en lo único de cada habitación.

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No todo el mundo ha visto pasear a cuatro leopardos por las colinas desde la piscina privada de su tienda. Entornos como el de Jawai aparecen para ofrecernos rutas secretas que visitar y donde disfrutar del verdadero lujo de una experiencia de este tipo. Atrás quedó la frívola opulencia de los maharajás. Ya es hora de formar parte de la experiencia.

Glancing at four leopards walking along from the private swimming pool of your tent is a privilege very few have. Accommodations like Jawai are conceived to offer secret safaris and places to visit and to relish the real luxury of an experience of this kind. The frivolous opulence of the maharajas must be left behind. It is time to be part of the adventure.

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Our favourite

Books Nuestros libros favoritos

El propósito de Cappuccino es el de proporcionar a nuestros clientes la mejor de las experiencias, nos esforzamos continuamente para compartir con vosotros nuestras fuentes de inspiración. Este verano llegarán al corazón de Cappuccino leyendo y admirando los libros que captan la esencia de nuestra guía inspiradora.

Cappuccino exists to be enjoyed by our customers, and in welcoming you to the heart of our concept, we continuously strive to share our inspirations with you. So this Summer, reach into the very soul of Cappuccino by reading and admiring books which capture the essence of our guiding inspiration.

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Frank Lloyd Wright: he Rooms: Interiors and Decorative Arts

he Givenchy Style Por: Françoise Mohrt Editorial: he Vendome Press

Por: Margo Stipe Fotografías: Alan Weintraub Editorial: Rizzoli International Publications

Precio: 875 euros

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Great Houses, Modern Aristocrats

African Textiles: Colour and Creativity Across a Continent

Por: James Reginato Fotografías: Jonathon Becker Editorial: Rizzoli International Publications

Por: John Gillow Editorial: hames & Hudson

Precio: 52 euros

Precio: 26 euros

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Diego Giacometti

El mundo mágico de // The magical world of

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uando hablamos de los Giacometti hay que recurrir al nombre para distinguir de qué genio se trata. Diego nació en Borgonovo, Suiza, en el seno de una familia de artistas. Su padre, Giovanni, era pintor. Su hermano Alberto, uno de los artistas más importantes de la primera mitad del siglo XX, se dedicó a la pintura y escultura. Y el menor Bruno volcó su creatividad en el campo del diseño y la arquitectura.

hen referring to the Giacomettis we should distinguish which genius we are talking about using his first name as well. Diego was born in Borgonovo, Switzerland, in the bosom of a family of artists. His father, Giovanni, was a painter; his brother Alberto, one of the most important artists of the first half of the twentieth century, was also a painter and a sculptor. Bruno, the youngest, dedicated his brilliant life to design and architecture.

Diego Giacometti, pese al ambiente cálido y de convivencia con el mundo del arte en el que creció, no desarrolló su vocación de una forma tan clara y temprana como sus hermanos y decidió realizar estudios mercantiles en Basilea y St. Gallen, donde se graduó en 1924. Sin demasiada convicción por su parte, se mudó a París en 1925 donde se instaló con su hermano Alberto, quien trató sin éxito de introducirlo en el estudio del pintor Bourdelle, donde él colaboraba y se formaba. Él prefería una vida más banal, vivir París.

Although Diego Giacometti was born surrounded by art and his brothers soon knew what they wanted to do for a living or dedicate their time to, he took longer to determine his sense of direction and decided to study business studies in Basel and St. Gallen. After graduating in 1924, he travelled to Paris where he moved in with his brother Alberto, who did his utmost to introduce him to the painting studio of Bourdelle with whom he was collaborating and training. The efforts were worthless, as Diego was more willing to have a banal existence and live the real Parisian life.

Su despertar artístico fue en 1929 cuando, por mediación del fotógrafo Man Ray, Diego accedió a colaborar con su hermano Alberto en la creación de varias piezas para completar los interiores del reputado diseñador Jean Michel Frank. Este mano a mano con Alberto despertó en Diego al artista que llevaba dentro y le abrió el camino a ese mundo de fantasía que él, mediante un amasijo de delicadeza y magia, elevó a la categoría de arte.

1929 was the year his creativity first awoke. Working at the behest of photographer Man Ray, and alongside his brother Alberto, Diego produced several pieces to complete the interiors of famous designer Jean Michel Frank. It was in this brotherly partnership that the artist in Diego finally shone, reaching out to the light and rising to the fore. A new world of fantasy arose for him and intuitively, using his characteristic delicacy and charm, he knew how to turn it into art.

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Junto con Alberto crearon para Frank lámparas, esculturas, jarrones… trabajaron el yeso y el bronce y, poco a poco, la inicial asistencia técnica de Diego se fue convirtiendo en una aportación más artística. El tándem Alberto y Diego, perfeccionó técnicas y diseños en el estudio compartido hasta la muerte del hermano mayor en 1966. Allí vieron la luz algunas de las grandes obras de arte que, por encargo de los mecenas del momento, han prestigiado las colecciones de las familias Maeght y Noailles, entre otras. With Alberto, he created lamps, sculptures, vases and many other decorative objects for Frank. They worked in plaster cast and bronze. At first, Diego was just a technical assistant to his brother, though it soon turned into an artistic contribution. Both brothers worked to improve their techniques and designs in the studio they shared until Alberto died in 1966. Several of Diego’s most important masterpieces, conceived in response to the commission of the moment, entered into the art collections of families such as Maeght and Noailles among others.

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En ese estudio, cada uno perfila su marca artística propia. Alberto en su mundo estilizado, casi transparente. Tras vivir un tiempo a la sombra del hermano, Diego asume protagonismo propio y rescata las musas artísticas que marcaron sus comienzos, a finales de los años 30, tras sus estudios de arte en la Maison Watteau de París. En los años posteriores realiza pequeñas esculturas en bronce de animales, profusamente detallados, sutiles y de una delicadeza tal que los hacen inconfundibles, casi como poesía. A partir de los años 60 imagina mobiliario y objetos de decoración, a los que a menudo incorporaba alguno de sus animales, transformándolos en piezas mágicas. Diego se convierte en un referente en París: colabora con grandes decoradores de la época, como Georges Geffroy y recibe encargos para la fundación Maeght en Saint Paul de Vence. Aunque probablemente sean las numerosas piezas que realizó para las casas de Hubert de Givenchy, al que le unía una estrecha relación de admiración mutua, su obra más conocida y publicada.

While Alberto and Diego spent their years in Paris working together, each brother developed his own style and artistic brand. Alberto developed a stylised form of transparency. Diego, instead, after his time in the shadows, had left aside the old artistic muses that had so much helped him during his junior years when he graduated from art school at La Maison Watteau of Paris in the late 30s. He became more specialist and let his creativity find its way, creating little bronze sculptures of animals. His art is all about detail, subtlety and delicacy; it’s unmistakable, it’s like poetry. In the 60s, he started working on furniture and pieces of decoration, often including some of his little animals providing them with their characteristic sense of magic. Diego became a point of reference in Paris: he collaborated with famous decorators like Georges Geffroy and received orders for the Maeght foundation in Saint Paul de Vence. The pieces he made for the houses of Hubert de Givenchy are probably his most famous works. Both creators felt a mutual admiration.

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La decoración del Museo Picasso en París fue unos de los últimos encargos de su vida. Y es allí donde dejó volar su imaginación. Todo tiene la marca genial del artista Diego: la colección de muebles, lámparas, barandillas labradas, apliques de bronce… todo ello elegante y funcional. Pero consigue sobre todo crear en el museo una atmósfera envolvente y mágica, el clima ideal para viajar y entender mejor el mundo de Picasso. Diego no pudo ver el Museo acabado. Falleció en 1985. Pero experimentó ese ambiente mágico del Museo Picasso que ahora viven a diario millares de personas.

One of his final works was the decoration of the Picasso Museum in Paris. It is here where he literally allowed his imagination to fly. The touch of his genius is everywhere: the furniture collection, the lamps, the engraved banisters and the bronze appliqués; everything without losing a bit of elegance nor functionality. It is the magical surrounding atmosphere he gave the museum that really captivates the visitor, a perfect climate to let the mind go and really understand the world of Picasso. Although Diego never saw the Museum finished before he died in 1985, he did experience the wonderful environment he helped to create and which millions of people enjoy each day.

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With its sharp gaze peering from behind its open headlamps the Ferrari 275 GTS subtly dares the driver. Vigorous and elegant, its sound is simply marvellous. The experience intensifies when you feel in contact with the air, it evokes an indescribable sensation of freedom, unreachable for so many. Just 200 models of this masterpiece of asphalt were made, one of the Steve McQueen’s favourite cars. Today it is one of the most desirable models among classic-car lovers.

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Detrás de un buen café restaurante siempre hay un espíritu. Y detrás de Cappuccino está la ambición de crear nuestra propia historia. Déjate seducir por la mezcla. Behind a good café restaurant there is always a spirit. And behind Cappuccino there is the desire to create our own history. Let yourself be seduced by the mix. Download our Cappuccino Radio Station 156

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s una de las grandes maravillas de la naturaleza: la sagrada unión que hace que millones de diminutos espermatozoides encuentren el camino que les llevará al planeta que nos da la vida, al proveedor de nuestra existencia: el óvulo, el huevo de la humanidad, el nexo que nos convierte en seres humanos. Y reproduciendo esta enigmática perfección nace una asombrosa obra de arte: Fecundació. Un elogio a la vida, una danza espiritual de la concepción. El nuevo trabajo escultórico del artista mallorquín Antoni Esteva adorna el vestíbulo del Ibiza Gran Hotel 5*

Adorning the lobby of the Ibiza Gran Hotel 5* GL, this new sculptural installation by Mallorquín artist, Antoni Esteva brings the moment of a human’s creation to life. In the work, amplified, enigmatically fluid forms representing the journey of man’s sperm to a woman’s ova hang, suspended, from the hotel’s luminous

Gran Lujo y simboliza el momento de la creación de la vida humana. La majestuosa obra, dotada de armoniosas y enigmáticas formas, reproduce el recorrido de los espermatozoides del hombre hasta el ovario de la mujer, formando una espectacular cascada que comienza en lo alto de la luminosa quinta planta y finaliza en el lobby, cautivando aquí a los huéspedes que hacen su entrada con esta furtiva aunque seductora interacción. Sus perfiles, robustos y frágiles al mismo tiempo, enfatizan el desconcertante e inexplicable movimiento de una intuitiva relación, que vista en su conjunto, nos transporta hasta el mismísimo in-

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5th floor, cascading down the entire height of its stairwell before confronting guests at ground level, astonishing them with their furtive but enticing interplay. Their profiles, rugged and textured, emphasise the staggered and inexplicable movement of this intuitive interaction, and seen together, it is as though we have been transported into a kind of poetic imaginary uterus, where the world of the biologist’s microscope is suddenly magnified and brought to life before our very eyes. With Fecundació, Esteva strips away the taboos which so often attach to sexual motifs, celebrating instead, with unapologetic ardor, the majestic moment upon which the richly fertile sexual organs trigger the fusion of life’s primary agents.

terior de un poético e imaginario útero. Un privilegiado mundo solo visible para el ojo del biólogo a través de su microscopio que de pronto se magnifica adquiriendo vida propia para que todos podamos contemplarlo. La obra, Fecundació, expresa el anhelo de Esteva de despojarnos de los tabúes que siguen existiendo en torno a las representaciones de índole sexual. Una pasional exhibición, exenta de remordimientos, sobre el mágico momento en el que las jóvenes y fértiles células sexuales alcanzan su objetivo, fusionándose y convirtiéndose en los primeros protagonistas de una nueva vida.

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IBIZA

CAPPUCCINO PASEO MARÍTIMO PASEO MARÍTIMO, 1 · T. 971 282 162

CAPPUCCINO MARINA IBIZA AVDA. JUAN CARLOS I, SN T. 971 312 628 VALENCIA

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CAPPUCCINO VALENCIA C/ DE LA PAZ, 1 · T. 963 152 143 ESQUINA CON PLAZA DE LA REINA

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Joan Cabot, Oliver Trusgnach, Nicholas de Lacy-Brown, José Valenzuela y Bárbara Vidal. IMPRIME

C-uno impresiones Depósito Legal PM 354-2015 ISSN: 2340-0498 Grupo Cappuccino Calle San Miguel 53. Palma de Mallorca 07002, España. Tel. 971 72 87 77 www.grupocappuccino.com © De las fotografías: los fotógrafos © De los textos: los autores © De las traducciones: los traductores © De la fotografía de portada: Meet the Pugs

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Esta estación nos hace recordar los proyectos del pasado e imaginar los que vendrán en el futuro, pero sobre todo nos permite disfrutar del presente en compañía de los nuestros. Porque ese siempre ha sido y será mi gran proyecto: mi familia, mis hijos, mis seres queridos.

It is the time when we remember the projects we have worked on and imagine the ones around the corner, not forgetting the most important thing: that we are able to share these achievements with those closest to us. This has and will always be my biggest project: my family, my children, my loved ones.

s época de pausa y descanso. Mi momento para recobrar fuerzas y ref lexionar. Pienso en todo lo bueno vivido durante los últimos meses, en lo feliz que me siento por el buen funcionamiento de nuestro nuevo restaurante Wellies en Puerto Portals, pero sobre todo me emociono por encontrarme en la última parada antes de la ilusionante inauguración, en marzo del 2018, del primer Hotel Cappuccino en Palma de Mallorca.

his is the time to pause and to rest, to recover my strength and think about the things I have experienced these past few months. It’s the moment to consider my happiness at the success of our new restaurant, Wellies, in Puerto Portals. Above all things it’s the space to reflect on the overriding excitement which fills me as I consider all of the many finishing details with which we are preparing for the forthcoming opening of our first Hotel Cappuccino in Palma de Mallorca in March 2018.

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CONTENTS

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20

JOHN STEFANIDIS

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AMAL CLOONEY Human Rights Heroine

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GEORGIA O’KEEFFE The Wild Beauty of her Home & Studio

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UN TESORO EN EL BOSQUE One of nature’s most beautiful homes

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RUSSELL PAGE Diseñador y paisajista

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LA SONRISA QUE NOS CAUTIVÓ The smile that enchanted us

Features Volumen 9

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CONTENTS 93

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WHAT MAKES YOU FEEL BEAUTIFUL

114 SOLEDAD BRAVI Sus ilustraciones para el Hotel Cappuccino

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ARMANO SCACCI’S Instagram

118 CAPPUCCINO GRAND CAFÉ VOLUMEN 10 ¡Por fin has llegado!

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DAVID HICKS Prince of pattern

122 MALLET - STEVENS Arquitecto. La construcción simplificada

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ANDREAS WEINÅS Rules of style

128 VANITY, MY MOST FAVOURITE SIN Tattoos 134 SECRET SAFARI

100 GET THE LOOK

140 OUR FAVOURITE BOOKS

110 GÉRALD GENTA El diseñador que detuvo el tiempo

142 DIEGO GIACOMETTI A magical world

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CAPPUCCINO GRAND PAPIER

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Designed by the great

JOHN STEFANIDIS Hotel Cappuccino Puerto Pollensa John Stefanidis es uno de los diseñadores de interiores más conocidos de nuestros tiempos. Sus obras son asombrosamente generosas y están presentes en algunos de los hoteles más lujosos del mundo, donde ha sabido sintetizar la naturaleza y la característica luz del Mediterráneo con el ambiente propio del hotel. Stefanidis es un diseñador que sabe cómo adaptarse a su alrededor, alguien que entiende el papel que debe desempeñar un interiorista para hacer resplandecer los encantos de un hogar, dejando su huella por donde pasa con detalles únicos solo atribuibles a su persona. Sin embargo, y a pesar de haberle conferido su toque mágico a algunos de los hoteles y espacios urbanos más famosos del mundo, lo que más ha dado que hablar sobre este diseñador, especialmente después de que se publicara el magnífico libro de gran formato An Island Sanctuary (Rizzoli International Publications, 2010), es la gran obra de Stefanidis, su proyecto personal: su casa, un lugar idílicamente diseñado en la isla griega de Patmos. Mientras trabajamos con John en los preparativos del proyecto del segundo Hotel Cappuccino que abrirá sus puertas en Puerto de Pollensa (Mallorca), le preguntamos por su obra y por sus inspiraciones, y por supuesto por su maravillosa casa de Patmos. John Stefanidis is one of the most renowned interior designers of our times. From stunningly lavish designs in some of the world’s most luxurious hotels to works altogether synthesized with nature and the light of the Mediterranean, Stefanidis is a designer perfectly attuned to his surroundings, who understands design’s role in enhancing a home’s environment, while providing unique and surprising touches which make the look entirely, iconically, his. However, despite having bestowed his magical touch on some of the world’s most famous hotels and urban spaces, it is Stefanidis’ most personal project, his home on the Greek island of Patmos, that has become one of the most talked about idyllic designs of his oeuvre, especially since the publication of the ravishing glossy coffee-table book, An Island Sanctuary (Rizzoli International Publications, 2010). In the course of working with the designer in preparation for our second Hotel Cappuccino in Puerto Pollensa, Mallorca, we asked John about his work and his inspirations, and of course that magical house on Patmos.

