+41° 22’ 49.71”, +2° 10’ 11.60”

A mi familia, amigos y profesores, por su apoyo, motivación y creer en mi.

+41° 22’ 49.71”, +2° 10’ 11.60” ROSSY GALICIA

Proyecto Final de Ciclo Formativo de Grado Superior de “Artes Aplicadas al muro”. Tutora: Isabel Carballo. Escola Massana. Barcelona 2011- 2012.

“La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando”. Pablo Picasso.

ÍNDICE.

OBRA PRESENTADA:

COMPOSICIÓN DE LA OBRA ................................. 40



+41° 22’ 57.52”, +2° 10’ 36.36”................................43



+41° 23’ 3.49”, +2° 10’ 30.91”................................. 45



+41° 23’ 0.19”, +2° 10’ 54.95”................................. 47



+41° 22’ 54.89”, +2° 10’ 53.42”................................49



+41° 23’ 3.36”, +2° 10’ 56.77”................................. 51



+41° 22’ 49.38”, +2° 11’ 8.37”................................. 53

INFLUENCIAS…................................................................ 17



+41° 22’ 51.32”, +2° 11’ 11.18”................................55

OBRA ANTERIOR...............................................................23

CONCLUSIÓN.................................................................. 57

FUNDAMENTOS TÉCNICOS Y METODOLOGÍA................31 PROCESO PICTÓRICO............................................ 34 PROCESO CREATIVO.............................................. 36

FUENTES DE INFORMACIÓN:

INTRODUCCIÓN.............................................................. 13 INTENCIONALIDAD..........................................................15



BIBLIOGRAFÍA.........................................................59



REFERENCIAS DE INTERNET......................................60

INTRODUCCIÓN. “La luz no es una cosa que puede ser reproducido, sino algo que debe ser representado usando otra cosa... Colores.” Paul Cezanne.

Este proyecto es la conclusión de una etapa de tres años, de aprendizaje y formación, en los que he podido obtener las herramientas necesarias para desarrollar mis inquietudes artísticas. Inquietudes que quedan materializadas en siete cuadros, en los que se puede ver reflejado en cada capa de pintura, mi interés por la ciudad, el espacio urbano y los elementos visibles e invisibles de éste. ”El arte no reproduce lo visible, sino que visualiza.”

Pau Klee.

Es el origen y fin de un recorrido por la ciudad de Barcelona a través de la pintura. De ahí el titulo de la serie, +41° 22’ 49.71”, +2° 10’ 11.60”, hace referencia al sitio geográfico donde inicia y termina ésta etapa, la Escola Massana. De igual manera, el titulo de cada pieza hace referencia algunas plazas, calles o espacios públicos de Barcelona, que hacen visible mi memoria y que son capturados por la fotografía para ser procesados y transportados a la pintura. 13

14

INTENCIONALIDAD. “No hay que pintar lo que nosotros creemos que vemos, sino lo que vemos.” Paul Cezanne.

Con esta propuesta, que surge de la imagen creada en el interior de mi mente, compuesta de luz, color, movimiento, silencio, destellos, presencias y ausencias, en fin de elementos que están siempre en el espacio, pretendo volver a crear la imagen y construir la pintura. Abstrayendo cada elemento y dejando lo esencial y resaltándolos, permitiendo que el espectador intuya la imagen recreada, que observe la pintura y haga una reconexión con su memoria. Buscando una lectura diferente de la ciudad, y de un recorrido por ésta. +41° 22’ 49.71”, +2° 10’ 11.60” es la lectura por la ciudad de Barcelona, por espacios que recorremos cada día, que vivimos constantemente que miramos, pero que en muchas ocasiones no nos detenemos a observarlos y no percibimos los detalles, los elementos que lo componen, también en ocasiones no tenemos oportunidad de observarlos desde otras perspectivas. Al elegir la ciudad de noche busco capturar ese silencio que se convierte en luz y color, en un movimiento constante pero ausente de la presencia humana, que en la oscuridad de la noche deja espacio a las luces, a los destellos que invaden la ciudad y se convierten en protagonistas. 15

“El arte ya no es una experiencia puramente visual que podamos registrar simplemente, ni tampoco una fotografía de la naturaleza, ni si quiera una fotografía especialmente sofisticada. No, el arte es una obra de nuestro intelecto una obra que sólo ha sido desencadenada por la naturaleza.” Mauris Denis.

