La trayectoria de los teatros de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía es la historia de un compromiso firme que esta nueva temporada se manifiesta en todas las propuestas —espectáculos, debates, exposiciones, talleres y otras actividades— que os presentamos a lo largo de sus nueve meses de duración. Un compromiso con las artes escénicas, que sigue siendo un sector imprescindible en la definición de la identidad cultural de nuestra comunidad, que va a hacer posible que el teatro, la danza, el circo, la música y el flamenco lleguen a los ciudadanos, atrayendo a nuevos públicos y sorprendiendo a los ya iniciados. Porque la cultura en general y las artes escénicas en particular son un eje prioritario para la construcción de ciudadanía, ya que nos permiten razonar y comprender el mundo en el que vivimos, conociendo mejor al ser humano y haciéndonos más libres. Y todo ello tiene lugar, además, en compañía, viviendo y conviviendo la cultura, algo que es esencial porque además de disfrutar el momento y la experiencia, lo compartimos. Así pues, una vez más, desde octubre 2016 hasta junio 2017, nuestros espacios escénicos se convertirán en lugares para la libre expresión de ideas, para la libertad de creación, para el diálogo entre artistas de distintas procedencias y disciplinas y a la vez en centros en los que nuestros ciudadanos compartan el placer del debate enriquecedor que siempre nos aporta el espectáculo vivo. El Teatro Cánovas de Málaga, el Alhambra de Granada y el Central de Sevilla, cada uno desde su especialización, ofrecen en total ciento sesenta y cuatro espectáculos de la programación ordinaria, a los que se irán sumando los ciclos y programas especiales. Como Consejera de Cultura me es grato dar la bienvenida a todas las compañías, artistas, técnicos, gestores y otros profesionales que los hacen posibles, en el convencimiento de que encontraran las mejores condiciones para el desarrollo de su labor. Asimismo, espero vivamente que nuestra programación se convierta para todas y todos, nuestro público, para las niñas, niños y jóvenes, para las mujeres y hombres de Andalucía, en una propuesta atractiva y que podamos así encontrarnos un año más en nuestros teatros. Rosa Aguilar Rivero Consejera de Cultura Junta de Andalucía

Si no se hace, hagámoslo. Si no se habla a la cámara, hagámoslo; si no se corta en seco la banda musical, hagámoslo; si no se desconcierta al espectador hagámoslo; si no se bromea con el arte o con la muerte, hagámoslo.

Jean-Luc Godard El mundo está muy interconectado. La tecnología ha unido el mundo. El diálogo entre artistas ya no es solo local, sino global. Desde mi punto de vista, ya no es posible pensar en fronteras geográficas en el arte. Tampoco hay fronteras respecto a las maneras de trabajar. Los artistas ya no se definen como pintores, cineastas o artistas de performance. ¿Cómo trazar un camino por los territorios sin fronteras de las disciplinas y la geografía?

Frances Morris. Directora de la Tate Gallery. Londres

La oferta artística, este catálogo, es el sello y la patria de un teatro, un lugar con fronteras definidas que debe emitir un mensaje claro. Del mismo modo que cualquier producción artística —de una u otra forma— es producto del momento social que la segrega, la temporada 2016/17 —igual que todas las que le preceden— ha ido tomando forma a partir del convencimiento de que nuestra labor irrenunciable como teatro público de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, es la de animar al público a comprender y disfrutar el arte de su tiempo. Un arte comprometido con la realidad en la se inscribe y de la que da noticia con los medios que le son propios. Los artistas son particularmente sensibles a esos movimientos de la historia que sacuden las certidumbres y las identidades, y su papel es el de compartir —sensiblemente— sus interrogantes, sus dudas, sus visiones y sus emociones ante lo que ocurre en “su presente”. Conscientes de que ningún país, ningún creador/a de ninguna generación tienen la exclusividad de lo que acabamos de afirmar, la programación que presentamos en estas páginas es representativa de que el Alhambra sigue siendo un espacio abierto al mundo y al cruce de generaciones, ya que es un compromiso institucional traer lo desconocido al frente y presentarlo de forma coherente y lo más brillante posible.

Nuevas incorporaciones junto a ‘Amigos del Alhambra’

El reconocimiento del talento, a veces se hace esperar, pero cuando lo hay se abre paso irremediablemente imponiéndose a ideas preconcebidas y opiniones predeterminadas. Es así como nuevos creadores y creadoras se suman a lo que nos gusta denominar “escudería Alhambra”: por derecho propio, imponiéndose a nuestra mirada y derribando la subjetividad. 2

Porque no ha sido la impaciencia del buscador de novedades a toda costa la que nos ha llevado a programarlos. La búsqueda indiscriminada de la modernidad y nuevos nombres no suele ser la mejor directriz para elaborar una programación coherente y contemporánea. Por una parte olvida que conocer una determinada corriente o el trabajo de un artista requiere de años de aprendizaje, años de acompañamiento en su personal viaje. Por otra, como decíamos antes, deja de lado el diálogo enriquecedor entre generaciones. No es más que la consecuencia del reinado de la obsolescencia que impone la dictadura de mercado, una dictadura que genera nuevos y superfluos productos minuto tras minuto. Para nosotros la trascendencia de un espectáculo no se mide por el número de espectadores que asisten al mismo, sino por los kilos de conversación que genera antes, durante y después de verlo. Artistas y compañías como Pere Faura, Roberto Oliván, Teatro El Zurdo o El Vodevil son buena prueba de lo que afirmamos.

Fieles a las trayectorias

Fieles a nuestra hoja de ruta, tampoco hemos olvidado incluir en nuestro programa a artistas emblemáticos en la trayectoria del Alhambra. Caminar de la mano de los empecinados en exigirse y exigirnos una ‘mirada otra’ sobre el hecho escénico es vital. Es por lo que nos felicitamos de volver a contar esta temporada con Andrés Lima, Alfredo Sanzol, Ricardo Iniesta, Yayo Cáceres, Emilio Goyanes o Martin Zimmermann, entre otros. En definitiva, la selección de espectáculos que se incluyen en esta revista-catálogo, el trabajo realizado para hacerla posible siempre ha estado presidido por la siguiente máxima: HACER CERCANO AQUELLO QUE SE DESCONOCE ES EL OBJETIVO DE LA ACCIÓN CULTURAL. HACER EXTRAÑO LO QUE SE CREE CONOCER ES EL OBJETIVO DEL ACTO ARTÍSTICO. LA FRONTERA QUE SEPARA LOS DOS UNIVERSOS ES EL LUGAR EN EL QUE SE PRODUCEN LOS ENCUENTROS MÁS RICOS Y ENTUSIASTAS. ¡Bienvenidos!

Agencia Andaluza de Instituciones Culturales Manuel Llanes Director Artístico de Espacios Escénicos Consejería de Cultura. Junta de Andalucía Agosto 2016 3

MÚSICA CONCIERTO INAUGURACIÓN DE TEMPORADA

OCTUBRE

14

21 : 00 h

Fuera de Abono.

O Sister! Con HELENA AMADO, soprano; MARCOS PADILLA, tenor; PAULA PADILLA, alto; MATÍAS COMINO, guitarra; PABLO CABRA, batería y CAMILO BOSSO, contrabajo.

Su principal referencia artística son las míticas The Boswell Sisters (1905-1958), trío de mujeres pioneras en el jazz vocal, que quizás no han alcanzado la popularidad que merecían, aun siendo imitadas por muchos grupos vocales posteriores y admiradas por artistas de la talla de Ella Fitzgerald. La contemporaneidad y la sorprendente -pese al transcurso de los años- manera de entender la armonía, el ritmo y los recursos vocales de las hermanas Boswell, impulsó en el año 2007 a la cantante Paula Padilla a crear este proyecto. Desde entonces, el trabajo de la agrupación se centra fundamentalmente en la búsqueda y la experimentación en torno a un repertorio muy poco conocido y de gran 4

interés tanto por su contenido melódico como por sus letras. Además de zambullirse en este lenguaje del jazz más primigenio, la banda crea sus propias armonizaciones y arreglos de temas clásicos, estándares, de los cuales no se encuentran versiones a tres voces. O Sister! ha actualizado un estilo acercándolo al público en general, y no exclusivamente al oyente habitual de jazz,

recuperando así una forma de entender la música abierta, espontánea, divertida y directa, muy necesaria dentro de la realidad actual. Una realidad cuya situación social bien podría recordar a la vivida durante la famosa Gran Depresión. O Sister! abrirán nuestra temporada 16/17. La cercanía del público al escenario y la extraordinaria acústica del Teatro Alhambra auguran

un concierto cien por cien homologable, en su atmósfera, a los que se realizaban, allá por los años 30 del siglo pasado, en teatros, clubs, garitos o incluso a pie de calle.

© Fede Serra

Hecho en Andalucía, O Sister! es un homenaje a la música popular norteamericana de los años 20 y 30, las décadas doradas del dixie y del swing.

© Agencia All Is Amazing

Tres discos grabados con absoluta fidelidad a los cánones que impusieron las primeras grabaciones de jazz: con todos los músicos cantando y tocando a la vez y decenas de exitosos conciertos han situado a la banda andaluza en un lugar de privilegio.

TEATRO

OCTUBRE

22

21 : 00 h

23

19 : 00 h

Clôture de l’amour (Clausura del amor) Texto y dirección: PASCAL RAMBERT. Con BÁRBARA LENNIE e ISRAEL ELEJALDE.

Pascal Rambert dirige a dos intérpretes magistrales en una auténtica sinfonía del desamor. Un brillante espectáculo del que nadie sale indemne. En 2016 este espectáculo solo podrá verse en París, el Teatro Arriaga de Bilbao y Granada.

© Fede Serra

La ya larga, intensa y admirada historia de este texto dramático comienza en el Festival d’Avignon 2011. Todo el que el mes de julio de aquel año asistió a las representaciones de Clôture de l’amour quedó marcado por el vómito que salió de las bocas, las manos, el torso… el cuerpo, en definitiva, de dos mayúsculos actores que arrojaron uno contra otro, y de la forma más impúdica posible, los reproches más íntimos de una separación, de una ruptura sin posibilidad alguna de marcha atrás. Afortunadamente en esta ocasión nuestro país no ha quedado en los márgenes de la historia del espectáculo vivo internacional. El texto viajaba, se había dotado de vida propia y no buscaba más que dos actores, dos auténticos atletas de la interpretación. Los encontró en dos orfebres, en dos auténticos “amateurs” (participio del verbo amar: el que ama) de la cultura escénica. Quería verte para decirte que esto se acaba / que no va a seguir / no vamos a seguir / se va a acabar aquí / no

podemos seguir constantemente... ¿entiendes? Así, sin anestesia, comienza esta partitura de palabras, estos dos monólogos alternativos sobre el hombre y la mujer arrojados uno contra otro. El hombre abre fuego, enfatizando la decisión que ha tomado. Va a irse. Le siguen una cascada de reproches, de autojustificaciones más vehementes que vergonzantes. Incluso podemos atisbar un cierto porcentaje de mala fe en esa auténtica lluvia de palabras escupidas a toda velocidad contra o sobre ella; una mujer que no puede soportar más esa verborrea de pie, inmóvil. A medida que habla “el enemigo” intensifica el ataque. Ella se desespera y se muerde los labios, por así decir, para no estallar a su vez en invectivas. Un grupo de niños irrumpen, cantan una canción de amor y se van. Es la hora de la mujer. Ella ocupa el lugar del hombre —un hombre que se convierte en estatua— y replica punto por punto a todos los crueles argumentos que la han vapuleado y lo hace sin que le repugne mostrar sus heridas, sin pulir sus llagas, sin reprimir una lágrima…

Un duelo, un combate de boxeo sangrante llevado a cabo por dos púgiles excepcionales, un texto de una fuerza inusual y una dirección magistral.

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TITZINA TEATRO GÉNERO PRODUCTOR TEATRO

OCTUBRE

28

17 29 31

11 : 00MES h* 21 : 00 h

21 20 ::00 00 hh

* Funciones didácticas para centros docentes

Distancia siete minutos

Dramaturgia y dirección: DIEGO LORCA y PAKO MERINO. Con DIEGO LORCA y PAKO MERINO.

Una emocionante lección de interpretación y escritura dramática. Un espectáculo directo al corazón. Tras encontrarse en 1999 en la Escuela Internacional de Teatro Jacques Lecoq (París) en 2001 Diego Lorca y Pako Merino comienzan a trabajar juntos y nace Titzina Teatro. Durante los doce años siguientes, producen tres espectáculos con éxito de crítica y público, Folie a deux/ Sueños de psiquiátrico (2002), Entrañas (2005) y Exitus (2009). A lo largo de todo este tiempo, Titzina se ha consolidado como una compañía de teatro de creación con un marcado estilo propio, dando lugar a lo que algunos han venido a denominar “Sello Titzina”.

Distancia siete minutos, su nueva entrega, se ha convertido en un fenómeno. Se estrenó en agosto de 2013; en enero de 2014 recaló en la Abadía y cerró esa temporada con más de cien funciones en España, Argentina y Costa Rica. A fecha de hoy, según su dossier, llevan más de treinta mil espectadores, y tienen bolos hasta principios de 2017. No es mala “marca” para una apuesta arriesgada, porque aunque Distancia… empieza en clave de humor, poco a poco va instalándose en el drama. Pero ¿de qué y con qué medios nos habla este espectáculo?