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El interiorismo no es algo que entrara en los planes de futuro de John Stefanidis. De hecho, empezó en el mundo profesional como publicista. No obstante, la aventura publicitaria en los años 60 no dio para mucho y tras un permiso de trabajo algo turbulento se vio obligado a trasladarse a una agencia de publicidad en Milán. El contacto directo con las grandes obras del Renacimiento italiano, los palacios con columnas perfectamente alineadas de Andrea Palladio, hicieron que saliera el diseñador que llevaba dentro. Al fin y al cabo, es un talento inherente a él al haber crecido en una ciudad resplandeciente y estéticamente sorprendente como lo era la Alejandría de la preguerra, una ciudad totalmente distinta a la que conocemos hoy en día. Aún así, la auténtica vocación de Stefanidis por el diseño interior no floreció hasta un viaje que realizó junto con unos amigos a Grecia. Descubrir la tranquila y reconfortante isla de Patmos es algo que debe agradecer al azar, a la casualidad o incluso al boca a boca. Su casa, su obra más perenne, es la que finalmente le convenció que había nacido para esto. Al principio, el proyecto de la casa fue concebido para ser algo pequeño: «Cuando entré por primera vez junto con mi amigo, el pintor Teddy Millington-Drake, no había ni agua corriente, no había nada de nada. Me dijeron que la casa tenía jardín, aunque ahí no había nada. Poco a poco fuimos añadiendo terreno para hacer un jardín y le construimos una nueva ala a la casa. El campo que compramos casi siempre lo tuvimos alquilado para el cultivo y, a cambio, nos regalaban una cabra año tras año». Es así como Stefanidis, sin apenas pretensiones, fue diseñando la casa que hoy en día es tan admirada por los entendidos en la materia. Una construcción caracterizada por el color rojizo de la tierra y el intenso azul cerúleo sin dejar de respetar el blanco roto de las casas típicamente griegas.

John Stefanidis didn’t always know he wanted to be an interior designer. He started life, in fact, as an advertising executive, although this adventure into the world of 60s publicity was short-lived. After a work permit mix-up meant a compulsory move to an advertising office in Milan, the exposure which followed to masterpieces of the Italian Renaissance, such as the perfectly symmetrical colonnaded palaces of Andrea Palladio, started to give rise to the innate designer within him. It was, after all, a talent which must have been born of his early life, growing up as he did in the resplendent light and aesthetics of pre-war Alexandria in what was a very different city from the one we know today. However, it wasn’t really until Stefanidis took a trip with friends to Greece that his journey into interior decoration crystallised. Discovering, quite by chance and hearsay, the tranquil island of Patmos, and unearthing the house which today has become his most enduring work, something stirred within Stefanidis, and he knew that his future lay in design. The house started small: “When I first came with my friend, the painter Teddy Millington-Drake, there was no water, there was nothing. They said that there was a garden, but there was nothing. Little by little we built the garden, and we added a new wing to the house. The land we bought was mostly rented for agricultural purposes, and in exchange we got a goat each year.” From these humble beginnings, Stefanidis started to create the house so beloved of design-fans today, one rich in splashes of earthy reds and exquisite cerulean blues, all the while respecting the white-washed base which is typical of Greek houses.

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La casa es un pequeño oasis provisto de detalles orientales, una combinación de la frescura mediterránea y el sabor de Oriente Medio, el perfecto reflejo de la herencia griega-alejandrina del diseñador. Desde los amplios ventanales se pueden contemplar las laderas multiformes habitadas por pequeñas casitas blancas, los frondosos jardines poblados por fragantes cipreses, cítricos y granadas abriendo el paso a la hierba y el característico olor mediterráneo, mientras el aleteo de las palomas sobrevolando este maravilloso lugar deja entreoír el relajante sonido de las olas del mar. La casa está amueblada con un ecléctico surtido de objetos decorativos cuidadosamente seleccionados, como lo son, por ejemplo, una colección de ilustraciones que delata la admiración que siente el diseñador por Picasso y Kandinsky y que da origen a su marca distintiva: el uso de colores llamativos a la vez que exquisitos. Y es que el propio Stefanidis opina sobre el color que: «A pesar de tener o no buen gusto, no hay nada más deprimente que los tonos beige y marrón. Los colores apagados deben ser utilizados con moderación, para las zonas de descanso, pero no para todo. En las islas griegas, las paredes deben ser de color blanco roto por obligación, pero se puede jugar con las diferentes tonalidades según la habitación de

The house is a tranquil haven of East-meets-West character, a combination of Mediterranean freshness with an almost middle-Eastern flavour, which is testament to the designer´s Alexandrian Greek heritage. Its windows open onto cubist visions of hillsides filled with white washed houses, and in its shady gardens, there is a lushness of fragrant cypress, citrus and pomegranate trees, while herbs fill the air with their Mediterranean perfume and the fluttering of dove wings create harmony with the sound of the sea. The house is filled with an eclectic array of carefully selected decorative items, such as a collection of plates which betray the designer´s love for Picasso and Kandinsky, and which are characterised by his trademark use of bold, exquisite colour. As Stefanidis says of colour: “Nothing is more dreary than good taste in beige and brown. Muted colours must be used with discrimination for repose but not overall. Rooms in Greek islands have mandatory whitewashed walls but accents of the same colours can lead from one room to the rest. Indigo blue or pink or deep ochre are also to be found in the Mediterranean and a room with walls of colour – all blue, all pink make a contrast and gladden the eye.”

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la que se trate. El azul índigo, el rosa o el ocre oscuro son colores muy habituales en el Mediterráneo y una habitación con paredes de colores, ya sea todo azul o todo rosa, son un agradable contraste para la vista». Para Stefanidis, la casa de Patmos es mucho más que diseño, para él tiene un significado más profundo, más espiritual. «Llega un momento en la vida», comenta, «en el que aprendes a valorar las amistades que mayores placeres, más diversión y más cariño te han brindado. Esto mismo es aplicable a un lugar o a una casa, y si miro atrás hacia mi propia vida, son la casa y el jardín de la isla de Patmos los que más han colmado mi alma». Puede que sea la profundidad de estos sentimientos lo que atestigua el éxito del diseño y la razón por la que la casa haya supuesto el pistoletazo de salida de la fructífera carrera de Stefanidis por todo el mundo. Su proyecto personal le ha llevado, sin lugar a dudas, más allá de las soleadas orillas de Patmos y gracias a él ha podido dejar su huella en algunos de los lugares más sorprendentes del globo terráqueo. Para John, los encargos realizados fuera de Patmos han sido algo más que solo trabajo, le han permitido dejarse llevar por el diseño durante los duros meses de invierno. Cada encargo «debía llevarse a cabo con mimo, con belleza, sofisticación y confort» haciendo uso del bagaje cultural tan propio de Stefanidis y del que siempre ha alegado sacar su inspiración. Es así como diseñó el Gran Baile para

For Stefanidis, his house in Patmos is not just a work of design but something far deeper, more spiritual. “There comes a time in life”, he says, “when you assess the friendships that have given you the most pleasure, amusement and affection. The same can be said of a place or a house, and in my lifetime, it is the house and garden on the island of Patmos that have nurtured my soul”. Perhaps it is this depth of feeling which is testament to the success of the design, and the reason why the house struck such a cord and launched the career of Stefanidis across the world. For the designer’s career has taken him beyond the sunny shores of Patmos and onto some of the most lavish design projects across the world. For Stefanidis, these projects outside of Patmos were some of the most enjoyable, enabling him to indulge in designs fit for the winter months, works which would “need to be cushioned with beauty, sophistication and comfort” while underpinned by the cultural foundations which Stefanidis says have always been the inspiration for his work. So it was that amongst his projects, Stefanidis designed a Ball for Lord Lambton, rooms for the Claridges Hotel, the Governor’s Parlour in the Bank of England and three houses for the Westminster family, to name but a few.

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Lord Lambton, las habitaciones del Hotel Claridges, el Salón Presidencial del Banco de Inglaterra o tres de las casas de la familia de Westminster, entre otros. A pesar de que Stefanidis debe de sentir una gran tentación por pasar cuanto más tiempo posible en las soleadas terrazas de su casa de Patmos, no parece que vaya a reducir su ritmo de vida. Algo por lo que nosotros nos debemos sentir honrados y especialmente expectantes al ser el laureado interiorista el encargado de diseñar los interiores del segundo Hotel Cappuccino que abrirá en Puerto de Pollensa. Stefanidis ya tiene visualizado el proyecto y nos comenta que será: «Original, con mucho confort sin dejar de lado el lujo, comprenderá lo mejor del verano en el Mediterráneo y la ejecución y desarrollo del proyecto se llevarán a cabo de tal manera que sus colores, su alegría de vivir y su luz iluminarán la nórdica melancolía del invierno». Haga lo que haga, tenemos la certeza de que será algo grandioso, algo que casará a la perfección con la belleza de Puerto de Pollensa, dotándolo además, del toque mágico del Mediterráneo como solo un artista y genio del calibre de Stefanidis podría hacer. Estamos impacientes por ver el resultado.

While Stefanidis must be sorely tempted to spend all his time on the sun dappled terraces of his house on Patmos, he shows no signs of slowing down, and we are thrilled and honoured that the great designer will be providing the interior designs of the second Hotel Cappuccino in Pollensa. Talking of the designs, Stefanidis hinted at the kind of look he has in mind: “It will be original, very comfortable not to say luxurious, it will encapsulate the best of Summer in the Mediterranean and its planning and execution will brighten the Northern gloom of winter with its colours, joie-de-vivre and light.” Whatever he creates, we know it will be perfectly attuned to the beauty of Puerto Pollensa and characterised by the magical Mediterranean touch which only an artistically attudned genius like Stefanidis can bring. We simply cannot wait.

Hotel Cappuccino Puerto Pollensa

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Since 1866. Monk strap for Men & Women carminashoemaker.com Madrid:

Barcelona:

Serrano, 74 Claudio Coello, 73 Gran Vía, 58

Passeig de Gràcia, 110

Palma: Unio, 4

Paris Moscow Singapore New York (Next Opening)

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Amal Alamuddin y George Clooney llegaban el viernes 26 de septiembre de 2014 a Venecia para darse el ‘sí quiero’. Los medios aguardaban en la ciudad italiana a la espera de que los festejos dieran comienzo. Según han afirmado fuentes cercanas a Clooney, la elección de la fecha y el motivo de casarse en la Ciudad del Agua no era casualidad, sino el lugar donde se conocieron un año atrás. Pero Amal es mucho más que la mujer del célebre actor. Amal Ramzi Alamuddin nació en Beirut, Líbano, el 3 de febrero de 1978. Su padre era profesor en la Universidad Americana de Beirut y el dueño de una agencia de viajes, su madre era periodista. En 1980, cuando Amal tan solo tenía dos años de edad, su familia huyó del Líbano para escapar de los estragos de la guerra civil que había comenzado a mediados de la década de los 70 y que envolvió al país en un entorno de constante violencia.

AMAL CLOONEY Heroína de los derechos humanos Human Rights Heroine Amal Alamuddin and George Clooney arrived in Venice on Friday 26th September 2014. They were there to say the ultimate “I do”. The world’s media were waiting in earnest in the Italian city, counting down the minutes for the great festivities to begin. According to sources close to Clooney, the time and the place of their marriage had been carefully planned to mark the one year anniversary of when and where they had originally met. But while Clooney’s fame is beyond doubt, Amal, now his wife, is much more than just the other half of a celebrated actor. Born Amal Ramzi Alamuddin in Beirut, Lebanon, on 3rd February 1978, Amal is daughter to an academic father who was both professor at the American University of Beirut and the owner of a travel agency, and to a journalist mother. In 1980, when Amal was only 2 years old, her family fled Lebanon to escape the ravages of the civil war that had begun in the mid-1970s and engulfed the country in an environment of constant violence.

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La familia se estableció en Londres en la década de los 80, donde Amal asistió a una pequeña escuela en las afueras de la ciudad. Excelente estudiante, en 1996 obtuvo una beca para asistir a la Universidad de Oxford, donde desarrolló un interés extraordinario por los derechos humanos y se graduó en derecho en el año 2000. En 2002 empezó a trabajar como abogada en el bufete Sullivan & Cromwell, uno de los más reconocidos del mundo. Más allá de sus casos de defensa criminal, Amal también ha desempeñado varios papeles importantes como asesora, trabajando con Kofi Annan para una comisión de las Naciones Unidas sobre Siria. También ha jugado un papel importante en la defensa de los derechos de las mujeres en las zonas de guerra participando en la Cumbre Mundial para poner fin a la violencia sexual en el conflicto sirio. Sin embargo, desde que contrajera matrimonio con George Clooney, la popularidad de Amal se ha disparado de una manera espectacular. Pero Amal es una mujer inteligente y ha sabido aprovechar su popularidad para dar visibilidad a su trabajo. Como ha dicho en alguna ocasión, hay tantas acciones buenas de su profesión que no se ven a las que ha podido dar visibilidad, que ha hecho que la gente tome consciencia de ellas. Por ejemplo, ahora hay más gente que entiende que está sucediendo con los yazidíes y el ISIS. Si el glamur de Hollywood puede aportar una luz positiva a las causas que ella defiende, entonces el extra de publicidad es bienvenido. Amal Ramzi Clooney tiene claro quién es y lo qué hace. Es esposa y futura madre, sí, pero nos recuerda día a día que está 100% volcada en la lucha por los derechos humanos.

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The family settled in London, where Amal attended the famous Dr Challoner’s High School on the outskirts of the city. An excellent student, in 1996 she obtained a scholarship to attend Oxford University, where she developed an extraordinary interest in human rights and graduated in law in the year 2000. From the outset, her career was illustrious, swiftly passing from a role in the respected firm, Sullivan & Cromwell before taking tenancy in Doughty Street Chambers, a set of barristers famous for defending civil rights. There Amal worked with Kofi Annan for a United Nations commission on Syria and contributed to the World Summit initiative to end sexual violence in the Syrian conf lict. Since marrying George Clooney, Amal’s popularity has skyrocketed. One mention of her name, and her association with the Holly-

wood star predominates. But Amal is a clever lady, and she has successfully transformed her new-founded popularity for the greater good, using her new fame as a platform to give visibility to her work. For as Amal has said herself, there is so much of the good work of this ancient legal profession which remains hidden behind closed doors, and in this way, Amal has increased awareness of some of the most significant civil rights issues of our times, for example, the Yazidis Kurdish community and the great threat of Isis. If her new Hollywood glamour means helping the causes she ordinarily defends, then as far as she’s con-cerned, the extra publicity can only be a good thing. Amal Ramzi Clooney is clear who she is and what she does. She is a wife and a future mother, yes. But as she reminds us every day, she is also a lawyer, 100% focused on the fight for human rights.

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THE WILD BEAUTY OF

GEORGIA O’KEEFFE’S HOME & STUDIO

a pintora americana Georgia O’Keeffe llegó a Nuevo México en 1929 y rápidamente quedó cautivada por la luz, los colores y las formas del desierto que fueron protagonistas de sus obras en los años posteriores. Pasado un tiempo, entre idas y venidas desde Nueva York y Maine, donde vivía con su marido el fotógrafo Alfred Stieglitz, decidió instalarse en Ghost Ranch, una impresionante zona de desierto rojizo situada a unas 20 millas del pueblo de Abiquiú. Allí Georgia encontró la quietud y soledad que ansiaba, además de la fuente de inspiración que daría sentido a sus obras en esta segunda etapa de su vida artística.

he American painter Georgia O’Keeffe arrived in New Mexico in 1929. The light, the captivating magical colours, the waves and the forms of the desert had very soon conquered her, proof of which was very much present in her work during the following years. For some time, she travelled back and forth to New York and Maine as she used to live there with her husband, photographer Alfred Stieglitz. But in the end she decided to settle in Ghost Ranch, an impressive area of reddish desert 20 miles away from a little colonial town called Abiquiu. It is here where Georgia found the solitude and tranquillity she so much longed for, an ideal spot to find her inspiration, the source that would steer her work during the second part of her artistic life.