16

INFLUENCIAS. Las referencias artísticas, en mi proyecto tienen más relación con los temas que lo componen, y como busco desarrollarlo. Por un lado están la luz y la sombra, la fotografía y finalmente la ciudad, el espacio urbano y como interactuamos en él, como lo vemos. A lo largo de la historia, la luz y la sombra, han estado presente en todas las épocas de la pintura y han sido elementos de interés por los pintores. Desde los más clásicos renacentistas que componían con luces y sombras. En el barroco, Caravaggio coloca las sombras en el claroscuro y destaca la técnica al oscurecer las sombras y transformar el objeto en un eje de la luz; Velazquez con sus contrastes de luz y el tratamiento de ésta, que da un mayor realismo a sus obras y en algunas ocasiones sensación de profundidad. En el romanticismo, Francisco de Goya demuestra su preocupación por el tratamiento de la luz en el espacio y en la ropa de sus personajes. En el impresionismo, una sombra podría ser más intensa, clara y saturada que una luz y, sin embargo, seguir creando ilusión de sombra y profundidad. Eduard Manet que emplea en algunas de sus pinturas, fuertes contrastes y consigue crear una iluminación natural; Monet con sus estudios de la luz y su máxima preocupación por plasmar la vibración cromático-lumínica en sus lienzo. Los fauvistas quienes utilizaban los colores como bombas que descargaban luz y buscaban conseguir la intensidad de éstos a partir de los efectos cromáticos. Y podría continuar, mencionando la trascendencia del tema en cada época, hasta llegar a la actualidad, pero la luz y la sombra, son elementos que de alguna manera siempre han estado unidos a la pintura. 17

“La fotografía, como sabemos, no es algo verdadero. Es una ilusión de la realidad con la cual creamos nuestro propio mundo privado.” Arnold Newman. Por otra parte, la fotografía es el arte y la técnica para obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz. Es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio material sensible a la luz. Sin embargo desde su aparición, la relación con la pintura ha sido difícil, algunos pintores a pesar de que comienzan a usarla como parte del proceso creativo la desprestigiaban. No es hasta principios del siglo XX que es aceptada como manifestación artística y comienza a tomar fuerza. Algunos opinaban que las fotografías primitivas tenían una textura de grano grueso que se parecía mucho al trabajo del pincel en los cuadros impresionistas. A finales de la segunda guerra mundial, la fotografía se estableció con firmeza y la fotografía de paisaje se ve afectada por las ideas socialmente progresistas y dio lugar a imágenes que muestran el espacio, a menudo de naturaleza urbana, y exploran las nociones de cultura e identidad. Hiroh Kikai (1945) tomó instantáneas en blanco y negro de fachadas de tiendas y zonas residenciales de Tokio que representaba la modernidad y detalles arquitectónicos de la ciudad, pero que tienen un aire inquietante por su falta de presencia humana. En la actualidad, la fotografía artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión artística. 18

“Las ciudades, como los sueños, están construidas de deseos y miedos… el orden de las ciudades es invisible.”(I) Y finalmente la ciudad, que desde la época de Platón, Vitrubio, San Agustín y Tomas moro, se han hecho propuestas de cómo debía ser la ciudad ideal, de cómo debía estructurarse. Y el ser humano comienza la búsqueda por ésta. Durante la escuela de Frankfurt, la ciudad es concebida como objeto artístico, Walter Benjamin y George Simmel ya concebían la ciudad como obra de arte. El entorno, nos proporciona una idea y orientación de la ciudad, de cómo verlas y como relacionar los espacios dentro de la ciudad. Por eso es importante considerar las impresiones que cada persona tiene de la propia ciudad, ya que esto da una identidad, y es lo que las hace diferentes. La relación de la ciudad y el hombre, se ha visto alterado y reinventado, a lo largo de la historia; como la vemos y como la recorremos, depende de nuestras influencias culturales y sociales. ¿Las ciudades existen, porque nosotros las creamos con nuestros sueños?, ¿o siempre han existido y nosotros las hemos ido modificando? “La ciudad no es algo que simplemente está ahí, somos nosotros, quienes hemos encontrado la ciudad”(II) He querido hacer una mención particular de Gerhard Ritcher y Eduard Resbier, dos pintores contemporáneos con los que siento una mayor aproximación, ya que utilizan la fotografía como parte del planteamiento de la obra, de la idea y del desarrollo de ésta. (I)