Mediante secuencias cuasi cinematográficas, con fino sentido del humor y una interpretación precisa, expresiva y contenida, el espectáculo expone el enigma de la incomunicación palmaria entre Félix y sus padres (simbolizada por las termitas que socavaron en silencio las vigas de su casa mientras él se consagraba a un trabajo absorbente) con una poesía delicada y una fértil economía de medios cuyos detalles vuelven a recordarnos, en formato de bolsillo, el trabajo impecable de compañías como Complicité o la de Robert Lepage. No se pierdan Distancia siete minutos. La función está formidablemente escrita e interpretada con verdad constante, en un castellano vivo, sobrio y bien dicho. Marcos Ordóñez. El País

© Fernando Moleres

Hoy, mientras la crisis sigue arreciando y los bolos escasean, Titzina Teatro no para de trabajar. Y además con funciones cuyos asuntos podrían espantar a programadores y público: la

locura; la guerra; la muerte… Pero giran y llenan teatros por dos razones muy sencillas: son muy buenos, y quien les ha visto repite.

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DANZA PERE FAURA

NOVIEMBRE

2 3

21 : 00 h

Sin baile no hay paraíso

Dirección y performance: PERE FAURA. Textos: PERE FAURA y ANNE TERESA DE KEERSMAEKER. Espectáculo dentro del Circuito Danza a Escena. Red Española de Teatros de Titularidad Pública.

Un ejercicio de autocrítica sobre el mundo de la danza y sus referentes.

© Federic Montornès

Este espectáculo es un collage coreográfico de cuatro solos emblemáticos impreso en un único cuerpo que interpreta parte de la memoria colectiva de la danza: La muerte del cisne de Maia Plissétskaia; Singing in the rain, el solo de Gene Kelly; You should be dancing, de Saturday Night Fever, bailado por John Travolta y Fase, de Anne Teresa De Keersmaeker y Michèle Anne De Mey, de la compañía Rosas. La presentación y la repetición de estas piezas icónicas se complementa con algunas escenas textuales en las que el intérprete, por medio del playback, parece que hable con el público en diferentes situaciones. Estos textos están extraídos en parte de audios de vídeos de YouTube en los que bailarines amateurs hablan de su manera de vivir y entender la danza. Además el intérprete explica en un monólogo personal sus sueños, sus problemas y su visión sobre la danza desde el momento en que se ha convertido en profesional.

Pere Faura (1980) empezó su trayectoria artística en el ámbito de la música, estudiando flauta travesera y canto. Más adelante cursó estudios de teatro en el Institut del Teatre de Barcelona y también ballet y danza contemporánea. En 2002 se matricula en la School for New Dance Development de Ámsterdam, donde se gradua en 2006 con la pieza This is a picture of a person I don’t know, que ganó el premio del ITS Festival y fue seleccionada para la gira Dansclick Holland Tour. En Holanda se representó 27 veces. En 2007 fue designado coreógrafo residente del teatro Frascati de Ámsterdam, donde creó el resto de sus obras, fascinado por el uso de la cultura pop y la memoria colectiva como herramientas coreográficas para enriquecer y facilitar una experiencia teatral colectiva. En 2011 volvió a Barcelona, donde continúa trabajando.

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DANZA OMAR MEZA/DA.TE DANZA

Pies de bailarín

NOVIEMBRE

6

12 : 00 h

4

21 : 00 h

5

18 : 00 h

7

11 : 00 h*

8

11 : 00 h*

* Funciones didácticas para centros docentes

Interpretación y coreografía: OMAR MEZA. Dirección: VALERIA FABRETTI (TESTONI RAGAZZI) y YUTAKA TAKEI. Colaboración: PACO PASCUAL (CHUSQUIN) y ROSA DÍAZ (LA ROUS). Dramaturgia y textos: JUAN MATA y GRACIA MORALES. Coreografía. YUTAKA TAKEI. Colaboración: ALFONSO ORDÓÑEZ.

Omar Meza se despide de los escenarios homenajeando a la danza. Pies de bailarín es un hermoso espectáculo para público familiar en el que, antes de representar su última función, rememora la difícil infancia del niño que soñó con ser bailarín.

La propuesta se plantea como un homenaje a la danza, un mundo que, declara el bailarín y coreógrafo, te exige mucho pero te devuelve mucho más. En sus palabras: es un ejercicio de gratitud por lo bien que me ha tratado, por todas las cosas bellas que me ha dado; por haberme enseñado a crecer, a quererme, a respetarme; por ser el motor que me ha levantado cada día y me ha dado un proyecto de vida. El arte, dice, te ofrece la posibilidad de reconciliarte contigo mismo, de transformar tus emociones y construir a partir de ellas para poder compartirlas con el público. Parafraseando a Nietzche: el arte hace al ser humano más humano. 8

Es una manera de agradecerle a mi cuerpo lo generoso que ha sido conmigo todos estos años, el regalo que le hago a mi yo bailarín antes de despedirme. La trayectoria artística de Omar Meza, que transcurre por diferentes países, le llevó a trabajar en 1993 con la compañía alemana Neuer Tanz de Düsseldorf (Alemania). En 1995 fundó la compañía Hojarasca en Burgos, contribuyendo al desarrollo de la danza contemporánea en la Comunidad de Castilla y León. Durante años simultaneó sus múltiples trabajos coreográficos con cursos, talleres y conferencias para instituciones públicas y privadas, festivales y compañías de teatro y danza, tanto en el ámbito del público adulto como infantil. En 1999 fundó en Granada la compañía Da.Te Danza con la que ha estrenado un total de 18 producciones. Para Pies de bailarín, su último espectáculo sobre un escenario, ha contado con un plantel de colaboradores

de lujo: Ana Gallego y Ángel Sánchez (Teloncillo Teatro), Valeria Fabretti (Testoni Ragazzi) y Rosa Díaz (La Rous) en la dirección; Juan Mata y Gracia Morales en la dramaturgia;

Yutaka Takey y la colaboración de Alfonso Ordóñez en la coreografía; Jesús Fernández en la música. Miguel Ángel Butler en la escenografía; Laura León en el vestuario y Ernesto Monza en la iluminación. Pies de bailarín es una bellísima forma de poner en escena la lucha que a todos nos corresponde librar por hacer realidad nuestros sueños, nuestras ilusiones, alcanzando así la versión más auténtica y más honda de lo que podemos llegar a ser.

© Juan Antonio Cárdenas

El espectáculo comienza entre bastidores. Es la última actuación. Su madre, que está entre el público, le regala sus primeras zapatillas para bailar… A partir de ese recuerdo rememora toda su infancia y las dificultades del Omar Meza que desde niño quiso ser bailarín, deseo que su padre le negaba por ser cosa de chicas.

DANZA ROBERTO OLIVAN/ENCLAVE ARTS DEL MOVIMENT

NOVIEMBRE

12

21 : 00 h

Lonely Together

Dirección, creación e interpretación: ROBERTO OLIVAN y GREGORY MAQOMA. Espectáculo para 2 bailarines. Espectáculo dentro del Circuito Danza a Escena. Red Española de Teatros de Titularidad Pública.

Una confluencia del Sur con el Sur: Sur de Europa y Sur de África. Tradiciones y culturas hiladas con una misma brizna que dan como resultado un espectáculo de danza memorable.

Gregory Maqoma (Sudáfrica) y Roberto Olivan (España) se conocieron a finales de los noventa mientras estudiaban en Bruselas en la escuela de la gran Anne Teresa De Keersmaeker. Formarse con una de las mayores figuras de la danza contemporánea belga y mundial tenía que tener un resultado, cuanto menos, sensacional. Porque es precisamente de sensaciones de lo que se nutre este espectáculo que versa sobre lo

común entre dos iguales que, aún separados por kilómetros, comparten las raíces que supone pisar la misma tierra. Tierra del sur, del sol, del mundo. Sobre el escenario, la iluminación toma un protagonismo esencial en un espacio escénico solo, vestido por dos cuerpos palpitantes y una inmensa estructura formada por las mesas de mezcla del músico belga Laurent Delforge.

Es la música de este gran autor la encargada de poner en funcionamiento el engranaje de sonidos que acompañan los movimientos electrizantes de los dos bailarines. Movimientos de gran precisión y con un eminente control de los cuerpos que confluyen en una sincronización perfecta. Lonely Together es una conversación a través de la expresión corporal, en la que la palabra se construye con cada movimiento en un engranaje perfecto formado por piezas de una danza física, emocional, arraigada, popular y contemporánea.

© Jesús Robisco

Un trabajo intuitivo acaso —solo en apariencia— improvisado, que se basa en la empatía de dos seres que sin ser iguales entienden el significado del lenguaje universal, ese que solo se expresa con el cuerpo a través del alma.

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TEATRO TEATRO EL ZURDO

NOVIEMBRE

18 19

21 : 00 h

El minuto del payaso

De JOSÉ RAMÓN FERNÁNDEZ. Dirección: FERNANDO SOTO. Con LUIS BERMEJO.

Hay obras que crean a los actores y hay actores que hacen a la obra. El minuto del payaso y Luis Bermejo, sin embargo, son un tándem perfecto. Ese fenómeno extraño que pasa muy de vez en cuando, en el que actor y obra —obra y actor— no se conciben la una sin la otra; una simbiosis perfectamente ensamblada que hace vibrar al que se sienta en la butaca. Amaro es un payaso que aguarda su turno para actuar en el Festival de homenaje al circo. Además ha venido un productor de la tele que le va a proponer que vaya a la televisión a hacer su número; todos los días el mismo, a la misma hora y en el mismo lugar. En su solitaria espera, repasa y revive los pasajes de su historia, esa que lo ha llevado a ese lugar; a ser quien es. En su análisis reflexiona sobre la pérdida, el riesgo, la aventura, el viaje... ¿Dónde se queda la sorpresa y la improvisación? Bermejo gira y gira sus recursos a una velocidad endiablada para dar piel y voz a un payaso que se dibuja por momentos nervioso, desasosegado, desequilibrado... y por momentos un payaso de

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corazón, de risa en forma de poesía y de humor en clave de rebeldía. Su director, Fernando Soto ha sabido resolver el intenso carrusel de emociones de esta historia de la payasada y de la vida de su melancólico protagonista a través de un monólogo de risa y rabia. La formidable dirección, junto con la iluminación subjetiva de Eduardo Vizuete y el perfecto y estudiado espacio escénico de Mónica Boromello, resuelven una trama perfectamente construida marcando sutilmente tiempos y transiciones. Cuando desnudas el alma siempre salen las basuras guardadas en el cajón de lo intocable. De lo que no queremos compartir con nadie, no vaya a ser que seamos personas. Del salto al vacío. De entender la vocación no como una herencia forzada, sino como un camino de vida que se elige y se construye de manera personal e intransferible. De entender que caer es el 50% de subir, de eso trata El minuto del payaso. Como dice su autor, José Ramón Fernández, Dios dame un poco de locura para vivir en este mundo de cuerdos.

© Claudio Casas

El minuto del payaso: la cordura de los locos.

MÚSICA URBANA MAIKA MAKOVSKI

NOVIEMBRE

24

21 : 00 h

Fuera de Abono.

MAIKA MAKOVSKI EN CONCIERTO con BROSSA QUARTET DE CORDA Presentación de su nuevo disco Chinook Wind La compositora, cantante y actriz española Maika Makovski llega para presentarnos su último álbum. Con este trabajo Maika completa un ciclo marcado por incursiones en el mundo del teatro, un tiempo en el que ha actuado y compuesto la música. Y lo hace precisamente en compañía de un viejo compañero, que, además de este último trabajo, produjo el álbum Maika Makovski (2010). Hablamos de John Parish (Yeovil, Reino Unido, 1959), mano derecha de PJ Harvey en algunos de sus mejores discos.

© Chinook Wind

Vuelve la Makovski, ese torbellino escénico, ese volcán de dimensiones únicas dentro de la escena del rock nacional. Pero vuelve, como algunos dicen, para rockear menos y con un disco —su sexto álbum— magnético, turbio y dulce al mismo tiempo. Chinook Wind es una celebración de arte y sensibilidad, una asombrosa colección de canciones que beben a sorbos de la misma fuente del talento extraordinario. Maika es una estrella fascinante, una rara

avis, no hay nada parecido. Y esa es precisamente su magia, una artista imposible de encasillar, una especie inspiradora, un caso único, la artista total. Chinook Wind es una selección de diez canciones que Maika (de madre andaluza y padre macedonio) compuso tras regresar de un viaje a Macedonia, en el que exploró a fondo en unas raíces directas que hasta entonces solo conocía en la distancia. Y el resultado de este “viaje” es Chinook Wind, su disco

más intimista hasta la fecha, corroborado en una producción muy desnuda, cruda, pero con mucha personalidad, en la que predominan los arreglos de cuerda y metales arropando la voz de Maika, auténtica protagonista del disco. En permanente estado de atención, sus múltiples viajes, residencias por distintos países, su capacidad intuitiva, su exuberante personalidad y las asociaciones con distintas ramas del arte, le permiten crear obras complejas y auténticas, un lugar donde ser capaz de emocionar

con el imponente poder de sus canciones, la única y verdadera clave para comprender la pujanza de su trabajo.

TRAS CUATRO AÑOS SIN GRABAR, VUELVE PRODUCIDA POR JOHN PARISH, MANO DERECHA DE PJ HARVEY EN ALGUNOS DE SUS MEJORES DISCOS 11

TEATRO COMPAÑÍA DE TEATRO IGNACIO ANDREU

NOVIEMBRE

25 17 26 31

21 20 ::00 00 hh

Cuando perdí la cabeza

Dirección: JORGE BARROSO “BIFU”. Intérprete: IGNACIO ANDREU.

12 12

Ante esas y otras mil cuestiones los creadores de Cuando perdí la cabeza declaran seguir sin encontrar el sentido a este nuevo rumbo que ha tomado la vida. Y, ante la falta de respuestas, dada la cabeza por perdida, nos lo cuentan desde la ironía y el humor: Temprano; las ocho de la mañana. Yo estaba encerrado en una habitación... Este podría ser el punto de partida de esta historia pero también podría ser: Encerrado en mi propia cabeza.