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Encontró una casa de adobe, Rancho de los Burros, con una distribución alrededor de un patio central típica de la arquitectura colonial de Nuevo México, eliminó todo lo superf luo, cualquier tipo de decoración o detalles que pudieran confundir, quedándose únicamente con la esencia del lugar como hacía con sus pinturas, ya fueran sus famosas f lores o un paisaje. Escogió una habitación en la esquina noreste de la casa para su estudio, agrandó los ventanales y comenzó a pintar plasmando todo lo que veía: su casa, las fachadas, el patio, los paisajes desde su ventana, las colinas rojas y grises… y fue allí creando la serie The house I live in (1937) donde finalmente conquistó la ansiada libertad de pintar lo que sentía.

Close to the village was Rancho de los Burros, a typical New Mexican adobe house, which she fell in love with. It was a perfect location distributed around a central patio from which she eliminated all the superficial traits, every decoration and item that could confuse her. She wanted to feel the real essence of the house, those little things we can admire back in her paintings, whether it is her famous flowers or one of her mystical landscapes. A large room at the north-eastern corner of the house with huge window openings was chosen to be her studio. She wanted to capture and paint everything she could see: her house, the façades, the patio, the landscapes, the red-greyish hills… It was in her New-Mexican ranch where she finally conquered the freedom she wanted and could at last paint from her deepest self. In this scenario she painted her famous series, The House I live in (1937).

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La casa en Ghost Ranch era una casa en pleno desierto y de verano y Georgia, quien en 1940 y tras la muerte de su marido decidió mudarse definitivamente a Nuevo México, se empeñó hasta conseguir comprar una propiedad en Abiquiú que había visto nada más llegar a la zona 15 años antes. La casa, datada originalmente en 1734, era una serie de habitaciones en ruinas con un muro de adobe alrededor de un jardín. O’Keeffe cuenta que al subirse a uno de los árboles caídos vio un hermoso patio, perfecto para su ansiado jardín, y cerrando uno de sus lados un muro largo con una única puerta en un extremo: «Esa puerta era algo que debía tener». Desde 1946 a 1949 Georgia O’Keeffe trabajó en la rehabilitación de la casa junto a su amiga Maria Chabot.

Her house in Ghost Ranch was a summer house in a deserted environment. Georgia, who had decided to move and settle in New Mexico in 1940 after her husband had passed away, had set her sight on a little property in Abiquiu 15 years earlier when she first landed on the area. She spent everything she had to own place. The house, which is originally dated in 1734, was just some ruined rooms and an adobe wall surrounding a garden. O’Keeffe narrates it was from the top one of those imposing fallen trees she saw the amazing patio, the excellent place for her beloved garden, a large wall delimiting the sides with only one door at the end “that is the door I had to have”.

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El ejercicio de abstracción fue todavía mayor que en la casa de Ghost Ranch. Los espacios debían ser simples, enfatizando los gruesos muros de adobe con la eliminación de cualquier tipo de artificio, como los techos de vigas vistas, y abriendo generosos huecos al exterior. Aunque las técnicas utilizadas fueron las tradicionales, Georgia no se dejó llevar por los arquetipos de la arquitectura colonial española o la vernácula mexicana. Ella tenía claro el concepto y la visión de lo que quería que fuese su casa, como si se tratara de una de sus pinturas. El interior no sigue un estilo particular, fue amueblado con lo mínimo: desde mobiliario muy funcional y realizado por artesanos locales a piezas cuidadosamente escogidas de Saarinen, Bertoia y Eames. Apenas obras de arte en las paredes que pudieran romper el purismo de los espacios, con la excepción de algunas piezas de su propia obra y un móvil de Calder que cuelga en la sala de estar. «No quiero una casa española, india o mejicana. Yo quiero mi casa».

For three long years, from 1946 until 1949, Georgia O’Keeffe worked on the reconstruction of her house with her good friend Maria Chabot. Her sense of abstraction would be much greater compared to her house in Ghost Ranch. These were simple spaces, thick adobe walls, an absence of any inner architectural decorative items such as exposed beams and large window openings to glance at the outside world. Although the techniques she used were traditional, Georgia didn’t want to follow the Spanish colonial architecture or the Mexican vernacular. She knew exactly the concept and the vision of what her home should be like, as if it was one of her paintings. The inside had no particular style, very simple furniture, singular, functional and handmade by the local artisans: Saarinen, Bertoia and Eames. There were few pieces of art on the walls, just some of her own to keep the purism of the space, and a Calder mobile hanging in her living room. “I didn’t want a Spanish house; I didn’t want an Indian house, or a Mexican house; I wanted my house!”

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Convirtió los antiguos establos en su estudio con vistas panorámicas al verde valle del Río Chama. A diferencia del seco paisaje de Ghost Ranch, el frondoso entorno de la casa de Abiquiú le permitió a Georgia cultivar otra de sus pasiones: la jardinería. Y la influencia de la estética japonesa, constante en la obra de O’Keeffe, fue la guía perfecta para integrar el jardín del patio en el concepto estético minimalista de la casa.

She turned the old stables into a studio. Benefitting from panoramic views onto the deep green valley of the River Chama. It had nothing to do with the deserted dry landscape of Ghost Ranch. The dense environment of her home in Abiquiu allowed Georgia to do her gardening, one of her other huge passions. The influence of Japanese aesthetics, always present in O’Keeffe’s work, was the perfect guide to integrate the patio garden into the minimalist concept of the house.

Obsesionada por la riqueza de los matices y la austera belleza del desierto, dijo un adiós consciente a Nueva York y los grandes hormigueros humanos. Incluso dejó de pintar las flores que ocuparon la primera etapa de su vida. Ahora prefería la humilde fauna del desierto, la inmensidad del entorno y los matices del Nuevo México colorista.

Obsessed by the wealth of the tones and the bare beauty of the desert, she said a conscious goodbye to New York and its crowded streets. She even quit painting the flowers that characterised her work during her early years. It was the humble fauna of the desert, the immensity that surrounded her and colourful New Mexico which had now conquered her palette.

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Para ello, fue alternando su vida entre sus dos casas: el encanto del verano en Ghost Ranch, la rigidez del invierno en Abiquiú. Y así hasta su muerte. Consiguió que las casas fueron dos obras más de su extensa obra, en constante evolución y probablemente las que más le pudieron representar. Hasta el punto de mimetizarse ella misma en este entorno, al convertirlo en el escenario de sus entrevistas y de la mayor parte de las imágenes que se conservan de ella. Para ello tenía un lema: «No hay nada menos real que el realismo. Los detalles confunden. Solo seleccionando, eliminando, acentuando, llegamos al verdadero significado de las cosas». Con estas casas O’Keeffe alcanzó la plena libertad al cerrar el círculo de su obra, una obra global. La de una artista coherente que supo trasladar al concepto de estética, incluso en su atuendo personal, su particular universo vivo en el que ella estaba incrustada como una pieza más. Ella consiguió aquí el sueño de todo artista: meterse de lleno y vivir en cada uno de sus cuadros.

Until her last days she spent her life between her two houses, the charm of the summer in Ghost Ranch and the harshness of the winter in Abiquiu. Her houses were two more pieces of her already vast oeuvre. A permanent change, they are most probably the most representative works. She managed to camouflage herself in this landscape turning it into the backdrop of her interviews and presumably every single image we have of her. Her motto was: “Nothing is less real than realism. Details are confusing. It is only by selection, by elimination, by emphasis that we get at the real meaning of things”. Her houses gave O’Keeffe the chance to achieve full freedom closing the circle of her work, a master work. A harmonious artist who knew how to translate the aesthetic, even in her personal dressing, hers was an extraordinary living universe with herself being just a simple additional piece of it. She managed to make an artist’s dream come true: to get involved and live in every one of her paintings.

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Un tesoro en el bosque ONE OF NATURE’S MOST BEAUTIFUL HOMES Pasear por el bosque es uno de mis pasatiempos favoritos. Hay algo mágico en aquel entorno en el que las ramas y las hojas de los árboles forman una armoniosa cubierta. Es casi como caminar por las bulliciosas calles de Manhattan, así de vivos están los árboles, habitados por insectos, pájaros, reptiles y roedores, aunque a la vez te invade la tranquilidad y la calma de la naturaleza que hace que te sientas totalmente reconfortado. Cuando la luz pasa a través de las hojas y toca el suelo, la iluminación se fractura y se asemeja a la de una discoteca, pero sin sonido. A veces resplandece, otras veces desorienta, y en ocasiones incluso hipnotiza. No hay nada como perderse por los vastos túneles que forman los árboles. Siempre hay algo nuevo por descubrir, algo nuevo que pueda fascinar a la mente.

Walking in the woods is one of my favourite things to do. There is something truly magical about a tightly packed forest of trees. It’s almost like walking along a bustling street in Manhattan - so alive are the soaring trees with insects and birds, reptiles and rodents - and yet at the same time you feel utterly soothed by the tranquil sensation of calm which only nature can provide. When the light filters through the leaves and hits the forest f loor, the fractured illumination is like a disco without sound. It can be dazzling, disorientating, mesmerising. There is nothing quite like getting lost in a vast natural hallway of trees. There is always something new to discover, to enchant the mind.

Hay días en los que estas caminatas te llevan a lo totalmente inesperado, cuando durante un paseo energético entre las acículas de los pinos y las hojas caídas de otros árboles, te encuentras con un precioso tesoro sobre el suelo del bosque. Unas

Occasionally these walks take a turn for the unexpected, when on an energetic stroll across fallen pine needles and leaves you suddenly encounter something beautiful on the forest f loor. With its branches perfectly interwoven,

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ramitas asombrosamente entrelazadas, como si del trabajo de un verdadero artesano o el de un experto sombrerero se tratara. Desde luego, no es algo que haya podido hacer la mano del hombre. Es una obra intricadamente tejida por un pájaro. Conforme te vas aproximando al objeto que reposa sobre la alfombra de acículas, ves el nido de un pájaro, intacto y a muchos metros de donde debería estar.

it is like the work of a true craftsman, or an expert milliner. But this is not the work of a human hand. It is the intricately woven handiwork of a bird. For on approaching the object which has appeared amongst a carpet of needles, you find a bird’s nest – perfectly intact, but many metres from where it should be. There is something utterly breathtaking about finding a nest. It fills you with all sorts of wonder as you observe the mastery of its creation, and admiration at the fragility of its perfectly balanced construct. Usually you can never get so close to a bird’s nest – these things are the preserve of the treetops way up high. So this inspection feels privileged, an exclusive moment, as you take tentative steps towards the nest to discover what lies within.

Encontrar un nido es algo fascinante. Te maravilla poder observar la maestría de su creación y sientes una admiración única por la fragilidad de su construcción perfectamente equilibrada. Por lo general es difícil llegar a ver un nido de pájaro tan de cerca, normalmente son pequeños tesoros que quedan resguardados en lo alto, en las copas de los árboles. Así que, esta inspección al detalle es todo un privilegio, un momento exclusivo mientras das pequeños pasitos hacia el nido para descubrir qué alberga en su interior.

More often than not, the nest is empty. A feeling of pathos replaces the initial excitement of discovery. What has happened to the nest to make it fall so far? And what of the bird whose efforts are so visible in this craftsmanship? It feels like the discovery of a masterpiece abandoned in the middle of the effort of its creation, like a sculpture, painfully close to completion, yet forsaken by the artist when some natural disaster intervenes. For a moment you ponder, should I climb the tree, and take the nest back to the top? Is there anything I can do to put this wrong to right? But no, this is a narrative which must be left to nature’s will. This nest, now too heavy for a bird to carry, will be abandoned to the forest floor, becoming one more victim in the relentless circle of life. But perhaps it’s better that way: for it is with trepidation that we approach this perfect creation, scared to touch it, in case the fragility of the work crumbles beneath our fingers.

Lo más probable es que esté vacío. Y entonces te invade un sentimiento de compasión reemplazando a la excitación que sentías previamente. ¿Qué le habrá ocurrido al nido para que haya caído tan lejos? ¿Y qué le habrá sucedido al pájaro cuyos esfuerzos son tan notorios en esta pieza de artesanía? Es como descubrir una obra de arte abandonada en mitad de su creación, como una escultura, a punto de ser terminada, y dejada a su suerte por el artista a causa de un repentino desastre natural. Por un momento dudas, ¿debería subirme al árbol y volver a dejar el nido en lo alto? ¿Hay algo que pueda hacer para que este fatídico momento vuelva a ser algo esperanzador? Pero no, este es un hecho que debe dejarse en manos de la naturaleza. El nido, demasiado pesado para que un pájaro lo pueda volver a levantar, permanecerá aquí, sobre el suelo del bosque, pasando a ser una nueva víctima del implacable círculo de la vida. Quizás sea mejor así. Nos aproximamos con mucha cautela a esta perfecta creación, temerosos de tocarlo, pues puede que la fragilidad de su trabajo se haga añicos entre nuestros dedos.

But just as it did when creating this masterpiece, so the bird will commence the slow intricate process of fashioning another nest one day soon, artfully interweaving branches and forest fodder to create one of nature’s most beautiful and perfect homes.

Y, al igual que hiciera cuando realizó esta obra de arte, el pájaro pronto volverá a comenzar con el lento proceso del tejido de un nuevo nido, entrelazando meticulosamente las ramitas y abasteciéndolo para crear uno de los más hermosos y perfectos hogares de la naturaleza.

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Each Sanlorenzo yacht is conceived by its owner. By his vision of what a yacht should be, and by his idea of the sea. He is totally involved from the planning phase onwards, and his contribution is visible. There are no limits to his wishes. This is why no two Sanlorenzos are the same and why each Sanlorenzo yacht is as unique as its owner.

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The gardens of

RUSSELL PAGE Russell Page (Inglaterra, 1906 – 1985) fue un jardinero británico, diseñador y paisajista. Se formó en artes plásticas en la Slade School de Londres, completando su formación en París en 1928 antes de que el amor por las plantas lo condujeran al paisajismo gracias a la amistad que forjó con André de Vilmorin, heredero de una importante familia dedicada a la horticultura y al comercio de semillas. Regresó a Inglaterra en 1932 y en 1935 se asoció con Geoffrey Jellicoe, quienes, a pesar de que su trabajo no prosperase por motivos económicos, se convirtieron con el paso del tiempo en grandes amigos y dos referentes en el mundo del paisajismo.

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Después de esa experiencia fallida, en 1945, decidió regresar a Francia donde desarrollaría su etapa más brillante con encargos para personajes de la alta sociedad y la nobleza europea, lo que le otorgó una gran proyección internacional.

Estuvo implicado en todo tipo de proyectos de paisajismo, desde pequeños cottage, a proyectos públicos en grandes ciudades, incluyendo jardines en centros de empresa, como el de la sede central de PepsiCo en Nueva York.

El suyo era un talento inusual, una innata combinación de instinto artístico y horticultor experto. Cuando trabajaba en un paisaje, un jardín, o el arreglo de una jardinera, primero abordaba el proyecto del mismo modo que un artista lo hace a la hora de componer un cuadro. Su primera preocupación pasaba por la relación entre los objetos allí dispuestos. No importaba si trabajaba con madera, con campos o agua, rocas o árboles, arbustos y plantas o grupos de plantas, la exigencia en el diseño era la misma. Cada trozo del jardín debía tener su propia personalidad.

Russell era único, no solo porque sus proyectos eran muy diversos, sino también por su comprensión y empatía con las tradiciones horticultoras. Poseía un extraordinario conocimiento y experiencia en disponer de una extensa gama de árboles y de plantas y sabía interpretar los espacios como nadie.

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De entre sus clientes destacan los Duques de Windsor, para quienes diseñó los jardines de Le Moulin de la Tuileríe, Leopoldo III de Bélgica, William Walton, Oscar de la Renta o el empresario francés Marcel Boussac.

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ussell Page (England, 1906 – 1985) was a British gardener, designer and landscaper. Having graduated in fine arts at the Slade School in London, he moved to Paris where he completed his training in Paris in 1928. It was there that the advent for his love of plants arose, stemming from his friendship with André de Vilmorin, heir to an important family dedicated to horticulture and seed trade. Deeply inspired by the possibilities of the outside world, he returned to England in earnest, and by 1935 had teamed up with the landscape architect Geoffrey Jellicoe. Their work together did not prosper (economic concerns, as ever, intervened), but the two became great friends, as well as two of the most important references in the world of landscaping.