Calvino, Italo; Las ciudades invisibles; pp. 56; Editorial Minotauro. México, 1991.

(II)

Arpal Poblador, Jesús; “Las ciudades: una visión histórica y sociológica”,pág 7. Editorial Montesinos. Barcelona, 1983.

19

EDUARD RESBIER.

Artista Barcelonés, que utiliza la imagen tomada por la cámara como una prolongación de la experiencia sensorial, a un ámbito de sugerencia, subjetividad e inquietantes atmósferas. Es un pintor inclinado a la abstracción desde una gramática figurativa, lo que da como resultado muchas veces obras desenfocadas y distorsionadas. Me interesa como a partir de las distorsiones visuales de sus obras, provoca un sutil rastro de sombras que nos transporta a una nueva realidad. “Atlas nocturno II”. 2007. Óleo sobre lino. 200 x 200 cms.

20

GERARD RITCHER.

Artista alemán, considerado uno de los pintores contemporáneos más representativos del siglo XX. Lo que me interesa de su obra es como emplea las características formales y estructurales de la fotografía, la cual ha sido esencial como base o punto de partida para una reelaboración y crear a partir de ésta, una pintura al óleo con efecto de fotografía difusa ydesenfocada. “Zwei Fiat”, 1964, Museum Frieder Burda, Baden-Baden.

21

22

OBRA ANTERIOR.

23

24

“NAIXEMENT”. 2010. Acrílico sobre tela. 50x50 cm.

25

(c)

(a) (b) (a)

“PLAZA_01”. 2010. Óleo sobre tela. 20x20 cm. “PLAZA_02”. 2010. Óleo sobre tela. 20x35 cm. (c) “PLAZA_03”. 2010. Óleo sobre tela. 20x10 cm. (b)

26

“FOG”. 2011. Óleo sobre tela. 55x33 cm.

“REFLEJOS”. 2011. Óleo sobre tela. 61x38 cm.

27

“BUMBOLLES”. 2011. Óleo sobre tela. 130x60 cm.

28

(d)

(e)

“CALOR”. 2011. Óleo sobre metraquilato 100x70 cm. “LLUMS”. 2011. Serie óleo sobre metraquilato y fotografía digital impresa en acetato. (d)

(e)

29

30

FUNDAMENTOS TÉCNICOS Y METODOLOGÍA. LUZ: forma de energía que hace visible los objetos. Se identifica tradicionalmente con el espíritu o la superioridad de éste. En hebreo significa ciudad o centro. SOMBRA: es el principio negativo en oposición al principio positivo representado por el sol. En algunas tribus primitivas, la sombra puede representar el alma de una persona. En la estética japonesa, el juego de claroscuros es lo bello. NOCHE: relacionado con el principio pasivo, lo femenino y el inconsciente. Hesiodo le dio nombre de madre de los dioses por ser opinión de los griegos que la noche y las tinieblas han precedido la formación de todas las cosas. CIUDAD: Conjunto de edificios y calles, regidos por un ayuntamiento, cuya población densa y numerosa se dedica por lo común a actividades no agrícolas. La ciudad es indudablemente una de las creaciones más importantes del ser humano y el reflejo de su necesidad de vivir en sociedad. IMAGEN: en sentido artístico, la imagen se puede definir como el resultado de un proceso de creación donde las percepciones del artistas, modificadas por la subjetividad, se transforman en función de la fantasía. Para algunos psicólogos la imagen es precisamente la manera superior en que puede presentarse un saber, ya que todo conocimiento tiene por síntesis a ir hacia lo visual. 31