Ensimismado entre mis propios pensamientos. Engullido por lo que me rodea. Incluso, soy un ratón de laboratorio ¿Cuándo perdí la cabeza...? La locura ¿Qué es la locura sino perder la razón? Y... ¿Quién tiene la razón? Estaremos de acuerdo en que la razón nunca es absoluta ¿verdad? ¿Quién está loco...? Todos o ninguno... Entonces digamos que partimos de... una alteración de la realidad. Sí, eso sí. Espero disfruten esta maravillosa locura.

Con Cuando perdí la cabeza, su sexta creación, Ignacio Andreu cumple quince años creando historias, y lo hace con un proyecto donde se fusionan nuevas técnicas, formas y códigos, hasta ahora no utilizados por él: un clown más marcado, coreografías, pantomima… Buscando, con la colaboración del director Jorge Barroso, una mayor dimensión poética del espectáculo. Ignacio Andreu estudió interpretación desde 1995 a 1998 en Sevilla y Madrid. En el año 98 funda su primera compañía Qué te vaya bien. Desde el año 2001, con el estreno de Con las cannes abiertas, decide producir sus propios espectáculos en solitario. En este periodo cosecha siete premios nacionales. Jorge Barroso “Bifu” es director y fundador de la Compañía Varuma Teatro. En 2005 recibe el Premio Giraldillo en la Bienal de Flamenco de Sevilla, por su espectáculo Malgama, donde fusiona flamenco y circo. Ha dirigido para Lapsos Producciones y Choni Compañía de Baile. Es fundador del espacio para crear, investigar y ensayar La Carpa.

Fede Serra © Ismael Morillo

Con Cuando perdí la cabeza el tándem Andreu/Barroso intenta responder a preguntas que ellos y, tal vez, todos nos planteamos en estos tiempos: ¿Cómo hemos llegado a esta situación? Con esta actitud ¿vamos por el camino correcto? ¿Qué ha sido lo que ha creado este mal estado de ánimo general? ¿Nos estaremos volviendo locos y la humanidad ya no es tan humana?...

CIRCO/TEATRO/DANZA MARTIN ZIMMERMANN

NOVIEMBRE

31 30

20 ::00 00 hh 21

Hallo Concepto, puesta en escena, escenografía, coreografía e interpretación: MARTIN ZIMMERMANN.

ESTRENO EN ESPAÑA en complicidad con el Teatro Central Espectáculo presentado con la ayuda de Pro Helvetia - Swiss Arts Council.

Martin Zimmermann, artista del movimiento, clown bromista y manitas genial, crea por primera vez en su carrera un solo en el que intenta domesticar a sus fantasmas más tenaces. Cuando aún resuenan en nuestras cabezas los aplausos, el gran éxito logrado por el último espectáculo que os presentamos de esa singular pareja que responde al nombre de Zimmermann & de Perrot, nos llega un nuevo “poema escénico”, esta vez escrito por el primero de ellos en soledad.

© Rebetez © Agustín Fede Serra

Martin, ese clown despistado, después de 20 años se libera de las piezas de grupo para estallar

en toda su plenitud haciéndose uno con la escenografía —la otra protagonista de un espectáculo que podríamos denominar como “dúo para intérprete y decorado”— el uno sin la otra no existe. El tipo desfasado que encontramos en Hallo se las tiene que ver con un apartamento de estilo muy contemporáneo, que no deja de plegarse sobre él, que intenta aplastarlo. Pero el energúmeno de pantalón apretado, sobre el que se ha puesto un short ridículamente ancho, encuentra siempre una salida. ¡Vaya!, pues si la casa se pliega y se acuesta en el suelo, solo hay que servirse de ella como si fuera un aparato de circo. Zimmermann muestra cómo el mimo cómico tiene su lugar en nuestro mundo, precisamente porque él representa a un ser extraviado que no encuentra su sitio, como tantos contemporáneos nuestros. Y sienta bien poder reírse de lo que nos corroe. Ahí se encuentra todo el sentido del clown. Del mimo Marceau, de Jacques Tati

o de Buster Keaton, incluso de Chaplin, Zimmermann toma lo mejor, lo galvaniza y lo coloca en el corazón de la actualidad. Él sabe desfigurar los rasgos de su rostro al igual que los miembros de su cuerpo, pasar de un chico malo a lo Lucky Luke a un marinero o un sin techo, sin dejar por ello de ser siempre el mismo. Según el crítico de danza Thomas Hahn (Revista Artistic Rezo 2015): Uno sale de este espectáculo con una sonrisa enorme cuando, en el fondo, él nos está hablando de algunas obsesiones bastante traumatizantes. Su cuerpo, su alter ego y su reflejo se rompen y se pasean por el escenario. Caen en las trampas y le dicen “Hallo” como para burlarse de él. ¿Cómo es que no ha perdido literalmente la cabeza en algunas representaciones? Zimmermann ofrece aquí lo mejor de sí mismo y de su universo. El formato de solo lo obliga a realizar una especie de condensado de su arte, más allá de todo lo que podría llamarse danza, mimo, clown o circo. 13 13

TEATRO CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL

DICIEMBRE

2 3

21 : 00 h

Reikiavik

Texto y dirección: JUAN MAYORGA. Intérpretes: CÉSAR SARACHU, DANIEL ALBALADEJO y ELENA RAYOS.

Juan Mayorga y Reikiavik; Jaque al Rey. Si la materia prima es buena, no necesita florituras que la adornen. Esto es lo que ocurre con el texto y las interpretaciones de Reikiavik, el último trabajo del polifacético Juan Mayorga. Su última obra se adentra en la necesidad de la “otredad” en la que vive una sociedad inconclusa, insatisfecha y muchas veces desengañada, a través de un episodio de la historia más reciente que no te dejará indiferente en la butaca del teatro. En 1972 y en plena vorágine de la Guerra Fría tiene lugar una de las batallas mentales más intensas del último siglo. El norteamericano Bobby Fischer y el ruso Boris Spasski, se batían en duelo sobre el tablero de ajedrez. Estaba en juego El Jaque Mate. Este contexto de egos y estrategias, de ganadores y vencidos es el que recoge Reikiavik.

La escenografía minimalista recreada por el gran Alejandro Andújar, la ilumación precisa de Juan Gómez-Cornejo y el espacio sonoro de Mariano García, funden en un mismo escenario dos periodos paralelos destinados a no encontrarse jamás y, sin embargo, condenados a repetir los mismos errores una y otra vez. De lo particular a lo general, ese es el camino que sigue el dramaturgo para plasmar sobre las tablas —del escenario y del tablero— las contradicciones sociales por las que la vida de los otros puede ser un espejo donde admirar la vida que, por cobardía, no nos atrevemos a vivir. Pura estrategia, eso es el ajedrez, así como la vida y el Teatro. Juan Mayorga lo sabe y lo ha plasmado en el escenario sobre un tablón de 64 casillas. Cada movimiento, una decisión trascendental que define irremediablemente el próximo paso. Tal y como diría Lenin: Salvo el poder, todo es ilusión. Reikiavik es la fina frontera entre ambos.

© Sergio Parra

César Sarachu y Daniel Albaladejo (Fischer y Spasski, respectivamente) se adentran como titanes en los continuos saltos de localizaciones y en la versatilidad de sus personajes. Y es que no solo se encargan de los papeles protagonistas, junto con Elena Rayos —la tercera en acción— consiguen un ritmo de comedia y un ambiente de tragedia in crescendo durante toda la trama. Dominan

la escena géneros opuestos, antagónicos, solo alcanzables en un mismo escenario con un prodigioso alarde actoral.

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TEATRO TNT/ATALAYA

DICIEMBRE

10

21 : 00 h

11

19 : 00 h

12

11 : 00 h *

* Funciones didácticas para centros docentes

Marat-Sade

De PETER WEISS. Dramaturgia y dirección: RICARDO INIESTA. Coproducción con GREC Festival de Barcelona.

Marat–Sade plantea las luchas dialécticas entre el individualismo que representa el marqués de Sade y la apuesta por la colectividad encarnada por Jean Paul Marat. Entre la actitud sumisa ante los poderosos de una parte de la sociedad y la rebeldía de otra. Entre la corrupción y la honestidad. Marat-Sade, el espectáculo con el que la compañía Atalaya vuelve una temporada más al Teatro Alhambra, es el nombre abreviado de Persecución y asesinato de Jean Paul Marat, representado por el grupo de actores del hospital de Charenton bajo la dirección del Marqués de Sade.

© Félix Vázquez

Se trata de uno de los títulos referenciales del teatro europeo del siglo XX. Escrito en 1964 por Peter Weiss, autor alemán, aborda los años posteriores a la Revolución

Francesa, si bien por su lenguaje y su visión resulta de una extraordinaria actualidad. Marat fue uno de los ideólogos del movimiento revolucionario francés de 1789. Fue coautor de la Declaración de los Derechos del Hombre y del Ciudadano en representación del ala izquierda de dicha revolución. Por su parte, en el Marqués de Sade —origen del término sadismo— la historia contemporánea tiene a uno de sus personajes más controvertidos. La obra utiliza el recurso del teatro dentro del teatro manifestando el choque entre diferentes posiciones que se produjo durante la

revolución francesa encarnadas por cinco personajes reales: el revolucionario Jean Paul Marat, líder de los jacobinos; el Marqués de Sade, partidario de la transformación del individuo más que de lo colectivo; Jacobo Roux, revolucionario precursor de la Comuna de París; Carlota Corday, aristócrata girondina y Coulmier, director del hospital y representante del orden napoleónico. El pueblo es encarnado por el coro de 'locos' y el grupo de cómicos cantores. La veintena de temas que interpretan en vivo confieren al montaje un carácter de teatro musical. La dramaturgia utiliza tres lenguajes esenciales en las creaciones de Atalaya: el teatro épico de Brecht, el de la crueldad de Artaud y el grotesco de Merjehold. La obra se desarrolla en tres tiempos: 1793, año que fue asesinado Marat, pasados cinco del triunfo de la Revolución Francesa, que es la época en que sitúan la acción los internos del hospital; 1808, el momento en el que acontece la representación en el hospital y,

por último, la época actual en que los actores reales la llevan a cabo. No es real que llegaran a encontrarse Marat y Sade, pero sí lo es la estancia del Marqués en el hospital de Charenton, donde se dedicó a dirigir obras de teatro que alcanzaron notoriedad entre los parisinos. La composición musical y la iluminación que configuran la especificación intangible resultan contemporáneos. En todo caso la compañía sevillana ha querido universalizar la obra obviando en buena parte su concreción espacio temporal. En 2016 Atalaya cumple 32 años convertida en uno de los referentes más sólidos del teatro español. Se ha presentado en 150 festivales internacionales, en 35 países y recibido 38 galardones entre los que destaca el Premio Nacional de Teatro en 2008. En dicho año puso en marcha el Centro Internacional de Investigación Teatral TNT que cuenta con el mayor teatro privado de Andalucía y un laboratorio escuela permanente. Asiduamente viene formando parte de proyectos culturales de la Unión Europea. 15

TEATRO TEATRO CLÁSICO DE SEVILLA

DICIEMBRE

Don Quijote en la patera Texto: ALFONSO ZURRO. Dirección: ANTONIO CAMPOS.

15 16 17

10 : 00 h* 12 : 00 h*

18 : 00 h

* Funciones didácticas para centros docentes Espectáculo destinado a público familiar (a partir de 5 años)

En el montaje de Teatro Clásico de Sevilla, el caballero andante y su fiel escudero vivirán una épica aventura por los fondos marinos, lucharán en desigual batalla con el mago Frestón y demostrarán que dar felicidad a los niños es la más bella aventura que los hombres valerosos pueden emprender.

De este espectáculo emergen mundos mágicos y personajes sorprendentes, ideales para convencer a la audiencia más joven, de los tesoros que los libros y las tablas esconden para los atrevidos. A este fin coadyuvan el maravilloso texto que ha escrito Alfonso Zurro, la cuidada dirección escénica de Antonio Campos, la ingeniosa escenografía de Curt Allen Wilmer junto con una sugerente iluminación, proyecciones, música y coreografías en directo. Los asistentes a esta propuesta teatral van a hallar: pedagogía y atrevimiento; divertimento y plasticidad. Todo transitado por una 16

concepción mágica y minimalista de la puesta en escena, de los personajes y de los objetos. Van a disfrutar con una comedia divertida y juguetona, con altas dosis de encuentros y aventuras mágicas, como si un nuevo Don Quijote contemporáneo estuviera enfrentando los desmanes de nuestros días. En el texto de Zurro las nuevas aventuras de Don Quijote transcurren en dos lugares fundamentales: por un lado el mar y por otro, el interior de una ballena. Partiendo de la playa de Barcelona, nuestro antihéroe se adentra en el Mediterráneo para continuar sus aventuras y batallas contra las injusticias más actuales, acabando en las tripas de una ballena. No podemos olvidar que en el año 2016 celebramos que se cumplen 400 años de la muerte de Cervantes, y en el 2015 se cumplieron 400 años de la publicación de la segunda edición de El Quijote, por lo que este espectáculo llega a nuestro escenario en

forma de homenaje al creador de esta obra inmortal. Dramatúrgicamente Don Quijote en la patera tiene un atractivo punto de partida: La desubicación espacial y temporal de los dos personajes creados por Miguel de Cervantes. Don Quijote y Sancho Panza viven unas inesperadas aventuras en alta mar porque ellos no son conscientes de que están en

pleno siglo XXI, sino que tienen la mente puesta en el lugar y tiempo en el que transcurrían sus vidas. A partir de aquí las risas de los niños son un sonido constante a lo largo de la representación debido a la interpretación que tan ilustres personajes hacen de modernidades actuales, que el propio Don Quijote interpreta a su manera. Alejandro Reche, Periódico XYZ.