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It was only when, after that failed experience, he decided to return to France in 1945 that his career really came alive. There, a ready-made audience of high society personalities and European nobility were easily seduced by the natural green-fingered talent of Page. Among his clients were the Dukes of Windsor, for whom he designed the gardens of Le Moulin de la Tuilerie, Leopold III of Belgium, William Walton, fashion designer Oscar de la Renta and the French businessman Marcel Boussac. Therein began a verdant garden career with an impressive international reach. His was an unusual talent; an innate combination of artistic instinctiveness and horticultural expertise. When working in an expansive landscape or a smaller garden, he first approached the project in the same way that an artist does when composing a painting: His first concern was the relationship between the objects and the overall composition. It did not matter if he worked with wood, with fields or water, rocks or trees, shrubs and plants or groups of plants, the design requirement was always the same. Every piece of the garden had to have its own personality.

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He was involved in all types of landscaping projects; from small, traditional cottage gardens, to public projects in large urban spaces, including the gardens of vast business centres, such as Pepsi’s headquarters in New York. Page was unique, not only because his projects were very diverse, but also for his understanding of and empathy with horticultural traditions. He had an extraordinary knowledge and experience of an extensive range of trees and plants and he knew how to interpret spaces like no one else. In Mallorca, we are fortunate enough to be able to enjoy the ravishing work undertaken by Russell Page at Sa Torre Cega, Cala Ratjada, one of the March family’s favourite residences. In the early 60s, Don Bartolomé March inherited the estate and under the direction of the English landscape artist, reformed the park. It was, for example, Page’s idea to combine modern and classical sculptures, placing them always in harmony with the surrounding Mediterranean vegetation.

Como mallorquines tenemos la suerte de poder disfrutar del trabajo que realizó en Sa Torre Cega, Cala Ratjada, una de las residencias favoritas de la familia March. A principios de los años 60, Don Bartolomé March heredó la propiedad y bajo la dirección del paisajista inglés, reformó el parque, cuya idea fue compaginar esculturas modernas y clásicas, siempre en armonía con la vegetación mediterránea.

En 1962 regresó a Londres donde se centró en la redacción de su libro The Education of a Gardener en el que profundiza en la historia del diseño de jardines, desde los jardines islámicos hasta los contemporáneos. Esta obra supone uno de los análisis más contundentes y concienzudos de la historia del diseño de jardines, desde la época clásica hasta el islam, más de cincuenta años después de su publicación sigue siendo una de las guías de referéncia para los paisajistas actuales.

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In 1962 he returned to London where he focused on the writing of his book The Education of a Gardener in which he delves into the history of garden design, from Islamic traditions to contemporary practices. This work is one of the most convincing and methodical analyses of the history of garden design, from the classical era to Islam, which, more than fifty years after its publication, remains one of the foremost guides for today’s most prominent contemporary landscapers.

Albert Pinya Amparo Sard Guillem Nadal Guillermo Rubí Jannis Kounellis Jason Martin Javier Vallhonrat Jordi Alcaraz Mark Francis Nicholas Woods Rachel Howard Rafa Munárriz Rebecca Horn Roland Fischer Pelaires Alexander Calder exhibición, October 1972. Joan Miró, Josep Pinya and Alexander Calder.

C/ Can Verí, 3 · E07001 Palma de Mallorca · T. 34 971 72 03 75 · [email protected] · www.pelaires.com

PELAIRES CENTRE CULTURAL CONTEMPORANI

La sonrisa que nos cautivó The smile that enchanted us

Son las nueve de la mañana de un soleado día de Marzo y Samuel Silvester -a quien llamamos cariñosamente Sam- llega puntual a su cita. Tras unas gafas de sol de pasta se esconde la mirada que nos cautivó desde el primer día en que empezó a trabajar con nosotros. Sam fue camarero en Cappuccino Puerto Pollensa. It’s nine o’clock in the morning on a sunny day in March and, Samuel Silvester, whom we affectionately call Sam, arrives punctual as ever at our prearranged meeting place. His captivating gaze – the same arresting look which enchanted us from the first day he started working with us as a waiter in Cappuccino Puerto Pollensa – is hidden away behind a pair of conspicuous sunglasses.

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Su piel pálida es la prueba evidente de su cambio de residencia a Londres –donde se forma para ser sastre– pero su sonrisa es la misma que nos enamoró, la culpable de haberse convertido en nuestro chico Cappuccino.

His pale skin is clear proof of his change of residence to London, where he is in training to become a tailor. But his smile is the same one we fell in love with, and which was the reason why he very soon became the face of Cappuccino.

Un pintoresco bar del Pla de Mallorca es el punto de encuentro de lo que promete ser una jornada apasionante. Una antigua finca se convierte en el escenario ideal para una sesión en la que pretendíamos huir de convencionalismos y plasmar la verdadera esencia mediterránea. Ovejas, asnos y hasta un pino colosal salvaguardan la sonrisa de Sam. La atmósfera que allí se respira impregna cada una de las instantáneas capturadas. Una dosis de energía natural que nos da fuerza para dirigirnos a nuestro próximo escenario.

A picturesque bar in Pla de Mallorca was the meeting point of what promised to be an exciting day. We had chosen an old farm estate as an ideal location to escape from the conventional images which are generally associated with the essence of the Mediterranean. Sheep, donkeys and even a colossal pine tree replaced the beaches and palm trees of old, and created an intensely bucolic atmosphere which permeated each snapshot of Sam and his winning smile. One could not help but feel energised by the beauty of nature which instilled in us the enthusiasm to continue, onwards, to our next scene.

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Si pensamos en uno de los paisajes más característicos del Mediterráneo, el primero que nos viene a la mente es, sin duda, Formentor. La belleza de la gigantesca roca que emerge del mar como por arte de magia, conocida como Es Colomer, es una de las estampas más fotografiadas. Sin embargo, nuestra nueva campaña era merecedora de un entorno único, que transmitiera la verdadera belleza natural de las islas. Ese marco incomparable estaba más cerca de lo que imaginábamos.

When you think of the most iconic landscapes of the Mediterranean, few come close to the magnificence of Formentor, the awe-inspiring shaft of gigantic rock that emerges, majestically, from under the sea and soars many hundreds of metres into the sky. At its highest point is Es Colomer, one of the most photographed and cherished spots, although for our campaign, we wanted a unique environment deserving of the natural beauty of the Balearic Islands. The perfect spot was closer than we imagined, and with a freshly prepared Bloody Mary served before spectacular views, and the gentle breeze of the Northern coast licking the locks of Sam’s trademark hair, some amazing photographs were guaranteed.

Un Bloody Mary recién preparado, la sonrisa de Sam acompañada de una suave brisa que movía su pelo y unas vistas espectaculares garantizaban unas fotografías sorprendentes.

As afternoon fell, the deepening sky contrasted superbly with the lush greenery of a typical family-run vineyard which was to be the last scene of our shoot. Our islands are rich in wines, and their expansive vineyards make for a truly unique backdrop. It was, without a doubt, the best image with which to complete our session, to immortalise Sam amongst the vines, the very essence of our land.

Caída la tarde, el cielo totalmente despejado contrastaba con el verde de la vid de una bodega familiar. Nuestras islas son ricas en vinos y sus viñedos son una estampa peculiar. Sin duda aquella era la mejor imagen para finalizar la sesión: inmortalizar a Sam entre viñas, entre la esencia de nuestra tierra.

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What makes you feel beautiful. Prendas frescas, relajadas y ligeras son el must have para este verano. Los colores neutros aportarán naturalidad y comodidad a tus looks diarios, y los complementos darán a tu outfit el toque chic necesario. Unas sandalias con plataforma, una cesta de rafia y unas gafas de sol que cubran gran parte de tu rostro, harán todo lo demás. Con la bajada de la temperaturas subirá el tono de tus conjuntos. Este otoño/invierno se llevarán colores más llamativos, prendas divertidas y cospomolitas, sin olvidar la elegancia del negro. Unos stilettos de color verde oscuro con tachuelas o un bolso magenta darán el toque sofisticado al vestido negro de raso que no debe faltar en tu fondo de armario.

Fresh, relaxed and light clothing items are the must haves for this summer. Neutral colours will imbue your daily style with the natural but comfortable style integral to the season. Tonal-brown cork flatform sandals, a classic raffia tote and oversized sunglasses covering most of your face will do the rest. As the temperature drops your colour palette should rise. Striking tones will be the king of your outfit this autumn/winter, it will be all about whimsical and cosmopolitan items, but never forget the elegance of black. Deep-green suede pumps or a magenta-pink Heart pouch will lend a sophisticated touch to your black satin dress which you must include in your wishlist of desirable items.

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Vestido camisero de Altuzarra. Lightly crinkled blue and white gingham shirt dress by Altuzarra

Sandalias Jimmy Choo Norah con plataforma de corcho. Tonal brown cork flatform Norah sandals by Jimmy Choo.

Gafas de sol extragrandes de Gucci. Gucci oversized statement sunglasses.

Cesta de rafia clásica de Balenciaga. Balenciaga’s classic raffia tote.

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Monedero con forma de elefante de Loewe. Loewe Elephant coin purse.

Vestido de raso negro con espalda descubierta en forma de V de Rochas. Rochas black satin dress with a deep V-back.

Carcasa para iPhone de cuero saffiano de Gucci. Gucci’s postbox-red saffiano-leather iPhone case. Stilettos Christian Louboutin de ante de color verde oscuro. Deep-green suede pumps by Christian Louboutin.

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Camisón lencero de satén Golden Hour de Fleur of England. Fleur of England silk-blend satin Golden Hour.

Bolso de mano magenta con corazón de Anya Hindmarch. Anya Hindmarch striking magenta-pink Heart pouch.

Camisa de lino elaborada de forma artesanal de Jupe by Jackie. Jupe by Jackie shirt cut from red and ivory micro-check linen. Pantalones de Thierry Colson con estampados artesanales. It’s the outsized silhouettes and artisanal prints that make Thierry Colson trousers so appealing.

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STYLE ICONS

FIVE WOMEN WHOSE DRESS SENSE WE ADMIRE

MRS. FRANCA SOZZANI Durante los más de 28 años que estuvo al frente de la revista Vogue en Italia como editora, Franca Sozzani se encargó de poner a la moda italiana en lo más alto. En su día, le pidieron que definiera el concepto de estilo a lo que ella respondió: «Hoy en día no hay un único estilo. En mi opinión, en lugar de tanta ropa, la gente debería comprarse más espejos para poder mirarse antes de salir a la calle; y es que las prendas de vestir deben casar con la persona que las lleva. Eso es lo que verdaderamente define el estilo». Puede que sea su “no sé qué” italiano, pero Doña Sozzani sabe muy bien lo que es elegante, lo que es fresco y lo que es informal. Vogue Italia editor Franca Sozzani championed Italian fashion in the magazine she ran for 28 years. Once asked to define style, she replied, “Today there is not just one. I think people should buy more mirrors than clothes, to see themselves before going out... but I think that clothes need to correspond to one’s own personality. That is style.” Maybe it’s her Italian je ne sais quoi, but she knew what chic, cool and effortless really means.

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MRS. MIUCCIA PRADA No es una belleza ni tiene un cuerpazo, de hecho es bastante bajita y las arrugas que definen su rostro siguen su curso. Sin embargo, tiene un atractivo especial y es una mujer fantástica, una persona intelectual que trabaja hasta la saciedad para sacar adelante su propia empresa y aun así, siempre le queda energía para salir a divertirse. Todavía no hemos podido averiguar qué es lo que hace para que esta ecuación le funcione tan bien, es como si siempre estuviera alegre, con una sonrisa de oreja a oreja. Cuida su figura, aunque sin lucirla demasiado, y presume de sus pequeñas cualidades como lo son sus finos tobillos. Siempre lleva algún accesorio, ya sea una bandolera tipo tiara para el pelo, un sugerente bolso o sus llamativos conjuntos cargados de color o de estampados animales. Es, sencillamente, una fuente de inspiración en sí misma. She is neither model-beautiful nor skinny as a rake, she is quite short and has all her own wrinkles, yet she looks inspiring and gorgeous. She is intellectual, works her socks off running her own company and still looks like she’s going to be fun company. It’s hard to pinpoint what she does that works so well, she looks like she’s having a blast most of the time with a great smile, she watches her fit but still shapely figure and shows off her good bits, such as her shapely ankles. What’s more, there’s always a great accessory thrown into the mix- whether it’s a tiara headband, playful purse, or her colour and print combos which are ever so clever. An All Round Inspiration.

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M I S S L I LY- R O S E D E P P Las pasarelas son lo más parecido a un segundo hogar para Lily-Rose Depp, hija del actor americano Johnny Depp y de la cantante francesa Vanessa Paradis. Ha sabido desarrollar un estilo propio, con personalidad y sin temores, apartándose de los estereotipos en los que las grandes modelos son solo caras bonitas que saben lucir lo que llevan puesto. En el momento en el que esta chica se pone algo, lo hace suyo. Hay que ver cómo se enfunda en unos vaqueros, como si de alta costura se tratara. Lily-Rose Depp, daughter of American actor Johnny Depp and French singer Vanessa Paradis, is no stranger to catwalks. She developed the kind of fearless, self-assured approach to getting dressed that sets the fashion stars apart from pretty people simply by wearing nice clothes. When this girl puts something on, she totally owns it. Her effortless ability to wear jeans like couture is astonishing.

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MRS. VERUSCHKA VON LEHNDORFF Veruschka von Lehndorff es una modelo, actriz y artista alemana que saltó a la fama en los años 60. La descubrieron a la edad de 20 años y pronto empezó a formar parte de la prestigiosa agencia neoyorquina Ford Modeling Agency. Fue portada en numerosas ocasiones de las revista Life y de las publicaciones americana, italiana, francesa e inglesa de la revista Vogue. Es más, ¡a veces aún la podemos ver conquistando las pasarelas! Veruschka von Lehndorff is a German model, actress and artist who rose to fame during the 1960s. Discovered at the age of 20, and signed-up by the prestigious New York based Ford Modeling Agency, she appeared on the covers of Life magazine and at various times on all four major Vogue magazines’ - American, Italian, French and British - covers throughout the sixties. Occasionally she still appears on catwalks!

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MRS. CHARLIZE THERON Charlize Theron, elegante y sofisticada, fuente de inspiración por su capacidad de vestirse a la última manteniendo un aire desenfadado. Cada día nos enseña a ser estilosos sin que ello suponga el más mínimo esfuerzo. Es una actriz con talento, además de una modelo con una espléndida figura. Sabe muy bien qué diseños y qué colores debe llevar para resaltar sus cualidades. Nos encanta como luce sus accesorios. Charlize Theron: she’s chic and sophisticated with a fuss-free take on the latest trends that makes her a style inspiration. She schools us on how to look effortlessly stylish. The talented actress and model has an amazing figure and she knows what designs and colours that suit her best. You have to love the way she plays with her accessories.

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ARMANO SCACCI´S INSTAGRAM

In the world of social media, which is so much about the ego, self-concentration and selfaggrandisation, Armano Scacci’s outlook is very different. His Instagram page has many more followers than the average - 85,000 and counting, and his posts number almost 5000, and yet not a single photo is of him. No one really knows who he is. Only that he is one of the world’s most prolific curators of beauty. Where he finds his material, and how extensive is his search are two questions which many of us loyal followers ask ourselves as we open up our Instagram feed each day and are treated to the most ravishing images selected by Scacci. Any why is their source important when what he curates for us is a continuously growing exhibition of some of the most beautiful images being made in the world today?

En el mundo de las redes sociales en el que básicamente todo se reduce al ego, la concentración y el engrandecimiento personal, la visión que tiene de él Armano Scacci es muy diferente. A pesar de que su página de Instagram tiene muchos más seguidores que la media, 85.000 y sumando, y de que su número de posts casi llega a los 5.000, no hay ninguna fotografía suya. En realidad, nadie sabe quién es. Solo se sabe que es uno de los más prolíficos conservadores de belleza del mundo. Cuando todos, leales seguidores de Instagram, abrimos nuestra página, siempre nos preguntamos dónde encontrará el material, hasta dónde llegará su búsqueda para hacer esta selección y publicar tan maravillosas imágenes. Y, ¿de verdad es tan importante conocer su fuente cuando a diario nos deleita con una continua exhibición de algunas de las fotografías más bonitas que se han tomado en el mundo hoy en día?

