Centro Universitario Interamericano

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Tercer Cuatrimestre Historia del Arte II

Tema: Arte posmoderno

Alumna: Maricela López Kanter

Profesora: Nayeli Ayde Martínez Sánchez

18 de Julio de 2016

Arte conceptual Historia El movimiento conceptual en el arte aparece a finales de los años sesenta con manifestaciones muy diversas y fronteras poco definidas. La idea principal que subyace en todas ellas es que la verdadera obra de arte no es el objeto físico producido por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas. Con un fuerte componente heredado de los ready-made de Marcel Duchamp, es el artista americano Sol LeWitt quien mejor define este movimiento en una serie de artículos publicados en 1967 y 1969. . Representantes Entre sus más importantes representantes se encuentran artistas como Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, el grupo Art & Language, Gilbert and George, Dennis Oppenheim, Walter de Maria, Robert Smithson, Jean Dibbets o Richard Long. Características En el arte conceptual, la idea o concepto prima sobre la realización material de la obra, y el mismo proceso -notas, bocetos, maquetas, diálogos- al tener a menudo más importancia que el objeto terminado, puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial. Otro elemento a resaltar de esta tendencia es que requiere una mayor implicación del espectador no sólo en la forma de percibirlo sino con su acción y participación Según los planteamientos del arte conceptual, las obras de arte no tienen sólo un modo de existencia objetual y la experiencia estética puede darse más allá de la materia, porque experiencias y obras pueden “encarnarse” en varios objetos o porque su recepción puede entenderse más allá de la presencia de los objetos. Por ejemplo, cualquier botellero puede ejemplificar el gesto duchampiano, pero lo relevante es el gesto en sí. El botellero no es un objeto artístico, sino una propuesta estética, ya que el artista lo despoja de su sentido instrumental.

Ejemplo

John Latham. Still and chew, 1965. Conceptualismo. 1965: Una compleja pieza de arte conceptual por John Latham llamada "Still and Chew" invita a los estudiantes de artes para protestar contra los valores del libro Arte y Cultura de Clement Greenberg (un libro muy mencionado y leído en el Central Saint Martins College of Art and Design, donde Latham daba clases). Páginas del libro son masticadas por los estudiantes, disueltas en ácido y la solución resultante es regresada de la biblioteca embotellada y etiquetada. Latham fue despedido de la escuela.

Body Art Historia Con el nombre de Body Art se denominan procesos artísticos en los que el artista utiliza su propio cuerpo como soporte material de la obra. Surge a finales de los años sesenta y se desarrolla en la década siguiente. La obra de estos artistas trata temas como la violencia, la autoagresión, la sexualidad, el exhibicionismo o la resistencia corporal a fenómenos físicos. Así, el cuerpo puede estar transformado por un disfraz, ser utilizado como instrumento o unidad de medida, agredido o puesto a prueba hasta los límites del sufrimiento, etc. Representantes Podemos diferenciar en el body art una línea más analítica que se practica en Estados Unidos por artistas como Vito Acconci, Chris Burden o Dennis Oppenheim, que ponen el acento en las posibilidades del cuerpo, y otra más dramática, la europea, representada por Herman Nitsch, Gunter Brus, Rudolph Schwarzkolger o Gina Pane, que incide en la reelaboración de arquetipos, junto a aspectos relacionados con el travestismo, el tatuaje o la sublimación del dolor. Como precursores del body art encontramos el dadaísmo, el happening y más tarde está muy relacionado con la práctica de las performances (acciones), el teatro y la danza. Características Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta (pintura corporal), se tatúa, se añaden piercings, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior. Las manipulaciones de la superficie del cuerpo se llevan a tal extremo que incluso, pueden provocar lesiones, como quemaduras, heridas y tirones de cabellos. Se ha contemplado dentro del body art, además, del body painting, creaciones como el piercing, los tatuajes, las cicatrices y el shaping o alteraciones de la estructura corporal. El body painting, es una pintura artística aplicada sobre la piel y se considerada como una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados. Niega la totalidad de los pasados valores estéticos y morales inherentes a la práctica artística.

