UB FAU - F.A.C. B - TM/N – LIC. MARCELO MARINO POP ART

de otras técnicas. En este sentido incorporan muchas técnicas

Se origina en Inglaterra a mediados de la década del

propias de los medios gráficos de comunicación. Exploran las

cincuenta pero se desarrolla en Estados Unidos durante las

posibilidades de las técnicas de impresión sobre todo de la

décadas del sesenta y setenta y continúa teniendo sus

serigrafía. En algunos de estos procesos gráficos no se

derivaciones en los años ochenta.

preocupan por la prolijidad extrema de los resultados, sino

Los artistas expresan una fascinación y una ironía simultáneas

que privilegian la falla, el error, el descuido y lo incorporan a

con respecto a los símbolos de opulencia norteamericanos.

la obra como signo de la manipulación del objeto que

Sus composiciones están llenas de alusiones al modo de vivir

representan. También el collage es otro de los recursos

americano. Operan con gran inteligencia y sofisticación de

empleados por el pop. La posibilidad de operar con

asociaciones, cosa que contrasta fuertemente con la banalidad

fragmentos de publicidad e imágenes aparecidos en diarios y

de los temas que eligen.

revistas es una cantera desde donde muchos artistas extraen

El Pop Art convierte la trivialidad de un tema en algo digno de

las ideas para sus trabajos.

tratamiento estético. Una de las formas para llegar a esta

En cuanto a sus objetos predilectos, utilizan todos los

monumentalización es a través de la ampliación y el cambio

símbolos de la producción y del consumo de masas, desde

de escala. Los artistas Pop juegan con los íconos de las

Mickey Mouse hasta el culto de los envases, pasando por

culturas de masas; se apropian y los manipulan con libertad y

imágenes de celebridades, políticos, superhéroes, mujeres

en muchos casos con total impunidad.

desnudas y cualquier cosa que sea cotidiana y de fácil

Si bien el arte Pop era banal, sus medios estéticos y plásticos

reconocimiento. La intención es reforzar el vínculo entre arte y

solían ser muy sofisticados. En muchas de sus obras se puede

vida cotidiana y hacerlo accesible a todo el mundo.

observar un profundo conocimiento del oficio de la pintura y

Hay algo en el Pop Art que lo hace tener una imagen absolutamente novedosa y esto es la preferencia, como en la publicidad, por los objetos nuevos, en oposición a lo viejo y a lo usado. En este sentido muchos artistas dejan al objeto en un estado natural casi sin manipularla. Esta fue la actitud de Andy Warhol con las cajas de jabón BRILLO por ejemplo. La única señal del artista era el gesto de apilar las cajas y nada más. Para Warhol, en este caso, la caja de jabón seguía siendo eso: una caja de jabón. No buscaba ningún sentido trascendente para su acción artística. El arte Pop da la idea de que todo puede reproducirse infinitamente hasta la anulación prácticamente del objeto. El sentido comercial detrás de esta forma de producción también fue muy importante. La memoria, la historia, la historia del arte, los valores y los sentimientos no tiene lugar en una obra de arte Pop. Se registran con la misma distancia emocional el retrato de Marylin Monroe y el estallido de la bomba atómica. El arte Pop en su vertiente más industrial anula los criterios tradicionales de calidad, unicidad y sobre todo de originalidad de la obra de arte. ALGUNOS REPRESENTANTES DEL POP ART:

David Hockney, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wesselman, Allen Jones, James Rosenquist, Mel Ramos. Algunos precursores: Robert Rauschemberg, Jasper Johns y Richard Hamilton. OP ART Se trata de un movimiento en cierto sentido prácticamente opuesto al Pop en tanto sus imágenes son en su mayoría abstractas y no hacen referencia a ningún objeto de lo cotidiano. Las obras de Art Óptico, como su nombre lo indica, plantean un desafío a la percepción visual. Acuden a efectos visuales que son el tema de las obras. De esta manera trabajan con la interacción de líneas y formas geométricas en blanco y negros muchos artistas y en color otros. Juegan con la alternancia de negativos y positivos en la búsqueda de la puesta en cuestión del ordenamiento figura/fondo. Trabajan con formas vacilantes, ambiguas y de múltiple lectura. También persiguen la obtención de efectos de movimiento y vibración visual. La obra de arte Op nos plantea dudas con

respecto a la fiabilidad de nuestra experiencia perceptual

acercamos. La imagen se abre o se condensa dependiendo del

total.

ángulo de nuestra visión. También la luz incide en este

Los artistas del Op trabajan frecuentemente con un espacio

proceso.

abierto, plano y multifocal. Se trata de un espacio sin un

Lo que todos los artistas Op cinéticos tienen en común es la

centro compositivo o perspéctico. Estas composiciones se

renuncia a todo punto de vista fijado por el espectador. Esto

denominan “all-over” y producen una irritación o inquietud

obliga al ojo a una percepción siempre nueva. De esta forma,

visual

el acontecimiento óptico es el objeto de estas obras.

gracias

a

los

continuos

cambios

de

ritmo,

la

condensación o relajamiento de las lineas, y el trabajo sobre las tensiones y las direcciones. La mayoría de las obras de arte Op tienen su fundamento en relaciones geométricas y matemáticas muy precisas. Algunas se inspiran en redes y ondas de todo tipos, desde mapas isobáricos de la Tierra hasta las tramas y patrones de muchos procesos de impresión. También en redes ferroviarias, líneas de fuerza y circuitos eléctricos. Una consecuencia lógica del arte Op fue el arte cinético que nace cuando a estas obras de arte Op se les pone movimiento. Esto se logra mediante procesos mecánicos en la misma obra o mediante estrategias para que el espectador recorra la obra e interactúe con ella logrando los efectos visuales gracias a su propio movimiento. Otras obras sencillamente aprovechan las corrientes de aire. En estas obras las formas cambian a medida que nos alejamos y nos

ALGUNOS ARTISTAS REPRESENTANTES DEL OP Y DE SU VARIANTE CINÉTICA:

Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz-Diez (Venezuela), Lygia Clark, Judith Lauand y Hélio Oticica (Brasil), Carmen Herrera (Cuba) y Tony Bechara (Puerto Rico), entre otros. Los argentinos están ampliamente representados con Gyula Kosice, Julio Le Parc, Eduardo Mac Entyre, Martha Boto, Horacio García Rossi, Norberto Gómez, Ana Sacerdote, Luis Tomasello, Miguel Ángel Vidal. (americanos) Josef Albers, Frank Stella y Victor Vasarely. Bridget Riley, Yaacov Agam. STANGOS, NIKOS, CONCEPTOS DE ARTE MODERNO. BARCELONA. ALIANZA, 1997. STEPHEN LITTLE, ISMOS – PARA ENTENDER EL ARTE, ED. TURNER, MADRID, 2004