IFDC - Villa Regina Prof: SALINA; Gustavo

Estética e Historia del Arte 2do Cuatrimestre

Las vanguardias Durante las primeras décadas del siglo XX, los artistas se consagraron a la búsqueda incesante de nuevos caminos creativos. Los movimientos denominados vanguardistas estaban formados por grupos de artistas que querían cambiarlo todo: lo primero, la forma de ver y representar la realidad, pero también las maneras de vivir y de afrontar el compromiso social. Gracias a sus innovaciones formales la pintura experimentó tal revolución que dejó de ser el fiel reflejo del mundo visible. En este sentido los vanguardismos más notables fueron el Fauvismo, el Cubismo, el Expresionismo, el Futurismo, el Dadaísmo y el Surrealismo. El Fauvismo Con el término de Fauvismo se designa a un grupo de pintores franceses que recibieron el apelativo de “fauves” (fieras, como un insulto) por la forma de realizar sus pinturas. Esta mayormente era realizada a base de colores puros y estridentes, que aplicaban con gruesos trazos para nada minuciosos ni detallistas. ¿Qué propusieron como novedad? En sus obras utilizaban con extraordinaria libertad colores contrastantes (por ejemplo el rojo y el verde, el azul y el naranja), aplicándolos tanto a las figuras como a los paisajes, sin tener en cuenta sus referentes reales pero buscando mayor expresividad; de este modo pintan árboles rojos, mares amarillos, rostros verdes… Artistas destacados. Henri MATISSE, George ROUAULT Obra desatacada:

“Madame Matisse” 1905 Henri MATISSE- 36 años Técnica: Óleo sobre lienzo. Medidas: 40.6 x 32.4 cm. Museo: Statens Museum Fur Kunst. Copenhagen El tema de la pintura es un rostro real pero la imitación de la realidad no interesa. Hay una preocupación por el protagonismo de la mancha de color, muy empastada y de gran fuerza y violencia, buscando nada más que su interrelación y la armonía cromática, con predomio de dos tonos complementarios: el rojo y el verde.

El Cubismo El cubismo fue un movimiento artístico liderado por Pablo Picasso que redujo las formas a meros esquemas geométricos; al principio fueron cubos, de ahí su nombre. ¿Qué propusieron como novedad? Estos pintores quisieron representar los objetos no tal y como lo ve el ojo desde un punto de vista determinado, sino según la mente los imagina, es decir, mirando dentro de ellos y representando simultáneamente sus distintos aspectos. De este modo dejó de ser fiel reflejo de la realidad y abrió el camino hacia una nueva senda: la abstracción. Artistas destacados. Pablo PICASSO, George BRAQUE, Juan GRIS. Obra desatacada:

“Guernica” 1937 Pablo Picasso Materiales: Témpera sobre lienzo Medidas: 782 x 354 cm Museo: Reina Sofía de Madrid

Picasso recibió el encargo del Gobierno republicano de realizar un cuadro para exhibirse en el Pabellón oficial español en la Exposición Internacional de París de 1937. El tema lo eligió él libremente al informarse de la naturaleza y magnitud de la tragedia de Guernica (la matanza de civiles mediante un bombardeo de un poblado español, realizado por la aviación alemana nazi para probar el alcance de sus armas). Se puso de inmediato a trabajar en el monumental cuadro a un ritmo febril que terminó en poco más de un mes, durante el cual realizó numerosos bocetos de figuras y composiciones los que suman más de 600 y están documentados con fecha. Para su realización utiliza figuras que son símbolos de la cultura mediterránea y los presenta rotos, quebrados, desgarrados. También pretende impactar al espectador generando una imagen caótica y llena de dramatismo la que se entiende como producto de la agresión militar desmedida e injustificada. La gama de colores que utiliza es acromática (blancos, grises y negros).

Surrealismo Este movimiento se gesta en París en la década de los años veinte y cuyo iniciador y animador principal fue el escritor francés André BRETÓN. Los surrealistas buscan su inspiración en la dimensión psíquica más profunda del hombre: su objetivo es liberar los impulsos reprimidos en el inconsciente, de modo que la inspiración pueda fluir sin frenos. ¿Qué propusieron como novedad? Se promueven técnicas espontáneas como la “pintura automática”, el “collage” y el “frottage”. La continua indagación acerca de los procesos se reflejó también en las imágenes pictóricas que muestran escenas oníricas o situaciones imposibles fuera de toda lógica de la realidad. Con el fin de trasladar al lienzo todo lo que hasta aquel momento había parecido absurdo e imposible, estos artistas utilizaron una técnica pictórica muy precisa, cuya finalidad era otorgar un carácter casi tangible a imágenes que pertenecían a la dimensión de mental y no a lo real. Artistas destacados. Los artistas más reconocidos fueron el alemán Max ERNST, el belga René MAGRITTE y los españoles Joan MIRÓ y Salvador DALÍ. Obra desatacada: Autor: Salvador DALÍ Título: La persistencia de la memoria. (1931) Técnica: Óleo sobre tela. Medidas: 24.1 x 33 cm. The Museum of Modern Arts, New York