Ejemplo

Dennis Oppenheim. Two Stage Transfer Drawing, 1971. "Mientras corro un marcador a lo largo de la espalda de Eric él intenta duplicar el movimiento de la pared. Mi actividad estimula una respuesta cinética de su sistema sensorial. Estoy, por lo tanto, dibujando a través de él"

Land Art Historia El Land Art es una corriente del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, viento, rocas, fuego, agua etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste estadounidense a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman earthworks, (palabra que puede traducirse como "trabajo de tierras". Representantes Los primeros en darse a conocer en este ámbito fueron Robert Smithson y Michael Heizer, quienes emplearon materiales de la naturaleza para el desarrollo de sus obras artísticas. En un principio Michael Heizer denomino a su arte como “Negative Sculputure”, en esta escultura el autor quiso enfatizar su apreciación tanto aérea como presencial, mientras caminaras en ella, notando la grandeza de su obra. Otros fueron: Christo (n. 1935) & Jeanne-Claude (n. 1935), con sus típicos embalajes, Robert Morris (n. 1931), Nicolás García Uriburu (n. 1937), Dennis Oppenheim (n. 1938) y sus Snow Projects (proyectos-nieve). Características No es un movimiento homogéneo ni asociado a la naturaleza, sino a la tierra, entendiendo como tal al planeta mismo, pues sus obras se insertan en un contexto que va más allá de los límites “naturales” para adentrarse en otros más cosmológicos y complejos. Se ubican, más que en un espacio físico natural, en unas coordenadas espacio-temporales particulares que escapan a la escala humana. Se asocia este movimiento a la naturaleza y a esculturas de exterior, más allá de galerías y museos, pero incluye manifestaciones muy dispares, desde las que respetan el aspecto inicial del paisaje que intervienen hasta los que alteran su imagen radicalmente pasando por los pensados para hacer frente a espacios degradados.

Ejemplo

Robert Smithson. Spiral Jetty. 1970 El material empleado para realizarla fueron unas 5.000 toneladas de bloques de basalto negro. Fue construida en 1970, empleando potentes La obra inicia su desarrollo en la orilla del Gran Lago Salado y penetrando en él, crea una espiral en sentido contrario al de las agujas del reloj, dejando entre las líneas de piedra un doble pasillo en la arena. Tras su construcción la obra se fue cubriendo con el agua del lago al aumentar el nivel de éste, quedando durante años totalmente sumergida. Con la sequía que llegó posteriormente, al bajar el agua y quedar nuevamente al descubierto la escultura, ésta se mostró muy cambiada ya que las sales del agua habían blanqueado la negrura del material y el cieno se había acumulado entre las grietas, haciendo visualmente menos abrupta su superficie.

Arte Povera Denominación creada por el crítico de arte italiano Germano Celant bajo la cual se integran actividades artísticas muy variadas pero que en general todas tienen en común la utilización de materiales pobres como paja, arena, piedras, ramas, hojarascas, fragmentos u objetos de metal, piezas de loza o vidrio, aunque los artistas del movimiento usaron también oro, seda, mármol o cristal de Murano. Historia Surge en 1967 en Italia, año en el que se organizaron dos importantes exposiciones, y alcanzó una gran repercusión internacional en 1972 por el protagonismo que tiene en la quinta edición de la Documenta de Kassel. Representantes Los artistas más representativos del movimiento son: Kounellis, Anselmo, Zorio, Pistoletto, Merz, Boetti, Penone y Fabro. Características El arte povera basa su estética en las relaciones entre el objeto y su configuración, valorando especialmente dos aspectos: por un lado, los procedimientos entendidos como proceso de fabricación y manipulación del material, y por otro, los materiales. Estos dos elementos van estrechamente relacionados de forma que hay obras que parten de determinada acción sobre el material (como pueden ser apilar, desgarrar, torsionar); por el contrario, el artista parte de un material como por ejemplo fieltro, caucho, tierra, fuego… al que le somete a una determinada acción. Este arte que valora los materiales industriales en estado bruto y la materia natural, surge en Europa como una reacción en contra del predominio del acero inoxidable, el plexiglás y la estricta geometría del minimal art. El que aparezca en Italia no es casual pues en este país encontramos artistas de épocas anteriores que reivindican un arte antimercantilista como fueron Manzoni, Burri o Fontana. Los artistas ligados al Povera defendían desmantelar la jerarquía de los materiales, rechazaban el consumismo y se interesaron por las fuerzas de la naturaleza y la modernidad industrial. No formaron un colectivo como tal, pero todos emplearon el arte como punto de partida desde el que abordar la vida. Cargaron sus materiales de asociaciones a la historia de la cultura y la mitología en Italia y Europa, reflejando el presente a través del pasado. Ejercieron una crítica poética a la civilización moderna.