© Luis Castilla

La obra de Miguel de Cervantes inaugura la producción novelesca occidental en el sentido actual del término se entiende hoy. Su adaptación teatral por la compañía sevillana se basa en el deseo de utilizarla para que los jóvenes espectadores se inicien en el teatro como arte y misterio, como representación y espejo de la realidad.

TEATRO COMPAÑÍA TUTTILIFAMILI

DICIEMBRE

22 23 26 a 30

18 : 00 h

Campaña de Navidad para toda la familia

Piedra, papel, tijera Idea original: TUTTILIFAMILI. Creación y dramaturgia: ANA PUERTA, NOELIA ROSA

y JOSÉ RODRÍGUEZ. Dirección: NOELIA ROSA.

Tuttilifamili vuelve a nuestro escenario para llenar de teatro, magia y música la programación especial de Navidad. José Rodríguez y Ana Puerta fundan Tuttilifamili, en Granada, en 2012. En solo 4 años han crecido mucho, muchísimo. Su fantástico primer espectáculo, El sofá de Sophie, no ha hecho más que cosechar elogios además de granjearles el Premio Nacional de Magia General 2014 y el Premio Almussafes Mágico 2016.

© José Rodríguez

Con Piedra, papel, tijera Tuttilifamili viene a ratificar todo lo que de bueno supuso su debut. Teatro gestual, magia y música son, en manos de su talento creativo, poderosas herramientas para fascinar a nuestros jóvenes espectadores. Su nueva creación es una sugerente mezcla de comedia y drama que nos cuenta cómo las circunstancias límite nos hacen conscientes de que somos dueños de nuestro destino. Nos enseña cómo el ser humano

reconoce sus propios recursos y aprende a conocer sus límites… Cómo, a pesar del miedo, aprendemos a saber que ha llegado la hora de decidir. Perdidos en medio de la Naturaleza. Dos niños acechados por el miedo en un terreno desconocido. Piedra, papel, tijera. Una terrorífica comedia donde nada es lo que parece. Todo se desvirtúa y hay que sobrevivir. La realidad se transforma y aflora la aventura, y con ella la toma de decisiones, el refuerzo de la amistad y la confianza en el otro y en uno mismo. El afán de superación llevará a estos dos niños a hacerse un poco más mayores en un nuevo mundo, donde ya no vale echarlo todo a suertes. Hacerse mayor, menuda hazaña para todos… 17

TEATRO BLANCA PORTILLO/JOSÉ LUIS GARCÍA-PÉREZ

ENERO

13 14

21 : 00 h

El cartógrafo Texto y dirección: JUAN MAYORGA.

Dos de la figuras más destacadas de la escena contemporánea española, los multipremiados Blanca Portillo y Juan Mayorga, unen sus reconocidos talentos con el de José Luis García-Pérez para ofrecernos un impresionante drama contra el olvido y a favor de la memoria.

Desde que en la temporada 2008/09 presentáramos dos textos suyos —La tortuga de Darwin y La paz perpetua— no habíamos traído ninguna pieza de Juan Mayorga, nuestro dramaturgo vivo más internacional —sus obras se montan en medio mundo— y quizá el más premiado. Cinco Premios Max entre adaptaciones y premios a textos propios, así como el 18

Nacional de Teatro en 2007 y el de Nuevas Realidades Teatrales en 2016, entre otros muchos, lo avalan. Era hora, por tanto, de que regresara a nuestro escenario y esta temporada lo volvemos a invitar por partida doble, con Reikiavik el pasado diciembre y El cartógrafo ahora, citas ineludibles a las que deberíamos haber acudido mucho antes. En esta ocasión tendremos el privilegio de ver a Mayorga—autor y director del espectáculo— de la mano de la Portillo y José Luis GarcíaPérez, quienes nos ofrecerán un momento inolvidable de alta tensión dramática. Nuestro autor sintetiza así su pieza: En la Varsovia de nuestros días, Blanca oye la leyenda del cartógrafo del gueto. Según esa leyenda, un viejo cartógrafo se empeñó, mientras todo moría a su alrededor, en dibujar el mapa de aquel mundo en peligro, pero como sus piernas

ya no lo sostenían, como él no podía buscar los datos que necesitaba, era una niña la que salía a buscarlos para él. Blanca tomará por verdad la leyenda y se lanzará a su vez a la búsqueda del viejo mapa y, sin saberlo, a la búsqueda de sí misma. El cartógrafo es una obra —un mapa— sobre esa búsqueda vertiginosa y sobre aquella leyenda.

UN DRAMA QUE PARTE DE LA SHOAH Y TERMINA EN LOS DISTINTOS ESCENARIOS DEL HORROR DEL PRESENTE

© Javier Portillo

Hablar de Blanca Portillo y Juan Mayorga, juntos o por separado, es hablar de muchos de los momentos más destacados del teatro español de los últimos años. Ellos han sido artífices de muchos de los capítulos imprescindibles de los que se compone ese libro, aún por escribir, sobre la práctica escénica de finales del siglo XX y principios del XXI. Así se lo han reconocido sus propios compañeros de profesión concediéndoles infinidad de los premios más destacados de su profesión, premios que han ido acompañados con el reconocimiento del público.

TEATRO GREC FESTIVAL DE BARCELONA 2016/VELVET EVENTS/ BUXMAN PRODUCCIONES

ENERO

20 21

21 : 00 h

Yo, Feuerbach De TANKRED DORST. Adaptación: JORDI CASANOVAS. Dirección: ANTONIO SIMÓN. Con PEDRO CASABLANC y SAMUEL VIYUELA GONZÁLEZ.

© Martí E. Berenguer

El descomunal Pedro Casablanc junto a Antonio Simón nos presenta un texto que habla de las personas que quedan fuera de foco, de la falta de generosidad de nuestra época y de la necesidad de segundas oportunidades. Considerado uno de los grandes del teatro europeo y venerado en el centro del continente, el alemán Tankred Dorst firmó en 1991 un texto conmovedor sobre todos aquellos que no consiguen ser protagonistas, sobre la necesidad de las segundas oportunidades y, en general, sobre la ausencia de generosidad en el mundo de hoy. Para hacerlo, nos muestra las crisis sociales y personales que nos obligan a reinventarnos, a buscar una nueva versión de nosotros mismos. Es lo que se ve obligado a hacer Feuerbach, un actor maduro con grandes cualidades que, aun así, busca trabajo. Tendrá que pedírselo no a un director de teatro, sino a su ayudante, un joven inexperto que acaba de llegar al mundo del espectáculo y que nos hará pensar en la forma en que funciona el mundo de hoy. Cinismo, humor, fuerza, delicadeza... Son algunas de las armas que utilizará Feuerbach para intentar seducir a su joven

antagonista, en un ejercicio de talento que se aproxima al patetismo y que genera, a la vez, ternura y humor. El conjunto es pura poesía emocional que nos habla de las grandezas y las miserias de la condición humana mediante el trabajo de un actor excepcional, Pedro Casablanc, que asume uno de los grandes retos de su carrera. Dorst, actualmente un sabio anciano, es uno de los grandes de la escena teatral europea, galardonado con el Premio Europa, entre otros, y uno de los autores más venerados en los teatros centroeuropeos. Un gran autor para estos tiempos de segundas oportunidades.

Al teatro le fascina tratar con crisis y una de sus funciones es la de mostrar personas que, por necesidad, intentan y desean aprender a verse de nuevo. Sus motivaciones, conflictos, anhelos, deseos son la base para la representación de una ficción que te mantenga clavado en la butaca. Este es el caso de Yo, Feuerbach.

TANKRED DORST CONVIRTIÓ EN ALEGORÍA DE LA EXISTENCIA HUMANA LA HISTORIA DE UN ACTOR QUE, PESE A SU TALENTO, HA ENVEJECIDO Y SE VE OBLIGADO A LUCHAR POR UNA NUEVA OPORTUNIDAD 19

CIRCO LUDO CIRCUS

ENERO

27 28

21 : 00 h

Ludo Circus Show Dirección y dramaturgia: ANTONIO J. GÓMEZ ‘EL GRAN DIMITRI’. Un proyecto en colaboración con la AAIICC.

¿Dejamos de jugar porque nos hacemos mayores o nos hacemos mayores porque dejamos de jugar?

Nace de la inquietud de reunir en un mismo equipo artístico a una serie de profesionales de las artes circenses —director, artistas, equipo de producción y comunicación, etc.— que llevaban varios años cruzando sus caminos por separado o en proyectos puntuales. La experiencia, según declaran, se ha convertido en una oportunidad y un privilegio para que el equipo de creación, inusualmente amplio, se conozca mejor y desarrolle todo su potencial bajo un modelo de coproducción muy horizontal. Ludo es un proyecto pionero en el ámbito del circo en Andalucía por lo que tiene de propuesta colectiva. La 20

selección del elenco, con su gran potencial interpretativo y técnico, es uno de sus puntos fuertes. La combinación de circo, humor e incluso la danza, además de la necesaria teatralidad de la puesta en escena, requerían de un equipo versátil, talentoso y bien compenetrado, y este

es el formado por: Antonio J. Gómez, uno de los fenómenos interpretativos del momento, conocido especialmente por su personaje ‘El Gran Dimitri’, que, además, es el responsable de la dramaturgia y dirección del espectáculo; Claudia Ortiz, Carmine Piccolo y Francisco Caravaca, de la compañía Tresperté, especializada en acrobacia y báscula; Manolo Carambolas, mimo eléctrico, malabarista, mago con unas dotes expresivas sobresalientes y más de 15 años de trayectoria artística individual. Darío Dumont, joven talento lleno de versatilidad, experto en equilibrios y acrobacias que ha trabajado con Vol’E Temps o Vaivén Circo, entre otros y Greta García Jonsson,

bailarina y coreógrafa de gran presencia escénica y cualidades interpretativas a la que hemos visto con Da.Te Danza, Hermanas Gestring o Montgomery.

© Luis Montero

Ludo Circus Show es muchas cosas a la vez: una visión sobre el juego a través del circo y las artes escénicas (porque en algún momento todos hemos jugado... o tal vez no hemos dejado de hacerlo); Un espectáculo de humor sutil, blanco, combinado con técnicas circenses como el equilibrio en rulo o rola bola, acrobacias, báscula o malabares; Un show sin texto; Una fiesta...

TEATRO TEATRO DE LA ABADÍA/LAZONA

La respiración Texto y dirección: ALFREDO SANZOL. Con NURIA MENCÍA y VERÓNICA FORQUÉ, entre otros.

FEBRERO

3 4

21 : 00 h

Cursos en Escuela Pública de Formación Cultural de Andalucía. Fruto de la línea de colaboración entre el Teatro Central y la Escuela Pública de Formación Cultural de Andalucía, se impartirán talleres en la Escuela de Sevilla con Alfredo Sanzol los días 28, 29 y 30 de noviembre de 2016 y Pablo Messiez los días 20, 21, 22, 23, 24 de marzo de 2017. Más información e inscripciones: www.formacionculturalandalucia.es

La respiración, otra obra fundamental de ese maestro de la comedia que es Alfredo Sanzol.

© Javier Naval

Con La respiración Sanzol ha escrito una de sus mejores piezas. Ya lo decía Marcos Ordóñez en su crítica de El País cuando se refería al espectáculo como una joya divertidísima o cuando relataba que un espectador le había comentado a la salida del mismo que ojalá hubiese durado dos horas más; por su parte Raúl Losánez en La Razón lo calificaba con cuatro estrellas y Javier Villán en El Mundo se refería a la producción como deliciosa. La unanimidad ha sido absoluta. La respiración, como dice su autor, parte de un hecho dramático, la separación de una mujer que lleva 15 años con su pareja, y ve como un día de la noche a la mañana todo se termina. Nagore (Nuria Mencía) viene sufriendo la pérdida desde hace un año y siente que está en crisis, no se encuentra, no sabe qué hacer, sigue echando de menos mucho a su ex. Su madre (Gloria Muñoz) aparece entonces en escena y le azota la conciencia con sus consejos, le sugiere que se deje llevar por una fantasía, que se adentre en otros mundos, que empiece a descubrir otras posibilidades para que

UN ESPECTÁCULO BRILLANTE Y DIVERTIDÍSIMO CON ACTUACIONES SOBRESALIENTES no se quede aferrada a un solo recuerdo. La memoria tiene que servir para crear cosas nuevas, le dice, hay que vaciar el cuerpo y la mente como quien vacía un armario para que entren cosas nuevas…

Hasta aquí podemos leer... porque La respiración hay que vivirla, hay que deslumbrarse con esa lección que nos da sobre cómo reaprender a amar, sobre cómo resucitar tras un fracaso con un humor y una ternura infinita.

La respiración conmueve porque es vitalísima, porque la energía no permite ni un instante de bajón, y es divertida (mucho, mucho) porque su humor no busca la risa sino la verdad. 21

TEATRO AVANTI TEATRO

FEBRERO

10 11

21 : 00 h

El Jurado Dirección: ANDRÉS LIMA. Autor: LUIS FELIPE BLASCO VILCHES. Con ISABEL ORDÁZ, PEPÓN NIETO y VICTOR CLAVIJO, entre otros.

El texto de los años cincuenta de Reginald Rose Doce hombres sin piedad sirve de inspiración para las pautas dramáticas que marca El Jurado. Siendo una obra completamente original con sello propio, sigue la estructura narrativa del texto de Rose; mientras en la versión americana el jurado

EL JURADO DE AVANTI TEATRO DICTA SENTENCIA.