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La página de Scacci se basa en lo que podría considerarse fotografía artística. Hay una clara inclinación por la moda, aunque las imágenes tienden a desafiar la lógica, incluso a la razón de una forma en la que el trabajo que los surrealistas soñaban con hacer antes de la era de la fotografía como medio digital, les abrió un abanico de nuevas posibilidades. Scacci nos ofrece un mundo de belleza pura y simple más allá de la senda de ensueño surrealista. Es sin duda un amante de la estética, en cada una de sus selecciones nos sorprende con un mundo que magnifica las posibilidades de belleza, exponiéndola de la misma manera en la que los victorianos y prerrafaelitas lo hicieran hace más de 200 años. Los lugares, la gente, los gestos humamos, todo aparece enmarcado por la perfección. No hay un ápice de superficialidad. Su selección de imágenes a menudo lleva implícita una connotación social, ya sean los derechos de los homosexuales, el poder de la feminidad o simplemente la belleza y la fuerza del amor duradero.

Scacci’s page is focused on what could be termed artistic photography. There is a clear fashion bent, although the images tend to defy logic, even reason in the way that the work of the surrealists aimed to do before them, before the age when photography, as a digital medium, opened up a wealth of new possibilities. Beyond the tone of dreamlike surrealism, Scacci offers us a world of beauty pure and simple. He is evidently an aesthete of the most devoted kind, and in each of his selections, he proffers a world which magnifies aesthetic possibilities, celebrating beauty in the way that the Victorians and the Pre-Raphaelites did almost 200 years ago. People, places, human gestures are framed by perfection. But superficial this is not. Often the undertone of the images is one of social commentary, whether it be gay rights, feminine strength or the simple beauty and enduring strength of love.

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Quien quiera que sea y donde quiera que esté Armano Scacci, esperamos que siga cautivándonos con fascinantes imágenes artísticas y fotográficas de esta era. Él se considera una especie de ladrón cultural de la modernidad, de hecho en su cuenta de Instagram se describe como «Robando belleza», en cambio, nosotros le vemos como un sabio de nuestros tiempos quien nos recuerda a diario que siempre que hay algo malo, hay algo igual de bonito en el mundo que podemos admirar y que nos reconforta el alma.

Whoever and wherever Armano Scacci is, we hope that he continues to root out the most ravishingly stunning photographic and artistic images of the age. While he sees himself as something of a modern day cultural thief – his Instagram summary describes himself as “Stealing Beauty” – we see him as a saviour of our times, reminding us on a daily basis that for every bad moment, there is something equally beautiful in this world to admire and to soothe the soul.

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HICKS Prince of pattern

David Hicks, cuyos proyectos de decoración y explosiones de color fueron el punto culminante de la elegancia jet set en las décadas de los 60 y 70, nació en Essex, Inglaterra, un 25 de marzo de 1929. Conocido por su amor hacia las combinaciones de color, así como por un temperamento que oscilaba entre el encanto y la rabia más furiosa, Hicks fue el decorador más famoso de su época. También fue un personaje insólito, un decorador inglés que aborrecía la reputada escuela Masterpiece Theater School of English Decoration. David Hicks, whose decorative projects and what can only be termed colour explosions were the highlight of the jet set age of the 60s and 70s, was born in Essex, England, on 29th March 1929. Known for his love of bold colour combinations, as well as for a temperament that ranged from charming to ferocious in quick succession, Hicks was the most famous decorator of his day. He was also an unusual character, and a contradiction in terms: Here was an English decorator who abhorred the renowned Masterpiece Theatre school of English Decoration.

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En los años 60 y 70, con sus paredes lacadas de colores brillantes, su embriagadora combinación de antigüedades y muebles modernos y su iluminación escenográfica, Hicks fue pionero en proponer una ecléctica mezcla de historia y modernismo. Tras graduarse en la londinense Central College of Art, se incorporó a la agencia de publicidad J. Walter Thompson. Saltó a la fama en 1954 publicando su propia casa en South Eaton Place en un brillante artículo para la revista House & Garden. El David Hicks decorador había nacido. Sus sillas Luis XVI con retapizados geométricos, mesas de plexiglás sobre moquetas estridentes pero elegantes, esculturas grecorromanas con sillas Tulip fueron la referencia entre los creadores de tendencias de la época. Entre sus proyectos se encontraban las habitaciones de los jóvenes príncipes Charles y Anne, un yate para el rey Fahd de Arabia Saudí y el apartamento de la diva de los cosméticos Helena Rubinstein, decorado con paredes de tweed púrpura y muebles victorianos tapizados en piel magenta.

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In the 60s and 70s, Hicks pioneered a new verve in the world of decoration, with bright lacquered walls, and an intoxicating combination of antiques and modern furniture, history and modernity, all highlighted with fantastically staged lighting. After graduating from London’s Central College of Art, he joined the advertising agency J. Walter Thompson. However, it wasn’t until 1954 that he truly rose to fame when, in a brilliant article for House & Garden magazine, he published a feature on his own house at South Eaton Place. The decorator David Hicks was born. His Louis XVI chairs recovered in startling geometric fabric, plexiglass tables on shabby but elegant carpets, and an eclectic mix of Greco-Roman sculptures with the famous Tulip chair, soon became design references for the trend-setters of the time. Among the projects which followed were a series of rooms for the young Princes Charles and Anne of England, a yacht for King Fahd of Saudi Arabia and the apartment of the diva of cosmetics Helena Rubinstein, decorated with purple tweed walls and Victorian furniture upholstered in magenta leather.

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Tan emblemáticos de la época eran sus interiorismos que se le pidió que diseñara algunos de los escenarios de una de las películas por excelencia del momento, Petulia (1968), protagonizada por Julie Christie. Su mayor contribución como decorador fue mostrar cómo combinar colores atrevidos, cómo utilizar alfombras estampadas, cómo iluminar habitaciones y cómo mezclar lo viejo con lo nuevo. Porque Hicks, más que un diseñador de interiores, fue un decorador a la antigua usanza. Si el trabajo de los interioristas está más orientado a sacar el máximo provecho del espacio, un decorador impone su propia visión a una casa, como si de un dictador se tratase, abusando de sus obsesiones y obviando las necesidades de sus clientes. La obsesión de Hicks era el color, y sabía manejarlo como ninguno. En sus interiores, el rosa, el naranja, el verde o el morado son elegantes, atractivos, nunca pomposos ni vulgares; «los colores no chocan, sino vibran. Tu mujer lo encontrará excitante», le dijo a un cliente preocupado por el resultado del dormitorio conyugal.

So emblematic of the time were his interior masterpieces that he was asked to design some of the scenes of one of the films par excellence of the moment, Petulia, the 1968 masterpiece featuring Julie Christie as its star. Among his greatest contributions to the world of interiors was his undoubted knack at combining daring colours, his bold use of highly patterned carpets, his brilliant understanding of illumination and his talent for perfectly blending the old and new. Hicks’s obsession was colour, and he knew how to handle it like no other. In his interiors, the concurrent presence of pink, orange, green and purple was elegant, attractive, never pompous nor vulgar. As Hicks said himself to a client worried about the result of the marital bedroom: “The colours do not collide, but vibrate. Your wife will find it exciting”. As Hicks ended his career, he did so with a final hurrah, expanding into the world of landscaping, where his extraordinary gardens included the ravishing grounds of his Oxfordshire country house.

Pasó los últimos años de su vida realizando trabajos de paisajismo, como el extraordinario jardín que creó en su casa de campo de Oxfordshire. Se inspiró en los jardines anglofranceses de principios del siglo XVIII y trazó avenidas y grandes panorámicas, formando una laberíntica secuencia de pequeñas habitaciones verdes.

Inspired by the Anglo-French gardens of the early eighteenth century, Hicks used avenues and panoramas to form a labyrinthine sequence of small green rooms. In a way it was ironic, since in this final project, Hicks proved himself to be as ever the decorator of bold shapes and colours, even outside.

Cuando se trataba de desafiar convencionalismos con espectaculares estampados geométricos, no tenía rival. Potente, excéntrico y lujoso. Así era David Hicks.

When it came to defying conventions with spectacular geometric prints, he had no rival. Powerful, eccentric and luxurious. This was David Hicks.

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Japanese haute cuisine

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Andreas Weinås Rules of style

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ndreas Weinås nació en Suecia en 1986 y es muy conocido en su país por ser el editor ejecutivo del blog sueco manolo.se, siendo este el medio especializado en moda masculina más importante del país escandinavo. En 2016 saltó a la palestra internacional al ser elegido como uno de los diez hombres más rakish del mundo por la revista japonesa Rake, lo que sería su manera de decir que es uno de los hombres mejor vestidos en el mundo. Este año ha sido escogido como uno de los 50 hombres mejor vestidos de Suecia por la revista sueca Café. Una de sus pasiones es el balonmano, deporte del que ha sido jugador profesional durante más de diez años. Para Andreas el balonmano supone un enorme contraste con su otra pasión, la moda masculina. Estudió tres años en la Swedish University of Textiles donde se licenció en empresariales especializado en el sector textil.

ndreas Weinås was born in Sweden in 1986. He is very well-known in his country as the executive editor of the Swedish blog manolo.se, a reference for male fashion in the Scandinavian country. He achieved international recognition in 2016, when, according to the Japanese magazine Rake, he was chosen as one of the 10 most rakish men in the world. In other words, he is one of the most perfectly well dressed men from across the globe. This year, he has been elected as one of the 50 best dressed men of Sweden by the Swedish magazine Café. Handball is one of his passions, having been a professional player for more than ten years. This sportive facet is in huge contrast to Andreas’ other passion, male fashion. He studied for three years at the Swedish University of Textiles where he got his degree in business administration specialising in the fashion sector.

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Su interés por la forma de vestir de los hombres despertó cuando empezó a seguir los desfiles de las principales marcas de moda. A pesar de despertar un gran interés por la pasarela, sintió que la moda siempre era una apuesta a corto plazo, no se sentía identificado en como dictaba los cambios drásticos de un año para otro. No obstante Weinås, siempre ha afirmado que es importante tener una mente abierta a las nuevas tendencias, ya que nada es realmente atemporal. Todo evoluciona y puede ser muy inspirador ver como un estilo se convierte en algo clásico. Esta pasión por la moda le llevó durante sus años universitarios a interesarse más sobre cómo se hace un traje perfecto o un par de zapatos, que sobre planificación financiera o contabilidad, convirtiendo este interés en una verdadera pasión. His interest about how men should dress began when he started to watch the most important brands’ fashion-shows. Although the catwalks were interesting, he felt that fashion would always be a short term thing and he did not feel that he could identify with the sudden changes in style from one year to another. However, Weinås has always affirmed that it is important to be open-minded when talking about new tendencies as nothing is really timeless. There is always an evolution and it is very interesting to see how a certain trend turns into something classical. During his student years, his enthusiasm for fashion manifested itself more in an interest in how the perfect suit or pair of shoes were made than in the financial aspects or accountancy of the fashion business. Fashion itself was certainly his real passion.

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Weinås takes most of his ideas from specialised blogs like the one he runs, but it is his direct contact with designers and tailors which has given him the edge. Being able to see them work in person, to have them explain why it is better when a shoe’s welting is handmade or how a suit can become a masterpiece, watching the whole process of its production, this is what actually gives him the most particular and personal vision of fashion. He describes his own style as the modern interpretation of classical pieces, a melange between Scandinavian, Italian and British styles. He loves to combine a classical figure with modern and contemporary details. He prefers dull colours and his favourite fabrics are flannel, tweed and cashmere. He admires the real specialists of his sector. Andreas Weinås is an example of the authentic Scandinavian balance between English elegance and Italian spontaneity.

La mayoría de sus ideas las obtiene de blogs especializados como el que dirige, pero sin duda las mejores lecciones las ha experimentado estando en contacto directo con diseñadores y sastres. El poder verlos en persona, que te expliquen porque un zapato es mejor cuando el welting está hecho a mano, o porque un traje puede ser una obra de arte, vivir el proceso de confección, aporta una visión de la moda más particular y personal. Describe su estilo propio como una interpretación moderna de piezas clásicas, una mezcla de estilo escandinavo, italiano y british. Sus preferencias pasan por combinar la silueta clásica con detalles modernos y contemporáneos. Prefiere colores apagados y su lista de tejidos pasa la franela, el tweed y el cashemere. Admira a los que son verdaderos especialistas en su segmento. Andreas Weinås encarna el auténtico equilibrio escandinavo entre la elegancia inglesa y la frescura italiana.

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Get the look These plush red suede Gommino driving shoes from Tod’s are ideal for smartcasual styling. Gucci cream cotton T-shirt with blue-green squawking peacock print.

Dita Spacecraft sunglasses will imbue your summer looks with a futuristic tone.

Made from a navy seersucker-silk, the Gucci Monaco suit is lightweight and luxurious.

The artisanal intrecciato weave method has been Bottega Veneta’s signature since the 1960s. This black leather bracelet has been handcrafted with the same technique.

Le Sirenuse Positano vivid fuchsia-pink swim shorts are characterised by true Italian flair.

“The fox in the forest square” by Olof 1982 a handmade pocket square, printed by one of the oldest factories in the business located in Macclesfield UK.

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Thomas Mennell hand crafted Sailor’s bag made out of the softest linen and leather found in Florence. Made in Italy.

The Walker in Tropical Camo, an updated classic made by Grenfell in London, England.

Refine off-duty looks with the Saint Laurent Monogram belt, crafted in Italy from chocolate-brown suede.

Guy Field’s vintage white linen shirt is perfect for summer and can be worn from day to night throughout the warmer months

Faherty’s Baja poncho is the perfect beach-ready style.

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Colt Skyracer The new-generation Breitling. The Colt by Breitling expresses its youthful, dynamic and winning spirit in a brandnew model dedicated to thrill-seekers, with an avant-garde case in Breitlight® and an ultra-technical black look. Code name: Skyracer, like that of the plane flying under Breitling colors in the fabulous Red Bull Air Race. Avenger Hurricane Military The new strike force. With its black avant-garde case in Breitlight®, its dial with aeronautical-type numerals and its selfwinding Manufacture Breitling caliber powering an exclusive 24-hour display, the new Avenger Hurricane Military limited series proudly displays the assets of an instrument for which prowess is the norm.

Navitimer Rattrapante The ultimate mechanical chronograph. Developed in the spirit of instruments for professionals, this Manufacture Breitling Caliber B03 (protected by two patents) is distinguished by its innovative construction ensuring a maximum of precision, sturdiness and reliability.

Superocean Héritage II The new spirit of face as original Breitling has redesigned its Superocean Héritage line, dedicated to modern-day explorers. The result is a new face as original, pure and dynamic as ever, for this highly successful collection that is celebrating its 60th anniversary in 2017.

Nicolás Joyeros Passeig del Born, 18, Palma. Tel: 971 722 889 www.nicolasjoyeros.com

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STYLE ICONS

FIVE MEN WHOSE DRESS SENSE WE ADMIRE

MR. THOMAS MENNELL Nacido en Roma e hijo de un marchante de arte inglés y de una condesa italiana, Thomas Mennell ha tenido el privilegio de heredar el gusto por el detalle y la belleza en su sentido más amplio. Cuando en 2013 se licenció en bellas artes, inició su aventura en el mundo de la moda. Un mundo en el que es imprescindible saber identificar y apreciar la esencia de los tejidos. Su marca es una mezcla entre el clasicismo de la moda inglesa y la excelencia de la moda italiana. Sus prendas han sido producidas en talleres y curtidurías de toda la vida creando y asegurando así la manufactura de piezas imperecederas en el tiempo, dispuestas a ser lucidas por las generaciones venideras y caracterizadas por un estilismo y una calidad únicos. Born and raised in Rome from an English Fine Art dealer and an Italian countess, Thomas Mennell had the luck to inherit a keen eye for detail and beauty in all its forms. In 2013, after completing his degree in Fine Arts, he ventured into fashion where an eye for detail is a must. His brand is a fusion of the British Gentleman’s taste and the Italian excellence from long established mills and tanneries creating and ensuring the craftsmanship of timeless pieces for generations to come. In quality and in style.

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MR. ROBERT REDFORD Robert Redford puede vestir cualquier prenda que se proponga, sin embargo, es su característico estilo americano de influencia casual-cool western el que hace que Sundance Kid sea un icono de estilo. Tras adquirir, a finales de los 60, una estación de esquí al norte de Provo, en el estado de Utah, Redford forjó un imperio en torno al clásico pero elegante estilo vaquero. Y es que, el mítico actor sabe lucir desde una indumentaria típicamente mediterránea de los años 70, hasta el más fino de los esmóquines. Pero, es con sus vaqueros azules, su chaqueta americana, su camiseta de manga corta y sus gafas con montura de pasta oscura con lo que realmente se siente cómodo. While Robert Redford can pull off just about anything he puts on, it is his uniquely American and Western-inspired style of casual-cool that elevates the original Sundance Kid to style icon status. After buying an entire ski resort north of Provo, Utah, in the late ‘60s, Redford built a whole empire around cowboy chic. You’ll see Redford in garb ranging from ‘70s Mediterranean nautical wear to the finest of tuxedos, but the hallmarks of vintage Redford are blue jeans, a tweed blazer over a blue oxford shirt and plastic dark-rimmed glasses.