“La experiencia visual humana es fundamental en el aprendizaje para comprender el entorno y reaccionar ante él. La información visual es el registro más antiguo de la historia humana.”(III) En primer lugar, el acto de ver implica una respuesta a la luz. En otras palabras, el elemento más importante y necesario de la experiencia visual es de carácter tonal. Todos los demás elementos visuales se nos revelan mediante la luz, pero resultan secundarios respecto al elemento tono que es, de hecho, luz o ausencia de luz. Lo que nos revela y ofrece luz es la sustancia mediante la cual el hombre da forma e imagina lo que reconoce e identifica en el entorno, es decir, todos los demás elementos visuales: línea, color, contorno, dirección, textura, escala, dimensión y movimiento. Lo primero que hay que entender es que la luz no se ve, si no sólo sus alteraciones. De hecho, la luz no resulta visible sin la materia. No vemos un rayo de sol si no hay atmósfera; sin embargo, la luz está por todas partes. La luz proviene siempre de la materia: nace de la materia y desaparece modificada por la materia. El encuentro entre la luz y materia comporta siempre una interacción. La luz penetra en nuestro organismo a través de los ojos, la piel y el cráneo e influye en él independientemente de la visión. Los colores nos hacen reconocer la luz. La lectura de la luz se basa en la lectura del color, y solamente a través de ésta interpretamos nuevamente el color. El color, en cualquier caso, simula siempre iluminación. Los colores muy claros simulan luz clara. Los colores oscuros nos parecen mas fuertes, más viriles, más precisos, más prestigiosos. (III)

32

Dondis, D.A; La Sintaxis de la Imagen; pp. 15.Editorial Gustavo Gili. Barcelona, 2000.

“La sombra es un color como lo es la luz, pero menos brillante. La luz y la sombra son sólo la relación de dos tonos.” Paul Cezanne. En un mundo sin color sería difícil orientarse; son muchas las cosas y las situaciones que nosotros reconocemos a través del color, que asociamos a éste y a las cuales reaccionamos en función de él. Cuando menos saturado esté un color, mas margen tenemos para representar la luz y la sombra y al aparecer los colores se oscurecen y los contrastes se atenúan. Sin embargo, las sombras nos pueden dar la sensación de volumen o profundidad. Las intervenciones cromáticas en la sombra, pueden crear efectos interesantes. Por ejemplo si se pinta el campo de la sombra de azul cobalto, la sombra adquirirá una especialidad infinita e irreal; si se pinta de rojo, la sombra será incandescente; y así sucesivamente. Vemos lo oscuro por que está próximo o se superpone a lo claro y viceversa. La claridad y la oscuridad son tan importantes para la percepción de nuestro entrono. “Empleo mis recuerdos e imaginación para crear interiores fantásticos, que no están necesariamente ligados a un punto o a un lugar real.” Won Ju Lim. Al pensar en una ciudad, el límite de lo que imaginamos va mucho mas allá de lo que creemos, no es solo la visión de lo que se tiene como individuo y como sentimiento particular; está más bien determinada por la conjunción de percepciones de cada individuo. Cada visión que se crea, se va creando según el recuerdo, el sentimiento y la nostalgia que provoca cada lugar. 33

Es a partir del interés, la interpretación y la composición de estos temas: luz, sombra, color, ciudad, que comienzo la búsqueda a mi alrededor, de lo visible y lo invisible para transformarla en pintura. El desarrollo del proyecto, se divide en dos partes: el proceso creativo y el pictórico.

PROCESO CREATIVO. El proceso creativo comienza con el recorrido por la ciudad, durante el día y posteriormente por la noche, en el que la búsqueda del contenido que componen las imágenes concebidas en mi mente, no es mas que la exploración de mi memoria por hacerlas visibles. Con la ayuda de la fotografía, que se convierte en una de las herramientas que me permitirá capturarlas, hago la conexión entre la imagen capturada, la imagen real y la de mi memoria, para construir la nueva, sin buscar el reflejo de una realidad pura. Posteriormente, con la ayuda del ordenador, estudio el encuadre adecuado, analizando el contenido y desechando los elementos que no son de mi interés. La elección del formato de paisaje, es porque me interesa mantener la relación con la idea de panorama, de escenario.

