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APUNTES DE DIBUJO. CONCEPTOS BÁSICOS. El dibujo se puede definir como un conjunto de trazos realizados sobre una superficie con la intención de crear una imagen. Técnica gráfica basada en la línea. Su delimitación con la pintura es difícil. Las formas pueden ser construidas por sus límites o contornos lineales o tonales o por distintas texturas visuales. Las formas pueden aparecer por líneas que adquieren corporeidad por medio de texturas, tramas o grafismos. O por planos que sugieren el volumen con manchas y esfumados. Los elementos o códigos visuales que utiliza el dibujo son: la forma, la línea, el punto, la proporción, la perspectiva, la entonación o valoración tonal, el color (cuando lo hace por gama tonal y con la línea preferentemente). El punto y la línea son portadoras de espacio, dirección, estatismo, dinamismo, movimiento, intensidad, descripción y expresión, dependiendo el uso que se les dé. La proporción es la relación de medidas entre las partes y el todo. El módulo es una medida de base (de comparación). Se utiliza para controlar y relacionar las partes y el todo. El eje es la línea imaginaria que se puede trazar en un objeto o en una composición. Ayuda a establecer la dirección dominante de un cuerpo. El mapa estructural es la estructura del campo en el que se encuentran las fuerzas del cuadro, está establecida por los ejes y diagonales del cuadro o campo (R. Arnheim) La ventana ayuda a seleccionar el campo (o cuadro) más interesante a utilizar. El lápiz o la plomada sirven para tomar los módulos, marcar los ejes, establecer relaciones, etc. Para construir la forma: seleccionar el objeto, analizarla con un cuerpo geométrico en el cual pueda ser inscripto, tener en cuenta los ejes principales (de la forma y del campo), seleccionar un módulo para trabajar. El croquis: es un dibujo sencillo que ubica las principales líneas de la composición. El boceto agrega al croquis, las manchas de tono o color fundamentales.

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Para la elaboración se debe tener en cuenta: •

El análisis de la estructura de los cuerpos, es decir no olvidar la estructura interna que organiza la forma externa.

•

El análisis de las proporciones.

•

El análisis de las relaciones de los cuerpos con su entorno

•

La determinación de luces y sombras.

Para Betty Edward (”Aprender a dibujar con el lado derecho”), se necesitan 5 habilidades básica: 1. Contornos (línea del dibujo de silueta) 2. Espacios (espacio en negativo, vacío) 3. Relaciones (proporciones y perspectiva) 4. Luces y sombras 5. La Gestalt (esencia de las cosas) En el dibujo las formas pueden lograrse por: • Límites o contornos, • Por líneas que adquieren corporeidad con texturas, tramas o grafismos. • Por planos que sugieren el volumen con manchas o esfumados. En el dibujo se utilizan Elementos Conceptuales: • El punto: indica posición, no tiene largo ni ancho, es el principio y el fin de una línea, debe ser pequeño para verse como punto. • La línea; cuando el punto se mueve su recorrido se transforma en una línea, tiene posición y dirección. Forma los bordes de un plano. • El Plano; tiene largo y ancho, tiene posición y dirección; está limitado por líneas. • El Volumen: tiene una posición en el espacio y está limitado por planos. En un diseño bi-dimensional, el volumen es ilusorio. Elementos visuales, cuando empleamos una línea para dibujar, esta se hace visible. • Forma: todo lo que puede ser visto tiene una forma que aporta datos para su identificación. • Medida: todas las formas tienen un tamaño

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• Color: una forma se distingue por medio del color. • Textura: se refiere a la superficie de una forma. Puede atraer al sentido del tacto como a la vista. Elementos de relación: gobiernan la ubicación y la inter-relación de las formas. • Dirección: depende de su relación con el observador, con el marco que lo contiene o con otras formas cercanas. • Posición, es juzgada por su relación respecto al cuadro (adelante, atrás, etc) • Espacio, las formas de cualquier tamaño ocupan un espacio. El espacio puede estar ocupado o vació (positivo o negativo) • Gravedad (peso) es una sensación no solo visual sino también psicológica. Tenemos tendencia a atribuir a las formas pesadez o liviandad, estabilidad o inestabilidad. • El plano de la imagen: es la superficie plana del papel (u otro material) en el que creamos. LA FORMA La forma es lo que nos permite reconocer cosas, objetos, seres vivos. Nace de la combinación de líneas que delimitan una zona en una superficie bidimensional (formas planas) o de la combinación de volumen que delimitan una zona en el espacio tridimensional (formas volumétricas). La forma sirve para informarnos acerca de la naturaleza de las cosas a través de su aspecto exterior. Lo que vemos de la forma, color y comportamiento externo de un conejo nos dice mucho acerca de su naturaleza y la diferencia de aspecto entre una taza de té y un cuchillo (Rudolf Arnheim) La forma abstracta es aquella que no remite a cosas u objetos conocidos, también llamada no figurativa. La figurativa nos permite reconocer la forma de una figura conocida: seres vivos, objetos, etc. La forma plana es aquella que no representa el volumen de las cosas, la volumétrica representa el volumen, espesor, del objeto. La forma abierta es aquella que el observador debe reconstruir con los datos que tiene. Por ejemplo cuando la oscuridad del objeto se “abre” con el fondo, no se distingue donde termina la forma y comienza el fondo o el otro objeto. La forma expresiva se vale de las emociones, así una línea recta aparecerá como violenta o agresiva. La sugerida no da toda la información al observador, deja elementos a la imaginación del espectador.