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fotos: photographer Ted Olsson.

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MR. OLOF NITHENIUS Olof Nithenius es un banquero sueco de 35 años con una inagotable pasión por el estilo y la moda masculina. Es un hombre que ha reflexionado largo y tendido sobre estos dos conceptos tan unidos y tan distantes a la vez, decantándose más por tratar asuntos de estilo que de moda, puesto que, a su parecer, la moda es algo pasajero, algo que cambia temporada tras temporada, mientras que el estilo es algo que perdura en el tiempo, es lo que define la personalidad de cada individuo. El estilo debe ser algo que te caracteriza, algo que no cambie con el paso de los años. Hace poco, diseñó una pequeña colección de accesorios que lleva su nombre por marca: OLOF1982. Olof Nithenius is a 35 year old banker from Sweden with a never-ending passion for style and menswear. Having spent a lot of time reflecting over style and fashion, he prefers to talk about style because fashion is something fast that changes every season, but style is something longer lasting. It’s an expression of someone’s personality. Style should reflect who you are. It shouldn’t change much over time. Recently he created a small capsule collection of accessories under his own name OLOF1982.

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MR. DENIS FRISON Conozcamos un poco más a Denis Frison: nació en un pueblecito cercando a Milán y trabajó en diferentes empresas del sector de la moda, incluida la conocida tienda de moda milanesa Erral 55. Gracias a estas experiencias ha ido desarrollando un estilo personal y cuenta hoy en día con su propia marca. Su primera experiencia con la elegancia la tuvo en la sombrerería de su abuela. Tenía 13 años y ya coleccionaba prendas de Ralph Lauren. Es más, fue el propio Ralph Lauren quien definió a Denis como un «coleccionista de sueños». Afirma enfrentarse a la vida con pasión y con el único objetivo de cumplir sus retos personales. Meet Denis Frison, born in a small village close to Milan in Italy. Having worked for several fashion companies, including the famous Erral 55, he developed his own innate style over the years, and even went on to create his own label. His first embrace of elegance was at his grandmother’s local millinery shop. He was 13 and already collecting Ralph Lauren garments, reflecting often upon the sentiments of Lauren who declared that Denis Frison was a “collector of dreams”. Deeply ambitious and driven by passion, his approach to life is a self-declared desire to fulfil his personal goals.

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MONSIEUR YVES SAINT LAURENT Es el diseñador más laureado e inf luyente de los últimos cincuenta años. A él se le atribuyen tanto el resurgir de la alta costura después de su decaída en los años 60, como el lanzamiento de la moda prêt-à-porter. Su idea de moda consiste en hacer que la mujer se sienta cómoda y elegante al mismo tiempo. La ya arraigada inf luencia y el personal y codiciado estilo de Don Saint Laurent perdurarán para siempre. The most celebrated and inf luential designer of the past fifty years, he can be credited with both spurring the couture’s rise from its 60s ashes and with making ready-to-wear reputable. He approached fashion from a different perspective, focusing on a woman’s need to feel comfortable and yet look elegant at the same time. The enduring inf luence of Monsieur Saint Laurent and his enviable personal style will live on forever.

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Disfruta de un consumo responsable 11º

#LoveEveryDay

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Gérald Genta El diseñador que detuvo el tiempo Los relojes de lujo no son un fenómeno novedoso. Desde siempre, llevar en la muñeca un Rolex, un Patek Philippe o un Omega ha sido un símbolo de estatus. Los amantes de los relojes se gastan importantes sumas de dinero con el fin de adquirir el modelo más exclusivo. A diferencia de los grandes diseñadores de moda que a menudo han sido comentados en críticas y tertulias, los fabricantes de relojes han pasado bastante desapercibidos así como el precio de sus piezas. Sin embargo, la historia nos ha dejado a un diseñador en la persona de Charles Gérald Genta (Suiza 1931 – 2011) cuyos relojes son tan complejos y tan icónicos que la palabra lujo no sería la más indicada para describirlos.

Luxury watches are not a new phenomenon. Having a Rolex, a Patek Philippe or an Omega around your wrist has long been a status symbol, and watch aficionados have always been willing to part with large sums in order to acquire the very best model. But while the big manufacturers have often been bandied about in conversation and in fashion lexicon, it is rare that a watch designer in person will attract much attention, nor large prices. But in Charles Gérald Genta (1931-2011, Switzerland), history gave us a designer whose works were so complicated and so iconic that luxury is not an adequate word to describe them.

Estas maquinarias del tiempo son auténticas obras maestras del diseño y maravillosas piezas de artesanía meticulosamente estudiadas. Algunas de ellas tan complejas que ha necesitado cinco años para crearlas. El precio que lleva su etiqueta, de seis o siete cifras, parece mucho menos extravagante si tenemos en cuenta el tiempo que se ha necesitado para su fabricación. No es de extrañar que Genta haya atraído la admiración de clientes mundialmente reconocidos como Walt Disney, el Príncipe Rainiero, el Rey Hassan II de Marruecos, el Rey Juan Carlos de España, la Reina Isabel y la Reina Madre de Inglaterra y un sinfín de estrellas de cine y de teatro.

These time-keepers are masterpieces of design and brilliant pieces of intricately studied workmanship. Some are so complicated that they would take five years to make. After such an amount of time, the six or even seven figure price tag suddenly felt less extravagant. No wonder then that across his career, Genta attracted the admiration and custom of some of the world’s most glittering personalities, from Walt Disney, Prince Rainier, Kind Hassan II of Morocco, Juan Carlos of Spain, Queen Elizabeth the Queen Mother of England and a panoply of stars of stage and screen.

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¿Y qué hace que estos relojes, descritos por Christie como el Fabergé de los relojes sean tan deseados en el mundo entero? En primer lugar, fue el icónico y a la vez novedoso diseño de Genta lo que ganó la admiración de la gente. Producto de un diseñador de gran fluidez y estilo quien encontraba su inspiración en lo que veía por el mundo. Por ejemplo, fue a Genta el primero al que se le ocurrió la reveladora idea de colocar un engaste rotatorio en la parte exterior de la esfera del reloj, una ocurrencia que le vino de los trajes de bucear que llevaban los soldadores submarinos y que enseguida formó parte del lenguaje de los relojes deportivos de lujo del mundo entero. Además, el diseñador se detenía en cada detalle. Sus diseños eran sorprendentemente complejos y cada elemento de movimiento, las agujas o las cajas las remataba el propio maestro. Uno de los elementos más complicados de todos probablemente fueran sus alarmas, una respetada y gran complicación que hizo que los relojes de Genta

fueran considerados obras de arte; uno de sus relojes de muñeca emite la melodía de las campanadas de la Abadía de Westminster o del Big Ben de Londres. La trayectoria de Genta fue larga y variada. No solo diseñó una línea epónima de alardeadas piezas del tiempo, sino que también colaboró con algunos de los mejores diseñadores de relojes del universo Ginebra como Patek Philippe, Audemars Piguet y Bvlgari. Pero su influencia se ha visto reflejada mucho más allá de los modelos que fabricó, sirviendo de inspiración en los elementos de prácticamente todos los diseñadores de relojes que han seguido a su obra. Genta entendía mejor que nadie en el mundo el estilo y la mecánica del tiempo. Incluso cuando el tiempo le alcanzó y murió a la edad de 80 años, dejó un legado de fabricación de relojes que perdurará en el tiempo sin importar lo implacables que puedan ser las manecillas de sus piezas.

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So what was it that made these watches, described by Christie’s as “the Fabergé of watches”, so desired throughout the world? First it was Genta’s iconic and at times novel design which won him the admiration of plenty. He was a designer of great fluidity and style, who took inspiration from around the world. It was Genta for example who first conceived the idea of revealing a rotating bezel on the outer egde of the watch-face, a feature which took inspiration from the deep-sea diving suits worn by undersea welders, and which immediately entered the language of luxury sports watches across the world. He was also a watchmaker who paid attention to every detail. His designs were stunningly complicated, and every element of movement, the dials, and the cases were completed by the man himself. And perhaps the most complicated element of all would be his sonneries (rings), a respected and difficult complication with Genta

mastered to an art – one of his wrist watches even ringed to the melody of the Westminster Bells of Big Ben in London. Genta’s career was long and varied. Not only did he conceive an eponymous line of celebrated time pieces, he also worked in collaboration with some of the watch-world’s best from Universal Genève, Patek Philippe, Audemars Piguet and Bvlgari. But his influence stretched far beyond the models he actually constructed, inspiring elements of practically every watch design which has followed in his wake. He was a man who understood both the style and mechanics of time better than any other person alive. But when eventually time caught up with him, and he died at the age of 80 years old, he left a legacy of watchmaking which will outlive time, no matter how relentlessly the hands of his watches dial onwards.

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soledad bravi y sus ilustraciones para el Hotel Cappuccino Soledad Bravi and her illustrations for the Hotel Cappuccino No. No puede ser una simple casualidad que Soledad Bravi iniciara su carrera de ilustradora profesional a raíz del nacimiento de su primera hija. Demasiada coincidencia. Dos acontecimientos vitales de semejante envergadura no pueden ser casuales, y aunque muchas veces no seamos capaces de identificar el patrón invisible que los atrae, el motivo está escrito en alguna parte. La causalidad –que no casualidadparece innegable: el hecho de alumbrar una vida como principio de una revolución creativa.

No, it cannot just be coincidence that Soledad Bravi started her professional career as an artist after having given birth to her first daughter. It’s just too much of a coincidence! These two magnificent events, so unique in a lifetime, cannot be random. Nonetheless, although we will never be able to identify the invisible attraction they are related to, the reason for every occurrence is written somewhere. Thus, one and another have very much to do with each other: giving birth to a new life being the beginning of a creative revolution.

Soledad entra en Cappuccino y se siente automáticamente transportada al bar de su calle en la capital francesa. Nuestro café le evoca sus tardes de trabajo rodeada de amables desconocidos que disfrutan de su velada. Piensa en las risas con sus amigas, en la vida que tiene lugar a su alrededor y que se encarga de capturar como material para sus obras. Así lo hace también a la hora de dibujar las ilustraciones para la campaña de publicidad del futuro Hotel Cappuccino. Pasea por los pasillos, se deleita con unos azulejos que capturan en su geometría y colores la historia de la ciudad, se asoma a la Plaza de Cort desde uno de los balcones y observa durante minutos el imponente olivo que la preside. Ese árbol le explica otra parte del pasado de Palma, la de la naturaleza que nos rodea y con la que convivimos en armonía. Le gusta ese equilibrio, también plasmado en unas palmeras que aún no han sido plantadas en el patio pero que ella es capaz de admirar con la única ayuda de su imaginación. Soledad puede ver el hotel acabado frente a ella, observar a clientes caminando hacia sus estancias, hablando sobre sus vidas, sobre los buenos ratos que están pasando en la isla. Momentos que pretende capturar con su lápiz negro, traduciendo en ágiles trazos la atmósfera que evoca cada espacio en su mente.

When Soledad came to Cappuccino, she felt immediately transported as though to a Parisian bistro. Our coffee reminds her of working evenings surrounded by perfect strangers enjoying their soiree. The laughter with her friends, the happenings around her from which she takes the essence she needs for her work. Such was the inspiration for the perfectly tailored illustrations which will form the centrepiece of the publicity campaign for the Hotel Cappuccino. She takes a walk through the long corridors, stops round every corner and marvels at the geometry of the tiles and the colourful history of the city. From one of the balconies she stares out at the magnificent ancient olive tree that gives life to the Plaza de Cort. The imposing tree tells her the other side of the history of Palma, our nature, the one we respect and live alongside in harmony. She loves this balance, including the palm trees that have not been given their final place in the patio, but which she can already admire by simply using her imagination. Soledad is capable of seeing the hotel finished, clients making their way up to their rooms, talking about their lives, about the lovely time they are spending on the island. Single moments she captures with her black pencil, translating in agile lines the atmosphere each space produces in her mind.

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Soledad trabajó como directora artística en publicidad hasta que la vida decidió darle un vuelco a su carrera profesional en 1993. Fue entonces cuando empezó con sus colaboraciones en la revista Elle, ilustrando artículos y dibujando una página de cómic propia que cada semana pone el punto y final a la publicación. De estilo minimalista, línea suelta y mirada sincera en sus obras, no concibe la creación como un proceso acotado a un solo medio. Esta artista francesa necesita el cambio para seguir adelante. Un cambio de público, un cambio de soporte, un cambio también en sus fuentes de inspiración. La vida es un constante cambio, y como sucede en la mayoría de los artistas dotados, son sus vivencias las que dan lugar a sus dibujos. Soledad necesita moverse por la ciudad, sacar ideas de la luz de los días soleados y también de los lluviosos. De las personas que se cruza en su camino y de las conversaciones que atrapa con descaro en los bares de su querida París en los que disfruta de un buen café. ¿Café? De nuevo, esto no puede ser casualidad.

Soledad worked as an art director in advertisement until in 1993 her life turned her professional career upside down. She then decided to collaborate with fashion magazine Elle illustrating articles and drawing her own comic which week after week put an end to the publication. Her work is based on minimalism, lose lines and has a sincere approach not conceiving creation as a process linked to only one meaning. According to the French artist, change is the principle to keep moving forward. No matter if it is politics, changes of format or changes in the sources of her inspiration. Life is always changing and as a true artist it is her daily experiences that give expression to her drawings. Soledad needs to move around crowded cities to take her ideas on lovely sunny days or even when it’s raining cats and dogs. The people she meets or the conversations she secretly listens to in the bistros of her well-loved Paris where she savours a cup of delicious coffee. Did I mention coffee? Again, this cannot be a coincidence.

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No pudo ser una simple casualidad que en la visita al estudio parisino de Jacques Grange descubriéramos el trabajo de Soledad y que ese mismo día, frente al hotel de la Rue de Seine, la artista se encontrara firmando cuadernos de notas. No pudo ser casualidad. O tal vez sí. En ese caso, bendita casualidad la de descubrir a Soledad Bravi.

Discovering the work of Soledad while visiting the Parisian studio of Jacques Grange cannot just be a coincidence. The fact that the artist was signing notebooks on that same day in front of the hotel on la Rue de Seine cannot just be a coincidence. It cannot be coincidence or maybe it can. If so, let’s bless the coincidence of having discovered Soledad Bravi.

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CAPPUCCINO MUSIC

Por in has llegado! I t’s inally arrived!

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Vol.

Pepe Link Selection

«El proceso es realmente minucioso», comenta el DJ. Primero, debe escuchar miles de temas cada mes hasta encontrar aquel que cree que encaja con la entidad de Cappuccino. Las canciones que han pasado la criba llegan a las exigentes manos y oídos de Picornell, que vuelve a someterlas a su escrutinio. Las supervivientes engrosan una lista en continua revisión de la que finalmente saldrán las escogidas para el siguiente recopilatorio. «A partir de allí viene el trabajo de conseguir las licencias. No siempre es fácil, aunque con los años y después de más de 100.000 discos vendidos, cada vez nos dan más facilidades». De allí que por los anteriores volúmenes hayan pasado artistas de la talla de Norah Jones, Henri Salvador, Carla Bruni, Nick Cave, Rufus Wainwright, The Cure, Chet Baker o Angus & Julia Stone. Pero más allá de aquellos nombres que más puedan llamar la atención, los discos de Cappuccino se han ganado la fama de ser un terreno fértil para los descubrimientos y las sorpresas, y además, en cierta manera, sirven para trazar el recorrido inverso hacia el alma misma de todo esto; gracias a unos CD que han basculado entre la elegancia de la chanson, la sensualidad de la bossa, la clase del jazz, la lujuria de la música disco y el deep house o el intimismo del folk. De alguna forma, este décimo volumen es un resumen de todo esto y de la promesa de lo que vendrá, un reflejo de cómo escoger de lo bueno lo mejor, y de lo mejor lo excepcional, y de lo excepcional aquello único, termina por dar sus resultados y es lo que acaba marcando la diferencia y dando sentido a todo. Es lo que explica esas 100.000 copias vendidas. Y las 100.00 que vendrán.