34

“No tomas una fotografía, tú la haces. Una fotografía no es un accidente, es un concepto. Una buena fotografía se obtiene sabiendo dónde pararse.” Ansel Adams.

Después de tener un mosaico de imágenes, realizo la selección de las que por su contenido sean las más próximas a la primer idea creada en mi mente. Finalmente, realizó la impresión de éstas sobreponiendo una retícula que me servirá de guía y referencia para así poderla transportar a la pintura. Todas las imágenes capturadas y procesadas, incluso la real, estarán presentes de aquí en adelante, como apoyo en la construcción de la imagen final durante el proceso pictórico.

35

PROCESO PICTÓRICO. He elegido, la pintura al óleo porque ésta me permite mezclar y difuminar los colores directamente en la tela, sin saturarla. El primer paso es preparar mi espacio de trabajo, el material y las herramientas. Posteriormente preparo las telas, aplicando un fondo de color amarillo, he elegido este color, para mantener la claridad de la tela. Traslado la retícula a la tela con un lápiz acuarelable, seguido planteo la imagen para poder analizar que partes debo pintar primero. Para mantener la claridad en las luces, aplico una capa de blanco sólo en las zonas donde la luz y los colores claros son más intensos. Y poco a poco voy trabajando cada capa como una veladura, integrando el fondo hasta alcanzar el color y el efecto deseado. Fue necesario trabajar con más de una tela a la vez ya que mientras esperaba a que la capa que aplicaba estuviera lo suficientemente secas para aplicar una nueva, trabajaba con la otra tela; sin embargo, hubo momentos en los que surgían dudas en como aplicar la siguiente capa y decidí comenzar algunos más pequeños que me sirvieran de apoyo. No obstante, en ocasiones fue inevitable equivocarme en la manera de aplicar la pintura, o en el tiempo de espera. “A veces hay que estropear un poquito el cuadro para poder terminarlo.” Eugène Delacroix. 36

REGISTRO FOTOGRÁFICO.

Óleo sobre tela. 24 X 27 cm. Óleo sobre tela. 19 X 27 cm. (h) Óleo sobre tela. 19 X 27 cm. (i) Óleo sobre tela. 19 X 27 cm. (j) Óleo sobre tela. 16 X 22 cm. (f)

(g)

(f)

(g)

(h)

(i)

(j)

37

38

OBRA PRESENTADA.

39

COMPOSICIÓN DE LA OBRA: +41° 22’ 49.71”, +2° 10’ 11.60” +41° 22’ 57.52”, +2° 10’ 36.36” +41° 23’ 3.49”, +2° 10’ 30.91” (3) +41° 23’ 0.19”, +2° 10’ 54.95” (4) +41° 22’ 54.89”, +2° 10’ 53.42” (5) +41° 23’ 3.36”, +2° 10’ 56.77” (6) +41° 22’ 49.38”, +2° 11’ 8.37” (7) +41° 22’ 51.32”, +2° 11’ 11.18” (1) (2)

40

(1)

(2)

(3)

(4)

(5)

(6)

(7)

“Te relacionas con el espacio; lo ves, caminas en él, o haces algo en él, y el espacio, gracias a su idiología abierta, tiene la capacidad de mostrarte lo que eres en él.” Olafur Eliassun.

42

+41° 22’ 57.52”, +2° 10’ 36.36”. 2011. Óleo sobre tela. 130 x 60 cms.

43

“Mis pinturas no tienen no están relacionadas con lo que se ve. Ellas tienen que ver con las cosas que son conocidas por la mente.” Agnes Martin.

44

+41° 23’ 3.49”, +2° 10’ 30.91”. 2012. Óleo sobre tela. 60 x 60 cms.

45

“Estoy interesado en la creación de un espacio mediante contrastes de colores en lugar de ser mediante una simple sombra de luz y oscuridad.” August Macke.

46

+41° 23’ 0.19”, +2° 10’ 54.95”. 2011. Óleo sobre tela. 130 x 60 cms.

47

“La oscuridad no existe, lo que llamamos oscuridad es la luz que no vemos.” Henri Barbusse.