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delibera sobre la culpabilidad o inocencia de un joven americano acusado de matar a su padre, en la composición española nos encontramos ante un jurado popular cuyos miembros tienen que deliberar acerca del veredicto de un político autonómico acusado de cohecho. Al frente del diseño de la producción están Eduardo Velasco, Cuca Escribano, bajo la supervisión de Concha Busto, que llevan diseñando la producción más de un año. Al proyecto de El Jurado se ha

unido un equipo artístico que cuenta con intérpretes como: Josean Bengoetxea, Víctor Clavijo, Cuca Escribano, Pepón Nieto, Isabel Ordaz, Canco Rodríguez, Luz Valdenebro, Eduardo Velasco y Usun Yoon. El Jurado es un teatro humano que cuestiona la estructura de la sociedad española actual así como el funcionamiento del sistema judicial a través de una trama de corrupción política. Al comienzo de la obra todos los miembros del jurado son víctimas del mismo prejucio que comparten con muchos

espectadores: los políticos son unos ladrones. Sin embargo, durante el desarrollo de la trama, las dudas aflorarán; muchos parecen culpables y deshonestos, pero es innegable que la oposición política, los medios de comunicación y la maledicencia popular condenan injustamente a muchos honrados trabajadores de lo público. ¿Llegarás a la misma conclusión? Las certezas aquí no tienen cabida, tendrás que ver El Jurado para dictar tu sentencia.

© Luis Castilla

¿Somos capaces de ejercer la misma justicia que exigimos?” Con esta afirmación del director de El Jurado, Luis Felipe Blasco Vilches, se resume sustancialmente la esencia de esta producción de Avanti Teatro.

DANZA/MÚSICA TERESA NAVARRETE/MIGUEL MARÍN

FEBRERO

15

21 : 00 h

Domando a Pinball

Coreografía e interpretación: TERESA NAVARRETE. Música e interpretación: MIGUEL MARÍN. Con la colaboración de MARÍA CABEZA DE VACA.

ESTRENO ABSOLUTO en complicidad con el Teatro Central

De cómo domar los impulsos o darles rienda suelta, de cómo aprender a vivir con ellos y disfrutar de ellos, es de lo que nos habla en su nueva pieza Teresa Navarrete. Esa bailarina y coreógrafa que responde al nombre de Teresa Navarrete, en la mitad de su recorrido vital, ha sufrido cambios importantes, su vida a dado un vuelco y qué mejor manera de contárnoslo que a través del lenguaje que le es más propio: el del cuerpo, un cuerpo bien adiestrado que conoce íntimamente los signos de su sintaxis. Vuelve así al formato de dúo, acompañada de ese dandy y fiel escudero bicéfalo que se hace llamar Montgomery o Miguel Marín según lo vea pertinente: dos caras de la misma moneda.

© María Meler

Nuestra bailarina dice haber observado que los impulsos más primarios que la han acompañado durante sus cuarenta y cuatro años, siguen ahí. Son impulsos que durante un tiempo ha tenido que retener, que domar, que adormilar, que ignorar. Esos impulsos, palabra que implica movimiento, son sus referentes a la hora de domar a pinball, de bailar. De todos es sabido la dificultad que tiene el jugador de

esta dichosa maquinita para impeler permanentemente la bola que le llega a los tacos, cambiando su dirección según los obstáculos que encuentra en su camino. ¿Metáfora de la cambiante vida?, ¿metáfora de nuestros cambios de dirección personales?, ¿somos el jugador?, ¿la bola que se estrella o sortea una y otra vez los obstáculos?, ¿la escritura coreográfica azarosa de esa bola?… Teresa dice: Del mismo modo, una persona nos puede impulsar a hacer algo que queremos o no queremos hacer. ¿Cómo interviene una persona en ese recorrido, físico y emocional, que hacemos una vez que nos impulsa? Su impulso nos puede conducir al caos o a la felicidad. Un impulso nos puede ayudar a reconducir nuestra vida, a ponernos de cara ante situaciones en las que nunca nos pondríamos. Nos puede ayudar a tomar decisiones que cambiarán nuestro rumbo. De todo ello surge este nuevo y quizá más personal trabajo de Teresa Navarrete. 23

DANZA - PROYECTO EUROPEO /

Escuela Pública de Formación Cultural de Andalucía LET’S DANCE

FEBRERO

18

21 : 00 h

Home Sweet Home Dirección artística: WILFRIED VAN POPPEL. Coreografías: TRINIDAD CASTILLO y CARMEN VILCHES (Granada); GRIETINE MOLENBUUR (Leeuwarden); ANNA HENRICK y LAURA SMITH (Glasgow) y WILFIED VAN POPPEL y AMAYA LUGBEIT (Bremen). Proyecto co-financiado por el programa Europa Creativa.

ESTRENO ABSOLUTO

Let’s Dance; La danza como terapia social.

El flujo migratorio y las infinitas variantes del movimiento que forman parte de la condición humana, así como el devenir de la vida es “nuestra personal migración en el tiempo”. Esta es la base del espectáculo que nos presentan; las migraciones como eje fundamental de la vida humana, entendidas tanto de manera personal como grupal. Otro de los aspectos que se trabajan desde la danza es la inclusión social, que en este caso viene de la mano de la compañía Vinculados, compuesta por niños, adolescentes y adultos. 24

Let's Dance es un proyecto de formación y creación artística articulado en torno a tres ejes: talleres de trabajo locales, de movilidad e intercambio y coproducción artística. Las herramientas principales con las que trabajarán los participantes y los coreógrafos serán las técnicas de la danzateatro (Pina Bausch) y del movimiento Community Dance

(Royston Maldoon) y tendrán como hilo conductor “las migraciones europeas”. Este proyecto, co-financiado por el programa Europa Creativa, está liderado por la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales a través de la Escuela Pública de Formación Cultural de Andalucía en su sede granadina

y en él participan también YDance de Glasgow (Gran Bretaña); DeLoopers de Bremen (Alemania) y Keunstwurk de Leeuwarden (Países Bajos). Porque la danza es libertad, no entiende de muros ni barreras. No hay nacionalidades ni pasaportes. Solo hay eso; danza, movimiento, esencia.

© Fede Serra

El movimiento es terapéutico. De eso no hay duda. Hay terapias para el cuerpo; terapias para la mente; para el alma... pero también hay —y quizás sea la más necesaria— terapias para la sociedad. Let's Dance es danza para la conciencia. Recuperar la reflexión sobre los desplazamientos poblacionales, no desde la perspectiva política o económica, sino desde el punto de vista puramente humano y existencial, es una de las prioridades de esta compañía.

TEATRO EL VODEVIL

FEBRERO

24 25

21 : 00 h

Mármol De MARINA CARR. Dirección: ANTONIO C. GUIJOSA. Con PEPE VIYUELA, entre otros.

Mármol, una vibrante obra que hará que te cuestiones los caminos recorridos.

© Moisés Fernández Acosta

Mármol es una extraordinaria obra que seduce gracias a la reconocible promesa de algo extraordinario y a la destrucción que se desencadena cuando no se vislumbra ninguna posibilidad de alcanzarlo. (Diario Digital del Sur de Madrid). Con este punto de partida, la autocrítica y el autoanálisis personal serán parte fundamental de la obra. Un único decorado y una acertada iluminación para recoger el antes y el después de cuatro vidas. Caminos inexplorados que un día se añoran aún sin haberlos conocido. ¿Lanzarte o no arriesgar? ¿Conformarse o explorar? Esa es la disyuntiva que se plantea en Mármol, la última obra de la autora irlandesa Marina Carr, que desde que se estrenara el pasado año, ha dado mucho que hablar.

Considerada como la voz más consistente, emocionante y original del teatro irlandés (The Irish Time), la autora de este vibrante texto, lleva más de una veintena de obras a sus espaldas. Como ella misma afirma: En el teatro solo hay dos temas que me interesan, el amor y la muerte. Mármol gira en torno a estos dos conceptos sobre los que se sustentan los

miedos humanos. El amor como concepto abstracto y evolutivo de las emociones vitales y la muerte entendida como

el final inesperado de algo perfectamente trazado. La muerte del amor, en definitiva, esa que llega cuando las dudas invaden. Todo ello abordado de una manera personal, sensible, y respetuosa desde la racionalidad de los instintos y el pragmatismo de los sentimientos. Con una gran interpretación por parte del elenco, José Luis Alcobendas, Elena González, Susana Hernández y Pepe Viyuela completan un extraordinario reparto. Son capaces de volcar una fuerte carga emocional sobre las tablas que hace ineludible la empatía con la trama. Tanto, que las preguntas serán inevitables... La compañia El Vodevil ha dado en la clave, como ellos mismos dicen teatro se puede hacer de muchas maneras, pero no todas nos gustan. Sin duda esta forma de hacer teatro se nota que os gusta. Perdón, nos gusta.

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TEATRO COMPAÑÍA RON LALÁ/CNTC

MARZO

3 4

21 : 00 h

Cervantina Dirección: YAYO CÁCERES.

Cervantina; del teatro clásico al ronlalerismo.

Esta compañía española es a los clásicos lo que la arqueología a la historia. En tiempos de pan y circo y culturetas sin cultura, sus fundadores se han propuesto recuperar el sentido original de los grandes clásicos, ese que estaba pensado para ser entendido y disfrutado. En palabras de Álvaro Tato los textos clásicos tienen algo muy popular. Son una fiesta porque estaban escritos para gente que no sabía leer. No era un teatro intelectual. Si escuchas a Cervantes estás sobre todo con un colega. Más que una compañía, Ron Lalá se ha convertido en una marca con sello propio; una forma de entregarse a la sátira y a la libertad. En definitiva, ser ronlalero es dejar que el alma baile y el verso vuele. 26

Álvaro Tato y Yayo Cáceres, lo han vuelto a hacer; han quitado la caspa a un texto escrito hace cuatro siglos,saldando la deuda siempre pendiente con Don Miguel, un autor tan excéntrico como visionario. La dirección ha hilvanado magistralmente todos los elementos de un montaje dinámico y mutable, sembrado de talento y agudeza. Todo gracias a la iluminación

de Miguel Ángel Camacho, el creativo vestuario de Tatiana de Sarabia, la eficaz escenografía de Carolina González y la insuperable dirección musical de Miguel Magdalena. Cervantina, sintetiza el espíritu lúdico y popular de gran parte de la obra del autor de El Quijote. Los mínimos elementos, la máxima expresividad, así como su ritmo preciso y un montaje

ingenioso caracterizan esta obra esférica. Una creación que transmuta y está en constante evolución. La música en directo —como marca de la casa— junto con su texto pintoresco, crean una obra redonda perfectamente ensamblada. El Quijote es libertad; Ron Lalá y su Cervantina, el canal que te acerca a ella.

© David Ruiz

Es tiempo de teatro, así como es tiempo de Cervantes. Pero sobre todo es tiempo de Ron Lalá. Compañía que, además de obtener el Premio Max 2013 a la Mejor Empresa/Producción Privada de Artes Escénicas, obtuvo la nominación al Premio Max 2013 al Mejor Musical y el Premio del Público del Festival de Olmedo y Festival FIOT 2013 por Siglo de Oro, siglo de ahora (Folía), entre otras distinciones. Un intenso recorrido.

TEATRO LAVÍ E BEL

Vuela

MARZO

9 10 11

11 : 00 h* 21 : 00 h

21 : 00 h

* Funciones didácticas para centros docentes

Guión y dirección: EMILIO GOYANES.

Hay una isla muy lejana en la que los hombres no pueden dormir atormentados por el ruido ensordecedor de las estrellas. Las mujeres sí duermen y cuando despiertan no saben si son mujeres que han soñado que fueron águilas o si son águilas que están soñando con ser mujeres. Por sus 24 años de trayectoria ininterrumpida y por ser historia reciente y actual de las artes escénicas en Andalucía, la Feria de Teatro en el Sur de Palma del Río rindió, en su XXXIII edición, un merecidísimo homenaje a la compañía granadina. Allí Emilio Goyanes, su director, declaraba: Han sido 24 años sacando a la luz ideas que solo eran fantasmas sobre el guión. Cada espectáculo ha sido una aventura, una selva que poco a poco hemos ido desbrozando, buscando caminos entre la espesura. Nos hemos metido en muchos jardines desconocidos. A veces hemos encontrado algo valioso, otras veces simplemente nos hemos perdido, pero siempre hemos mantenido vivo ese espíritu de exploradores. Movernos en el terreno del teatro de creación no nos hace mejores, ni peores, simplemente nos obliga a pensar desde más puntos de vista y nos permite perdernos por caminos que a veces nos llevan a sugerentes espacios vacíos, en los que encontrar algo sencillo de nosotros mismos, algo más humano y cercano o no.

© Juan José Palenzuela

Su nueva propuesta, Vuela, es un espectáculo para dos actrices, en el que Laví e Bel mezcla recursos que van del humor a lo poético y de la realidad más descarnada al vuelo de lo que podría ser... Podría ser un viaje a través de tu propia vida: Hay dos mujeres que cambian de piel constantemente, que se enfrentan a la realidad para mirarla desde muchos puntos de vista. Mirada cubista. La vida es compleja y en el fondo tan simple… Mujeres fuertes, independientes y sólidas, en un mundo que todavía no ha asumido del todo, que las cosas cambian, que no hay marcha atrás, que solo queda un camino y es un camino gozoso. Dos mujeres que son muchas mujeres, las de mil nombres, las sin nombre, las muy nombradas. Viven en un escenario, es decir, en cualquier sitio, en todas partes: el escenario está en tu cabeza y tu cabeza está llena de puertas. El teatro tiene eso: construye en tu mente y tu mente es una enorme biblioteca llena de imágenes. Te lo decimos a ti, espectador. 27

DANZA CONTEMPORÁNEA FERNANDO LIMA/EL PUNTO! DANZA TEATRO Y DANZAS URBANAS

MARZO

15

21 : 00 h

El Olimpo no es aquí Dirección, idea original y coreografía: FERNANDO LIMA. Espectáculo para 4 bailarines.