Otros ejemplos:

René MAGRITTE

Max Ernst

DADAISMO El movimiento Dadá, formado por un grupo de artistas opuestos a la guerra, nació en 1916 en Zurich, su intención no era renovar el arte de su época, sino acabar con él. El poeta Tristán Tzara acuño el término Dadá para definir a una forma de protesta o acción contraria a los valores establecidos los dadaístas, que querían provocar, no ser comprendidos, abandonaron los pinceles tradicionales y crearon sus obras directamente con madera, hierro, objetos, fragmentos, trapos y fotomontajes. ¿Qué propusieron como novedad? El dadaísmo, en su afán de mofarse del arte tradicional, contempla a los objetos comunes fuera de su contexto habitual y los eleva a la categoría de arte. En 1913, Marcel DUCHAMP presentó su obra “Rueda de bicicleta”, que consistía en precisamente una rueda de bicicleta fijada por la horquilla a una banqueta de cocina. Más que una obra en sí, era toda una provocación a la crítica y a los defensores del arte tradicional. Artistas destacados. Los dadaístas más reconocidos fueron Hans ARP, Marcel DUCHAMP, y Man RAY. Obra desatacada: Título: Rueda de Bicicleta. (1913) Técnica: Ensamblado de objetos industriales. Medidas: 120 x 65 x 30 cm. Réplica. Colección privada.

Otras obras

Manifiesto DADÁ

Man Ray

FUTURISMO El iniciador y promotor del Futurismo fue el poeta italiano Filippo MARINETTI, quien en 1909 lanzó en París un manifiesto para la renovación total de la cultura y el arte. En contraste con los modelos tradicionales, los artistas futuristas ensalzaron el progreso, consideraron símbolos de la civilización a las máquinas y a la velocidad (automóviles, aeroplanos, etc.) y abogaron así por una nueva forma de expresión artística, regida por los principios de la llamada “civilización de las máquinas”. ¿Qué propusieron como novedad? Tanto en la pintura como en la escultura trataron por todo los medios de representar el movimiento, descomponiendo las formas en múltiples planos, y reclamaron en sus manifiestos un cambio de mentalidad y comportamiento humanos. Artistas destacados. Los futuristas más destacados fueron Unberto BOCCIONI, Giacomo BALLA, Gino SEVERINI y Carlo CARRÁ. Obra desatacada: Título: Formas únicas de continuidad en el espacio” (1913) Autor: Umberto BOCCIONI. Técnica: Fundición en bronce. Medidas: 122 x 340 x 92 cm.

Otros destacados:

DUCHAMP

BALLA

CARRÁ

EXPRESIONISMO El Expresionismo fue el resultado de la profunda crisis espiritual que entre 1905 y la primer Guerra Mundial afectó a Alemania. Así los pintores expresionistas reflejaron en sus obras el malestar existencial producido por los horrores de la guerra y por la crisis de los ideales sociales. ¿Qué propusieron como novedad? Las imágenes que producían en sus cuadros interpretaron esos sentimientos a través de la deformación de las figuras y el uso de colores que daban lugar a violentos contrastes. La belleza humana está prácticamente ausente de de la pintura expresionista; son imágenes corrosivas que manifiestan un desasosiego interior. Estos artistas pretenden plasmar en sus obras sentimientos humanos básicos como el miedo, el horror o la muerte. Artistas destacados. Ernest Kirchner, Eduard MUNCH, Otto DIX, Oscar KOKOSCHKA. Obra destacada El grito (1893) Autor: Eduard MUNCH Técnica: Oleo, tempera y pastel sobre carton presado. Medidas: 91 x 74 cm. Galeria Nacional. Oslo. Noruega.

Otros artistas destacados

DIX

KOKOSCHKA

ARTE CINÉTICO / OP ART Se define así a la corriente artística que desde la década del ’60 propone que sus obras tengan o generen la ilusión de movimiento. Tiene como antecedente al Movimiento Futurista de 1910. El artista óptico no busca plasmar sentimientos en su obra. ¿Qué propusieron como novedad? En pintura se utilizan los más variados “trucos opticos e ilusorios” para generar vibraciones, difuminaciòn y parpadeos. Utiliza como recurso a las líneas paralelas tanto sinuosas como rectas y las figuras geométricas simples, entramados, combinaciones o formaciones complejas. En muchos casos el espectador se mueve para captar la esencia del movimiento óptico. En escultura se vale de diversos materiales, mecanismos y tecnología para provocar el movimiento. Utilizan el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas. Artistas destacados. Alexander CALDER (EEUU), Jesús SOTO (Venezuela), Julio Le PARC (Argentina). Obra desatacada: Sin título (Móvil) (1959) Alexander Calder Materiales: Chapa metálica, varilla y pintura Museo: The JP Morgan Chase Art Collection