48

+41° 22’ 54.89”, +2° 10’ 53.42”. 2012. Óleo sobre tela. 60 x 60 cms.

49

“Es bueno copiar lo que se ve, pero es mucho mejor pintar lo que queda en nuestra memoria después de ver algo. Se trata de una transformación en donde la imaginación y la memoria trabajar juntas. Sólo se puede reproducir algo que nos golpeó, es decir, sólo lo esencial.” Paul Cezane.

50

+41° 23’ 3.36”, +2° 10’ 56.77”. 2012. Óleo sobre tela. 130 x 60 cms.

51

No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc. Porque la pintura tiene vida propia. Jackson Pollock.

52

+41° 22’ 49.38”, +2° 11’ 8.37”. 2012. Óleo sobre tela. 60 x 60 cms.

53

“La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza; ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día, son dominadas por la razón.” Brassai.

54

+41° 22’ 51.32”, +2° 11’ 11.18”. 2012. Óleo sobre tela. 130 x 60 cms.

55

56

CONCLUSIÓN. “El pintor debe reflejarse en su propio trabajo, debe responder no con palabras, sino con pinturas.” Paul Cezanne

En éste último año, he profundizado en la pintura, en la fotografía y en las maneras de realizarlas, de resolverlas; me siento satisfecha por los resultados obtenidos y las experiencias adquiridas. Tengo gran interés por continuar mi formación y crecimiento profesional como arquitecta y artista plástica, empleando mis conocimientos de ambas formaciones en cada obra y diseño, considerando cada elemento contenido en el espacio, en mi entorno y pensando en cada imagen o diseño final como una concentración de elementos pictóricos y arquitectónicos, combinados y complementados entre si. Gracias, por estar, por acompañarme, por entenderme…

57

58

FUENTES DE INFORMACIÓN. BIBLIOGRAFÍA. Arpal Poblador, Jesús; Las ciudades: una visión histórica y sociológica. Editorial Montesinos. Barcelona, 1983. Berguer, John; Modos de ver. Editorial Gustavo Gili. Barcelona, 2001. Calvino, Italo; Las ciudades invisibles; pp. 56; Editorial Minotauro. México, 1991. Cirlot, Juan Eduardo; Arte del siglo XX: Pintura. Editorial Labor. Barcelona, 1972. Cirlot, Juan Eduardo; Diccionario de Símbolos. Editorial Labor. Barcelona, 1982. Cooper, J.C; Diccionario de símbolos. Editorial Gustavo Gili. Barcelona, 2002. Dondis, D.A; La Sintaxis de la Imagen. Editorial Gustavo Gili. Barcelona, 2000. Farthing, Stephen; ARTE: Toda la historia. Editorial Blume. Barcelona, 2010. Green, David; ¿Qué ha sido de la fotografía?. Editorial Gustavo Gili. Barcelona, 2007. Grosenick, Uta; Art Nou volumen 2; pp. 86-89, 158-161, 278-281.Taschen. Barcelona, 2011. Lynch, Kevin; La imagen de la ciudad. Editorial Gustavo Gili. México, 1984. Tanizaki, Junichiro; El elogio de la sombra. Ediciones Siruela, 2003. Tornquist, Jorrit; Color y Luz: Teoría y Practica. Editorial Gustavo Gili. Barcelona, 2008. Ruhrberg, Schneckenburger, Fricke, Honnef; Arte del siglo XX.Taschen. Barcelona, 2001. Saval, Lorenzo; Amado, María Jose; Escribir la luz: Fotografía y literarura. Revista Litoral. Málaga.

59

REFERENCIAS DE INTERNET:

http://www.arteespana.com/michelangelomerisicaravaggio.htm http://linea-e.com/2009/gerhard-richter-fotografias-pintadas/ http://www.cabdeburgos.com/es/exposiciones/?iddoc=242 http://www.galeria-metta.com/artistas/eduard_resbier.htm http://www.frasesypensamientos.com.ar/index.html http://www.arteespana.com/impresionismo.htm http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/estilos/ http://www.wordreference.com/sinonimos/ http://www.gerhard-richter.com/ http://www.rae.es/rae.html http://www.google.es/ 60