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INTENCIONES EN EL DIBUJO Por su intención el dibujo puede ser Descriptivo o Expresivo. También una combinación de ambos. Cuando la intención del autor es describir los objetos, personas o paisajes los dibujos son descriptivos, como en el dibujo científico. Lo expresivo hace referencia a un hecho sentido, vivido, a una experiencia activa. El gesto, la actitud, lo relacionamos con un estado de ánimo o sentimiento. Para representarlo el artista se vale de la línea curva, poca presión o enfatiza algunas líneas con la modulación, poca tensión si se trata de la tristeza. Para la violencia puede hacer uso de la máxima tensión que puede lograr con las líneas rectas, las homogéneas acentuadas en lugares claves. Le elección del material adecuado para la intención buscada es muy importante a tener en cuenta lo mismo que el uso que se haga de ella. INDICADORES DE PROFUNDIDAD E ILUSIÓN PLÁSTICA. Nuestra manera de actuar y vivir en un mundo contextual y globalizado condiciona nuestro modo de recibir e interpretar los objetos en el espacio. Existen distintas categorías e indicadores de espacio. La creación de ilusión de profundidad y volumen plástico en una superficie bidimensional se puede lograr con distintos recursos. El hecho que el ángulo de luz que incide en nuestros ojos desde objetos distantes es más pequeño que el de los objetos próximos; la superposición de los objetos en el campo visual, la convergencia de las líneas paralelas, etc. son indicadores secundarios de espacio. Nuestra interpretación del espacio depende de las indicaciones mismas. Es posible interpretar la profundidad con otros métodos de organizar las indicaciones de espacio. Estos indicadores de espacio son: la gradación de tamaño, la posición en el plano de la imagen, las paralelas convergentes y el movimiento diagonal, la superposición, la transparencia, la disminución de detalle, los tonos que avanzan y retroceden. PERSPECTIVA.

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Es el modo de representar sobre una superficie los objetos, en la forma y disposición en que aparecen a la visión. Pero esta es sólo una de las maneras, no la única. Figura humana en perspectiva: el trazado perspectivo sirve para controlar el tamaño de las figuras integrantes de una escena. La perspectiva matemática o geométrica-Euclidiana es la organización del espacio de una superficie por medio de la cual convergen todas las paralelas de un objeto que son perpendiculares a la línea de horizonte visual, a un punto determinado de tal línea (puntos y líneas que se encuentran siempre ubicados a la altura del ojo del observador y acorde a la posición que él tiene con respecto a su medio). Las formas pierden tamaño y se achican los intervalos entre ellos a medida que se alejan del observador. En la perspectiva para que los cuerpos se muestren como son, hay que dibujarlos como no son. Se puede tomar el objeto frontal o angularmente, siendo el último el que denotará mayor profundidad. Perspectiva atmosférica: modificación de los tonos y las relaciones tonales, disminuyendo los contrastes. Es la sugerencia de profundidad que produce la distinta manera de trabajar el color, pues la atmósfera modifica color, valor y saturación. Para Leonardo da Vinci “De las cosas más oscuras que el aire, la más alejada será menos oscura. De las cosas más claras que el aire, la menos blanca será la más alejada del ojo”. • La perspectiva (matemática o geométrica) puede ser: central, con el punto de fuga en el centro. Oblicua, con dos puntos de fuga a partir de un ángulo. Aérea, con tres puntos de fuga. Sus elementos y conceptos claves son: Línea de horizonte; altura de los ojos del observador (L.H.). Puntos de fuga (P.F.) se encuentran en el horizonte y allí convergen todas las líneas horizontales paralelas entre sí. Punto de vista (P.V.) situación del observador, izquierda , derecha, centro) respecto del modelo. La distancia del P.V. a la L.H. se llama distancia visual. La proyección perpendicular de este punto sobre la L.H. se llama punto principal (P.P)