La danza contemporánea de Fernando Lima vuelve al break dance dando fe del compromiso de su trabajo con la mezcla de disciplinas artísticas.

El Alhambra ha acompañado algunas de las últimas escalas del viaje que Fernando Lima comenzara en 1997 con la creación de su célula de trabajo bajo el nombre de El Punto! Danza Teatro. Aunque su actividad en España dio a luz en 1992. Desde entonces hasta aquí, este coreógrafo, bailarín y gestor cultural, comprometido con las últimas tendencias de la danza contemporánea, no ha dejado de ser fiel a sus principios: Crear partituras coreográficas con nuestra propia cotidianidad como telón de fondo para las discusiones y reflexiones que planteamos, pues lo que sugerimos no es más que la confrontación con una parte de nosotros mismos. Pionero en Sevilla en lo que se refiere a los lenguajes del 28

movimiento urbano, con especial atención a la sintaxis del Hip Hop, —buena muestra de ellos son los espectáculos realizados en 2000 y 2001 con breakers sevillanos— vuelve ahora, con el bagaje enriquecedor de su lenguaje contemporáneo, al género con el que tanto disfrutó.

Pero ¿de qué nos habla Fernando en esta nueva producción con referencias al Olimpo? Según sus palabras: La presencia del deporte en la sociedad contemporánea es sin duda cada vez mayor. Los deportistas son ídolos con una presencia cada vez más

amplia. Son los nuevos Dioses del Olimpo, pero muchas veces no por su conducta ejemplar. Son un espejo de una sociedad competitiva, en la que se premia el juego hediondo, siempre que el resultado final sea el triunfo... La descontextualización de las esencias del deporte se ha generalizado tanto que ya es otra cosa diferente, con reglas diferentes. Más cerca del espectáculo y del negocio que de una competición para mejorarse a uno mismo.

© Eva Viera

El trayecto creativo de Fernando Lima en los últimos años goza de una salud envidiable con un “punto” de hiperactividad que lo está llevando casi cada año a ofrecernos una nueva entrega de su proyecto coreográfico.

CLOWN SÍNDROME CLOWN

MARZO

16 17 18

21 : 00 h

Mejor... es posible Idea original y guión: SÍNDROME CLOWN. Dirección: FERNANDO FABIANI.

Probablemente hayas estado antes en muchas otras conferencias y puede que alguna haya sido mejor, es posible, pero ésta no te dejará indiferente… ¡una conferencia sin vergüenza!

© Luis Castilla

Víctor Carretero y Práxedes Nieto son dos viejos conocidos en nuestro Teatro. Dos habituales de nuestro escenario. Comenzaron su brillante trayectoria en el año 1998. Este circo no es normal, Clownquistadores, Estocolmo se acabó el cuento o Cineclown 3D, entre otras, jalonan una trayectoria artística dedicada al muy noble y cada vez más imprescindible arte de hacernos reír. En esta ocasión, como si de una ‘conferencia normal’ se tratase, los Síndrome Clown nos harán reflexionar sobre la felicidad del ser humano, la risa y sus beneficios, el optimismo y el pesimismo con el que afrontamos nuestro día a día, la crisis económico-social-artística que nos rodea y cómo todo ello influye en nuestro estado de ánimo.

Porque... si eres autónomo, tu nómina es miserable o no sabes lo que es una nómina... ¡Bien!, Que encuentres un trabajo mejor, es posible. Si no puedes pagar tu hipoteca, pagas a duras penas un alquiler o vives todavía con tus padres... ¡Estupendo! Que te vaya mejor, es posible. Si no eres feliz en tu matrimonio, no encuentras pareja o nunca la has tenido... ¡Perfecto! Que tengas una relación mejor, es posible. Si todo te sale mal y/o no recuerdas la última vez que te reíste... ¡Enhorabuena! Que a partir de hoy te sientas mejor, es posible. No faltes a esta cita con estos dos cómicos superlativos en el Teatro Alhambra: es posible que una vez transcurrida hayas mejorado tu percepción de la vida, las perspectivas de tu negocio o tus relaciones personales y emocionales con los que te rodean... ¡Qué así sea!

Esta es la tesis de los cómicos sevillanos: sentirse mejor es posible. 29

TEATRO LASAL TEATRO

MARZO

22 23 24 MES11 : 0017h* 25 31

18 20 ::00 00 hh

* Funciones didácticas para centros docentes Edad recomendada de 1 a 4 años

Sin palabras (se las llevó el aire...)

Autoría y dirección: JULIA RUIZ CARAZO.

Están ahí, durmiendo tranquilas, como si nada pudiera alterarlas. Pero llega el aire sin avisar, sin preguntar, sin parar, tocando todo lo que encuentra a su paso. Entonces una de ellas deja que empuje su cuerpo y mueva sus manos. Y baila por primera vez. La otra deja que entre en sus pulmones y escucha los sonidos que salen de su boca… Y canta por primera vez. Poco a poco descubren el aire: el que nos envuelve, nos empuja, nos acaricia y ocupa el vacío que dejamos. El aire que alborota el pelo, seca la ropa o se cuela por las rendijas para aullar su presencia. Cuentan sin necesidad de hablar. Se quedaron sin palabras… o quizá se las llevó el aire.

FETEN, la Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas premió en su edición 2016 a cuatro compañías andaluzas. Tres de ellas granadinas. LaSaL Teatro lo fue en su categoría de Premio al Mejor Espectáculo para la Primera Infancia. Granada es, sin duda, terreno abonado para el teatro infantil. Un numeroso grupo de profesionales de las artes escénicas han puesto en esta ciudad, desde hace lustros, al mal llamado público del futuro

—lo es del presente— como destinatario de sus brillantes creaciones. La obra de Julia Ruiz Carazo con LaSaL Teatro es una parte esencial de ese valioso acervo.

Nunca hemos olvidado algunos aspectos básicos para la evolución de nuestro trabajo, el estudio teórico del desarrollo en las distintas etapas de crecimiento, la relación con los docentes para asesoramiento y creación de proyectos conjuntos sobre el arte y la escuela, el encuentro con padres y madres, los talleres, las conferencias... Sabemos que la labor fundamental es acompañar al nuevo espectador a través de todos los ciclos escolares y llevarlo a través de un largo viaje de descubrimiento, de alfabetización teatral. Me gusta hablar de las cosas sin tener que diseccionarlas ni evidenciarlas. No quiero enseñarles nada. Quiero que algo se huela, se sienta en el aire, o se vea por la nariz. Ayudar a que intuyan, aunque no entiendan. Que vean solo una parte, y que imaginen lo que no está. O que imaginan lo que vean, o lo que quieran. Dar sensaciones. Quieren aprenderlo todo y debemos, con el mayor de los respetos hacia ellos y su mundo, darles lo mejor de nosotros mismos. Julia Ruiz Carazo

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© Joaquín Puga

Lasal Teatro presenta Sin palabras... Premio Feten 2016 al mejor espectáculo para la primera infancia.

DANZA LOUISE LECAVALIER/COMPAGNIE FOU GLORIEUX

MARZO

29

21 : 00 h

Mille batailles Concepto y coreografía: LOUISE LECAVALIER. Interpretación: ROBERT ABUBO y LOUISE LECAVALIER. Música en directo: ANTOINE BERTHIAUME. Espectáculo para 2 bailarines y un músico.

ESTRENO EN ESPAÑA en complicidad con el Teatro Central Con la colaboración de Conseil des arts et des lettres du Québec y Conseil des arts du Canada.

La brillante star de la compañía canadiense La La La Human Steps de comienzos de los 80, Louise Lecavalier, se convirtió en caballero andante para recorrer un camino artístico altamente personal creando su propia compañía en 2006: Fou Glorieux. Toda una declaración de intenciones. Multipremiada —se convirtió en Oficial de la Orden de Canadá en 2008 como reconocimiento a su legendaria contribución a la danza contemporánea—, Louise Lecavalier siempre ha sorprendido por la energía y el peligro físico de los movimientos que componen su lenguaje dancístico. Hasta la fecha Lecavalier es única a la hora de entregar su cuerpo sobre el escenario a una especie de fuerza bruta, olvidando en el camerino cualquier forma de intelecto o formalismo.

En Mille batailles, espectáculo inspirado en El caballero inexistente de Italo Calvino, la creadora nos sitúa frente a un personaje insólito, enigma de un cuerpo armadura que se defiende de los envites de la vida y la sociedad en un conflicto permanente.

El escenario es un ring, un terreno de combate, en el que se desarrollan, en nueve rounds, mil batallas efímeras. Impulsados por una pulsión indefinible, los dos intérpretes se lanzan a una aventura tan pura como loca, una aventura que define el sentido de su existencia. Vibran, brincan, se agitan, se miran, se imitan, trotan, corren, giran….

Extraños y, sin embargo, tremendamente humanos, persiguen sus sueños y nos conducen hacia territorios lejanos en sus derivas imaginarias. La revista especializada Tanznetz.de, Dresde, se refería al espectáculo como un mecanismo de relojería.

© Carl Lessard

Fuerza intranquila, Louise Lecavalier ve la danza como un arte radical, como una lucha tanto física como psíquica, como un desafío.

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TEATRO PATA TEATRO

El árbol de mi vida

MARZO

30

12 : 00 h*

31

10 : 00 h* 12 : 00 h*

ABRIL

1

18 : 00 h

2

12 : 00 h

* Funciones didácticas para centros docentes

Dirección: JOSEMI RODRÍGUEZ. Guión: MACARENA PÉREZ BRAVO y JOSEMI RODRÍGUEZ. Producido por Pata Teatro en colaboración con Grupo ASV y Meridiano Seguros.

Preciosa y engañosamente sencilla / Tierna y emotiva / la obra perfecta para que los padres vayan al teatro con sus hijos. Así habla la crítica de la estupenda historia de Pata Teatro. El árbol de mi vida narra en tono de comedia, la vida de un matrimonio, Él y Ella, que comparten su existencia juntos. Al llegar a la vejez, a Ella le gusta sentarse bajo el árbol donde han vivido tantos momentos felices, para recordar su historia. La compañía malagueña nos habla en este entrañable espectáculo del ciclo de la vida, de sus distintas fases: el nacimiento, las primeras palabras, el paso por el colegio, cómo se conocen Él y Ella, cómo nace su hijo Pequeñín, el primer viaje que emprenden los tres juntos... Todos esos acontecimientos están escritos en Su Árbol y, poco a poco, a través de sus hojas conocemos su historia, la vida de Él y de Ella y todos los momentos que vivieron juntos.

Pata Teatro es una compañía procedente de Málaga, que desde 1998 se dedica a la producción y gestión artística y cultural de los diferentes proyectos que genera. En todo este recorrido ha logrado canalizar esa labor al servicio tanto de instituciones públicas como privadas, con proyectos y emprendimientos que abarcan diferentes disciplinas artísticas. Desde sus comienzos ha producido un total de diecisiete espectáculos que han paseado por multitud de festivales y encuentros teatrales por todo el territorio nacional. 32

© Francisco Rubio

La propuesta, premiada en la Feria Europea de Artes Escénicas Para Niños y Niñas 2015 —FETEN— por llevar a escena la poética de lo cotidiano habla en tono amable, positivo, cariñoso y divertido de los recuerdos que vamos guardando de las personas con las que crecemos. De todo lo que vivimos con ellos. Estos recuerdos son los que hacen que una persona siempre esté con nosotros.

TEATRO/MÚSICA MIA LAM

ABRIL

6

21 : 00 h

Reinvention Tour De ALBERTO CORTÉS y NEREA CORDERO.

Mia Lam quiere avanzar como avanzan los gusanos: transformándose en mariposas que puedan salir volando. ¡Qué empiece la fiesta!... Ellos ponen la música. Wellcome to Reinvention Tour… The night is young.

© Fede Serra

Mia Lam es una plataforma de creación formada por profesionales de amplia trayectoria en las artes escénicas y la música. Nace a principios del año 2015 por el deseo de sus componentes de crecer, de cambiar, de buscar un camino diferente y propio. La voz de Mia Lam es Nerea Cordero, siempre espléndida en sus trabajos musicales, teatrales y audiovisuales. Los habituales del Teatro Alhambra la conocerán bien por sus interpretaciones en Cabaret Popescu, El tren de la lluvia, Cabaret líquido o La barraca del zurdo de Laví e Bel. En 2013 recibió el Premio Andaluz de Teatro a la mejor actriz de reparto. Junto a ella este Reinvention Tour traerá a nuestro escenario a algunos de los más brillantes músicos de la escena andaluza: Morten Jespersen, es un pianista danés afincado en Granada, versátil donde los haya, domina muy diferentes estilos como el jazz, el blues, el gospel o el rock and roll. También ha trabajado, entre otros, con la compañía Lavi e Bel, Proyecto Ludo; bandas como Lagartija Nick, Grupo de Expertos Solynieve y artistas como Roko o Ángela Muro. Un pianista de lujo. En la percusión, Javier Viana, actor, autor, director y productor independiente. Ha trabajado, entre otros, para la compañía de Blanca Li, Carmen Linares o Toni Zenet. Se caracteriza por su

continua búsqueda de nuevas tímbricas y su versatilidad como multiinstrumentista. El contrabajo es responsabilidad de Miguel Pimentel, contrabajista formado con músicos de nivel internacional como Niko Langenhuijsen en Holanda, Zé Eduardo en Portugal o Douglas Weiss en Nueva York. Combina su labor como profesor con las giras en festivales nacionales e internacionales. Las teclas son del antequerano José Miguel Pedraza cuya versatilidad dentro del mundo del jazz, el flamenco y la fusión le han hecho compartir escenario con músicos de la talla de Perico Sambeat, Rubem Dantas, Jorge Pardo, Chonchi Heredia, Tito Alcedo, Angy Bao o Miguel Ríos. Reinvention Tour es concierto y teatro al cincuenta por cien. Una mezcla explosiva de jazz, swing, Madonna, copla, mambo, coreografía, manipulación de objetos, texto, humor, crítica y pellizco. Una cantante y sus músicos a la deriva buscan su rumbo… ¡¡¡Renovarse o vivir!!! No os perdáis esta verbena exquisita, una fiesta sonora para celebrar la vida, con sus luces y sus sombras. Dejaos llevar, con Mia Lam y su ecléctico repertorio, a este viaje de una punta a otra del mundo sin olvidar de dónde partimos. 33

CONCIERTO PARA PIANO TITIRITRÁN TEATRO Y TEATRO DE OBJETOS

Arturo y Clementina

ABRIL

19 20 21 23

11 : 00 h*

22

18 : 00 h

12 : 00 h

* Funciones didácticas para centros docentes Edad recomendada de 5 a 9 años

Autora: ADELA TURÍN.