Algo así como que quien no cojea de una pierna lo hace de la otra. Y en el caso de los dos máximos responsables de la identidad musical de Cappuccino, la pierna de la que cojean es la misma: la obsesión por hacer del hilo musical algo más que un rumor de fondo y por convertirlo en parte integral de la identidad de todos nuestros establecimientos. Hablamos de Juan Picornell, fundador de Cappuccino, y Pepe Link, el hombre detrás de la música que suena en cada cafetería a todas horas, de día y de noche, y el artífice final de los recopilatorios Cappuccino Grand Café, cuyo décimo volumen aparece este verano.

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CAPPUCCINO MUSIC

Talking about a musical identity for Cappuccino is like talking about a person’s need of both legs to move forward. Over the years, our sound has turned into one of our biggest obsessions: we cannot afford to just play some background noise while clients savour their meals and drinks, spend their time with friends or simply relax at our cafés. Music is an essential element, a part of the true identity of each and every one of our Cafés. Then it should not be surprising that it is Juan Picornell (founder of Cappuccino), himself and Pepe Link, the man in charge of providing Cappuccino Grand Café with its own daily soundtrack, who work together to compile the best songs and make our CD’s see the light of day. This summer it will be volume number 10! “It’s a very detailed process” the DJ says. He must listen to thousands of songs each month to find the ones that really match the spirit of Cappuccino. Once the tracks have been chosen, he sends them to the exigent ears of Mr. Picornell who makes a selection of his own. The surviving numbers will then be part of a playlist that will be continuously listened to until there is no doubt that they must be included in Cappuccino’s next musical compilation. This is only the beginning though. “Tough work is about to commence, we need to obtain the

licenses. It has not always been easy, yet through the years and after having sold more than 100,000 CDs, authors have learned about us and are more than willing to provide us with the required authorisations”. This is how we have been able to include well-known artists like Norah Jones, Henri Salvador, Carla Bruni, Nick Cave, Rufus Wainwright, The Cure, Chet Baker and Angus & Julia Stone in our previous volumes. Although the famous names may have drawn our listener’s attention, the music of Cappuccino has always been considered a source of unexpected discoveries and amazing surprises, just as if it were tracing a pathway directly to the soul of all this; the result of the delightful balance between the elegance of the chanson, the sensuality of bossa, the status of jazz, the luxury of disco music and deep house or the intimacy of folk. Volume number 10 is about to be launched and it is somehow the summary of all these feelings, a promise of what is still to come. It is the pursuit of having chosen the best from the better, the exceptional from the best, and finally, the uniqueness from the exceptional. This is what leads us to achieve these results and this is what really makes the difference. 100,000 copies sold is a clear indication that we are doing something right, but we feel comfortable that another 100,000 will sell soon enough!

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MALLET-STEVENS Arquitecto. La construcción simpliicada i Pablo Picasso y Georges Braque fueron los maestros del movimiento pictórico cubista, Robert Mallet-Stevens (Francia, 1886 – 1945) fue, sin duda, el pionero de dicho movimiento en el campo de la arquitectura. Resulta difícil poder imaginar un edificio en términos cubistas, en los que la base del movimiento artístico era poder plasmar sobre un lienzo común una imagen tridimensional. Sin embargo, Mallet-Stevens, un arquitecto sin precedentes y uno de los grandes visionarios de la arquitectura de principios de los años 20, entendía el gusto por la estética y el poder pragmático de la construcción simplificada. La belleza de su obra reside en la yuxtaposición de la geometría de la misma forma en la que las representaciones lineales y cubistas remplazaron los carnosos desnudos por los que los artistas del siglo XX sentían una especial predilección. De hecho, basta tan solo una mirada a la esplendorosa Villa Cavrois que Mallet-Stevens diseñó en 1932 para hacerte sentir como si estuvieras contemplando un retrato cubista de Picasso. Las paredes color miel y los grandes y resplandecientes ventanales se asemejan a una mujer desnuda ligeramente tumbada, y los balcones a rayas simbolizando el contorno de sus largos cabellos cayendo sobre el hombro.

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f Pablo Picasso and Georges Braque were the masters of cubist expression on canvas, then Robert Mallet-Stevens (France, 1886-1945) was the movement’s architectural pioneer. It seems strange to think of a building in cubist terms, when the rationale behind the artistic movement was to enable a mode of expression which applied a three-dimensional way of seeing onto a two-dimensional canvas. But in Mallet-Stevens, one of the true visionaries of early 1920s architecture, you have a master architect who understood the aesthetic appeal and pragmatic power of the simplified building; of works whose beauty is founded in the juxtaposition of geometry, in the same way that linear and cubist representation replaced the rotund nude as a 20th Century artist’s ultimate muse. Indeed, one glance at the resplendent Villa Cavrois, conceived by Mallet-Stevens in 1932, is akin to gazing at a cubist portrait by Picasso, its honey-coloured walls and great blinking black windows taking the place of a reclining nude, her striped balconies echoing the contours of the model’s long meandering hair hanging over one shoulder.

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Mallet-Stevens’ true artistry is aptly reflected by the creators who were always close to him. Forming a natural confederation with some of the greatest minds of the time, his villa conceived for the Vicomte de Noailles at Hyères was used by surrealist photographer and filmmaker Man Ray as the set for his film Les Mystères du Château du Dé. The following year, Mallet-Stevens collaborated with artist Fernand Léger in creating Marcel Lherbier’s film L’Inhumaine, and with both Léger and Robert Delaunay, he worked on the design of the French Pavilion at the 1925 Paris fair, the Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes. His interaction with these great artists is perhaps at least part of the reason why Mallet-Stevens himself was such prolific creator, famed not just for his architecture but for his simple yet enduring interior design which he forged with a team of sculptors, master glazers and iron smiths, as well as his stunning window designs for fashion house Bally.

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La verdadera maestría de Mallet-Stevens queda claramente reflejada en los creadores que siempre trabajaron junto a él. No es de extrañar que se formara una confederación de grandes pensadores de la época. Su villa de Hyères fue diseñada para el Vizconde de Noailles y sirvió de escenario para el fotógrafo y director de cine surrealista Man Ray en su película Los Misterios del Castillo de Dados. Al año siguiente, Mallet-Stevens colaboró con el artista Fernand Léger en la realización de la película de Marcel L’herbier, El Inhumano, y junto con Léger y Robert Delauney, trabajó en la concepción del pabellón de Francia de la feria de París de 1925, La Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas. Probablemente sea su interacción con estos artistas la razón por la que Mallet-Stevens sea tan prolífico. No solo es famoso por su arquitectura sino también por la simpleza y la atemporalidad de su diseño de interiores. Un reconocimiento que se forjó con un equipo de escultores, de maestros vidrieros y de herreros; sin olvidar el espectacular diseño de los ventanales de la casa de moda Bally.

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No cabe duda de que Mallet-Stevens fue uno de los más refinados arquitectos franceses de la época de entreguerras. Sus amplios edificios residenciales son considerados como uno de los mejores ejemplos del modernismo francés en un contexto urbano. Sin embargo, y a pesar de haber realizado algunas de las construcciones más asombrosas, modernas, preciosas y elegantes de principios del siglo XX, incluyendo una serie de bloques de apartamentos de referencia del distrito 16 de París en una de las calles que llevan su nombre, el arquitecto y diseñador sigue sin tener el reconocimiento que se merece, especialmente si se le compara con algunos de sus contemporáneos franceses. Uno de los motivos puede ser su temprano fallecimiento en 1945, lo que le impidió, a diferencia de otros como Le Corbusier, poder desempeñar el mismo papel arquitectónico en la época de la posguerra, o su ferviente deseo de que sus archivos fueran quemados tras su muerte. Un hecho que también ha dificultado el estudio de su obra.

There can be no doubt that Mallet-Stevens was one of the finest French architects of the inter-war era, whose largely residential buildings are regarded as some of the best examples of French modernism in an urban context. Yet despite creating some of the most startlingly modern, beautifully elegant buildings of the 1900s, including a series of iconic apartment blocks in the 16th arrondissement of Paris in the road which now bears his name, the architect and designer remains relatively overlooked, especially when compared to some of his French peers. The reason is most probably his early death in 1945, which prevented him from playing the same part in post-war architecture as others, such as Le Corbusier, together with his wish that that his archive be burnt when he died, subsequently making sustained study of his work more difficult. Nonetheless, Mallet Stevens’ graceful buildings remain, and a recent exhibition of his work at the Centre Pompidou in Paris has renewed interest in his oeuvre. Thus, people are once again starting to appreciate this master of metal and concrete, of cube and of curve, whose heavy volumes are truncated by elegant lines and minimalist but perfectly aligned accompanying decoration. It is a subtlety which is quickly gaining strength as Robert Mallet-Stevens is once again recognised as one of the most pioneering architects of the 20th Century.

A pesar de todo, los preciosos edificios de Mallet-Stevens siguen en pie y una reciente exposición de su obra en el Centro Pompidou de París ha hecho que renazca el interés por el artista. El público vuelve a apreciar al maestro del metal y del hormigón, de los cubos y las curvas, cuyas pesadas moles han sido truncadas por elegantes y minimalistas líneas que a su vez están perfectamente compasadas con la decoración que las acompaña. Su sutileza está recobrando fuerza y es que Robert Mallet-Stevens vuelve a ser reconocido como uno de los arquitectos más pioneros del siglo XX.

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Tattoos

VANITY, DEFINITELY MY MOST FAVOURITE SIN El título lo dice todo. Los tatuajes, tanto en hombre como en mujeres, nunca han estado tan de moda como en las últimas décadas. Originarios de la Polinesia, llegaron a Europa a principios del siglo XIX siendo una marca distintiva de los marineros y únicamente destinada a los hombres. En el siglo XX, el uso de tatuajes se fue popularizando pudiendo hacérselos también las mujeres. En la actualidad, es la tinta perenne, aquella que no desaparece nunca ya cumplas 50, 60 u 80 años, la que está en auge. Sin embargo, antes de que tatuarse se convirtiera en una tenencia era imprescindible que ocurrieran dos cosas. En primer lugar, tenía que ser aceptado por la gran mayoría de la población, tenía que despertar el interés por adornar el cuerpo. En segundo lugar, tatuarse debía perder el estatus marginal que poseía y adquirir un toque de glamur.

The title says it all. Tattoos have never been more fashionable for both men and women as in the past decades. Brought to Europe from Polynesia in the early 19th century when it was mainly restricted to sailors, and not to forget a male-only domain. By the 20th century it became more widespread and even extended to female users. Today, serious ink, the kind that doesn’t go away, the kind that stays on even when you’ll be 50, 60 or 80 years old, is the ultimate fashion statement. Before tattooing became mainstream, two things had to happen. First, it had to become more acceptable for large segments of the population to become interested in body-adornment. Second, tattooing had to lose its marginal status and acquire a dose of glamour.

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El cuerpo debía soltar ese estigma que poseía para dar paso a ser considerado como un gran lienzo a “pintar”. Era imprescindible que se inculcara la idea de que la piel podría servir como algo para decorar o inscribir. Para que el concepto del tatuaje pudiera crecer y perder, su hasta entonces consideración de algo bohemio o hippie, debía convertirse en algo convencional y propio de la cultura de masas. De hecho, es la gente joven la que más uso hace de la cultura popular y, dado que le gusta diferenciarse de las generaciones pasadas, no debe sorprendernos que una vez que los tatuajes fueron considerados como algo glamuroso, fuera la gente joven la que primero adoptó esta moda y la que empezó a utilizar símbolos propios de otras comunidades. Hoy en día, a pesar de no haber nacido en la cultura del tatuaje, elegimos unirnos a los grupos de los tatuados. Aun así, tatuarse se ha convertido en un acto de consumo individual similar al de cualquier otro artículo decorativo o sesión de estilismo. No cabe duda de que hacerse un tatuaje es algo mucho más complejo que salir de compras y adquirir un nuevo accesorio o cambiarse el corte de pelo, pero a pesar de ello, y aunque los consumidores y las culturas más jóvenes distan mucho de las sociedades polinesias con las que se encontró el Capitán Cook, hacerse un tatuaje sigue siendo, en la actualidad, una decisión estética que implica un profundo ritual y matices existenciales. The body as the site of aesthetic presentation had to loose its stigma. It had to become permissible to use the skin as a surface for adornment and inscription. The growth in tattooing required that things which were considered bohemian or countercultural became mainstream or part of mass culture. Because young people are key consumers of popular culture, and because they like to differentiate themselves from older generations, it is no surprise that young people were the major adopters of tattoos and other symbols of outsider status, once they became glamorous. Today, we are not born into a tattooed culture; we choose to join the ranks of the tattooed. Tattooing has become an individual act of consumption akin to other styling or decorative choices. Of course, getting a tattoo possesses a seriousness that shopping for a new garment or changing one’s hairstyle do not. Thus, while our consumer and youth-driven cultures are a long way from the Polynesian societies that Captain Cook came across, getting a tattoo is still an aesthetic decision with strong ritual and existential overtones.

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Además, siempre seguirá habiendo aficionados al tatuaje a los que les gusta diferenciarse de las masas eligiendo diseños más rebuscados, cubriéndose más partes del cuerpo o los que le dan un valor estético añadido al tatuaje diciendo que se trata de “body art”. La decisión de hacerse un tatuaje es mucho más seria que cualquier otra que tomamos durante nuestra rutina diaria, ya que, a diferencia de broncearse o de utilizar productos cosméticos de cualquier índole, la tinta del tatuaje implica una marca definitiva en nuestro cuerpo. Puede que sea justamente eso lo que haga que el arte del tatuaje sea tan místico. Incluso en una cultura que se deja llevar por la moda, algunas elecciones tienen una longevidad y un significado de las que otras elecciones mundanas carecen.

There will always be tattooing aficionados who like to differentiate themselves from the mainstream by choosing patterns that are more obscure, having more of their body covered, or who indicate the aesthetic value they attach to tattooing by referring to it as “body art”. Tattooing is a more serious aesthetic decision than many others we routinely make because, unlike tanning or cosmetics, tattoo ink is inscribed upon our bodies. Perhaps that’s part of tattooing’s ongoing mystique. Even in a culture driven by fashion, some choices we make have a longevity and significance that other mundane choices do not.

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Secret Safari Mira, ahí están. Nuestro guía nos explica que cada día, justo antes del amanecer, ese sacerdote de aspecto frágil inicia su ascenso al viejo templo construido en una cueva entre las colinas del territorio de Jawai. Camina en paz por la escalera construida sobre la ladera, envuelto en un sencillo manto que le protege del frío de primera hora de la mañana. Nuestra mirada se dirige entonces hacia la mitad del camino que le queda por recorrer, y donde otra figura le observa imponente. Un leopardo adulto parece estar esperando al anciano. Lo vigila desde la altura, atento a cada paso del hombre. Sin embargo, y ante nuestra sorpresa, no sucede nada entre ellos. El leopardo se adentra entre las rocas junto a su familia. El hombre continúa adelante. Aún le queda la mitad del camino. No parece haberse sorprendido por la presencia del felino. Según nos cuentan, es un encuentro que sucede a menudo. Look, there they are. Every day, our guide explains, just before sunrise, this priest of fragile appearance begins his ascent of the old temple built in a cave between the hills of the region of Jawai. He peacefully climbs the hillside sculpted ladder, covered by an ordinary cape protecting him from the early morning’s dew. We then look up, another amazing creature is observing him from above while he calmly follows his path. An adult leopard waiting for the old man. He is watching over him, from the heights, analysing each single step he takes upwards. However, surprisingly nothing happens between them. The leopard goes back to his family hidden behind the rocks. The old man continues. He still has a half way to go. It seems the feline has not surprised him. We were told they meet quite often.

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This is what makes Jawai so unique: the perfect balance between the coexistence of the human being and savage nature. This is nothing like other destinations where conservation and sustainability are sadly substituted by masses of tourists and a complete absence of their real inhabitants - animals and natives. Fortunately, there are still places on Earth like this region where people can appreciate these extraordinary moments of communion like the ones experienced by our two heroes. And in this moment of rhetorical observation, we too were becoming a part of the ecosystem we were exploring, converted into part of its incredible landscape.

tional essence of India, opened its “doors” pursuing this same idea of integration. Its owners, Anjali and Jaisal Singh, knew for sure that the definition of five stars should not necessarily be linked to the usual abundance of other times. They had to renovate the concept, transforming a comfortable stay in a luxurious tent into something more encompassing, a complete and unique getaway. Thus, the rooms are distributed in tents camouflaged in the natural landscape of granite formations, caves, yellowish-flowered bushes and sandbanks. The owners have dedicated themselves completely to this project, taking care of the designs and little details exclusively using hand-manufactured local elements. The singularity of the pieces can only be achieved following this principle, providing a desired uniqueness to each room.