Otros ejemplos pictòricos

ARTE POP Como reacción al estilo: expresionismo abstracto, el cual fue gestado en Estados Unidos a partir de los años ’40, visto tan alejado de la realidad cotidiana surgió en los años ’50 el arte POP (abreviatura de Arte popular). ¿Qué propusieron como novedad? Los artistas estadounidenses incorporaron a su creación artística imágenes de la sociedad de consumo y de los medios de comunicación de masas: botellas de gaseosas, etiquetas comerciales, carteles publicitarios, historietas, etc. Artistas destacados. Andy Warhol, Roy Lichtensein. Obra desatacada: Título: “Orange Marilyn” (1962) Andy WARHOL Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 101,5 x 101,5 cm

El tema es un retrato de Marilyn Monroe, estrella de cinematográfía de EEUU e ícono sexual de los años 50. El tratamiento realizado con “colores plenos” remite a imágenes de publicaciones gráficas tal como eran impresas en la década del ’50.

Otros ejemplos:

Andy WARHOL

Roy LICHTENSEIN

ARTE CONCEPTUAL Entre las tendencias artísticas mas significativas de los años sesenta y setenta se destacan el “arte conceptual” y el “minimalismo”. El arte conceptual implicó una revisión total del proceso creativo: se concede mayor importancia al concepto, es decir a la idea que sustenta la obra, que a la realización artística del objeto en sí. Ya no se pude hablar de “Pintura” o “Escultura” como categorías tradicionales sino de “Proyectos Artìsticos” llevados a cabo por grupos de especialistas y coordinados por el artista. ¿Qué propusieron como novedad? El espectador ya no es un consumidor pasivo de las propuestas artísticas sino que participa activamente “interpretando” la obra a partir de lo que el artista propone. Esta interpretación será realizada en función de los conocimientos y el bagaje cultural que el espectador tenga al enfrentarse con la obra. Para presentar esa idea se valieron de métodos inusuales, diversos y efímeros: videos, fotografías, documentos escritos, grabaciones…Los juegos lingüisticos y el “land art” (arte realizado con la tierra, su geografía, paisaje o accidentes como elemento plástico) fueron sus manifestaciones más características. En cuanto al “minimalismo”, que se centra en la escultura, hizo de la “simplicidad” y el “ordenamiento” sus máximas prioridades estéticas. Artistas destacados. Christo y Jeanne-Claude . “Land art” Intervención sobre paisajes y edificios, “empaquetándolos”. Dan Flavin. “Minimalista” . Trabajó con luces fluorescentes generando “ambientes”. Richard Serra. “Minimalista”. Trabaja con grandes volúmenes generando “espacios” Obra desatacada: Título: Una y Tres Sillas. 1965 Joseph Kosuth Recursos: -Silla de madera, -Foto ampliada de la silla en blanco y negro, -Lámina con una descripción escrita de la misma siilla.

Otros ejemplos:

SERRA

FLAVIN

CHRISTO

ARTE PROCESUAL: ACCIONISMO Esta tendencia toma fuerza al unísono en Europa y en EEUU a fines de la década del sesenta. El arte corporal hace foco en lo procesual y en la desmaterilización de la obra de arte. Cabe destacar como antecedentes las “acciones” llevadas a cabo unos años antes por Yves KLEIN y Piero MANZONI quienes consideraban que cualquier “huella” física dejada por el ser humano podría tener valor artístico. ¿Qué propusieron como novedad? Los accionistas consideran al cuerpo como un lugar y un medio de expresión artística. Asimismo, al llevar la indagación corporal a su límite máximo amplían la frontera del arte hacia territorios lúdicos, religiosos, antropológicos y/o sociológicos. Artistas destacados ABRAMOVIC/ ULAY (Serbia/Alemania), Hermann NITSCH (Viena), Chris BURDEN (EEUU), GILBERT & GEORGE (EEUU), ORLAN

Obra destacada TÍTULO: Posición de lectura para quemadura de tercer grado (1970) AUTOR: OPPENHEIM Dennis, (EEUU), TÉCNICA: Body Art / Accionismo.

Otras obras

ABRAMOVIC / URLAY

GILBERT & GEORGE

Extractos y Bibliografía : AAVV. (2005) Futura multimedia. La enciclopedia del conocimiento. Volumen: Historia del Arte. Estilos y Corrientes artísticas. Editorial Sol 90 GUASCH; Ana María (2000) El Arte Último del Siglo XX. Del posminimalismo al lo multicultural. Alianza Editorial. Madrid.