Lecciones para no aprender a paso de tortuga.

Titiritrán trae un tema de importante calado social; la violencia psicológica a partir de los cuentos de Adela Turín, escritos en la década de los 70. Los cuentos de Turín tenían como objetivo principal construir un mundo mejor, más igualitario, libre de estereotipos sexistas y discriminación. Arturo y Clementina es quizás uno de sus cuentos más reconocidos a nivel mundial. Arturo y Clementina son dos tortugas enamoradas que deciden compartir su vida. Clementina es alegre, vivaz y soñadora y Arturo carga sobre su caparazón la responsabilidad de mantenerla y ofrecerle todo 34

lo que él considera valioso. Pero los criterios de ambos son muy diferentes. Mientras Clementina quiere sentir el arte y la vida creando, Arturo solo valora la cultura ya consagrada y se ríe de la “ingenuidad” de su compañera al querer desarrollar distintas actividades artísticas. Clementina va cargando en sus espaldas los prejuicios e inseguridades de su compañero, hasta verse totalmente aprisionada.

Por una vez han dejado a un lado los títeres a los que nos tienen acostumbrados para recuperar el teatro de sombras a través de la perspectiva de una mesa de luz. Un teatro íntimo y cercano. Diferente. Especial. Si la escenografía es acogedora, el piano del joven compositor Héctor E. Márquez acompañado de la voz de Elena Simionov

hacen las delicias del patio de butacas. Grandes y pequeños se funden en uno. Arturo y Clementina son los nombres de dos tortugas; las protagonistas de esta historia tan común como injusta y arcaica; ella deseosa de crecer, crear y disfrutar. Él inseguro de las inquietudes de ella, ¿acaso no es suficiente con lo que él le da?

© Juan Antonio Cárdenas

Con un importante reconocimiento a sus espaldas, la compañía andaluza Titiritrán llega a los teatros andaluces para presentar su última obra, Arturo y Clementina, espectáculo también galardonado con el Premio Especial FETEN 2016 por la sensibilidad al abordar el tema de la violencia psicológica y por su puesta en escena músico-teatral a seis manos. Recomendada por la Comisión Artística de la Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública.

TEATRO LA JOVEN COMPAÑÍA

ABRIL

27 28

17 29 31 2021 : 00 h

MES 10 : 00 h* 12 : 00 h*

* Funciones didácticas para centros docentes

Punk Rock

De SIMON STEPHENS. Versión: JOSÉ LUIS COLLADO. Dirección: JOSÉ LUIS ARELLANO. En Punk Rock siete jóvenes, en pleno tránsito hacia la vida adulta, se enfrentan a los exámenes que les abrirán las puertas de la universidad y les permitirán huir del suburbio industrial en el que han crecido. La presión es máxima y cada uno deberá lidiar con ella a su manera. Pero no todos están preparados para soportarla.

© Javier Naval

Simon Stephens (1971), uno de los más brillantes dramaturgos contemporáneos que, increíblemente, nunca antes había sido representado en España, dibuja un preciso retrato de los jóvenes de nuestros días, de sus inquietudes y sus miserias, del ecosistema educativo y el futuro difuso que les espera. Utilizando un lenguaje muy rico en matices y un registro casi bipolar, el texto se adentra en el universo de los estudiantes sobresalientes en un mundo que necesita mejorar. Para José Luis Arellano, el director, es muy difícil hablar de Punk Rock sin contar parte de su anécdota, y sin destripar una experiencia teatral que no quiero sustraer a nadie. Sin embargo, sí puedo hablar de lo que me motivó a elegir este texto. Un texto violento y bello que recoge

La Joven Compañía de nuevo en el Teatro Alhambra. Vuelve a nuestro escenario el apabullante talento conceptual e interpretativo de este singular proyecto cuyo Hey Boy Hey Girl obtuvo el aplauso unánime de sus jóvenes espectadores la pasada temporada.

en su esencia la brutalidad y el miedo de ser adolescente. Un grupo de jóvenes inteligentes, encerrados en una biblioteca, se preparan para sus exámenes finales y mas allá, para decidir qué van a ser en el futuro. La presión del sistema educativo, familiar y social hace que algunos comportamientos se salgan de la norma, y la violencia se desate en su pequeño ecosistema. La violencia, como algo implícito en la esencia del joven; la angustia y la frustración que nos impelen a realizar actos sólo justificables en la oscuridad que provoca el miedo; el deseo incontrolable como lenguaje oculto en los

pliegues del alma, y la necesidad de existir, de ser, en un mundo que se nos descompone y al que no tenemos más remedio que plegarnos o escapar. Huir hacia un lugar desconocido. Todo esto es Punk Rock, pura esencia adolescente, pura energía juvenil. Frente a nuestros ojos, los siete jóvenes que componen este retrato actual del mundo se nos presentan como un espejo del que es imposible escapar. Cualquiera se puede sentir identificado. Cualquiera es susceptible de ser golpeado por ellos. Os invito a todos, a los que fueron jóvenes y a los que lo son, a un viaje sin retorno a aquella edad en la que todo era blanco o negro, y donde el dolor se colaba en las entrañas del intestino como un grito ahogado. Uno de los personajes de la historia dice, “todo lo que hacen los seres humanos termina mal”. Deseo que este grito de horror de Punk Rock se convierta en una pequeña lección que nos haga reconvertir esa sentencia en la de otro personaje que contesta: “Podemos educarnos los unos a los otros”. Este es mi deseo, que en esta lucha descarnada por sobrevivir podamos educarnos los unos a los otros. Y si no, quién sabe… Punk Rock.

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TEATRO LA ZARANDA. TEATRO INESTABLE DE NINGUNA PARTE

MAYO

5 6

21 : 00 h

Ahora todo es noche

De EUSEBIO CALONGE. Dirección: PACO DE LA ZARANDA. Con GASPAR CAMPUZANO, ENRIQUE BUSTOS y FRANCISCO SÁNCHEZ. En coproducción con el Teatre Romea de Barcelona.

La irresistible —por lo singular de su trayectoria— célula escénica de La Zaranda llega para ofrecernos su último vómito escénico lejos de fórmulas estereotipadas.

Ya son más de cuatro las décadas que La Zaranda cumple sobre los escenarios, hablando de lo que siempre han apostado por tratar: la deshumanización y la trascendencia. Ahora esa pequeña y bien avenida tribu artística que se constituyó en Jerez, ha decidido ampararse bajo el epígrafe de Teatro Inestable de Ninguna Parte. Parece lógico que estos nómadas definan así sus coordenadas, hace años deberían haberlo hecho. 36

Porque La Zaranda —con unas raíces andaluzas más que identificables— son de Jerez por origen, pero la universalización de su lenguaje ha hecho que también sean de Berlín, de París, de Buenos Aires, de Caracas, de Bruselas… Son “de ninguna parte” porque a todas pertenecen. En cualquier lugar que exista un amante de la poesía escénica, y eso quiere decir “el universo”, las propuestas de estos cuatro artistas son esperadas en estado de febril agitación.

El caso es que La Zaranda es una rara avis de la escena española, que no se casa con nadie, que no calla ante nadie, cuya poética del desgarro (más bien del desgarrón) nunca llegó a los teatros comerciales, aunque en los últimos 15 años fue introduciéndose, poco a poco, como una droga irresistible, primero en el Teatro de La Abadía, luego en el Teatro Español, en el templo sagrado del María Guerrero, sede del CDN, por no hablar de la mayor parte de festivales y teatros de toda Europa.

Pero ¿de qué va Ahora todo es noche? Según el dramaturgo de la compañía Eusebio Calonge: No hay más que noche, como un resto de infinito, una oscuridad más allá del horizonte, clausurado a toda luz. En ella el hombre no es más que una sombra, indigente ya del cielo, vagabundea sin encontrar sueños en los que refugiarse, rebusca entre retales de ideas, desperdicios de futuro, fracasos de todo tipo, sin que nada les sirva ya de abrigo. Sin poder encender la lumbre con la que antes cruzaba la esperanza. Paco, Eusebio, Enrique, Gaspar… una vez más… ¡Bienvenidos!

© La Zaranda

Una vez más La Zaranda, que recibió el Premio Nacional de Teatro en 2010, quiere ser un grupo que sea discernidor, que preserva lo esencial y desecha lo inservible, desarrollando una poética teatral que, lejos de fórmulas estereotipadas o efímeras, ha consolidado un lenguaje propio, que siempre intenta invocar a la memoria e invitar a la reflexión.

TEATRO LICAÓN TEATRO

MAYO

12 13

20 21 : 00 h

Val del Omar sin fin Guión y dirección: PIÑAKI GÓMEZ.

ESTRENO ABSOLUTO

La danza, el flamenco, la palabra, el musical y un universo tecnológico, son las herramientas con las que se construye este catálogo de poemas visuales que es Val del Omar sin fin. Por su capacidad transformadora, por acercarnos a lo más excelso, por enseñarnos que la fusión es algo puro, por su inmenso potencial teatral y, sobre todo, por su necesidad infinita de crear siempre en busca de algo propio y único, Licaón Teatro ha elegido a José Val del Omar como el motor de su nuevo montaje. Licaón Teatro, la joven compañía fundada en Granada en 2013, fue una de las más agradables sorpresas que nos deparó nuestra temporada teatral 14/15. Su Salomé se convirtió en uno de los espectáculos más vistos hace dos años. Piñaki Gómez y los suyos vuelven al Teatro Alhambra y lo hacen para reivindicar la figura del cineasta granadino José Val del Omar. Al pionero homenaje que, desde el ámbito musical, le rindió el soberbio grupo de punk rock Lagartija Nick en su disco Val del Omar, hace algunos años, se une ahora esta creación dramática.

© Fede Serra

Val del Omar sin fin no es sólo un homenaje a una figura crucial en la Historia del Cine, es, en palabras de Piñaki Gómez, una auténtica declaración de intenciones: si hay algo que como creador le interesaba al cineasta granadino es el espectador. Anhela, como también lo hace Licaón Teatro, un público nuevo, activo, al que ofrecerle experiencias multisensoriales. Persigue la conmoción. La propuesta de la compañía granadina pretende transferir el universo del cineasta al escenario dramatizando algunos de sus revolucionarios conceptos como la visión táctil o el desbordamiento panorámico, este último, rompiendo los límites físicos del escenario con trampantojos audiovisuales o con la interacción con el exterior. Olores, sabores, personajes fílmicos y un trabajo de ingeniería sonora completan esta interesantísima creación que usa los poemas visuales que componen el Tríptico elemental y Tientos de erótica celeste de Val del Omar, como estructura de la pieza dramática. 37

XIX FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CON TÍTERES, OBJETOS Y VISUAL Del 19 al 28 MAYO

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CICLO FLAMENCO VIENE DEL SUR Flamenco Viene del Sur es una programación flamenca iniciada en 1996. Es, por tanto, un ciclo consolidado que se ha convertido en una cita tradicional para el público andaluz en los lugares donde se celebra: Sevilla, Málaga y Granada. Un público que con su presencia ha mostrado, año tras año, su apoyo a un programa que conjuga madurez y lozanía, veteranía y juventud, en un equilibrio sólido y estable en el que tienen cabida tanto las raíces más jondas del

flamenco como las voces y propuestas escénicas más actuales. Flamenco Viene del Sur es una iniciativa de la Consejería de Cultura, a través del Instituto Andaluz del Flamenco, que surgió con el objetivo de situar el espectáculo flamenco a nivel de cualquier manifestación de las artes escénicas y con la intención de incidir en la profesionalización del sector desde un punto de vista artístico, mediante el apoyo a la creación y la consolidación

del tejido profesional del flamenco. Su programación presenta propuestas que dejan ver la riqueza artística de este arte y que tiene en cuenta la igualdad de género, la excelencia artística y el equilibrio. En su nueva convocatoria, Flamenco Viene del Sur ha ofrecido como novedad la inclusión de un programa específicamente destinado a los más pequeños, llamados a ser el público y la afición del futuro, en el Teatro Cánovas de Málaga.

PROGRAMACIÓN 21 : 00 h

FEBRERO MARZO

20 6 13 20 27

ABRIL

3 24

MAYO

8 15 39

OCTUBRE 2016

NOVIEMBRE 2016

14) 21h Fuera de Abono

2) 3) 21h

18) 19) 21h

O SISTER!