Ejemplo

Michelangelo Pistoletto. Venus of the Rags El significado de esta obra es claro gracias a su autor, ya que se inscribe en la estética de la antinomia descrita por el propio Pistoletto en su manifiesto “La ultime parole famose”, publicado en 1967, en el que se podía leer lo siguiente: “Pasado y futuro, distancia y proximidad, profundidad y superficie, verdadero y falso, singular y múltiple, subjetivo y objetivo, estático y dinámico, son algunos ejemplos de la esfera de las antinomias que, desde los primeros hombres hasta hoy en día, ha crecido alrededor del ser humano como un fruto de su espíritu hasta llegar a unas enormes proporciones. El contraste entre los dos extremos de cada proposición y de cada valor es el mundo que el hombre de hoy habita mental y físicamente. Cuando mi necesidad de comprender se ha enfrentado con la vida, instintivamente he identificado todos los contrastes en el sistema de desdoblamiento de cada cosa”.

Perfomance Historia La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara. Representantes Joseph Beuys (1921-1986) fue un importante exponente del performance. En sus acciones de arte incluyó la acción, el movimiento, y personajes ajenos a la obra. Características La performance reemplaza a la acción para designar las realizaciones públicas que proponen los artistas pertenecientes a corrientes que requieren la presencia de espectadores para llevar a cabo sus obras. Es una forma artística que combina elementos del teatro, la música y las artes visuales. La performance es heredera de una larga historia: los primeros happenings de Cage, y luego los realizados en Estados Unidos y en Europa, así como los events del fluxus, constituyen la fuente más determinante de la performance. Ésta, que reposa en la presencia del artista y en la utilización de accesorios y un guión más o menos preciso, tiene relación con determinados aspectos de la situación teatral, reivindicando una trasgresión de las formas tradicionales del arte para ahondar en el cuerpo, los datos sensoriales, la palabra, el gesto y los comportamientos sociales. Desde este punto de vista, Joseph Beuys es sin duda el artista más sintomático, en el que el acto artístico sólo puede ser posteriormente difundido por el vídeo o la fotografía.

Ejemplo

Joseph Beuys. Coyote: I like America and America likes me, 1974 Beuys lanza una poderoso ataque a la barbarie colonizadora y genocida que durante siglos se articula en el continente Americano. El coyote es posiblemente el símbolo que más sencillo es de adivinar, representando en lo abstracto de la acción a ese pueblo indígena huésped de un ser extraño que llega desde fuera. A diferencia de Hernán Cortés o Pizarro, Joseph Beuys en el papel de explorador no trata de imponer en primer momento al coyote ningún tipo de práctica, más bien se deja desnudar de su coraza de fieltro -que representa para el autor el aislamiento físico y metafórico-. Con el paso de los días el animal deha de atacarle y establecen una relación de cooperación noviolenta.

Happening Historia Happening (de la palabra inglesa que significa acontecimiento, ocurrencia, suceso) es toda experiencia que parte de la ecuación provocación-participaciónimprovisación. Tiene su origen en la década de 1950 y se considera una manifestación artística multidisciplinaria. Aunque se han relacionado con el pop-art y el movimiento hippie, los happenings se integran dentro del conjunto del llamado performance art. Representantes Tras John Cage y Allan Kaprow, se han considerado continuadores de la ideología del happening: Georges Mathieu, Tadeusz Kantor, Joseph Beuys, George Brecht, Bazon Brock, Jim Dine, Red Grooms, Al Hansen, Roy Lichtenstein, Youri MessenJaschin, Marta Minujín, Claes Oldenburg, Yōko Ono, Robert Rauschenberg, Marina Abramovic, Wolf Vostell, Robert Whitman y Charlotte Moorman. Características En un principio, el happening artístico fue una tentativa de producir una obra de arte que naciese del acto a organizar y con la participación de los "espectadores" (que abandonasen así su posición de sujetos pasivos y se liberasen a través de la expresión emotiva y la representación colectiva). Aunque es común confundir el happening con la llamada acción artística el primero difiere de la segunda en la improvisación. El happening, como manifestación artística múltiple que pretende la participación espontánea del público, suele ser efímero. Por este motivo los happenings suelen presentarse en lugares públicos, irrumpiendo en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son las instalaciones del fotógrafo Spencer Tunik, con sus multitudes desnudas Existen también happenings sobre un escenario, sin comunicación a través del lenguaje, en los que los participantes reducen éste a fragmentos aislados que no intentan una comunicación directa; happenings con separación de organizadores y participantes-espectadores, en los que éstos pueden limitarse a observar, y environments, con entornos planeados de antemano, precisando el lugar y determinando la actividad de los participantes. Los más destacados son los del grupo alemán Fluxus.

Ejemplo

Wolf Vostell. Das Theater ist auf der Straße. De esta manera, Vostell realizó el primer Happening europeo llamado de Das Theater ist auf der Straße, en las calles de París en 1958.