Glamping Sujan Jawai, a lodging created with the aim of offering a complete experience marvelling at the tradi-

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Este es el verdadero lujo de Jawai: su equilibrada convivencia entre el ser humano y la naturaleza salvaje. A diferencia de muchos otros destinos donde la experiencia de conservación y sostenibilidad se ve sustituida por la saturación de turistas y la ausencia de sus verdaderos protagonistas –los animales, los lugareños-, en esta región es aún posible disfrutar de momentos de comunión como el de nuestros dos protagonistas. Desafiar, por así decirlo, ese principio universal por el que el simple acto de observación afecta la condiciones de un entorno, convirtiéndonos, de esa forma, en parte del ecosistema que visitamos. Ser uno más. De ese espíritu de plena inmersión nació el Suján Jawai, un alojamiento creado para ofrecer una experiencia completa de la India más tradicional. Sus propietarios, Anjali y Jaisal Singh, tenían claro que la definición de un cinco estrellas no podía seguir asociada a la exuberancia propia de otras épocas y que debían renovarse si pretendían convertir la estancia en sus tiendas de lujo en un acontecimiento único. Así, las habitaciones se distribuyen en tiendas integradas en un entorno natural de formaciones de granito, cuevas, arbustos de flor amarilla y arenales. El mimo de esta pareja va desde el diseño de cada detalle hasta la decisión de emplear elementos exclusivamente fabricados por artesanos locales. Solo así era posible conseguir la singularidad propia de cada pieza que acaba expresándose en lo único de cada habitación.

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No todo el mundo ha visto pasear a cuatro leopardos por las colinas desde la piscina privada de su tienda. Entornos como el de Jawai aparecen para ofrecernos rutas secretas que visitar y donde disfrutar del verdadero lujo de una experiencia de este tipo. Atrás quedó la frívola opulencia de los maharajás. Ya es hora de formar parte de la experiencia.

Glancing at four leopards walking along from the private swimming pool of your tent is a privilege very few have. Accommodations like Jawai are conceived to offer secret safaris and places to visit and to relish the real luxury of an experience of this kind. The frivolous opulence of the maharajas must be left behind. It is time to be part of the adventure.

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Our favourite

Books Nuestros libros favoritos

El propósito de Cappuccino es el de proporcionar a nuestros clientes la mejor de las experiencias, nos esforzamos continuamente para compartir con vosotros nuestras fuentes de inspiración. Este verano llegarán al corazón de Cappuccino leyendo y admirando los libros que captan la esencia de nuestra guía inspiradora.

Cappuccino exists to be enjoyed by our customers, and in welcoming you to the heart of our concept, we continuously strive to share our inspirations with you. So this Summer, reach into the very soul of Cappuccino by reading and admiring books which capture the essence of our guiding inspiration.

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Frank Lloyd Wright: The Rooms: Interiors and Decorative Arts

The Givenchy Style Por: Françoise Mohrt Editorial: The Vendome Press

Por: Margo Stipe Fotografías: Alan Weintraub Editorial: Rizzoli International Publications

Precio: 875 euros

Precio: 65 euros

Great Houses, Modern Aristocrats

African Textiles: Colour and Creativity Across a Continent

Por: James Reginato Fotografías: Jonathon Becker Editorial: Rizzoli International Publications

Por: John Gillow Editorial: Thames & Hudson

Precio: 52 euros

Precio: 26 euros

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Diego Giacometti

El mundo mágico de // The magical world of

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uando hablamos de los Giacometti hay que recurrir al nombre para distinguir de qué genio se trata. Diego nació en Borgonovo, Suiza, en el seno de una familia de artistas. Su padre, Giovanni, era pintor. Su hermano Alberto, uno de los artistas más importantes de la primera mitad del siglo XX, se dedicó a la pintura y escultura. Y el menor Bruno volcó su creatividad en el campo del diseño y la arquitectura.

hen referring to the Giacomettis we should distinguish which genius we are talking about using his first name as well. Diego was born in Borgonovo, Switzerland, in the bosom of a family of artists. His father, Giovanni, was a painter; his brother Alberto, one of the most important artists of the first half of the twentieth century, was also a painter and a sculptor. Bruno, the youngest, dedicated his brilliant life to design and architecture.

Diego Giacometti, pese al ambiente cálido y de convivencia con el mundo del arte en el que creció, no desarrolló su vocación de una forma tan clara y temprana como sus hermanos y decidió realizar estudios mercantiles en Basilea y St. Gallen, donde se graduó en 1924. Sin demasiada convicción por su parte, se mudó a París en 1925 donde se instaló con su hermano Alberto, quien trató sin éxito de introducirlo en el estudio del pintor Bourdelle, donde él colaboraba y se formaba. Él prefería una vida más banal, vivir París.

Although Diego Giacometti was born surrounded by art and his brothers soon knew what they wanted to do for a living or dedicate their time to, he took longer to determine his sense of direction and decided to study business studies in Basel and St. Gallen. After graduating in 1924, he travelled to Paris where he moved in with his brother Alberto, who did his utmost to introduce him to the painting studio of Bourdelle with whom he was collaborating and training. The efforts were worthless, as Diego was more willing to have a banal existence and live the real Parisian life.

Su despertar artístico fue en 1929 cuando, por mediación del fotógrafo Man Ray, Diego accedió a colaborar con su hermano Alberto en la creación de varias piezas para completar los interiores del reputado diseñador Jean Michel Frank. Este mano a mano con Alberto despertó en Diego al artista que llevaba dentro y le abrió el camino a ese mundo de fantasía que él, mediante un amasijo de delicadeza y magia, elevó a la categoría de arte.

1929 was the year his creativity first awoke. Working at the behest of photographer Man Ray, and alongside his brother Alberto, Diego produced several pieces to complete the interiors of famous designer Jean Michel Frank. It was in this brotherly partnership that the artist in Diego finally shone, reaching out to the light and rising to the fore. A new world of fantasy arose for him and intuitively, using his characteristic delicacy and charm, he knew how to turn it into art.

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Junto con Alberto crearon para Frank lámparas, esculturas, jarrones… trabajaron el yeso y el bronce y, poco a poco, la inicial asistencia técnica de Diego se fue convirtiendo en una aportación más artística. El tándem Alberto y Diego, perfeccionó técnicas y diseños en el estudio compartido hasta la muerte del hermano mayor en 1966. Allí vieron la luz algunas de las grandes obras de arte que, por encargo de los mecenas del momento, han prestigiado las colecciones de las familias Maeght y Noailles, entre otras. With Alberto, he created lamps, sculptures, vases and many other decorative objects for Frank. They worked in plaster cast and bronze. At first, Diego was just a technical assistant to his brother, though it soon turned into an artistic contribution. Both brothers worked to improve their techniques and designs in the studio they shared until Alberto died in 1966. Several of Diego’s most important masterpieces, conceived in response to the commission of the moment, entered into the art collections of families such as Maeght and Noailles among others.

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En ese estudio, cada uno perfila su marca artística propia. Alberto en su mundo estilizado, casi transparente. Tras vivir un tiempo a la sombra del hermano, Diego asume protagonismo propio y rescata las musas artísticas que marcaron sus comienzos, a finales de los años 30, tras sus estudios de arte en la Maison Watteau de París. En los años posteriores realiza pequeñas esculturas en bronce de animales, profusamente detallados, sutiles y de una delicadeza tal que los hacen inconfundibles, casi como poesía. A partir de los años 60 imagina mobiliario y objetos de decoración, a los que a menudo incorporaba alguno de sus animales, transformándolos en piezas mágicas. Diego se convierte en un referente en París: colabora con grandes decoradores de la época, como Georges Geffroy y recibe encargos para la fundación Maeght en Saint Paul de Vence. Aunque probablemente sean las numerosas piezas que realizó para las casas de Hubert de Givenchy, al que le unía una estrecha relación de admiración mutua, su obra más conocida y publicada.

While Alberto and Diego spent their years in Paris working together, each brother developed his own style and artistic brand. Alberto developed a stylised form of transparency. Diego, instead, after his time in the shadows, had left aside the old artistic muses that had so much helped him during his junior years when he graduated from art school at La Maison Watteau of Paris in the late 30s. He became more specialist and let his creativity find its way, creating little bronze sculptures of animals. His art is all about detail, subtlety and delicacy; it’s unmistakable, it’s like poetry. In the 60s, he started working on furniture and pieces of decoration, often including some of his little animals providing them with their characteristic sense of magic. Diego became a point of reference in Paris: he collaborated with famous decorators like Georges Geffroy and received orders for the Maeght foundation in Saint Paul de Vence. The pieces he made for the houses of Hubert de Givenchy are probably his most famous works. Both creators felt a mutual admiration.

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La decoración del Museo Picasso en París fue unos de los últimos encargos de su vida. Y es allí donde dejó volar su imaginación. Todo tiene la marca genial del artista Diego: la colección de muebles, lámparas, barandillas labradas, apliques de bronce… todo ello elegante y funcional. Pero consigue sobre todo crear en el museo una atmósfera envolvente y mágica, el clima ideal para viajar y entender mejor el mundo de Picasso. Diego no pudo ver el Museo acabado. Falleció en 1985. Pero experimentó ese ambiente mágico del Museo Picasso que ahora viven a diario millares de personas.

One of his final works was the decoration of the Picasso Museum in Paris. It is here where he literally allowed his imagination to fly. The touch of his genius is everywhere: the furniture collection, the lamps, the engraved banisters and the bronze appliqués; everything without losing a bit of elegance nor functionality. It is the magical surrounding atmosphere he gave the museum that really captivates the visitor, a perfect climate to let the mind go and really understand the world of Picasso. Although Diego never saw the Museum finished before he died in 1985, he did experience the wonderful environment he helped to create and which millions of people enjoy each day.

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2016 SELECCIÓN DE MACIÀ BATLE Santa María del Camí · Mallorca

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FERRARI 275 GTS Con su mirada limpia tras sus faros abiertos el Ferrari 275 GTS desafía sutilmente a la conducción. Vigoroso y elegante, su sonido es maravilloso. La experiencia se intensifica cuando sientes el contacto directo con el aire, evoca una sensación de libertad indescriptible, al alcance de unos pocos. Solo 200 modelos se elaboraron de esta obra de arte del asfalto, una de las preferidas del actor Steve McQueen. Ahora es el más deseado entre los amantes de los coches clásicos. 150 150

With its sharp gaze peering from behind its open headlamps the Ferrari 275 GTS subtly dares the driver. Vigorous and elegant, its sound is simply marvellous. The experience intensifies when you feel in contact with the air, it evokes an indescribable sensation of freedom, unreachable for so many. Just 200 models of this masterpiece of asphalt were made, one of the Steve McQueen’s favourite cars. Today it is one of the most desirable models among classic-car lovers.

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te recomendamos tres tintos

QUÉ BONITO CACAREABA 2015

Es de esos vinos que nos hacen ser reflexivos después de habernos emocionado, que descoloca el espíritu por el orden tan maravilloso de todos sus componentes. Garnacha, Viura y Malvasía fermentadas y envejecidas en madera nueva francesa que nos transportan a La Rioja portentosa, frutal, floral, horneada, especiada y un poco ahumada. Fresco, goloso y sedoso. Elegante. An outstanding wine that has the capacity to turn our spirit upside down simply because of the amazing and surprising order of its components. The magnificent flavour of Garnacha, Viura and Malvasia carefully selected, fermented and aged in new French barrels takes us directly to La Rioja. A delicious fruity, flowery, baked, spicy and slightly smoky taste. It’s fresh, sweet and smooth. And above all things simply elegant.

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SON MAYOL Grand Vin 2014

El futuro en este mundo globalizado está en la elaboración, protección y recuperación de las variedades autóctonas. Este vino nos conmueve, nos enamora y es técnicamente impecable. Patrick León demuestra tal conocimiento de estas variedades que nos hace sentir todas las virtudes de un gran vino, y un gran vino, a veces, nos hace sentir ciudadanos del mundo. In the globalised world we live in, the future is heavily reliant upon, the protection and the recovery of native varieties. And this wine has it all. It’s surprising, complex and it’s technically perfect. Patrick Leon has demonstrated such a wide knowledge of grape varieties that with this offering, he tempts us to savour all of the magnificent virtues of those grapes in a single bottle. It makes us feel like proud guardians of the world.

LA BICICLETA VOLADORA 2015

Un vino pensado y elaborado para ser fresco, simpático, divertido y amable pero sin caer en la simpleza. Pura fruta, frescura y amabilidad. Un vino pensado para disfrutar sin complejos, fresco, goloso y ligero que te invita a seguir bebiendo. A special wine production, fresh, approachable and ultimately charming, the type of wine that has to be savoured without a trace of uncertainty, and whose complex and sweet exuberance invites you to continue drinking. All you can do is take another sip.

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Pepe Link Music director / Grupo Cappuccino

Detrás de un buen café restaurante siempre hay un espíritu. Y detrás de Cappuccino está la ambición de crear nuestra propia historia. Déjate seducir por la mezcla. Behind a good café restaurant there is always a spirit. And behind Cappuccino there is the desire to create our own history. Let yourself be seduced by the mix. Download our Cappuccino Radio Station 156

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“La creatividad es inteligencia divirtiéndose” Albert Einstein

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It is one of the greatest wonders of the natural world: the sacred union which guides one of a thousand tiny meandering sperm towards the life-giving planet, the ultimate giver of life: the ovum, the egg of humanity, the partnering that brings us humans into being. And now this spiritual dance of life’s inception is celebrated for all its mysterious beauty, as a truly astonishing work of art, Fecundació.

Fecundació

E

s una de las grandes maravillas de la naturaleza: la sagrada unión que hace que millones de diminutos espermatozoides encuentren el camino que les llevará al planeta que nos da la vida, al proveedor de nuestra existencia: el óvulo, el huevo de la humanidad, el nexo que nos convierte en seres humanos. Y reproduciendo esta enigmática perfección nace una asombrosa obra de arte: Fecundació. Un elogio a la vida, una danza espiritual de la concepción. El nuevo trabajo escultórico del artista mallorquín Antoni Esteva adorna el vestíbulo del Ibiza Gran Hotel 5*

Adorning the lobby of the Ibiza Gran Hotel 5* GL, this new sculptural installation by Mallorquín artist, Antoni Esteva brings the moment of a human’s creation to life. In the work, amplified, enigmatically fluid forms representing the journey of man’s sperm to a woman’s ova hang, suspended, from the hotel’s luminous

Gran Lujo y simboliza el momento de la creación de la vida humana. La majestuosa obra, dotada de armoniosas y enigmáticas formas, reproduce el recorrido de los espermatozoides del hombre hasta el ovario de la mujer, formando una espectacular cascada que comienza en lo alto de la luminosa quinta planta y finaliza en el lobby, cautivando aquí a los huéspedes que hacen su entrada con esta furtiva aunque seductora interacción. Sus perfiles, robustos y frágiles al mismo tiempo, enfatizan el desconcertante e inexplicable movimiento de una intuitiva relación, que vista en su conjunto, nos transporta hasta el mismísimo in-

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5th floor, cascading down the entire height of its stairwell before confronting guests at ground level, astonishing them with their furtive but enticing interplay. Their profiles, rugged and textured, emphasise the staggered and inexplicable movement of this intuitive interaction, and seen together, it is as though we have been transported into a kind of poetic imaginary uterus, where the world of the biologist’s microscope is suddenly magnified and brought to life before our very eyes. With Fecundació, Esteva strips away the taboos which so often attach to sexual motifs, celebrating instead, with unapologetic ardor, the majestic moment upon which the richly fertile sexual organs trigger the fusion of life’s primary agents.

terior de un poético e imaginario útero. Un privilegiado mundo solo visible para el ojo del biólogo a través de su microscopio que de pronto se magnifica adquiriendo vida propia para que todos podamos contemplarlo. La obra, Fecundació, expresa el anhelo de Esteva de despojarnos de los tabúes que siguen existiendo en torno a las representaciones de índole sexual. Una pasional exhibición, exenta de remordimientos, sobre el mágico momento en el que las jóvenes y fértiles células sexuales alcanzan su objetivo, fusionándose y convirtiéndose en los primeros protagonistas de una nueva vida.

G R U P O C A P P U C C I N O E S TA B L I S H M E N T S

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