PERE FAURA Sin baile no hay paraíso

TEATRO EL ZURDO El minuto del payaso

CONCIERTO INAUGURACIÓN DE TEMPORADA HELENA AMADO, soprano; MARCOS PADILLA, tenor; PAULA PADILLA, alto; MATÍAS COMINO, guitarra; PABLO CABRA, batería y CAMILO BOSSO, contrabajo.

22) 21h 23) 19h TEATRO

Clôture de l’amour (Clausura del amor)

Texto y dirección:PASCAL RAMBERT. Con BÁRBARA LENNIE e ISRAEL ELEJALDE.

28) 11h* 21h 29) 21h TEATRO

TITZINA TEATRO Distancia siete minutos

Dramaturgia y dirección: DIEGO LORCA y PAKO MERINO. Con DIEGO LORCA y PAKO MERINO.

DANZA

Dirección y performance: PERE FAURA.Textos: PERE FAURA y ANNE TERESA DE KEERSMAEKER. Espectáculo dentro del Circuito Danza a Escena. Red Española de Teatros de Titularidad Pública.

24) 21h Fuera de Abono. MÚSICA URBANA

MAIKA MAKOVSKI Presentación de su nuevo disco Chinook Wind

OMAR MEZA/DA.TE DANZA Pies de bailarín

25) 26) 21h

DANZA

Interpretación y coreografía: OMAR MEZA. Dirección: VALERIA FABRETTI (TESTONI RAGAZZI) y YUTAKA TAKEI. Colaboración: PACO PASCUAL (CHUSQUIN) y ROSA DÍAZ (LA ROUS). Dramaturgia y textos: JUAN MATA y GRACIA MORALES. Coreografía. YUTAKA TAKEI. Colaboración: ALFONSO ORDÓÑEZ.

12) 21h ROBERTO OLIVÁN/ENCLAVE ARTS DEL MOVIMENT Lonely Together

PROGRAMACIÓN SUSCEPTIBLE DE CAMBIOS

De JOSÉ RAMÓN FERNÁNDEZ. Dirección: FERNANDO SOTO. Con LUIS BERMEJO.

4) 21h 5) 18h 6) 12h 7) 8)11h*

DANZA

40

TEATRO

Dirección, creación e interpretación: ROBERTO OLIVÁN y GREGORY MAQOMA. Espectáculo para 2 bailairines Espectáculo dentro del Circuito Danza a Escena. Red Española de Teatros de Titularidad Pública.

* Funciones didácticas para centros docentes

TEATRO

COMPAÑÍA DE TEATRO IGNACIO ANDREU Cuando perdí la cabeza

Dirección: JORGE BARROSO “BIFU”. Intérprete: IGNACIO ANDREU.

30) 21h

CIRCO/TEATRO/DANZA

MARTIN ZIMMERMANN Hallo Concepto, puesta en escena, escenografía, coreografía e interpretación: MARTIN ZIMMERMANN.

ESTRENO EN ESPAÑA en complicidad con el Teatro Central

Espectáculo presentado con la ayuda de pro Helvetia - Swiss Arts Council.

DICIEMBRE 2016

ENERO 2017

FEBRERO 2017

2) 3) 21h

13) 14) 21h

3) 4) 21h

CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL Reikiavik

BLANCA PORTILLO/JOSÉ LUÍS GARCÍA-PÉREZ El cartógrafo

TEATRO DE LA ABADÍA/ LAZONA La respiración

TEATRO

Texto y dirección: JUAN MAYORGA. Con CÉSAR SARACHU, DANIEL ALBALADEJO y ELENA RAYOS.

10) 21h 11) 19h 12) 11h* TEATRO

TNT/ATALAYA Marat-Sade

De PETER WEISS. Dramaturgia y dirección: RICARDO INIESTA. Coproducción con GREC Festival de Barcelona.

15) 16) 10h* 12h* 17) 18h TEATRO

TEATRO CLÁSICO DE SEVILLA Don Quijote en la patera

Texto: ALFONSO ZURRO. Dirección: ANTONIO CAMPOS. Espectáculo destinado a público familiar (a partir de 5 años).

22) 23) 26) a 30) 18h TEATRO

CAMPAÑA DE NAVIDAD PARA TODA LA FAMILIA

TEATRO

Texto y dirección: JUAN MAYORGA.

20) 21) 21h TEATRO

GREC FESTIVAL DE BARCELONA 2016/ VELVET EVENTS/BUXMAN PRODUCCIONES Yo, Feuerbach

De TANKRED DORST. Adaptación: JORDI CASANOVAS. Director: ANTONIO SIMÓN. Con PEDRO CASABLANC y SAMUEL VIYUELA GONZÁLEZ.

27) 28) 21h CIRCO

LUDO CIRCUS Ludo Circus Show

Dirección y dramaturgia: ANTONIO J. GÓMEZ 'EL GRAN DIMITRI'. Un proyecto en colaboración con la AAIICC.

TEATRO

Texto y dirección: ALFREDO SANZOL. Con NURIA MENCÍA y VERÓNICA FORQUÉ, entre otros.

10) 11) 21h TEATRO

AVANTI TEATRO El Jurado

Dirección: ANDRÉS LIMA. Autor: LUIS FELIPE BLASCO VILCHES. Con ISABEL ORDAZ, PEPÓN NIETO y VÍCTOR CLAVIJO, entre otros.

15) 21h

DANZA/MÚSICA

TERESA NAVARRETE/ MIGUEL MARÍN Domando a Pinball

Coreografía e interpretación: TERESA NAVARRETE. Música e interpretación: MIGUEL MARÍN. Con la colaboración de MARÍA CABEZA DE VACA.

18) 21h

DANZA – PROYECTO EUROPEO/ Escuela Pública de Formación Cultural de Andalucía

LET’S DANCE Home Sweet Home

Dirección artística: WILFRIED VAN POPPEL. Coreografías: TRINIDAD CASTILLO y CARMEN VILCHES (Granada); GRIETINE MOLENBUUR (Leeuwarden); ANNA HENRICK y LAURA SMITH (Glasgow) y WILFIED VAN POPPEL y AMAYA LUGBEIT (Bremen).

ESTRENO ABSOLUTO

Proyecto co-financiado por el programa Europa Creativa.

20) 21h

FLAMENCO VIENE DEL SUR

24) 25) 21h TEATRO

EL VODEVIL Mármol

De MARINA CARR. Dirección: ANTONIO C. GUIJOSA. Con PEPE VIYUELA, entre otros.

ESTRENO ABSOLUTO en complicidad con el Teatro Central

COMPAÑÍA TUTTILIFAMILI Piedra, papel, tijera Idea original: TUTTILIFAMILI. Creación y dramaturgia: ANA PUERTA, NOELIA ROSA y JOSÉ RODRÍGUEZ. Dirección: NOELIA ROSA.

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ABRIL 2017

MARZO 2017 3) 4) 21h

22) 23) 24) 11h* 25) 18h

1) 18h 2) 12h

COMPAÑÍA RON LALÁ/CNTC Cervantina

LASAL TEATRO Sin palabras (se las llevó el aire)

PATA TEATRO El árbol de mi vida

TEATRO

Dirección: YAYO CÁCERES.

6) 21h

FLAMENCO VIENE DEL SUR

Autoría y dirección: JULIA RUIZ CARAZO. Edad recomendada de 1 a 4 años.

9) 10) 11h* 21h 11) 21h

27) 21h

LAVÍ E BEL Vuela

29) 21h

13) 21h

LOUISE LECAVALIER/ COMPAGNIE FOU GLORIEUX Mille batailles

TEATRO

Guión y dirección: EMILIO GOYANES.

FLAMENCO VIENE DEL SUR

15) 21h

DANZA CONTEMPORÁNEA

FERNANDO LIMA/EL PUNTO! DANZA TEATRO El Olimpo no es aquí

Dirección, idea original y coreografía: FERNANDO LIMA. Espectáculo para 4 bailarines.

16) 17) 18) 21h CLOWN

SÍNDROME CLOWN Mejor... es posible

Idea original y guión: SÍNDROME CLOWN. Dirección: FERNANDO FABIANI.

20) 21h

FLAMENCO VIENE DEL SUR

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TEATRO

FLAMENCO VIENE DEL SUR DANZA

Concepto y coreografía: LOUISE LECAVALIER. Interpretación: ROBERT ABUBO y LOUISE LECAVALIER. Música en directo: ANTOINE BERTHIAUME. Espectáculo para 2 bailarines y un músico.

ESTRENO EN ESPAÑA en complicidad con el Teatro Central

Con la colaboración de Conseil des arts et des lettres du Québec, Conseil des arts du Canada.

30) 12h* 31) 10h* 12h*

TEATRO

Dirección: JOSEMI RODRÍGUEZ. Guión: MACARENA PÉREZ BRAVO y JOSEMI RODRÍGUEZ. Producido por Pata Teatro en colaboración con Grupo ASV y Meridiano Seguros.

3) 21h

FLAMENCO VIENE DEL SUR

6) 21h

TEATRO/MÚSICA

MIA LAM Reinvention Tour

De ALBERTO CORTÉS y NEREA CORDERO.

19) 20) 21) 11h* 22) 18h 23) 12h

CONCIERTO PARA PIANO Y TEATRO DE OBJETOS

TITIRITRÁN TEATRO Arturo y Clementina

Autora: ADELA TURÍN. Edad recomendada de 5 a 9 años.

TEATRO

24) 21h

Dirección: JOSEMI RODRÍGUEZ. Guión: MACARENA PÉREZ BRAVO y JOSEMI RODRÍGUEZ. Producido por Pata Teatro en colaboración con Grupo ASV y Meridiano Seguros.

27) 28)10h* 12h* 29) 21h

PATA TEATRO El árbol de mi vida

FLAMENCO VIENE DEL SUR TEATRO

LA JOVEN COMPAÑÍA Punk Rock

De SIMON STEPHENS. Versión: JOSÉ LUIS COLLADO. Dirección: JOSÉ LUIS ARELLANO.

MAYO 2017

El Teatro Alhambra quiere agradecer

5) 6) 21h

su colaboración en la programación

TEATRO

de esta temporada a:

LA ZARANDA. TEATRO INESTABLE DE NINGUNA PARTE Ahora todo es noche

De EUSEBIO CALONGE. Dirección: PACO DE LA ZARANDA. Con GASPAR CAMPUZANO, ENRIQUE BUSTOS y FRANCISCO SÁNCHEZ. En coproducción con el Teatre Romea de Barcelona.

8) 21h

FLAMENCO VIENE DEL SUR

12) 13) 21h TEATRO

LICAÓN TEATRO Val del Omar sin fin

Guión y dirección: PIÑAKI GÓMEZ.

ESTRENO ABSOLUTO

15) 21h

FLAMENCO VIENE DEL SUR

19 al 28) XIX FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CON TÍTERES, OBJETOS Y VISUAL

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Abonos de temporada Nuestro sistema de venta preferente te garantiza:

TARIFAS MÁS RENTABLES · POSIBILIDAD DE ELEGIR LOS ESPECTÁCULOS QUE MÁS TE GUSTEN · PRIORIDAD EN LAS RESERVAS · RESERVA DE BUTACAS PREFERENTES · ASISTENCIA TELEFÓNICA · INFORMACIÓN MENSUAL ACTUALIZADA · INVITACIÓN A ACTIVIDADES PARALELAS

ABONO MIXTO 20 · 250 € 20 entradas

TARJETA AMIGO Máximo 1 entrada por espectáculo

(precio medio por entrada 12,50 €) Validez: hasta mayo 2017

Precio de emisión de la tarjeta: 5 € Precio espectáculo con Tarjeta Amigo: 14 €

Con un máximo de 4 entradas a elegir entre todos los espectáculos de temporada, excepto ciclo Flamenco Viene del Sur. Incluye la posibilidad de adquirir hasta 10 entradas adicionales con precio Tarjeta Amigo una vez consumido el abono. ABONO MIXTO 10 · 135 € 10 entradas

(precio medio por entrada 13,50 €) Validez: hasta mayo 2017

Con un máximo de 2 entradas a elegir entre todos los espectáculos de temporada, excepto ciclo Flamenco Viene del Sur. Incluye la posibilidad de adquirir hasta 6 entradas adicionales con precio Tarjeta Amigo una vez consumido el abono. ABONO UNIVERSITARIO 30 · 60 € 6 entradas (precio medio por entrada 10 €)

Este abono es exclusivo para estudiantes universitarios menores de 30 años.

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La Tarjeta Amigo es personal e intransferible. Su validez termina en la fecha que se indica en la misma y la no utilización de ésta podría suponer su cancelación. La Tarjeta es válida también en los teatros Central (Sevilla) y Cánovas (Málaga). ABONOS CICLOS: FLAMENCO VIENE DEL SUR Precio por confirmar. Precios sujetos a programación definitiva. Número de abonos limitado. FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CON TÍTERES OBJETOS Y VISUAL Precio por confirmar. Precios sujetos a programación definitiva. Número de abonos limitado.

Tarifas especiales para jóvenes, estudiantes, desempleados, jubilados y otros colectivos mostrando la acreditación correspondiente. Consultar tarifas especiales para grupos y centros docentes en funciones nocturnas. INFORMACIÓN Y SUSCRIPCIÓN DE ABONOS Y TARJETA AMIGO: TEATRO ALHAMBRA C/Molinos, 56 18009 Granada T. 958 028 000 info.teatro.alhambra@ juntadeandalucia.es www.teatroalhambra.com Horario de oficina: De lunes a jueves de 10:00 h. a 14:00 h. y de 17:00 h. a 19:00 h. Viernes de 10:00 h. a 14:00 h. Horario de taquilla: Desde una hora antes de cada función. SISTEMA DE VENTA ANTICIPADA: Consultar nuestra web, www.teatroalhambra.com