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• Perspectiva amplificada: fuertes contrastes de tamaño. • Perspectiva atmosférica: determinada por la luz (atmósfera). • Perspectiva axonométrica: plano oblicuo de proyección ortogonal (de los ejes del cuerpo) • Perspectiva isométrica: paralelismo constante entre las caras de un objeto tridimensional. EL ESCORZO. Es la proyección perspéctica mediante la cual es posible representar en el plano bidimensional un objeto o figura tridimensional, en profundidad perceptual, cuyas partes aparecen superpuestas oblicuamente con relación al observador. Es entendido como la desviación de un objeto frontalmente simétrico y como tal no posee estructura propia. Para que sea tal 1) el ángulo de enfoque debe ser preferentemente oblicuo, mostrando las partes más características de la figura. 2) No debe parecer más simple que la figura de la cual proviene. 3) su estructura no debe ser propia sino derivada. 4) Las partes no deben desaparecer totalmente detrás de las otras, ni exhibir cortes que atenten contra la continuidad del total de la figura. Su razón psicológica como en la superposición reside en el completamiento perceptual de toda forma incompleta de acuerdo con la forma más simple de la proyección. TÉCNICAS DE DIBUJO. PLUMA Y TINTA. La tinta como medio se ha venido usando durante más de 2000 años. Los antiguos egipcios, griegos y romanos, usaban plumas de cañas para dibujar y escribir sobre pergaminos y papiros. Los romanos hicieron plumas de bronce, algunas con puntas muy similares a la de sus modernos equivalentes. Las plumas de aves se usaban en Europa ya en el siglo XIX. Con la aparición del papel de calidad se experimentaron con plumillas de diferentes puntas. Los grandes maestros la usaron: Leonardo (1452-1519) llenó cuadernos de dibujos y de notas a tinta. Rembrandt (1606-69) hacía apuntes rápidos para desarrollar las composiciones de sus pinturas al óleo. La tinta se presta para el estilo gráfico.

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Materiales. Actualmente hay una gran variedad de materiales que pueden servir para empezar a practicar con la tinta. La pluma propiamente dicha se llama plumilla y el mango palillero. Las plumas deben limpiarse frecuentemente para evitar que se atasquen. PLUMAS Y PLUMILLAS PLUMAS DE MOJAR

PLUMAS FUENTE

Existen gran variedad

Funcionan con tinta de escribir PLUMAS DE DEPÓSITO Como las Rotring TINTAS Y PAPELES.

Tintas para dibujo, hechas especialmente para artistas son a prueba de agua. Se secan en una película dura y brillante que permite aplicar encima otro color. Existen diferentes marcas que fabrican una variedad de colores. También se fabrican tintas especiales para plumas de depósito en muchos colores. Tintas no resistentes al agua. Existen algunas especiales para dibujo, en varios colores, y que son similares a la acuarela diluida. Penetran en el papel y se secan con un acabado mate. Se debe tener el cuidado de agitar el frasco si se ha dejado de usar por un tiempo, el pigmento tiende a depositarse en el fondo. Se puede evaporar si se la deja sin tapa, lo que hará que la tinta se espese y costará fluir. Para solucionarlo se puede añadir agua destilada y agitar el recipiente para mezclar. Papeles. Es conveniente que sea grueso (120 kilos) se adapta a casi todos los temas y permite hacer correcciones sin dañar el papel y acepta lavados. Deben evitarse las superficies porosas y absorbentes, las mejores son las superficies duras. Si se piensa aplicar lavados o acuarelas es conveniente tensar el papel sobre el tablero. TECNICAS

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Una de las maneras es aprender de los maestros, copiando sus dibujos a pluma: Doré, van Gogh, Klee, Picasso y otros. Requiere de práctica el uso de la plumilla. Se debe lograr que la tinta fluya uniformemente con un mínimo de presión. Tonos y sombras. La tinta es un medio apropiado para línea y a menos que se aplique como lavado habrá que recurrir a cruzado, punteado y raspados para representar tonos y sombras. La tinta se puede diluir con agua destilada o con agua de la canilla. Se puede aplicar pura o diluida con un pincel fino, pero se necesita mucha práctica. Tanto con el pincel como con la pluma se debe mover todo el antebrazo, no solo la muñeca. Se pueden utilizar otros recursos como el soplado de algunas gotas dejándolas correr, dibujando húmedo sobre húmedo, con refregado con trapo, esponja, imprimiendo texturas de telas, piel humana, etc. Se debe dejar secar bien (medio día) para borrar las líneas de lápiz si las hubiera o hacer lavados o pasar acuarela. Los borrones se pueden arreglar con papel secante. La tinta seca puede quitarse con un borrador de fibra de vidrio o una cuchilla afilada LA SÍNTESIS GRÁFICA. Es la simplificación del dibujo, pero se debe ser cuidadoso para que el observador pueda identificar las formas. Síntesis lineal y tonal. Una de las claves del dibujo es saber sintetizar las formas de manera adecuada. Se deben reducir los trazos, manchas y grafismos pero que aún así consiga explicar la intención que desea. La intencionalidad de las líneas y las manchas nos proporcionarán un conjunto de valores expresivos: fuerza, ligereza, sensibilidad, violencia, etc, que unidos a un concepto compositivo nos conducirán al resultado pretendido: un dibujo sintético. Para iniciarse en su práctica se puede partir de un dibujo acabado, se puede reducir luego la imagen a línea teniendo en cuenta la intensidad de la misma de acuerdo a la intención pretendida o se puede realizar la síntesis por simplificación tonal empleando sólo dos tonos: blanco y negro eliminando todas las medias tintas, para ello se puede emplear tinta china y pincel.

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